Blanca Barrera-Cuadra junto a las obras de Lucía Gil-Casares.

Fotografía: JUAN CARLOS VEGA

Texto: MARCO DE PABLOS

MUAH: CASILDA RAMOS LÓPEZ-QUESADA

El gris y el blanco predominaban en el cielo de Madrid aquella mañana de noviembre. Tímidamente, asomaban resquicios de azul, que se entremezclaban con algún que otro rayo de sol. Sin embargo, esto no supuso ningún problema, pues ella estaba allí para aportar el color que tanta falta hacía ese día.

Blanca Barrera-Cuadra, también conocida como “Aguacatte”, abría las puertas de Monte Esquinza 8, donde, probablemente para muchos, los sueños se hacen realidad. Ella, una “gran soñadora” confesa, es la artífice y responsable de Espattio, un lugar de encuentro entre artistas, en el que el arte y la belleza son el motor de la creación y la interacción. Bajo esa premisa, también está al frente de un catering, que recibe el nombre de su seudónimo, y un estudio de interiorismo.

Pintura elaborada por Bernardí Sánchez.

Impulsora de un arte que nace del propio arte, del que es amante desde pequeña, cuando, como ella misma dice, solo era “una niña feliz, con grandes ilusiones y cargada de inocencia”, algo que aún conserva y se esfuerza en no perder, es sincera: “Ser reconocida por mi trabajo es uno de mis mayores logros”.

Y es que los tres proyectos profesionales de Blanca son, al mismo tiempo, sus tres pasiones. Tal y como sucede en el deporte, se fue adentrando en ellos sin darse cuenta, hasta que “una vez estás dentro, es como la mafia: no se puede salir”. ¿Su debilidad? La decoración. “Podría morirme decorando, encuentro inspiración en todos sitios”, asegura. Es ahí, donde detecta sin grandes atisbos “lo más importante de la vida”, la proporción.

“Sé cómo quiero vivir y tengo claro los pasos a seguir para conseguirlo”. Llena de vitalidad, creatividad y cierta sensibilidad, Blanche, como también se hace llamar, reconoce no llevarse bien con la “pereza”, algo que incluso sus profesores de universidad elogiaban y destacaban como una de sus virtudes. “Es la única vía para conseguir los objetivos marcados, trabajar sin descanso”, comenta.

«Mi mayor éxito en la vida será que no quepa la gente en la misa de mi entierro»

El encuentro, que se alargó cerca de tres horas, fue más que suficiente para percibir de inmediato la esencia de Blanca, cuyo deseo estuvo guiado en todo momento por el afán de ir más allá y no conformarse con un resultado cualquiera, sino el mejor. Eso sí, en un tiempo récord, ya que su experiencia frente al objetivo la delata.

Ella que se define como “generosa, cabezota y bastante expansiva”, también se caracteriza por la gran capacidad que tiene de prestar atención hasta el más mínimo detalle, un rasgo que se evidencia en cuestión de diez minutos a su lado. “El ojo se puede ir educando en la vida, pero si no te fijas en los detalles, poco puedes hacer para tener buen gusto”, relata, al mismo tiempo que reconoce: “Soy una maniática del detalle, me fijo y me acuerdo de absolutamente todo”.

Sobre estas líneas, mesa decorada con individuales de Torres Novas; vajilla, cubertería y candelabros de @2buscadorasdetesoros; flores de Flores Búcaro; y vasos mexicanos de @magicmexbcn.

Sobre estas líneas, mesa decorada con individuales de Torres Novas; vajilla, cubertería y candelabros de @2buscadorasdetesoros; flores de Flores Búcaro; y vasos mexicanos de @magicmexbcn.

Sé cómo quiero vivir y tengo claros los pasos a seguir para conseguirlo

El tiempo transcurrido en el número 8 de la calle Monte Esquinza sirvió, a su vez, para ser testigos del ir y venir que aquel dintel divisa día tras día. Lucía Gil-Casares era la artista cuyas obras albergaba Espattio por aquel entonces, y quienes lo visitaban no dudaban en saludar a la anfitriona del espacio, que, entre cambio y cambio, recibía siempre acompañada por Juanita, su fiel escudera.

En ese sentido, indica: “Tengo una tía portuguesa, que siempre dice una frase que me encanta: El cariño, con cariño se paga. Y en la vida, todo funciona así”. “Nunca hay que olvidarse de las personas que te han tendido la mano, hay que llevarlas selladas en el corazón hasta el final. Y si te llaman con alguna necesidad, estar a sol y a sombra”. Con todo ello, concluye: “Mi mayor éxito en la vida será que no quepa la gente en la misa de mi entierro”.

