Bershka regresa una temporada más con un nuevo drop de ART SERIES, la colección cápsula que introduce algunas de las obras más icónicas del arte clásico en siluetas del streetwear contemporáneo.

En esta nueva entrega de ART SERIES las obras que aparecen en las diferentes prendas y accesorios de la colección son el retrato de Lisa Gherardini, más conocido como La Gioconda o Monna Lisa, del taller de Leonardo da Vinci y ubicado en el Museo del Prado (1507 1516), dos de las joyas del madrileño Museo del Prado: El trípitico del Jardín de las delicias (1490 1500), y Fantasía Moral (sXV) ambas del Bosco; y El nacimiento de Venus del pintor español Antonio Gómez Cros (1860).

Algunos fragmentos y referencias en forma de texto de estas obras se estampan tanto en formato posicional como all over print en hoodies con y sin capucha, camisetas de manga corta, una gorra y hasta dos modelos de calcetines.

Las prendas de este nuevo drop ART SERIES de Bershka ya están disponibles en www.bershka.com y en tiendas físicas seleccionadas.

Elisenda Julibert (Barcelona, 1974) estudió Filosofía y trabaja desde hace más de dos décadas en editoriales. Ha traducido del francés a George Sand, Guy de Maupassant, Marcel Proust, Albert Camus y Claude Lévi-Strauss, y del inglés a Sylvia Plath, Zygmunt Bauman o Simon Critchley. ¡Todo un hito! Actualmente es editora de mesa y esporádicamente escribe en la revista ctxt. De las muchas criaturas fabulosas que han poblado la literatura y el cine, la mujer fatal es una de las más recurrentes y proteicas de los dos últimos siglos, si bien forma parte de una antigua estirpe que se remonta hasta la inconstante Helena clásica que motivó la guerra de Troya o la temeraria Eva bíblica que condenó a la humanidad entera. A través del análisis de personajes literarios—de Carmen a Lolita—o cinematográficos—la Madeleine de Vértigo y la Conchita de Ese oscuro objeto del deseo—, la autora examina el mito de la temible femme fatale partiendo de un cambio de perspectiva: ¿y si, más que atestiguar el carácter funesto de ciertas mujeres, el estereotipo delatase una representación del deseo masculino singularmente aciaga? Como en una trama de intriga, este libro invita al lector a seguir la pista de los hombres que hay detrás de esas mujeres míticas, a las que la tradición ha señalado quizá tan sólo para desviar la atención y ocultar las pruebas más cruciales. La autora conversa con nosotros y nos traza en pocas frases los porqués de su obra y la anatomía del hombre fatal (también la mujer).

Elisenda Julibert, autora del ensayo

¿Como es un hombre fatal hoy?

Ayer y hoy un hombre fatal es el que inventa mujeres fatales para justificar su atormentada forma de desear.

¿A quién recomienda este libro?

A cualquier persona a la que le interese la literatura amorosa y disfrute de darle un par de vueltas a las cosas.

¿Se podría escribir hoy Lolita? 

Creo que sí, me parece una obra que sigue resultando muy crítica con algunos prejuicios que persisten en la actualidad, como el de que el amor cuanto más demencial y trágico más auténtico es.

¿Cuanto tiempo le ha llevado preparar este ensayo?

Tuve la idea hacia el 2010, y le fui dando vueltas, rumiándola, hasta que en 2016 me puse a escribir, y terminé en 2020.

¿Qué es una mujer fatal?

Supuestamente una mujer que usa su atractivo para atormentar cruelmente a quien la desea, pero como comprobamos en la literatura siempre es el chivo expiatorio de personajes masculinos que cometen auténticas atrocidades en nombre del amor.

¿En qué relatos una mujer también condena a un hombre?

Hasta donde mi conocimiento alcanza hay relatos femeninos de venganza, pero de momento no existe en la tradición la figura del «hombre fatal», es decir, relatos que condenen a un personaje masculino por el hecho de ser deseable pero no corresponder al interés de una mujer.

¿Qué le llevó a escribir este libro?

Mi interés por las distintas concepciones del amor en nuestra tradición y algunas experiencias personales.

¿Pueden ser peligrosos los mitos?

En el libro cito a Roland Barthes, quien en sus Mitologías escribe que: «La función del mito es otorgar a la intención histórica un fundamento natural, dar eternidad a la contingencia», y en ese sentido los mitos son efectivamente cárceles, o trampas, pues tratan de imponer una perspectiva del mundo como si fuera la única posible.

