El desequilibrio como lenguaje: el artista Nicoläs Villamizar presenta su nueva obra ‘El acto de caer’ en Jade Gallery

, , ,

El artista Nicoläs Villamizar conocido como «Acondiéresis» presentó en la Galería Jade su nueva obra El acto de caer. La exposición reúne una serie de pinturas que exploran el error, el desequilibrio y la pérdida de forma no como fallas, sino como motores de transformación.  

Lejos de entender la caída como fracaso, Villamizar la propone como un instante fértil: el momento previo al impacto, cuando el cuerpo deja de obedecer y el gesto toma el control. Sus figuras fragmentadas no se rompen, se reorganizan. Cada trazo negocia con el espacio y cada color actúa como corrección de una estabilidad que nunca fue definitiva. 

Jade: un espacio entre el arte y el ritual

Jade, un espacio singular en el icónico barrio de Salesas, donde el ritual japonés del té matcha dialoga con el pulso de la vida contemporánea, será el escenario que acogerá durante tres meses la nueva creación del artista. Más que una galería o café, Jade es un punto de encuentro donde el arte, el diseño y el bienestar  conviven en una atmósfera inmersiva y cuidada al detalle. Su icónica barra metálica y su enfoque en la belleza de lo simple lo han convertido en un referente internacional que invita a detenerse, observar y experimentar.  

La pintura como coreografía del desequilibrio

En estas obras, el dibujo parece tantear el soporte como si dudara de su propio equilibrio. Las líneas buscan apoyo, las manchas cromáticas irrumpen como ajustes espontáneos, desplazando cualquier intento de  composición rígida, y la pintura se convierte así en registro del desequilibrio: una  coreografía torpe y lúcida donde el error deja de ser interrupción para convertirse en dirección. 

Caer como experiencia vital

“Caer no es descender sino perder la forma conocida. Antes del suelo aparece un  instante extraño en el que el cuerpo deja de obedecer y empieza a negociar con el aire. Estas pinturas ocurren ahí: cuando la intención llega tarde y el gesto decide por su cuenta. Las figuras se reorganizan y el error deja de ser  interrupción para convertirse en dirección. Caer es abandonar una postura que ya no servía, aunque la sostuviéramos por costumbre”, afirma el artista.

El acto de caer propone una lectura poética y directa sobre el proceso creativo y la  experiencia vital contemporánea. De niños aprendemos a no caernos; de adultos  descubrimos que casi todo lo importante consiste precisamente en eso: caer enamorados, caer bien, caer en la cuenta. Villamizar traslada esa paradoja al  lienzo y plantea la caída como abandono consciente de una forma que ya no  servía, aunque se sostuviera por costumbre.  

“Al final caer se parece bastante a flotar, incluso un poco a volar; la diferencia es  que uno no asciende, simplemente deja de fingir que estaba quieto. Y casi nunca  ocurre cuando lo habíamos planeado, que es como empiezan las cosas que  realmente valen la pena”, concluye. Con esta exposición, Nicoläs Villamizar consolida una investigación plástica  centrada en el gesto como territorio de verdad, donde la pintura aparece no como  representación sino como acontecimiento.  

/por

Neolith transforma la biblioteca en un escenario emocional en Casa Decor 2026

, , ,

Hay espacios que se recuerdan incluso antes de haberlos vivido. Lugares que despiertan una sensación conocida, casi íntima, como si pertenecieran a una memoria compartida. Con esa vocación nace la propuesta de Neolith para Casa Decor 2026, un proyecto que apela a la emoción de lo vivido y reivindica el valor de los interiores que invitan a quedarse. Un espacio para estar, para leer, para pensar. Un lugar donde el tiempo parece discurrir de otra manera.

De la mano del estudio de interiorismo PersonalK, Neolith presenta en esta nueva edición de Casa Decor “Entre superficies y palabras”, una propuesta concebida como un gran salón social y familiar en el que diseño, superficies y memoria se entrelazan de forma natural. La instalación evoca aquellas casas llenas de historias, libros, fotografías, objetos queridos y conversaciones sin prisa; escenarios que permanecen en el recuerdo por la calidez que transmiten y por la manera en que acogen la vida cotidiana.

Lejos de plantearse únicamente como un ejercicio estético, la instalación propone una nueva forma de mirar a Neolith: más sensorial, más táctil, más emocional. Una aproximación que pone en valor su capacidad para integrarse en atmósferas ricas en matices y convivir con otros materiales, texturas y piezas cuidadosamente seleccionadas para construir un interior envolvente, sofisticado y profundamente habitable.

Un espacio para estar, leer y pensar

La inspiración del proyecto nace de un recuerdo personal y de una imagen muy concreta: la biblioteca familiar como elemento central del hogar, como escenario de reuniones, lecturas, música, estudio y sobremesas interminables. PersonalK recupera esa idea del hogar vivido y la traduce en una estancia contemporánea donde cada elemento ha sido pensado para despertar familiaridad y crear un vínculo inmediato con quien la visita.

Así, la biblioteca deja de entenderse como una estancia contemplativa o estática y se transforma en un salón abierto al encuentro, a la pausa y a la experiencia compartida. La propuesta de Neolith en Casa Decor 2026 recupera el gusto por los interiores que se disfrutan con todos los sentidos: la luz tamizada, la presencia de los libros, el peso de los materiales nobles, la música de fondo, la conversación tranquila y el placer de habitar un espacio que transmite serenidad.

Para Andreas Manero, Group Marketing Director de Neolith, “Casa Decor representa uno de los grandes escaparates del interiorismo en España y una cita estratégica para nuestra marca. Este año hemos querido mostrar una versión de Neolith profundamente conectada con la emoción, la memoria y la calidez del hogar, dentro de una propuesta que inspira, acoge y revela nuevas posibilidades creativas para nuestras superficies”.

Entre bastidores: la visión de PersonalK

Fundado por Pilar Alberola y Lucía González-Orús, PersonalK desarrolla proyectos de interiorismo con una fuerte personalidad, siempre orientados a reflejar la forma de vivir de quienes habitan los espacios, manteniendo un equilibrio muy cuidado entre funcionalidad y belleza. Esa filosofía encaja de forma natural con la propuesta creada para Neolith en Casa Decor 2026, donde el proyecto se construye a partir de una narrativa íntima y reconocible.

En “Entre superficies y palabras”, el estudio compone una atmósfera rica en contrastes sutiles y referencias culturales, donde los materiales adquieren un papel protagonista. Las superficies de Neolith se integran en la arquitectura del espacio y en diferentes soluciones decorativas con una presencia elegante y serena, reforzando el carácter envolvente del conjunto.