Con las agujas del reloj marcando las 13:00 horas, admite, entre risas, ser una apasionada de Julio Romero de Torres. Valiente, posa una última vez frente a la cámara. Con Julio como inspiración, ella se presenta como la “Fuensanta”, contemporánea y colorida. No le teme ni a la muerte, ni al fracaso. De hecho, el miedo ni siquiera entra en sus pensamientos. Así, se puso punto y aparte a una mañana en la que se olvidó lo encapotado que estaba Madrid, gracias al mundo de Blanca Barrera-Cuadra.

Pintura de Ángela Solís y Bernardo Sánchez.

El pasado 10 de enero se cumplieron 100 años del nacimiento de Eduardo Chillida, uno de los artistas más universales y laureados del siglo XX. Para celebrar su figura, la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce, con el apoyo del Ministerio de Cultura, el Gobierno Vasco, la Diputación Foral de Gipuzkoa y los Ayuntamientos de Hernani y Donostia-San Sebastián, ha impulsado un completo programa de actividades conmemorativas bajo el lema Eduardo Chillida 100 años. Lugar de encuentro que ha llevado la figura del escultor a diferentes ciudades tanto nacionales como internacionales contribuyendo a la difusión de su obra y su legado.

Más de medio centenar de actividades han sido desarrolladas a lo largo de 2024 para celebrar y divulgar la obra de Eduardo Chillida, tanto en España como en el extranjero, buscando difundir no solo su obra, sino también sus valores, sensibilidad y aportaciones a la historia del arte contemporáneo. El programa multidisciplinar del centenario ha estado compuesto de exposiciones, conciertos, artes escénicas, proyectos audiovisuales, actividades educativas y publicaciones, entre otros, y ha congregado a más de medio millón de personas en este primer año de celebración.

“Los datos de participación en las diferentes actividades que se han organizado demuestran que, desde muy diversas instituciones, hemos logrado que el centenario fuese un lugar de encuentro, con la obra y con sus valores universales, sino también con el impacto que supuso su trabajo en momentos de tanta relevancia en la construcción social de este país”, asegura Luis Chillida, hijo del escultor y presidente de la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce. “La celebración de la efeméride del nacimiento de Eduardo Chillida se ha concebido desde el primer momento como algo vivo y, por eso, muchas de las actividades de este último año han ido surgiendo orgánicamente desde las diferentes entidades que se han sumado a la celebración”.

Una imagen del documental Ciento volando, dirigido por Arantxa Aguirre.

Casi una veintena de exposiciones para celebrar a Chillida

Desde Austria hasta Chile, pasando por Italia y con el País Vasco como epicentro principal, el centenario ha contado hasta el momento con casi una veintena de exposiciones en su programación que han permitido dar a conocer la destacada trayectoria del artista vasco, así como ofrecer nuevas aproximaciones a su obra desde el diálogo con otros artistas o creadores, como en el caso de la exposición Chillida/Balenciaga. Plegar la forma en el Museo Cristóbal Balenciaga, la exposición Eduardo Chillida – Godofredo Ortega Muñoz en el Museo de Bellas Artes de Bilbao o la exposición Sculptors & Spaces: Anthony Caro & Eduardo Chillida en el Museo Würth de Kunselzau (Alemania), entre otras.

Con cerca de 400.000 visitantes, las exposiciones realizadas a nivel nacional han tenido lugar en ciudades como Donostia-San Sebastián, Bilbao, Vitoria, Hernani, Getaria, Avilés o Menorca. Más allá de las exposiciones celebradas en Chillida Leku (Universo Maeght y 100 años de Eduardo Chillida con la Colección Telefónica), el tejido cultural y museístico del País Vasco también se ha volcado con la celebración. Muestra de ello son las exposiciones Jesús Uriarte. Chillida Lanean de Kutxa Fundazioa, Chillida/Balenciaga. Plegar la forma del Museo Cristóbal Balenciaga, Una conversación. Eduardo Chillida y las artes de su tiempo en el Museo San Telmo, Topalekuak en Tabakalera, Eduardo Chillida – Godofredo Ortega Muñoz en el Museo de Bellas Artes de Bilbao o Chillida. Usos aplicados en Artium Museoa, entre otras iniciativas.