¿Cual será su siguiente libro?

La verdad es que no lo sé, he tardado mucho en escribir el primero, soy lenta, como Orlando de Woolf, el personaje que da por concluido su libro al cabo de 300 años.

Portada del libro

«¿Qué ocurriría si lo que el tópico de la mujer fatal atestigua fuese, más que un determinado comportamiento femenino, una singular (y tradicionalmente masculina) representación del deseo? La supuesta fatalidad de todas esas mujeres imaginarias cuya cualidad específica parece ser destrozar a quienes las aman no sería entonces inherente a ellas, sino el resultado inevitable de una determinada concepción del deseo, una de cuyas características es la de convertir a su objeto, la persona a la que se dice amar, en fetiche y, al fin, fatalmente, en cadáver».

«Como si se tratara de una especie de criatura fabulosa y mítica, lo único que sabemos de la mujer fatal es lo que nos cuentan algunos testigos privilegiados—sus desdichadas víctimas—que lo han perdido todo menos la capacidad de sentir (¡y cómo!) y de narrar».

Andrea Lledó, natural de Palamós (Girona) es una de las consultoras de arte españolas con mas éxito en el mercado internacional secundario, ese que opera con obras ya en poder de coleccionistas y se encarga de todo tipo de transacciones entre particulares. Andrea trabaja con un pie en E.E.U.U. ( empezó en Los Angeles y ahora en Nueva York ) y otro en París y ahora quiere tener también su carpeta del clientes en Barcelona y Madrid para aportar su granito de arena al mercado español, siempre necesitado de savia nueva. Y se puede decir que ella puede aportar todo su know how y sus contactos a los amantes del arte y coleccionistas de nuestro país gracias a su sólido recorrido internacional cimentado en tres de las grandes capitales mundiales del arte como son Los Angeles, Nueva York y París. “ EEUU es un mercado más comprador y París más vendedor así que estar entre ambos me da bastante juego “. Tras triunfar en EEUU y París, esta joven consultora de arte quiere ser profeta en su tierra y operar también en el mercado español para aportar su experiencia la- brada en la compraventa de obras de artistas estrella como Picasso, Miró o Warhol y nuevos valores como Johnson, Nara o Pecis, animando el sector con su impronta fresca y audaz.

Pese a su juventud Andrea pisa muy fuerte entre las bambalinas de los grandes coleccionistas y ha intervenido con éxito en ventas millonarias de obras de artistas de fama mundial como Picasso, Miró, Warhol, Rashid Johnson o Yoshitomo Nara, gracias a su sentido de la discreción, la oportunidad y sus buenas relaciones.

En España, donde opera desde este mes de septiembre, le gustaría refrescar un poco el mercado secundario, algo acomodado a las grandes figuras del siglo XX, introduciendo artistas establecidos de las nuevas generaciones como Rashid Johnson, Hilary Pecis, Emily Mae Smith, etc…

¿Como nace su vocación al arte?

Creo que es algo que tiene que nacer en ti, de  tu propia  pasión . Desde muy pequeña siempre me sentí atraída por el mundo del arte, recuerdo que a mis diez años en la escuela nos hablaron de Velázquez y tuve que hacer un proyecto sobre las Meninas y la verdad me obsesioné un poco con todos los personajes que aparecían en el cuadro y los detalles en si de la pieza. En ese momento entendí que realmente me fascinaba el mundo del arte y todo lo que lo rodea. 

Dígame sus mayores referentes

Amy Cappellazzo , que es una de las mujeres mas poderosas en el mundo del arte al día de hoy y Gentrude Vanderbilt Whitney l que cambio el mundo del arte sin quererlo ya que antiguamente las mujeres eran las musas pero no eran conocidas como coleccionistas de arte y no tenian titulos importantes en las instituciones. Mas bien el mundo del arte era conocido como ‘ The small gentleman club» según ella decía. Aunque en 1907 convirtió su estudio en una galería que con el paso de los años se amplio y ahora ese pequeña galeria es conocida como el Museo Whitney el cual tiene mas de 600 piezas y es uno de los museos mas importantes del mundo. 

¿Tiene miedo a la falsificación?

Por supuesto es un miedo constante sobretodo con las piezas » Old Masters» el cual es un termino utilizado para artistas Europeos eminentes desde aproximadamente el 1300 hasta el 1800 en otras palabras incluye artistas desde el renacimiento hasta el movimiento romántico. 

¿Qué pieza compraría si pudiera? 