En palabras del estudio PersonalK: “Con este espacio hemos querido recuperar la biblioteca como corazón de la casa: un lugar de encuentro, de introspección y de disfrute compartido. Junto a Neolith, hemos dado forma a una propuesta que conecta recuerdo y contemporaneidad, y que envuelve al visitante en una atmósfera cercana, culta y profundamente acogedora”.

Riqueza material, textura y una nueva lectura de Neolith

Uno de los grandes valores del proyecto reside en la selección de materiales y en el modo en que estos se combinan para construir una experiencia visual y táctil llena de matices. Entre los modelos protagonistas del espacio destacan Neolith Himalaya Crystal, Neolith Serpeggiante y Neolith Rapolano como materiales principales, que aportan luminosidad, textura, profundidad y una base estética muy coherente con el concepto general. A ellos se suman otros modelos como Neolith Obsidian, Azahar, Pietra di Luna y Niagara, empleados para reforzar contrastes, enriquecer la paleta y acentuar determinados puntos del recorrido.

La propuesta contempla aplicaciones muy diversas dentro del espacio, que permiten mostrar una faceta especialmente versátil de Neolith, capaz de aportar continuidad estética y rendimiento técnico sin renunciar a la calidez ni a la riqueza expresiva. En diálogo con materiales como la madera de nogal, textiles naturales, soluciones acústicas y una cuidada selección de piezas de firmas colaboradoras, las superficies de Neolith ayudan a definir un espacio donde la belleza se percibe de forma pausada y envolvente.

En esta línea, ALVIC participa con el panelado de madera aplicado en paredes y estanterías, que aporta calidez y continuidad visual; Natuzzi, con una selección de mobiliario compuesta por sofá, butacas, espejo y mesa auxiliar; e IDEATEC, con un techo acústico diseñado junto a PersonalK que se integra con naturalidad en el conjunto. A ello se suman el altavoz Beosound Emerge de Bang & Olufsen, la iluminación técnica de Simon y el sistema de control de temperatura de Airzone, que contribuyen a crear un conjunto armónico entre tecnología y diseño.

Con su presencia en Casa Decor 2026, Neolith reafirma su compromiso con un diseño contemporáneo que trasciende lo puramente funcional para conectar con las emociones, los hábitos y las nuevas formas de habitar. Un espacio que confirma, una vez más, la capacidad de la marca para liderar el diálogo entre innovación, arquitectura e interiorismo desde una perspectiva inspiradora y profundamente actual.

La instalación de Neolith en Casa Decor 2026 se podrá visitar del 9 de abril hasta el 24 de mayo en el espacio 19 de la planta 2, dentro del edificio situado en la calle San Agustín, 11, esquina con Cervantes, en el Barrio de las Letras de Madrid. Una oportunidad para descubrir un proyecto que invita a detenerse y a redescubrir el valor emocional de los espacios creados para ser vividos.

/por

Koral Antolín y el arte textil en movimiento: «Una obra cobra sentido cuando permite que quien la mira proyecte algo suyo»

, ,
Fotografía LAURA ÁLVAREZ
Fotografía LAURA ÁLVAREZ

Koral Antolín ha consolidado un lenguaje propio en el que el textil se convierte en el eje central de su práctica artística. A través de lanas, algodones y técnicas como el bordado, los apliques o el punch needle, sus obras conjugan tradición artesanal y experimentación contemporánea, generando piezas que combinan presencia escultórica, delicadeza y fuerza estética. Partiendo siempre del dibujo, sus composiciones evolucionan hacia universos abstractos y orgánicos donde la línea, la textura y el volumen se convierten en narrativas sensoriales y emocionales.

Su trabajo invita a detenerse y recorrer cada obra desde una mirada íntima, explorando el ritmo, la densidad y el vacío como elementos esenciales de su lenguaje visual. Este universo creativo se plasma especialmente en su último proyecto expositivo “En constante movimiento”, una reflexión sobre la vida como flujo continuo y sobre cómo nuestras decisiones y experiencias moldean la identidad y el entorno.

Además de su obra en estudio, Koral desarrolla trabajos a medida de gran formato para espacios hospitality, colaborando con firmas como Hyatt, Fairmont, Royal Caribbean International y Paradores. Desde cabeceros artísticos hasta murales de gran escala, integra su universo textil en entornos arquitectónicos, creando piezas que dialogan con el espacio y con quienes lo habitan.

Con esta trayectoria como telón de fondo, Koral comparte en esta entrevista su recorrido personal, su vínculo con el material textil y la manera en que su obra se transforma de la idea al gesto, del boceto a la pieza final, consolidando un saber hacer que la sitúa como maestra del savoir faire.

Para empezar por el principio, ¿cuándo descubriste que querías dedicarte al arte? ¿Hubo algún momento concreto o fue algo que fue apareciendo poco a poco? 

No recuerdo un momento concreto en el que dijera “quiero ser artista”, pero sí tenía claro que necesitaba dedicarme a algo vinculado a lo creativo, ya fuera el teatro, la danza o la pintura. Con el tiempo, fui explorando distintos caminos dentro de ese ámbito, lo que me permitió adquirir herramientas. Más que una decisión puntual, ha sido un proceso gradual de acercamiento hacia un lugar que sentía propio, en el que podía expresarme con mayor libertad.

Estudiaste Bellas Artes, pero hoy tu lenguaje creativo gira mucho en torno al textil. ¿Cómo diste con ese camino? ¿Recuerdas el momento en el que dijiste “esto es lo mío”? 

El textil llegó después de trabajar en ámbitos como la imagen, el diseño o la publicidad, cuando sentí la necesidad de volver a algo más personal. Con base en el dibujo, descubrí en las fibras una nueva forma de expresarme, con volumen y textura. Aunque siempre he sido inquieta y cambiante, en 2018 decidí centrarme en lo textil para profundizar y hacer crecer el proyecto, dejando que, por ahora, todo evolucione desde ahí.

El textil tiene algo muy físico, muy manual. ¿Qué te atrapó de trabajar con lana, algodón o bordado frente a otros lenguajes más tradicionales dentro del arte? 

Me atrapó precisamente eso, lo físico. La lana, el algodón o el bordado tienen algo muy honesto, muy directo. Son materiales y técnicas que hablan de tiempo, de cuidado, de proceso. Me interesa esa relación más lenta con la obra, porque hace que todo tenga más peso.