A nivel internacional, durante el primer año de las celebraciones se han llevado a cabo exposiciones impulsadas por instituciones internacionales como el Kuntshalle Krems (Austria), el Museum Würth Kunzelsau (Alemania), la Universidad Católica de Chile, el Instituto Cervantes de Roma (Italia) o la Embajada de España en Finlandia.

Vista de la exposición Eduardo Chillida. Gravitation en el museo Kunsthalle Krems. (Foto: Walter Skokanitsch).

Chillida más allá de los museos

Del mismo modo que Eduardo Chillida se inspiró en la música, la naturaleza, la filosofía o la ciencia para dar forma a su obra a través de diferentes disciplinas como la escultura, el grabado, el collage o el dibujo, el centenario ha reunido una programación multidisciplinar con la que homenajear al artista vasco desde diferentes enfoques.

“Eduardo Chillida fue un artista poliédrico y el centenario debía mostrar esa complejidad y diversidad que tan presente están en su obra”, ha recalcado Mikel Chillida, nieto del escultor y director de desarrollo de Chillida Leku. “Todas estas actividades nos han ayudado a visibilizar su lado más personal e íntimo y demostrar que fue un artista total y un curioso descomunal”.

En el ámbito musical, la Euskadiko Orkestra, Musikene, la Sociedad Coral de Bilbao, el Orfeón Donostiarra o la Quincena Musical de San Sebastián organizaron programas musicales especiales dedicados a Eduardo Chillida en el que se han estrenado obras de nueva composición así como la interpretación de obras que eran especialmente admiradas por el artista, como las de J.S. Bach.

La filosofía de Chillida, centrada en la libertad y la defensa de los derechos humanos, es a la luz de los últimos acontecimientos globales, más pertinente que nunca. Acercar esta faceta ha sido otro de los principales retos de la celebración y, para ello, se han organizado diferentes actividades educativas y académicas, permitiendo profundizar no solo en su obra, sino especialmente en su pensamiento y sus procesos creativos.

Del mismo modo, y buscando llegar a otros públicos desconocedores de la obra de Chillida, se han impulsado nuevas publicaciones como el cómic El mapa de Chillida del dibujante David Marto y publicado por Norma Editorial, el libro Una vida para el arte. Eduardo Chillida y Pilar Belzunce, mis padres de Susana Chillida y publicado por Galaxia Gutenberg o la edición especial de Escritos de Eduardo Chillida publicado por La Fábrica. Con ese mismo objetivo, también se han realizado dos nuevos documentales con Eduardo Chillida como protagonista: Poesía y construcción, dirigido por Christoph Goldmann para Canal Arte, y Ciento volando, dirigido por Arantxa Aguirre y producido por A Contracorriente Films y Bixagu Entertainment, que llegará a las salas de cine de todo el país este viernes 10 de enero.

Vista de la exposición Chillida / Balenciaga en el Museo Balenciaga de Getaria. (EFE/Javier Etxezarreta).

Un año especial para Chillida Leku

Chillida Leku, el lugar más personal y ambicioso que durante años construyeron Eduardo Chillida y Pilar Belzunce, ha sido el corazón del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida y lugar que ha acogido un gran número de las actividades de este año de celebración. La efeméride coincidió con la concesión de la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2023 a Chillida Leku por parte del Ministerio de Cultura en el que reconocían al museo como  “una gran obra de arte, donde la fusión entre arte y naturaleza se produce de manera natural”.

“Ha sido un año muy emocionante para Chillida Leku. Siendo el lugar más personal de Chillida, sabíamos que sería el corazón del centenario y así lo han vivido también nuestros visitantes”, ha comentado Mireia Massagué, directora de Chillida Leku. “Durante 2024 nos han visitado más de 85.000 visitantes, una muestra de cómo la ciudadanía ha querido ser parte del legado del escultor en este año tan especial”.

En este lugar tan especial se han podido ver las exposiciones Universo Maeght, la primera exposición de envergadura internacional del museo y en la que se proponía un diálogo entre las obras de Chillida y algunos de los artistas con los que trabajó el histórico marchante Aimé Maeght junto a su esposa Marguerite; o 100 años de Eduardo Chillida con la Colección Telefónica, donde se mostraban obras de los años 80 procedentes del patrimonio artístico de la compañía de telecomunicaciones que también celebraba su centenario.