Mi sueño es poder comprar un Matisse o  un Degas

¿Cuándo es el mejor momento para vender una obra?

 En mi opinión si hablamos de obras de artistas muy reconocidos e importantes. Siempre recomiendo esperar a » The New York Marquee Sales» porque estas subastas son las que cambian el mercado en la primera semana de Noviembre hasta el 18 de noviembre de cada año. La mas importante es la de Nueva York la cual el año pasado asistí con Sothebys y se subastaron piezas de Rene Magritte, Pablo Picasso, Alexander Calder, Frida Kahlo, entre otros. Aunque realmente durante todo el año hay clientes que buscan piezas y es bueno vender si existe el interés de un comprador serio.

¿Le afectan las leyes de protección del patrimonio español que impide la venta de determinadas obras fuera del territorio nacional?

Si, hay muchas ventas las cuales no se han podido realizar porque las piezas no pueden salir del pais. 

Venus de Yves Klein

¿Que es ser consultora de arte?

Me encanta esta pregunta porque muchas personas no entienden nuestro oficio o creen que es un trabajo fácil el cual no es verdad. Es estar las 24/7 disponible, tener que despertar en medio la noche porque tienes que hablar con un cliente que vive en otro continente por ejemplo en Asia. Tener que viajar a ferias de arte en todo el mundo durante 1 semana o mas y dejar un poco de lado tu vida personal por tu trabajo lo cual a largo plazo puede afectarte pero por eso dicen que es mejor buscar una pareja dentro del mundo del arte haha. Pero en definitiva lo que hacemos es ayudar a nuestros clientes a asesorarlos en qué pueden comprar para que a largo plazo sea una buena inversión. La mayoría de los clientes que compran fine art lo hacen por pasión y porque saben que es una buena inversión. Nosotros como consultores de arte es una obligación el levantarte cada mañana y consultar el mercado del arte en subastas y otras plataformas. Para asi poder estar al día ya que todo puedo cambiar de la noche a la mañana. 

¿Qué sueños tiene?

Mis sueño es poder ser un ejemplo a seguir, creo que he logrado mucho en poco tiempo con mucha perseverancia y dejando el orgullo y el medio a un lado. Me gustaría que la siguiente generación pueda sentirse cómoda en probar y no tener miedo a caer y levantarse. También es mi sueño el comprar una villa en un pueblo italiano o Frances en el campo en medio de la nada y crear una fundación y residencia para artistas emergentes, un lugar donde pueden crear y dejarse llevar sin el estrés de las grandes ciudades y el día a día. 

¿Porque invertir en arte?

El arte es una clase de activo única, cuando los precios de las acciones caen el arte tiende a mantener su valor. Para los inversores que buscan preservar su riqueza durante una economía volátil, el arte también puede actuar como cobertura contra la inflación.

¿Para qué sirve el arte?

Arte es cultura, muchas piezas explican lo que uno no puede explicar con palabras, es patrimonio cultural para poder pasarlo de generación en generación, es historia. Es el lenguaje universal, al contemplar una pieza puedes sentir felicidad, tristeza, miedo, tantos sentimientos encontrados que otra persona la cual no conoces de nada puede sentir exactamente lo mismo que tu sentiste, el arte nos conecta. 

Art Consultant
New York -Paris-Barcelona

www.lledoadvisory.com

La firma de moda CHANEL y el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid han inauguraron la exposición Picasso/Chanel, que se prolongará hasta el 15 de enero de 2023. El ministro de Cultura, Miquel Iceta, fue recibido por la baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza antes de visitar la exposición en presencia de su directora artística y comisaria, Paula Luengo, directora del Departamento de Exposiciones del Museo. En el acto estuvieron presentes varios amigos de la Maison, como el director Pedro Almodóvar, las actrices Rossy de Palma, Greta Fernández, Olivia Baglivi o la coreógrafa Blanca Li.

Copyright by Cecilia Bayonas

Organizada con el apoyo de la Comunidad de Madrid, la Maison CHANEL, Telefónica y el Musée National Picasso-Paris — en el marco de la comisión nacional para la conmemoración del cincuentenario de la muerte de Pablo Picasso — esta exposición explora la relación entre dos de los mayores creadores del siglo XX. Se dice que Pablo Picasso y Gabrielle Chanel se conocieron por primera vez en 1917 en el estreno del ballet Parade, a través de Misia Sert y Jean Cocteau, dos amigos íntimos de la diseñadora. Gracias a ellos, Gabrielle Chanel se adentra en el ambiente artístico parisino, del que Picasso ya era una figura prominente. Juntos colaboraron con Jean Cocteau en la adaptación de la tragedia de Sófocles Antígona (1922), para la que Gabrielle Chanel diseñó el vestuario. Dos años más tarde, volvieron a reunirse para el ballet Le Train Bleu, para el que creó conjuntos contemporáneos que podrían haberse llevado en la vida real, una revolución en el rígido mundo del ballet.