Tu trabajo empieza muchas veces en el dibujo y acaba convertido en una pieza textil con volumen y presencia casi escultórica. ¿En qué momento sientes que la obra deja de ser un boceto y empieza realmente a tomar vida? 

Para mí, el momento clave es el paso del papel al material. El dibujo me sirve para estructurar la idea y suelo trabajar de forma bastante planificada, especialmente en los cuadros, donde el resultado final se ajusta mucho al boceto. Sin embargo, al trasladarlo al textil, la obra cambia: aparecen el volumen, las texturas y los relieves, y la pieza adquiere una presencia que no puede anticiparse del todo. En las obras más escultóricas hay más margen para la improvisación, ya que el propio material guía el proceso. En conjunto, ese tránsito es el momento en el que la idea deja de ser boceto y se convierte en obra.

«El textil conecta con algo muy humano, muy antiguo, y quizá por eso ahora vuelve a tener tanta presencia»

Trabajas con materiales muy tradicionales, pero el resultado es completamente contemporáneo. ¿Cómo conviven en tu obra la artesanía más clásica y la experimentación? 

Siempre me han interesado mucho las técnicas tradicionales, porque implican tiempo, oficio y conocimiento, y eso es algo que valoro mucho. Me gusta aprender cómo se han hecho las cosas, entender bien el proceso y saber hacerlas correctamente. Pero una vez que conozco la técnica, no me interesa aplicarla de forma purista, sino mezclarla con otras, adaptarla o usarla con libertad para que encaje con lo que quiero expresar. 

Para mí el bordado, los hilos o los trenzados son un lenguaje, igual que lo puede ser la pintura o el dibujo. Busco poder expresarme desde ahí, combinando técnicas y llevándolas a un terreno más personal. Creo que por eso en mi trabajo conviven lo artesanal y lo contemporáneo de una forma bastante natural. 

En tu proceso creativo, ¿te dejas llevar más por la intuición o necesitas tener bastante claro hacia dónde va la pieza desde el principio? ¿Cómo decides cuándo una obra está terminada? 

En mi proceso hay una parte intuitiva muy importante, pero con mis obras necesito planificación. Como trabajo con mucho espacio negativo con un lenguaje muy lineal, debo ser muy precisa: a diferencia de otros materiales como el óleo, no puedo cubrir errores; si me equivoco, tengo que empezar de nuevo. Por eso dedico mucho tiempo a la fase de diseño, bocetaje y experimentación antes de empezar la obra sobre el tejido final. 

Casi todas las decisiones de composición y de paleta de color las tomo en el boceto. Una vez selecciono un boceto definitivo, lo llevo a gran escala sobre el tejido, y es en este momento cuando tomo las decisiones finales sobre texturas y grosores de los trazos. La obra la considero realmente terminada cuando la tenso en el bastidor: es entonces cuando adquiere cuerpo y contraste de volúmenes entre los bordados y la tela. 

«Una obra funciona cuando permite que quien la mira proyecte algo suyo»

Tu proyecto expositivo “En constante movimiento” gira en torno a la idea de que la vida está siempre cambiando y avanzando. ¿De dónde nace esa reflexión? ¿Tiene algo de autobiográfico? 

Aunque la exposición tenga raíces personales, la reflexión sobre el cambio y el movimiento va más allá de mi historia: habla de cómo la vida y la sociedad nos atraviesan, cómo nuestra identidad se moldea por nuestro entorno y nuestras experiencias, incluso cuando no tomamos decisiones conscientes.

Tus piezas invitan a mirar, algo que hoy en día no siempre es fácil. ¿Qué es lo que más valoras del espectador? 

Valoro mucho cuando alguien se detiene de verdad. No hace falta que entienda todo, pero sí que se tome el tiempo de mirar, de acercarse, de dejarse llevar por la pieza. Invitar a recorrer los trazos.  Vivimos muy rápido y muchas veces miramos sin ver, así que cuando alguien conecta con la obra desde la curiosidad o desde la emoción, para mí ya tiene sentido. 

Fotografía LAURA ÁLVAREZ

Fotografía LAURA ÁLVAREZ

Cuando alguien se planta delante de una de tus obras, ¿prefieres que entienda exactamente lo que querías contar o te gusta más que cada uno saque su propia lectura? 

Me interesa más que cada persona saque su propia lectura. Yo parto de ideas muy concretas, pero no busco que se interpreten de una sola manera. Creo que una obra funciona cuando permite que quien la mira proyecte algo suyo, cuando se genera una relación personal, aunque sea distinta a la que yo tenía en mente.

Parte de tu trabajo también vive fuera de galerías, en hoteles y espacios similares. ¿Cómo cambia tu forma de crear cuando sabes que la pieza va a convivir con la arquitectura y con personas que quizá no estaban buscando arte? 

Cuando hago obra única, ya sea para exposiciones, proyectos personales o para hoteles que buscan piezas singulares, puedo permitirme aplicar técnicas más complejas y explorar libremente. 

Cuando trabajo en obra seriada, como en el reciente encargo para el Parador de Ibiza con 68 piezas, la principal diferencia está en la parte técnica: debo elegir técnicas que sean viables de reproducir a escala y que permitan mantener la calidad de cada obra. En estos casos, las piezas deben dialogar entre sí y con el espacio donde se instalarán, adaptando la paleta de color y cuidando que todo funcione en conjunto. Para poder ejecutar proyectos de esta magnitud cuento con un equipo de tres bordadoras que me ayudan a llevarlo a cabo. 

Siempre me ha inspirado la arquitectura y el interiorismo, por lo que disfruto mucho imaginando y creando obras a medida para un espacio concreto y es un privilegio poder llevar arte allí donde no se espera y trabajar con quienes valoran invertir en ello. 

«Cuando alguien conecta con la obra desde la curiosidad o desde la emoción, para mí ya tiene sentido»

También realizas intervenciones en directo, creadas frente al público. ¿Qué pasa cuando el proceso —que normalmente es algo muy personal— se convierte en algo compartido? 

Crear en directo es una experiencia muy enriquecedora. El público puede ver cómo se desarrolla la obra y se genera un diálogo inmediato. Es precioso ver cómo alguien valora, pregunta o comenta, y que pueda comprender el proceso de manera tan cercana. Lo único que añade presión es el tiempo, las técnicas son lentas y no hay un resultado inmediato, pero eso también está bien; nos permite entender que no todo es rápido y que hay que aprender a entenderlo y aceptarlo. 