Un centenario que se extiende también en 2025

Desde sus inicios, la celebración del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida se ha concebido como algo extendido en el tiempo, no circunscrito únicamente al año 2024. Por eso, durante 2025 se tiene previsto nuevas actividades y exposiciones sobre el artista vasco entre las que destacan Harri, Lurra, Huts en Chillida Leku que analiza el universo matérico de Eduardo Chillida, que se inaugurará en febrero; Chillida. Mística y materia en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid, que se inaugurará en mayo, la itinerancia de Jesus Uriarte. Chillida Lanean en la Embajada de España en Alemania, que se inaugurará en junio, o la retrospectiva Chillida Convergence en el San Diego Art Museum de California.

De París al mundo entero. FEARLESS produce la portada de su quinto aniversario desde la ciudad del amor, concretamente desde el restaurante Lafayette, donde nos reciben el interiorista Lázaro Rosa-Violán y la diseñadora Ágatha Ruíz de la Prada. Un binomio, dos titanes de la moda y del estilo que, junto al río Sena, encuentran el mundo rendido a sus pies.

 

P: ¿Cómo os conocisteis?

 

Ágatha Ruíz de la Prada (A.R.): Nos conocimos hace mil años, cuando Lázaro era un bebé y de repente, cuando lo volví a ver…me lo volvió a presentar un amigo en Barcelona y comimos juntos. La verdad es que en aquel momento, no me di ni cuenta de que todo lo que había a mi alrededor lo había hecho Lázaro Rosa-Violán. Y eso que solamente te estoy hablando de España, porque en el mundo entero también ha diseñado los mejores restaurantes y los mejores hoteles. Yo creo que Lázaro es el interiorista con más trabajo del planeta. 

 

Lázaro Rosa-Violán (L): No, pero ya me gustaría. 

 

Entre risas Ruíz de la Prada compara al maestro del interiorismo con David Hicks en sus buenas épocas e incluso matiza, “seguro que tiene más volumen de trabajo”. 

 

A.R.: ¿Sabes lo que pasa con Lázaro? Es súper detallista. Y además es un amigo sensacional. Con todo lo buen interiorista que es, es mejor amigo que interiorista. Imagínate. 

 

P: Pues es difícil eso….

 

A.R. : Eso es imposible, pero lo ha conseguido. Y, además, tiene los mejores proyectos del mundo.

 

L: No, pero yo creo que a tí también te pasa algo parecido. Cuando te gusta lo que haces, siempre digo que no es trabajo. 

 

A.R.: Yo cuanto más trabajo, más contenta estoy. Trabajo todo lo que puedo, lo que pasa es que hay un momento en el que ya estás muy cansada y es que no sabes cómo descansar. 

 

P: Es un interesante punto de reflexión, porque para vosotros: ¿Dónde está el límite? 

 

A.R.: El cuerpo te lo dice. Yo, por ejemplo, ayer o antes de ayer, estaba diciendo: ‘Descansa, descansa’, pero ¿cómo puedes descansar? Es muy difícil. 

 

P: ¿Dormís bien?

 

L:Yo duermo bien, sí. Duermo poco, pero duermo bien. A mí lo que me cuesta es desconectar.

 

A.R: Pero yo no entiendo cómo tú, teniendo abiertos 500 frentes puedes descansar. 

 

L: Tengo un super equipo. 

 

A.R.: Sí, pero son muchas cosas. Mira, Kathy, – se dirige Ruíz de la Prada a la fundadora de esta revista- por un lado está Lázaro y, por otro lado, los infinitos homenajes a Lázaro que  vemos todos los días.

 

  1. : El “lazarismo”,  (replica entre risas)

 

A.R.: Los homenajes que tiene son brutales. Y entonces, te das cuenta que cuando no saben qué hacer, dicen: “Voy a hacer un homenaje a Lázaro”.

 

L: En el sector, vamos a decir, o entre los que nos dedicamos a él, sí existe esa terminología. El “lazarismo” es muy fuerte. Pero bueno, el que primero empezó a acuñar ese tipo de términos fui yo. Yo me acuerdo cuando empecé a hacer proyectos, tenía muy poco presupuesto, y al final, cuando llegaba el interiorista, ya no tenía dinero para nada. Y yo, decía: “¿Y qué hacemos?” Queremos realizar una buena obra. A mi me gusta mucho Palazuelo. Entonces decíamos, vamos a hacer una versión y lo llamamos “Lázaruelos”.

 

A.R.: Ah, ¿por qué lo haciáis? 

 

L: Claro, lo hacíamos. Los teníamos que hacer, pero tenías que estar siempre entre el límite de una copia o una inspiración. Pero siempre nos hemos controlado mucho en ese sentido. Entonces ya se quedó el término “Lázaruelo”. Tanto que incluso con la familia de Palazuelo ya hemos tenido conversaciones, y yo tengo Palazuelos de verdad y me encantan.