A través de cuatro secciones cronológicas, de 1908 a 1925, y de una excepcional selección de modelos de Alta Costura, pinturas, dibujos y otros objetos cedidos por prestigiosas instituciones internacionales, así como por el Patrimonio de CHANEL, esta exposición entabla un diálogo único entre las obras de Pablo Picasso y las creaciones de Gabrielle Chanel.

Imágenes: Copyright by Uxío da Val

Blanca Li

Ana Rujas

Juana Acosta

Pol Monen

Álex Villazan

Pedro Almodóvar

Carmen Cervera

Luna Lionne

Olivia Laglivi

Greta Fernández

Juana Acosta y Ana Rujas

Paco León

Greta Fernández

Alba Galocha

Saphie Wells

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta una exposición que explora la relación de dos grandes creadores del siglo XX: Pablo Picasso y Gabrielle Chanel, volviendo a reunir arte y moda en un nuevo proyecto expositivo. Picasso y Chanel colaboraron profesionalmente en dos ocasiones, ambas con Jean Cocteau: en Antígona (1922) y en el ballet de Serguéi Diághilev El tren azul (Le Train Bleu, 1924). Se habían conocido en la primavera de 1917, seguramente a través del propio Cocteau o de Misia Sert. La diseñadora entabló con ambos una larga y duradera amistad que la introduciría en el círculo del pintor español. A partir de entonces, Chanel frecuentará al matrimonio de Olga y Pablo Picasso, coincidiendo con la activa participación del artista en los Ballets Rusos de Diághilev. La creadora llegó a estar muy relacionada con el mundo artístico e intelectual del París de la época, hasta el punto de afirmar: “son los artistas los que me han enseñado el rigor”. (*)

La exposición Picasso/Chanel está comisariada por Paula Luengo, conservadora y responsable del Área de Exposiciones del museo, y cuenta con el apoyo de la Comunidad de Madrid y de CHANEL, así como de Telefónica/ACE, patrocinadores de la Celebración Picasso 1973/2023. La muestra reúne una excepcional selección de vestidos, óleos, dibujos y otras piezas procedentes de museos y colecciones americanos y europeos, entre los que destacan por su generosa colaboración Almine y Bernard Ruiz- Picasso, Patrimoine de CHANEL y el Musée national Picasso de París.

(*) Coco Chanel. Un parfum de mystère, Isabelle Fiemeyer, París 1999. Éditions Payot & Rivages “La plaque d’ébène”, p.146

Del 11 de octubre de 2022 al 15 de enero de 2023

Comisaria: Paula Luengo

En Madrid, en la sala Recoletos arranca la programación de otoño a partir del 23 de septiembre con la muestra Julio Gonzalez, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura y la exposición de la fotógrafa Ilse Bing.

Julio González, Pablo Picasso y la desmaterialización de la escultura, realiza una revisión de la colaboración entre Julio González y Pablo Picasso durante el período 1928-1932, cuando Picasso requiere la ayuda técnica de su amigo Julio González para realizar el proyecto de un monumento funerario a Guillaume Apollinaire. Tradicionalmente, este trabajo conjunto ha sido considerado como el momento en el que se produce la «invención» de la escultura en hierro y, por lo tanto, la introducción de la abstracción en el territorio escultórico. La exposición recoge por tanto uno de los hitos fundamentales del arte del siglo XX: el desarrollo de un nuevo tipo de escultura en la que la masa y volumen son sustituidos por composiciones de planos abiertos, nuevos materiales y técnicas y la irrupción del vacío como nuevo elemento definitorio.

La muestra plantea, por primera vez, cómo este hecho no fue algo aislado y puntual sino fruto de una tendencia hacia la transparencia y desmaterialización escultórica que afectó en mayor o menor medida a distintos artistas en el París de los años veinte y treinta; es decir, como un desarrollo fruto del trabajo de creadores que colaboran entre sí, que se inspiran unos en otros y que buscan asimismo su propia línea creativa.