En una época dominada por lo digital, tu trabajo reivindica el gesto manual y lo táctil. ¿Crees que por eso el arte textil está viviendo un nuevo momento de interés? 

Creo que sí. Vivimos rodeados de pantallas y de imágenes rápidas, y cada vez hay más necesidad de volver a lo físico, a lo que se hace con tiempo. El textil conecta con algo muy humano, muy antiguo, y quizá por eso ahora vuelve a tener tanta presencia. 

Con la vista puesta en el futuro, ¿hacia dónde sientes que se mueve ahora tu trabajo? ¿Hay materiales o formatos que tengas ganas de explorar? 

Ahora mismo siento que mi trabajo se está moviendo hacia piezas más tridimensionales, más cercanas a lo escultórico. Me interesa investigar con el volumen, con la transparencia y con la mezcla de materiales. Aunque el formato cuadro de pared sigue siendo mi ojito derecho. No tengo una idea cerrada de hacia dónde ir, pero sí la sensación de que necesito seguir experimentando. Para mí es importante que el trabajo siga cambiando.

/por

El diseño natural gana protagonismo en la nueva colección N-Class de Neolith

, ,

Neolith amplía su universo creativo con la incorporación de cuatro nuevos modelos y dos nuevas texturas dentro de su gama N-Class, una línea pensada para acercar el diseño y las prestaciones de la piedra sinterizada a un público más amplio. Con esta actualización, la firma refuerza su propuesta en el mercado español ofreciendo superficies que mantienen la calidad y el rendimiento característicos de la marca, pero con un posicionamiento más accesible y competitivo.

Cuatro nuevas superficies inspiradas en la naturaleza

La ampliación de la colección introduce cuatro modelos que reinterpretan materiales y paisajes naturales desde una perspectiva contemporánea. Cada uno de ellos aporta una personalidad distinta y amplía las posibilidades de diseño en proyectos de interiorismo, cocina y arquitectura.

Entre las novedades destaca Colosseo, inspirado en el carácter atemporal del travertino, con una presencia elegante y mineral. Toscano, por su parte, explora la riqueza de los tonos marrones con la calidez de la tierra italiana, evocando paisajes mediterráneos y espacios acogedores.

A esta propuesta se suman Nivola, un blanco roto luminoso y sereno que aporta equilibrio visual a los espacios, y Pasadena, una superficie que recuerda a la madera natural iluminada por la luz cálida de California. Con estos cuatro modelos, N-Class de Neolith amplía su capacidad de adaptación a diferentes estilos decorativos, desde ambientes minimalistas hasta propuestas más cálidas y orgánicas.

Nuevas texturas para una experiencia más sensorial

La evolución de la gama no se limita al diseño visual. Neolith introduce también dos nuevos acabados que enriquecen la experiencia táctil y estética de sus superficies.

El acabado Matt ofrece una textura mate suave y natural que reduce los reflejos y realza la profundidad del diseño. Esta superficie resulta especialmente adecuada para espacios contemporáneos que buscan elegancia discreta y continuidad visual.

Por su parte, el acabado Wood incorpora un relieve inspirado en la madera natural, aportando movimiento, calidez y una sensación orgánica que refuerza la conexión con los materiales de origen natural. Ambas texturas permiten crear composiciones más ricas y versátiles en proyectos de gran formato o en aplicaciones de interior.

Más posibilidades para interioristas y arquitectos

La gama N-Class de Neolith nació con el objetivo de responder a una demanda creciente del mercado: materiales que combinen altas prestaciones técnicas, estética cuidada y la garantía de una marca reconocida, pero en una propuesta más accesible.

Según explica Andreas Manero, la ampliación refuerza precisamente esa filosofía: ofrecer más recursos de diseño para crear espacios actuales, coherentes y duraderos sin renunciar al estándar de calidad que define a la marca.

Gracias a su resistencia, durabilidad y facilidad de mantenimiento, estas superficies se convierten en una solución versátil tanto para profesionales del diseño como para particulares que buscan materiales fiables para el día a día.

Diseño accesible con compromiso sostenible

La nueva colección mantiene intacta la esencia tecnológica de la piedra sinterizada de Neolith. Fabricadas a partir de materias primas naturales y bajo criterios de eficiencia, estas superficies responden a los estándares medioambientales más exigentes del sector.

Con la llegada de Colosseo, Toscano, Nivola y Pasadena, la gama N-Class refuerza su propuesta en España y consolida una visión clara: hacer del diseño de alto rendimiento una opción cada vez más accesible, sin perder de vista el prestigio y la fiabilidad que han convertido a Neolith en una referencia internacional en superficies arquitectónicas.

/por

Mar Flores florece tras la tormenta y protagoniza el nuevo número de primavera de FEARLESS

, , , , , , , , , ,

En el nuevo número de primavera de FEARLESS, Mar Flores protagoniza una edición que florece con ella. Icono indiscutible de los noventa, empresaria y mujer resiliente, atraviesa hoy una etapa de renovación profunda tras la publicación de sus memorias, donde rompe años de silencio y reconstruye, con voz propia, los capítulos más mediáticos de su vida.

Después de haber sido observada, cuestionada y expuesta hasta límites que hoy resultarían impensables, Mar decide tomar la palabra y poner los puntos sobre las íes. “Mi pecado ha sido confiar y la penitencia ha sido pública”, revela con la serenidad que solo da el tiempo. Lejos del ruido que durante años marcó su relato, se muestra firme, reflexiva y dueña de su verdad.

Desde un presente marcado por nuevos proyectos —como su participación en Decomasters— y con varios horizontes profesionales en camino, Mar encarna una evolución consciente: la de quien ya no se esconde ni se justifica, sino que se reafirma. Más libre. Más auténtica. Más ella que nunca.

En esta edición especial, protagoniza una doble portada que respira exactamente lo que representa hoy. Esta primavera, FEARLESS se llena de luz, segundas oportunidades y mujeres que transforman la tormenta en calma.

¡Sírvanse a la carta!

Los clásicos nunca mueren, y en la industria del lujo esa máxima se reafirma cada temporada. Esta primavera, las grandes casas joyeras y relojeras rescatan sus emblemas más icónicos para reinterpretarlos con un giro fresco y vibrante: siluetas eternas que renacen a través del color, la luz y nuevos códigos estéticos. En este número, ese espíritu se traslada a un festín mexicano donde la tradición sirve de escenario a las piezas más deslumbrantes, celebrando un diálogo entre herencia y modernidad que florece con fuerza propia.