 

A R.: Yo de pequeña conocía mucho a Palazuelo. 

 

L: Es muy difícil que no ocurra en el mundo. A ti también te han ‘fusilado’ por todas partes.

 

A.R.: Pero yo creo que hasta gente que te ha ‘hecho un gran homenaje’, luego te llama para que se lo arregles. Hay que tener un morro, ¿eh? 

 

 

P: Nunca se me olvidará cuando estábamos cenando un día en Manero. Había un chico haciendo fotos a diferentes detalles del espacio y yo me levanté y le dije, es bonito, ¿verdad? ¿Te gusta? Y me contestó, sí, me encanta. Y le dije, pues mira tienes ahí al autor. Y era un interiorista que básicamente iba a ‘fusilarte’. A rendir otro homenaje. 

 

L.: Yo tengo una anécdota muy… No sé si es simpática o no, a mí en ese momento no me hizo ninguna gracia. Llego a Ciudad de México y había un sitio que estaba muy de moda y del que todo el mundo había oído hablar. Allí se decía que lo había hecho yo, cuando todavía no había trabajado allí. Cuando llego a la ciudad un amigo mío me dice, te voy a llevar al sitio de moda de aquí. 

 

Yo diseñé en Barcelona un lugar que fue mítico, se llama ‘Big Fish’. No sé si os acordáis de aquel sitio que, para mí y para mucha gente en Barcelona, ha sido un icono. Cuando llegué al espacio en Ciudad de México, aquel sitio era un ‘Big Fish’, un poco magnificado de tamaño, pero era grabado. Total, que me quedé tan alucinado que me senté en una silla y dije, déjame que me tengo que sentar. ‘¿Cómo lo habéis hecho?’ , pregunté. Total, que mi amigo me presentó al dueño y el tío, sin ningún tipo de escrúpulos, me dio la mano, me dio un abrazo. “Lazaro. ¿Qué te parece?” Yo le digo: “Hombre, lo primero es que me siento como en casa. Lo segundo, un poco ultrajado”. Y me dice: “y lo tercero no me lo digas porque lo tercero es que me vas a hacer tu próximo proyecto en México”.

 

A.R.: Eso es lo que le pasa. Y luego fíate el buen carácter porque a lo mejor yo me hubiera enfadado tanto con el señor que ya no lo hubiera hecho. Y Lázaro, no solamente no se enfada, sino que lo conquista. 

 

P: Chicos, ¿la perfección existe?  

 

L: No, siempre se puede hacer mejor. 

 

A.R.: Pero es que yo creo que lo bonito de Lázaro es la imperfección. Y ves este desorden y esta cosa que es como elegante; que las cosas no estén súper nuevas. O sea, la perfección para Lázaro es que es justamente imperfecto, eso es lo que nos gusta de él.

 

L: Yo hay una cosa que no la tengo como un mantra en absoluto de mi trabajo, pero es uno de los pilares que yo digo que dan  “éxito”. Es un poco como los pilares que hacen que las cosas funcionen y que la gente se sienta cómoda. Lo que hacemos nosotros es que siempre dejamos un tanto por ciento, no inacabado, pero… Siempre pensamos que si la gente tiene la percepción de que él mismo se lo podría haber hecho, se siente más cómoda. No se siente fuera. 

 

P: Hacerlo más accesible, quizás. 

 

L: Sí, siempre le añadimos algo de naturalidad. Y no es que esté inacabado, simplemente que es natural. Es como que, oye, lo hemos hecho casi sin darnos cuenta. Esto es una cosa que cuesta mucho entender porque la gente, y los arquitectos en particular, tenemos tendencia a ser demasiado intervencionistas en los espacios. 

 

A.R.: Yo soy fan total, la verdad. Fan total. Y es que para mi, uno de los lujos de mi vida es ser amiga tuya.

 

L: Tú sí que eres un icono. 

 

P: ¿Quién no reconoce algo de Ágatha? Tú ves un corazón y sabes si es de Agatha o si es un ‘homenaje’ a Agatha. 

 

A.R.: Yo he tenido muchos ‘homenajes’ también. Sobre todo en carnaval. Tanto es así, que una vez fui a El Corte Inglés hace mil años y había un disfraz de Agatha. Y entonces hicimos una licencia de disfraces. Dije, ya que lo van a hacer, pues me hago yo la licencia de disfraces. 