Hay además una circunstancia excepcional que convierte esta exposición en un sentido homenaje a Tomás Llorens, ya que se trata del último gran proyecto de este emblemático historiador del arte, fallecido en 2021. Comisariada junto a su hijo Boye, el proyecto culmina una línea de investigación a la que dedicó una parte central de su trabajo.

La exposición está organizada por Fundación MAPFRE con la colaboración del Musée national Picasso-Paris, la Comisión Nacional española para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte del artista español Pablo Picasso y la González Administration.

La muestra forma parte del programa oficial de la Celebración Picasso 1973-2023 que cuenta con Telefónica como empresa colaboradora en España.

Por otro lado, la Fundación presentará un completo recorrido por la producción fotográfica de Ilse Bing, que discurre entre 1929 y finales de la década de los años cincuenta. Un legado que, disperso entre numerosas colecciones europeas y norteamericanas, se reúne y se da a conocer por primera vez en España. La muestra está comisariada por Juan Vicente Aliaga.

La trayectoria artística de la fotógrafa alemana está marcada en parte por las ciudades en las que vivió, el Fráncfòrt anterior a los años treinta, el París de esa década y el Nueva York de la posguerra, donde fundamentalmente experimentó su condición de exiliada. Sin embargo, no resulta posible adscribir su trabajo a ninguna de las corrientes fotográficas o culturales que conoció, aunque se nutre de todas ellas. Su obra está influida por Das Neue Sehen (la Nueva Visión) de Moholy-Nagy, por la Bauhaus de la República de Weimar y por André Kertész, así como por el surrealismo de Man Ray.

Ilse Bing perteneció a una generación de fotógrafas que, por primera vez, conseguía cierta visibilidad en el mundo de las artes y la cultura, entre ellas Germaine Krull, Florence Henri, Laure Albin-Guillot, Madame d’Ora, Berenice Abbott —a quien Fundación MAPFRE dedicó una exposición en 2019—, Nora Dumas y Gisèle Freund

Pomellato renueva su especial vínculo con Venecia patrocinando la restauración del púlpito de la Basílica de San Marcos, llevada a cabo por la asociación internacional sin ánimo de lucro Venetian Heritage.

Este importante proyecto de restauración se ha celebrado con la creación de una colección cápsula de anillos Iconica, que rinden tributo al extraordinario legado artístico de Venecia. Las dos versiones de los anillos sólo pueden encontrarse en la boutique Pomellato de Venecia, situada en el 2031 Calle Larga XXII Marzo.

El púlpito de la basílica, realizado en piedra de pórfido roja, sufrió graves daños durante la marea alta de 2019. La restauración se inició en marzo de 2022 y terminará a finales de año. La simplicidad intemporal de los anillos Iconica proporciona la base perfecta para que Pomellato rinda homenaje a la rica tradición artística de Venecia. Esta colección cápsula de anillos, se presenta en dos versiones, una en oro rosa con piedra de pórfido roja y granate, y la otra también en oro rosa con piedra de pórfido verde y turmalina verde. Los anillos Iconica Venezia siguen fielmente la ancestral línea de diseño artístico en la irregularidad del corte de las piedras y sus biseles de oro, que siguen el clásico diseño característico de la tradición artesanal milanesa de Pomellato. Los anillos Iconica Venezia se producirán en edición limitada.

Aquí una selección de fotos del proceso de elaboración de los anillos de la colección y de la restauración del púlpito de la Basílica de San Marcos de Venecia.

Fotos: Diego Díaz, cortesía de Pomellato y Marco Valmarana, cortesía de Venetian Heritage

Será la primera edición en Barcelona, en la espectacular finca del Catalina de  Gavá , del chef Oscar Manresa.

Entre 64 propuestas plásticas destacan la obra de Guillermo Lorca , que expone  en el Museo Moco y la de Jacob Vilató, sobrino-nieto de Picasso.

Por primera vez en un festival de arte en España habrá un espacio inédito para la  obra de la famosa pintora Leonora Carrington , fallecida en 2011. Leer más

CAN, Contemporary Art Now, es una nueva feria de arte que tiene como objetivo convertirse en una plataforma innovadora para descubrir lo último de la creación actual. Haciendo hincapié en los nuevos lenguajes que han surgido o están surgiendo, pero dejando un hueco a las propuestas de artistas establecidos que han destacado en las últimas décadas.