El show de Briten debe continuar

Ana Brito, conocida en redes como @elshowdebriten y respaldada por más de medio millón de seguidores, conquista a quien la descubre. Pódcast, libro y televisión dibujan una trayectoria en constante movimiento y siempre acompañada de una sonrisa, recordando que pase lo que pase el show debe continuar.

Un linaje flamenco llamado Amaya

Remedios y Samara Amaya se mueven por el flamenco como quien respira. La voz de la madre, una de las grandes del género en España, parece desafiar al tiempo, mientras su hija, forjando una carrera en solitario, promete dejar su propia huella en él. Ambas conocen los obstáculos de la industria y saben lo que cuesta abrirse camino en ella, pero, al final, su medida del éxito es simple y rotunda: que les guste a ellas.

Pino Montesdeoca, a flor de piel

A los 53 años debutó en un sector que antes miraba con recelo y al que hoy abraza. Con el tiempo, confiesa, aprendió que la moda le abrió los ojos y le cerró la boca. Más de una década después, y tras haber vivido mucho, quizá demasiado, Pino Montesdeoca puede presumir de algo excepcional: haberse encontrado a sí misma. También de formar parte del elenco de un filme de Almodóvar.

¡Abran paso!

España está llena de talento joven que marca tendencia en arquitectura y diseño a nivel global. Ellos son un perfecto ejemplo. Con siete años de trayectoria trabajando en equipo, no han dejado de crear y conceptualizar espacios capaces de despertar todos los sentidos. Son David Meana, Ignacio Navarro, Iñigo Palazón y Ricardo Fernández, y juntos componen Estudio DIIR. Si aún no los conocen, estén atentos, darán mucho que hablar.

A la mesa con el G15 de la arquitectura

Durante años hemos confundido estar conectados con estar juntos. Por eso, cuando un grupo de personas decide apagar los teléfonos y sentarse a hablar, el gesto adquiere una fuerza casi política. La penúltima cena del G15 fue exactamente eso: una mesa compartida como acto consciente, como espacio de escucha y pensamiento, donde la arquitectura dejó de ser solo profesión para convertirse en conversación. Convocada por Mindway y con la presencia de Agatha Ruiz de la Prada como co-anfitriona, la velada reunió a algunas de las miradas más influyentes del panorama arquitectónico y creativo español. No para exhibir logros, sino para preguntarse cómo queremos vivir, construir y contar el futuro.

Vivir es urgente

Cuando la ciencia escucha y la experiencia toma la palabra, la medicina cambia de forma. La Fundación Contigo nace del encuentro entre un oncólogo que aprendió a mirar más allá y una paciente que decidió no aplazar la vida. Una historia sobre cáncer, compromiso humano y la urgencia vital de vivir.

El pasado hecho presente de Gregorio Marañón

Gregorio Marañón y Bertrán de Lis, II marqués de Marañón, acaba de ser reelegido al frente del Patronato del Teatro Real, consolidando más de una década de liderazgo al frente de uno de los escenarios más emblemáticos de España. Abogado, financiero y académico de prestigio, Marañón combina su brillante trayectoria profesional con una pasión desbordante por la cultura y el patrimonio, impulsando proyectos que van desde la revitalización del Teatro Real hasta la creación de fundaciones que protegen nuestro legado histórico. Su historia y sus logros invitan a descubrir cómo una vida puede transformar la cultura de un país.

México: un viaje a todo color

México se despliega como un territorio de contrastes y profundidad cultural, donde la historia no pertenece al pasado y la identidad se expresa en cada gesto cotidiano. Entre paisajes que van del desierto al trópico y una creatividad que atraviesa gastronomía, arte y arquitectura, el país invita a ser leído con calma. Una mirada curada y contemporánea a México, atendiendo a su esencia, su carácter y su extraordinaria capacidad de seducción.

El retorno de Mario Conde

Estrenamos NAMELESS, un cuestionario sin biografía oficial y sin personaje, pensado para quienes ya han sido demasiado visibles como para seguir fingiendo anonimato. Un espacio para Anonymous mediáticos, para hablar cuando ya no hace falta explicar quién eres. Y no es casualidad que este lugar lo ocupe Mario Conde.

Mario fue el primero en habitar este territorio cuando aún no sabíamos muy bien qué iba a ser todo esto. Antes de premios, antes de siglas, antes incluso de tener forma. El nacimiento de FEARLESS fue una portada inédita, un logotipo recién estrenado y un artículo suyo. Así empezó la conversación.

Seis años después, seguimos aquí. Quizá con menos ingenuidad, pero con la misma curiosidad. Por eso tenía sentido volver a empezar con él. Porque hay personas que en lugar de inaugurar secciones, inauguran épocas. Hoy no le pedimos que opine, ni que sentencie. Hoy simplemente le preguntamos. Y escuchamos.

/por

ARCHIDOM transforma la noche de Madrid con el diseño de 61.

, , ,

Archidom Studio, estudio de arquitectura e interiorismo firma en Madrid su nuevo proyecto: 61. (Sixtyone), un espacio concebido como una experiencia inmersiva donde pasado y contemporaneidad dialogan a través de la materia, la luz y la memoria.

Grupo Mosh, el grupo que inició su trayectoria en Marbella con Mosh Fun Kitchen, líder en ocio y gastronomía de lujo, presenta en la capital su proyecto más ambicioso hasta la fecha: el restaurante y club 61., un espacio llamado a redefinir la noche madrileña. Detrás de esta nueva apertura se encuentra el sello inconfundible de ARCHIDOM Studio, el estudio que en los últimos años ha firmado algunos de los espacios gastronómicos y de ocio que han marcado el pulso estético del Mediterráneo y que ahora crea en la capital una propuesta destinada a convertirse en referencia.

Ubicado en el número 61 de una calle emblemática del centro de la ciudad, el local ha sido concebido como un escenario envolvente donde cada elemento responde a una narrativa espacial precisa. Desde el inicio, el estudio planteó un objetivo ambicioso: crear un lugar que pareciera haber existido siempre. No como una recreación histórica, sino como una joya latente, descubierta y revelada. Un interior donde la pátina del tiempo no es artificio, sino argumento.

ARCHIDOM, reconocido por su capacidad para convertir espacios en destinos, integra arquitectura, interiorismo e identidad creativa bajo una misma visión, desarrollando en 61. un concepto que equilibra contraste, teatralidad y sofisticación.