 

L: Bueno, porque tú también tocas otro punto. Igual que yo, el de la informalidad. A lo mejor no te gusta lo que te voy a decir, pero creo que todos tenemos un poco de niño dentro, ¿no? Y lo tuyo… No sé si es por el colorido, por las formas, por ese punto un poco ‘naif’ en algún sentido. Yo sé que detrás de todo hay mucha sofisticación, por eso la gente se siente cómoda.

 

A.R.: A mi al principio me ofendía mucho el tema de los disfraces…

 

P: ¿Cómo os inspiráis? Sé que es una pregunta que os la habrán hecho decenas de veces, ¿no? 

 

L: Yo sí que tengo una fuente de inspiración grande y son los viajes, imagino que tú también. Al final, yo creo que cuando tú viajas, te das cuenta que ni tú, ni tu cultura, ni tu país, ni tus costumbres son el centro del mundo. Hay más cosas que ocurren a tu alrededor, de ahí es de donde surge… 

 

A.R.: Pero con todo lo que trabajas, no entiendo cuándo tienes tiempo para ver todas esas cosas.

 

L: Yo viajo y me fijo todo. 

 

A: Es una máquina. Pero para mí, mi fuente de inspiración más bien ha sido el mundo del arte. Mi padre era coleccionista y pude visitar muchos museos. Quizá viaje menos que Lázaro. 

 

P: ¿Pero qué es el arte? ¿Tú crees que el arte es objetivo y hay unos valores universales? ¿O hay subjetividad en la percepción del arte? 

 

A.R.: No, no hay ninguna.

 

P: ¿Esto es bueno o no? 

 

A.R.: Eso está clarísimo. Lo bueno vale mucho y lo malo no vale nada.

 

P: Pero sin embargo, lo malo muchas veces termina triunfando. Hay mucho intrusismo. 

 

A.R.: No, nunca. Lo malo nunca triunfa.

 

L: No

 

 

P: La arquitectura es fundamental y tú, Ágatha, que eres hija de un gran arquitecto, ¿de qué sirve un interiorismo si la arquitectura es mala? 

 

L: Tu padre revolucionó el mundo de la residencia (se dirige Rosa-Violán, hacia Ágatha). 

 

A.R: Cuando yo era pequeña y la gente venía a mi casa, no sabían qué era eso si se tocaba, si no se tocaba. Todo les parecía rarísimo porque era una casa muy vanguardista para su época. Yo vivía ahí y la verdad que lo he agradecido muchísimo porque ha cambiado muchísimo mi vida.

 

P: ¿Y tu nueva casa? 

 

A.R.: En mi nueva casa estoy en ello.

 

P: ¿Algún detalle que nos puedas desvelar? 

 

A.R.: Bueno, la verdad que me llevo casi todo lo de la vieja casa.

 

P: ¿No le vas a dar un toque de Lázaro? 

 

A.R: Sí, me encantaría, aunque sea una pared.  Lo estoy pensando todo el rato. Ya me ha ayudado, me ha hecho un ‘favorazo’…

 

P: ¿Qué es la belleza? 

 

A.R.: Bueno, la belleza cambia mucho con la historia, como ocurre con la historia de la arquitectura, la de la moda, la de la decoración. Ahora mismo, todas las tendencias estéticas tanto en interiorismo, en moda, en belleza, en todo, cambia muchísimo. Tú ahora te maquillas como en los años 70 y la gente diría ¿qué le pasa a esta? 

 

P: ¿Creéis en el destino? ¿Pensáis que, porque sois dos personas claramente de éxito estáis predestinados a alcanzarlo? ¿O es casualidad? 

 

L: Yo creo que también mucha suerte tiene que ver con dónde has caído. Pero yo creo que el destino todo lo haces tú.

 

A.R.: Yo, antes, cuando me iba o colgaba el teléfono, decía adiós y siempre terminaba diciendo: “Suerte”. Lo dije muchos años, luego se me pasó. Yo creo que la suerte es fundamental, pero también te tiene que coger trabajando, como decía Picasso. Es trabajar y trabajar y cuanto más trabajas encuentras más inspiración. 

 

P.:  ¿Creéis en Dios? 

 

A.R.: Yo sí y además creo mucho en el mio, ¿sabes? 

 

P: ¿Lo tuyo qué es? 

 

A.R.: El catolicismo. Lo que pasa es que no voy a misa todas las semanas, Pero cuando voy a misa me encanta y por ejemplo cuando llego a un sitio, no hay una puerta de una iglesia en la que no entre. Es de una riqueza… Yo casi siempre veo las iglesias ¿Tú también o no? 