Se celebrará del 13 al 17 de julio en Ibiza. Durante 5 días, la isla se convertirá en un lugar de encuentro para artistas, coleccionistas de arte, aficionados y personalidades del mundo cultural local e internacional. CAN será la gran cita del arte durante el verano. CAN, Contemporary Art Now, es una iniciativa de Sergio Sancho, un promotor cultural que ya sorprendió hace seis años con UVNT Art Fair (Urvanity), otra feria que se ha convertido en cita imprescindible de la semana de arte de Madrid cada febrero. “CAN significa ‘casa de’ en ibicenco. Nosotros aspiramos a ser los anfitriones de la vanguardia de la creación actual. Por eso nuestro apellido, now. La isla es fuente inagotable de inspiración en muchas facetas artísticas, pensamos que también lo puede ser en arte como es en la música, en la gastronomía, la moda… o en la hospitalidad”, explica Sancho.

En su primera edición, reunirá treinta galerías internacionales de arte contemporáneo que llegarán de Europa, América y Asia. Encontraremos a Nanzuka Underground (Tokio), Carl Kostyál (Londres/ Estocolmo), WOAW Gallery (Hong Kong), M+B (Los Ángeles), 1969 Gallery (Nueva York), Ruttkowski;68 (Colonia/Duseldorf/París), Dio Horia (Atenas), Allouche Benias (Atenas), Août Gallery (Beirut), Ballon Rouge (Bruselas), Cob Gallery (Londres), Everyday Gallery (Amberes), Everyday Mooonday (Seúl), Exhibition A (Nueva York), F2T (Milán), Gaa Gallery (Colonia/Provincetown), Galerie Droste (Düsseldorf/París), Gallery Afternoon (Seúl), Johansson Projects (Oakland), Marian Cramer (Amsterdam), Moosey (Norwich/Londres), Plan X (Milán), Plus ONE + Galerie Sofie Van de Velde (Amberes), Romero Paprocki (París), Seasons LA (Los Ángeles), Septieme Gallery (París), Stems Gallery (Bruselas), Superzoom (París), The Hole (Nueva York) y Volery (Dubái). De España recibiremos a ArtNueve (Murcia), L21 Gallery (Mallorca), Galería Alegría (Barcelona), Veta (Madrid), Lundgren Gallery (Mallorca) y Poligrafa Obra Gràfica (Barcelona).

 

Una feria por invitación

El elemento diferenciador de CAN es la labor curatorial que ha ejercido el crítico y divulgador, Sasha Bogojev. En cada edición, identificará e invitará a una selección de las galerías que, por su trayectoria y programación, están dibujando el panorama de la creación actual. “Son galerías que están situadas en la vanguardia del panorama artístico mundial emergente. Al centrarnos
en creadores emergentes y de media carrera, hay una fuerte afinidad hacia la figuración entre las obras expuestas, lo que dará a toda la feria un atractivo muy centrado y distintivo”, explica el curador, y añade que “la reacción ha sido muy positiva por el concepto y, sobre todo, por la ubicación. Mucha gente del mundo del arte parece tener algún tipo de conexión con la isla de la
que no era consciente y están dispuestos a formar parte de esta edición. Ya sea exponiendo o visitándola”.

La feria se celebrará en el recinto ferial (FECOEV), a las afueras de Dalt Vila, con un cuidado diseño arquitectónico donde la amplitud y la luz natural jugarán un papel protagonista. Este encuentro, en el mes de julio, promete arte y mucho sol, –la feria abrirá solo durante las tardes–, pero también experiencias únicas con programas de eventos paralelos, visitas privadas a instituciones y colecciones o noches de música hasta el amanecer. “Queremos crear conexiones, convertirnos en un encuentro relajado. Ibiza ha sido tradicionalmente un refugio de artistas y creadores. En los sesenta, estaba el ‘Grupo Ibiza 59’ y hay una buena oferta de galerías locales”, declara Sancho. “Nuestro objetivo es fortalecer las alianzas de galerías internacionales con las nacionales. Que artistas de aquí puedan entrar en el circuito internacional y que los de fuera sean más conocidos en nuestro país”.

Gaa Gallery Russell Tyler

Heesoo Kim

Everyday mooonday Raymond Lemstra

Alain Delon, Bob Dylan, Naomi Campbell, Dalí o Rolling Stone forman parte la colección de obras del fotógrafo francés cuya muestra se podrá ver desde el 28 de junio hasta finales de octubre en la flagship store de  Grupo Gandiablasco de Madrid (C/ Ortega y Gasset, 28) coincidiendo con el lanzamiento de la edición de verano de FEARLESS ®, cuyas dos portadas son protagonizadas por dos fotografías del francés.

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