Romanticismo veneciano y brutalismo: un diálogo arquitectónico

En 61., ARCHIDOM propone un encuentro inesperado entre el romanticismo veneciano y el brutalismo. La narrativa espacial se inspira en la Venecia aristocrática y en la atmósfera de sus palazzos. El espacio principal se configura como la gran sala de recepción de un noble veneciano: un entorno de luces veladas, reflejos dorados y una decadencia sofisticada que aporta profundidad y carácter.

Las líneas rotundas y los materiales crudos, de inspiración industrial, conviven con detalles ornamentales y guiños clásicos. Una barra de madera de gran presencia articula el conjunto, coronada por una lámpara diseñada a medida por el estudio y realizada por artesanos vidrieros. La chimenea esculpida funciona como hogar central. Los suelos de madera conviven con alfombras antiguas, mientras el techo revestido en pan de oro y plata genera un juego de destellos sutiles que transforma la percepción del espacio a lo largo del día.

La iluminación, concebida como parte esencial del relato arquitectónico, acompaña la evolución natural del lugar: lo que comienza como restaurante muta orgánicamente hacia club sin rupturas, gracias a una arquitectura pensada para cambiar de atmósfera. No se trata solo de diseño, sino de una puesta en escena donde cada recorrido, cada sombra y cada material activan una experiencia sensorial.

La fachada, compuesta por grandes vidrieras artesanales de vidrio coloreado, introduce una dualidad entre exhibición y misterio. Por la noche, el interior proyecta hacia la calle matices ámbar y verdes, convirtiéndose en una presencia cromática singular dentro del paisaje urbano madrileño.

En la zona posterior emerge una segunda escena: el “almacén de arte”. Aquí la estética vira hacia un lenguaje más industrial, evocando el espacio donde se guardan los tesoros acumulados durante generaciones. Vigas con roblones, lucernarios y pilares metálicos contrastan con terciopelos, cortinajes densos y mesas de mármol. La tensión entre lo estructural y lo ornamental genera un equilibrio sofisticado entre contención y exceso.

La gran vidriera central baña el ambiente con una luz cálida que evoluciona al ritmo de la música. El mueble de DJ, esculpido en mármol y acero y diseñado por el estudio, se concibe como una pieza híbrida entre mobiliario y escultura.

El arte como parte de la arquitectura

En coherencia con la visión del estudio, el arte no actúa como complemento, sino como parte estructural del concepto. Las obras, de artistas emergentes y consolidados, se renovarán cada seis meses, manteniendo el espacio en constante movimiento.

ARCHIDOM ha buscado piezas únicas en anticuarios, almacenes e inventarios privados de medio mundo: tapices renacentistas italianos, espejos de gran formato procedentes de palacios franceses y alfombras persas dialogan con obras contemporáneas, generando una conversación entre épocas. Cada pieza ha sido integrada estratégicamente para interactuar con la luz, la circulación y los materiales, reforzando la sensación de estar en un entorno vivo.

La atención al detalle se extiende a todos los elementos del proyecto de Grupo Mosh, con un marcado sello made in Spain: desde el vestuario diseñado por CASONÁ hasta piezas de LOEWE incorporadas en la propuesta estética. El contrapunto internacional lo aporta NIKE, que ha desarrollado una línea especial para el espacio, subrayando su carácter contemporáneo.

Gastronomía y experiencia inmersiva

Fiel al espíritu de Grupo Mosh, 61. apuesta por una exclusividad que no se exhibe, sino que se descubre. Tras una fachada discreta se despliega un universo donde gastronomía, arte, música y diseño conviven de manera natural, sostenidos por una arquitectura que lo articula todo.

La propuesta culinaria, liderada por Franco Franceschini, chef ejecutivo del grupo, dialoga con el entorno: precisa, cosmopolita y con acentos internacionales. La experiencia gastronómica evoluciona al ritmo del espacio, acompañando su transformación y reforzando su carácter inmersivo.

61. se plantea como una experiencia pausada. Un interior que invita a detener la mirada, a descubrir matices en sucesivas visitas y a entender el lujo desde la profundidad material y conceptual.

Marbella y Madrid, unidas por el diseño

Con 61., Grupo Mosh traslada a Madrid la energía y sofisticación que han definido sus emblemáticos espacios en Marbella, junto a la creatividad de ARCHIDOM, que convierte esta expansión en un hito: transformar un local en un escenario y un proyecto en un fenómeno cultural.

El resultado es un interior que no se limita a ambientar, sino que construye relato. Un espacio donde cada elemento posee memoria y cada detalle ha sido sometido a un proceso creativo riguroso.

61. llega a Madrid como un lugar que no se explica, se experimenta. Y lo hace con la firma de ARCHIDOM como garantía de una nueva manera de entender el lujo nocturno: narrativa, sensorial y profundamente arquitectónica.

/por

La Champions Design Wine celebra su segunda edición y consolida el maridaje entre arquitectura y vino

, ,

La revista FEARLESS impulsa por segundo año consecutivo el primer campeonato de
catas a ciegas del sector, con una edición dedicada a los vinos blancos y nuevas
conexiones profesionales en el icónico y sofisticado espacio de Doimo Cucine – Cuoco
Spazio.

El diseño y el vino han vuelto a brindar juntos en la segunda edición de la Champions Design Wine, el primer campeonato de catas a ciegas que reúne a los mejores estudios de arquitectura, interiorismo, promotoras y constructoras en una experiencia única donde la intuición, la sensibilidad y el talento se miden copa en mano.

La arquitectura y el vino comparten un mismo origen y una misma ambición: transformar la tierra en emoción. Ambos nacen de un lugar y requieren técnica, intuición y tiempo para alcanzar su plenitud. Como un buen vino, un edificio se construye en capas, con estructura, equilibrio y carácter, como una gran obra, el vino tiene profundidad, textura y memoria. Los dos se diseñan con precisión, pero se disfrutan con los sentidos, y solo cobran verdadero significado cuando alguien los habita, o los saborea.

Esta iniciativa se ha consolidado como una de las citas más singulares y originales del sector, trasladando el espíritu competitivo propio del mundo del diseño al apasionante universo del vino. En esta ocasión, la protagonista ha sido una selección de vinos blancos, elegidos para poner a prueba la capacidad sensorial y el criterio técnico de los equipos participantes en un formato dinámico, exigente y sorprendente. Una velada de tensión elegante y competitividad sofisticada.