 

L: Yo también, siempre. Representan muchas cosas. Eran el sitio donde se congregaba a nivel popular todo el arte, porque el arte, durante muchos años, no sólo era decorativo, era didáctico. 

 

P: ¿Creéis que vivimos en una época de crisis de valores?

 

A.R.: No, yo creo que son unos valores distintos, pero eso ha pasado siempre. 

 

L: Bueno, los valores son como las costumbres.

 

P: ¿Y las tendencias en tu mundo, Lázaro? 

 

A.R.: La tendencia es Lázaro. En este momento, la tendencia es Lázaro. 

 

L: No, las tendencias existen y es imposible extraerse de ellas. Lo que pasa es que yo sí que creo que ahora es un momento que… Yo pensaba, cuando estaba en la universidad, que habrá un momento en el que todo valdría. Igual que en la moda, ¿no? Ahora creo que, bueno, puedes estar a la última yendo de muchas maneras. Y no necesariamente sólo en una línea. Pienso que las tendencias existen y que cada vez son más rápidas. Cada vez es todo más acelerado.

 

A.R.: Pero de verdad, la gran tendencia es Lázaro. 

 

L: No, lo que pasa es que sí que abrimos caminos porque trabajamos mucho y no te puedes repetir. 

 

A.R.: Pero tiene que ser distinto, sí. 

 

L: Pero siempre es diferente. Siempre… Yo aparte insisto a todo mi equipo, a todo el despacho, a que el siguiente proyecto tiene que ser una cosa más y una cosa mejor. Otra cosa es que no salga.

 

A.R.: Oye, ¿has tenido alguna época en tu vida un poco más minimalista? 

 

L: Claro. A mí me hace gracia, ¿eh? Porque incluso me parece un piropo cuando gente que va a casas que hemos creado luego te dicen oye, hemos ido a la casa de ‘fulano’ y nos hemos quedado alucinados porque era minimal y era tuya. Y yo digo, bueno es que esta casa es una casa para esta gente. Nosotros tenemos muy claro el briefing que nos dan. Tanto si es un proyecto comercial, como si es un proyecto particular. 

 

A.R.: Una cosa maravillosa de Lázaro es que está muy metido en la moda porque ha hecho muchísimas tiendas y ha reflexionado muchísimo. Porque yo creo que hacer una casa bonita, fíjate lo que te digo, es bastante fácil. Hacer una iglesia bonita es bastante fácil. Pero hacer que El Corte Inglés esté bonito es casi imposible. No, porque es que hay tanta información. 

 

L: Oye, pero lo estamos consiguiendo. 

 

A.R.: Por eso, por eso, por eso tiene mucho mérito.

 

P: ¿A qué le tenéis miedo? 

 

A.R.: Bueno, yo no soy muy miedosa.

 

L: No, miedoso no, pero yo soy muy osado, entonces lo del miedo no lo entiendo mucho. Si no, no estaríamos aquí. 

 

A.R.: Eres un valiente, un valiente total.

 

P: ¿Qué has aprendido del silencio, Ágatha? 

 

A.R.: A mí me gusta mucho el silencio. Mucho, mucho. 

 

P: Da la sensación de que tu cabeza está llena de ruido. Pero imagino que eres capaz de desconectar… 

 

A.R.: No, no, yo soy muy del silencio. Por ejemplo, en mi casa, en verano, el único ruido que oigo es el del mar. A mí me encanta leer, y para leer me molesta mucho que haya ruidos interfiriendo. Por ejemplo, en mi casa no tengo televisión. La música me encanta, me chifla, pero el ruido me molesta mucho. 

 

 

P: Lázaro, ¿qué has aprendido del blanco? Ya que le preguntaba a Ágatha del ruido o del silencio.

 

L: Muchísimo. Es mi color favorito. El blanco aparte no es… La gente dice que es el no-color. No, el blanco no es no-color. El blanco es el resumen de todo lo demás. Además, que tú – se dirige a Ágatha- utilizas tanto color, el blanco se refiere a todo lo que tiene alrededor. O sea, enmarca y además proyecta. El blanco no existe como tal. Es todo lo que tiene alrededor reflejado. 

 

P: Qué preferís ¿día o noche? 

 

A.R: Yo día. 

 

L: Yo es que como no duermo…

 

P: ¿Dulce o picante? 

 

A.R: Yo picante.

L: Yo también.

 

P: ¿Rojo o negro? 

 

A.R.: Rojo

 

P: Lázaro, ¿tú negro? 