Mucho más que una cata

La Champions Design Wine no es solo una competición: es una experiencia multisensorial inmersiva concebida para quienes entienden el networking como arte y estrategia a partes iguales. Guiados por el somelier Raúl Molina, arquitectos, interioristas, promotoras y constructoras comparten mesa, conversación y desafío en un ambiente cuidadosamente orquestado donde cada detalle cuenta, fortaleciendo vínculos profesionales en un contexto diferente, donde el diseño no solo se ve, sino que se siente y se conecta a través del vino.

Doimo Cucine – Cuoco Spazio, escenario de referencia y alma del encuentro

Un evento de categoría cuenta con un anfitrión de categoría: Doimo Cucine – Cuoco Spazio, un espacio concebido como punto de encuentro para la arquitectura y el interiorismo contemporáneo. Más que un showroom, Cuoco Spazio se consolida como un enclave de inspiración y sofisticación en pleno corazón de Madrid, acogiendo iniciativas que combinan diseño, innovación y experiencias diferenciales.

Su apuesta por generar comunidad y propiciar conexiones profesionales de valor ha sido clave en el éxito de esta edición, convirtiéndose en el escenario perfecto para una competición donde estética, materia y sensibilidad dialogan de forma natural.

Consolidada como un hito en la agenda anual de los principales estudios del país, la Champions Design Wine confirma, en su segundo año consecutivo, que existe una nueva manera de hacer networking en el sector: más experiencial, más emocional y más memorable.

La vinculación con Doimo Cucine, firma italiana líder en el diseño y fabricación de cocinas, refuerza el carácter internacional, aspiracional y altamente selecto del campeonato, que premia no solo la precisión sensorial, sino también la excelencia creativa.

Su apuesta por generar comunidad y propiciar conexiones profesionales de valor ha sido clave en el éxito de esta competición, convirtiéndose en el escenario perfecto para una competición donde estética, materia y sensibilidad dialogan con una naturalidad extraordinaria.

Porque cuando el diseño y el vino se encuentran, el resultado siempre invita a brindar de nuevo.

Los participantes

En esta segunda edición, la competición cuenta con equipos liderados por destacados profesionales de algunos de los estudios y compañías más relevantes del panorama actual, entre ellos: Estudio DIIR, Kronos, AQ Acentor, FL-ARE, MORPH, TOUZA Arquitectos, NO Arquitectos y Dazia Capital. Cada equipo, acompañado por otros invitados del sector, ha aportado su propia visión estratégica y creativa a la competición.

Una segunda edición que recoge el legado del primer campeonato

La Champions Design Wine nació en 2024 marcando un hito en la agenda de los principales estudios del país. En aquella primera edición, los equipos compitieron durante meses en una serie de encuentros guiados por el sommelier Raúl Molina, culminando en una gran final dedicada a vinos internacionales.

El podio estuvo encabezado por Archidom Studio y Cuarto Interior, que lideraron la clasificación desde el inicio con 765 puntos. A tan solo dos puntos se situó el equipo del reconocido estudio de Lázaro Rosa-Violán (763 puntos), mientras que el tercer puesto fue para L35 Arquitectos (749 puntos), liderado por Tristán López-Chicheri, responsables de la remodelación del estadio Estadio Santiago Bernabéu.

Aquella edición demostró que el vino puede convertirse en un vehículo extraordinario para generar comunidad dentro del sector, fomentando relaciones profesionales desde la emoción, el conocimiento compartido y la experiencia. Lo que comenzó como una apuesta valiente es hoy una competición esperada, comentada y, sobre todo, deseada por quienes aún no han logrado sentarse a la mesa.

Hoy, en su segunda edición, la Champions Design Wine reafirma su posición como una de las convocatorias más selectas del calendario profesional.

Quien estuvo, quiere volver.
Quien no estuvo, ya pregunta cómo formar parte.

/por

Luxor: la nueva colección de ARTE que fusiona el lujo del Art Déco y la fascinación por el Egipto de los años veinte

, ,

Los fabulosos años veinte continúan capturando la imaginación del mundo, y en este contexto, el estilo Art Déco floreció como una manifestación del optimismo de la época y de los momentos históricos que marcaron ese período. El monumental descubrimiento de la tumba de Tutankamón en el Valle de los Reyes, con sus muebles finamente decorados, influyó profundamente en el diseño y la estética de la era. Luxor, la nueva colección de ARTE, se inspira en este vibrante periodo histórico y su estilo Art Déco, fusionando influencias egipcias con la modernidad de los años veinte.

La colección Luxor se caracteriza por sus diseños geométricos que evocan la magnificencia del Art Déco y las formas icónicas de la cultura egipcia. Los patrones y las texturas están realizados con técnicas innovadoras de impresión y una paleta de colores naturales, lo que confiere a cada pieza una textura sorprendentemente detallada y realista. Completa la colección un panorama de gran riqueza escénica que captura la esencia de un mundo de lujo y misterio.

Gizeh

Inspirado en las imponentes pirámides de Egipto, que dominan el paisaje desértico y se han convertido en un símbolo de poder y misterio. Este patrón captura la forma majestuosa y dominante de las pirámides, que se erigen como guardianas del paisaje árido, creando una atmósfera de eternidad y solidez.

Amulet

Un diseño que rinde homenaje a las lujosas joyas del Art Déco, con un diseño elegante que evoca el lujo de esa época. Basado en las preciosas joyas de los años veinte, el diseño de Amulet destaca por su sofisticación y detalles finos que evocan la elegancia de los interiores lujosos de la época.

Delta

Una interpretación del curso sinuoso del Nilo, la arteria vital del antiguo Egipto. Este diseño refleja la majestuosidad y serenidad de la desembocadura del río, simbolizando la fertilidad y la vida que ofrece el Nilo, todo ello representado con líneas suaves y curvas que evocan la fluidez del agua.

Horus

Inspirado en el dios egipcio Horus, conocido por su sabiduría y visión. El elegante patrón geométrico de este diseño refleja claramente las influencias del Art Déco, creando una pieza armoniosa que celebra la grandeza de la mitología egipcia a través de sus líneas estilizadas y elegantes.

Benoe

Una reinterpretación moderna de un motivo geométrico clásico, inspirado en el ave mítica Benoe, que renace cada mañana como el sol. Este diseño simboliza la renovación y la perpetuidad, con una serie de formas geométricas que evocan la riqueza de la cultura egipcia y la tradición del arte antiguo.

Thebe

Un impresionante panorama que captura la esencia del Antiguo Egipto. Con palmeras que se mecen suavemente, las majestuosas pirámides al fondo y el fluir del Nilo, Thebe crea una escena llena de vida y sorpresas. Entre estos elementos, se ocultan flores y animales que dotan al paisaje de una dimensión mágica. El tejido de arpillera fil-à-fil añade una profundidad excepcional, haciendo que el panorama parezca elevarse de la pared.

/por

ARTE lanza Allures, una colección que reviste y reinventa el legado decorativo del siglo XIX

, , ,

La nueva colección Allures de ARTE rinde homenaje al savoir-vivre francés del siglo XIX reinterpretado para interiores contemporáneos. Cada revestimiento de pared se concibe como una pieza con identidad propia, donde la tradición decorativa se encuentra con materiales nobles, trabajo artesanal minucioso y un diseño preciso que aporta carácter, textura y profundidad a cualquier espacio.

Éclosion: la naturaleza hecha arte

Éclosion despliega una exuberante escena botánica bordada a mano sobre una base de algodón. Hojas delicadas se entrelazan con flores adornadas con nudos franceses, evocando el momento poético en que un capullo se abre. Este diseño simboliza una belleza que despierta de forma natural y fresca, aportando un toque elegante y sensorial a los interiores.

Reliure: la encuadernación como inspiración

Inspirado en el arte de la encuadernación, Reliure combina cuero de ante cepillado con un proceso artesanal preciso. Los cuadrados se cortan, cosen y enlazan a mano, creando un revestimiento liso y sólido que refleja coherencia y refinamiento. Cada pieza destaca por su estructura meticulosa y su estética sofisticada.

Galon: la elegancia del jacquard francés

Galon remite a la tapicería de los antiguos sofás franceses y a las cintas decorativas tradicionales. Su motivo de finas rayas bicolor, reinterpretado en jacquard de terciopelo, aporta un brillo sutil y sofisticado, incorporando la tradición textil de lujo en un diseño actual y versátil para cualquier espacio.

Cabochon: un guiño al mobiliario clásico

Cabochon evoca los clavos decorativos (cabochons) utilizados históricamente para fijar telas con elegancia. Su patrón ordenado de cuadrados de terciopelo con botones aporta un toque refinado y detallista, conectando la historia del mobiliario francés con la modernidad de la colección Allures.

Étamine: textura rústica y natural

El liso Étamine se distingue por su estructura abierta y aireada, que aporta un aspecto rústico y orgánico a los interiores. Disponible en tonos cálidos y terrosos, se convierte en un complemento ideal para los demás diseños de Allures, equilibrando elegancia, sofisticación y autenticidad artesanal.

/por

El viaje sensorial de la firma de revestimientos murales ARTE en su colección de primavera

, ,

La marca belga de revestimientos presenta sus nuevas colecciones Primavera 2026, un homenaje a la tradición y la modernidad que invita a un viaje sensorial a través de continentes, épocas y mundos míticos. Con un enfoque renovado, las colecciones de esta temporada fusionan influencias clásicas con una estética contemporánea, rindiendo tributo a la elegancia de la Francia del siglo XIX, los majestuosos tapices, los cálidos veranos indios, la grandeza egipcia y los suaves vientos del oeste de Grecia. Cada diseño está moldeado por una mirada fresca, logrando una sorprendente reinterpretación a través del uso de materiales inesperados como el cuero, el metal, el terciopelo, los textiles bordados, el lino y el ante. Las nuevas colecciones de ARTE no solo irradian grandeza, sino también una rica decoración que revive las atmósferas del Renacimiento y las traduce al lenguaje del diseño mural actual.

Allures: un homenaje al legado del siglo XIX en el diseño de interiores

Allures toma como punto de partida el savoir vivre francés del siglo XIX, reinterpretado con una visión moderna. Esta colección captura la esencia de la artesanía y la textura a través de motivos clásicos y un trabajo meticuloso, aportando profundidad y carácter a los espacios. La colección exalta la elegancia y la excelencia artesanal, convirtiendo cada pieza en una obra única que combina tradición y precisión técnica.

Corium: Del arte clásico al diseño mural

Corium reinterpreta los patrones clásicos del Renacimiento Temprano con una visión contemporánea. Hecha con cuero caprino de alta calidad, esta colección evoca una apariencia lujosa, con la flexibilidad y resistencia que caracteriza al material. Cada pieza es una obra artesanal que rinde homenaje a la tradición, mientras se adapta a las demandas del diseño de interiores moderno.

Indienne: La frescura del lino y la esencia de la India

Inspirada en el vibrante clima de la India, la colección Indienne celebra la fuerza del lino, un material legendario que ha acompañado a las tierras calurosas de este país durante siglos. La colección captura la esencia de lugares emblemáticos como Bundi, Kashmir y Kerala, con una paleta que evoca los tonos dorados del verano y las influencias culturales de la India, transformando el lino en un elemento de confort y belleza.

Les Tapisseries: Un homenaje contemporáneo a los tapices clásicos

Les Tapisseries revive la tradición de los tapices antiguos con un enfoque moderno y sofisticado. Inspirada en los tapices que adornaban los castillos y mansiones de la alta sociedad, esta colección de ARTE transforma estos motivos históricos en verdaderas obras de arte mural. La línea Décors & Panoramiques se amplía con nuevos diseños que fusionan la tradición textil con el diseño contemporáneo.

Luxor: Fusión del lujo Art Déco y la fascinación por el Egipto de los años veinte

La colección Luxor se inspira en el estilo Art Déco y en el descubrimiento de la tumba de Tutankamón. Con una paleta de colores naturales y diseños geométricos, Luxor captura la magnificencia de la era de los años veinte, fusionando influencias egipcias con la modernidad de esa época. Un panorama de gran riqueza escénica completa la colección, evocando el lujo y el misterio de un mundo antiguo.

Memphis: ARTE reinterpreta el antiguo Egipto en 3D

La colección Memphis rinde homenaje a la grandeza de la antigua capital egipcia de Menfis a través de diseños en relieve que evocan las obras maestras arquitectónicas de la civilización egipcia. Cada pieza de esta colección 3D utiliza un textil aterciopelado para crear patrones en relieve que aportan una textura táctil y visual sorprendente, convirtiendo el espacio en un tributo a la historia y la cultura egipcia.

Zephyr: La brisa suave del oeste en el diseño mural

Inspirada en el viento del oeste, Zephyr captura la ligereza y fluidez del aire a través de patrones delicados y formas redondeadas. Utilizando materiales distintivos como el sisal natural, el ante y la lámina metálica brillante, la colección crea una atmósfera de calma y armonía en los espacios. La paleta cálida y terrosa de colores refuerza la suavidad de los diseños, invitando a la serenidad y al descanso.

/por