 

L: No, no, a mi el rojo me gusta, lo tengo que reconocer.

 

P.: ¿Playa o montaña?

 

A.R.: Yo playa, mucho más.

 

L: Playa. 

 

P.: ¿Frío o calor? 

 

A.R: Calor. 

 

L: A mí me gusta mucho el invierno, sorprendentemente. Porque a mí no me gusta mucho pasar calor. Pero claro, es que el calor también a veces está conectado con la luz. Y la luz te la da el verano. 

 

P: Bueno, ya para terminar, ¿cuál es vuestro deseo para 2025? 

 

A.R.: Uy, yo estoy llena de deseos, pero también deseo un poco de tranquilidad.

 

  1. :¿Crees que la vas a conseguir? 

 

A.R.: Sí, sí, sí. Cuando deseas una cosa, la consigues. Yo estoy acostumbrada a hacer lo que me dé la gana. 

 

P: ¿Y tú, Lázaro? 

 

L: Pues yo, tranquilidad también, la verdad. Es una cosa que me gustaría. Pero eso digamos que lo dejo para otro año. Yo lo que pido es una cosa a mi mismo: un poco de focalización. A ver si el año que viene me la trae. 

 

A.R.: Pero si tú estás súper focalizado. 

 

L: Más focalización. Sí, yo creo que se puede todavía más. 

 

A.R.: Yo como tengo síndrome de déficit de atención, es que ni siquiera me atrevo a pedir estar focalizada. Pero yo lo que sí que pido y me encantaría es seguir teniendo amigos tan maravillosos como los que tengo.

 

Lázaro y Ágatha, Ágatha y Lázaro. Un encuentro lleno de inspiración, emoción y recuerdos. Dos grandes del diseño unidos en un diálogo que celebra su legado y, sobre todo, su futuro. Porque su reinado sigue vivo y, seguramente, por muchos años que pasen, será recordado siempre.

 

El 6 de diciembre se inauguró la apertura del primer Studio Gallery del estudio de arquitectura de TRUEBA STUDIO junto a VISO PROJECT.

 

Este nuevo formato de Studio Gallery se trata de un show temporal que tendrá lugar dos veces al año durante un mes, comisariado y diseñado por TRUEBA STUDIO con el objetivo de promover la obra y artesanía de diseñadores y marcas jóvenes afines a nuestra filosofía e investigaciones.

 

En esta ocasión se inauguró un solo show de VISO PROJECT®️, una marca de diseño coleccionable con sede en Nueva York, a través de una instalación creada por Marcos Trueba. En definitiva se presentó una selección de productos básicos de decoración de VISO PROJECT®️ junto con lo más destacado de la nueva colección Otoño/Invierno 2024 de homeware de la firma, iniciando así su primer pop up fuera de Estados Unidos.

 

Esta instalación especial estará abierta del hasta finales de diciembre, una oportunidad ideal para conocer el trabajo de estos diseñadores y adquirir alguna de sus piezas en exclusiva en España.

Distintos items de la colección de VISO, y Marcos Trueba de TRUEBA STUDIO & Francesco Souriges de VISO PROJECT.

 

Concepto de la Instalación. Notas del estudio:

Para el diseño de esta instalación necesitábamos dos elementos. El primero debía ser una estructura que ordenase el espacio y los productos, y el segundo, un material que uniera los dos mundos de VISO PROJECT y TRUEBA STUDIO.

 

Con este objetivo decidimos utilizar como punto de partida los elementos constructivos normalmente ocultos que constituyen el esqueleto de la arquitectura, dado que esta sinceridad del material y la estructura es una obsesión constante en nuestros proyectos. 

 

Para los córneres de producto empleamos una selección de perfiles de acero de estructura común de pladur, cortados con una modulación que permitiera su segunda vida o reutilización en las obras de TRUEBA STUDIO. Sin embargo, más allá de su propia función estructural, lo convertimos en el revestimiento de la instalación en su totalidad.

 

El material encontrado como aliado común para narrar esta historia fue la espuma de goma, que conforma los interiores de los muros como aislamiento en nuestras obras y a su vez los interiores de los cojines de VISO.

 

Mezclando espumas recicladas de los tres colores que identifican a muchos de los productos de VISO, conseguimos fundir bloques de una espuma marmórea que sería el material estrella de nuestra instalación. Al mismo tiempo, empleamos cortes y despiezamos como si de una piedra se tratase y lo ubicamos como encimera de nuestros bancos y como elemento decorativo en el diseño del escaparatismo, dando otra oportunidad a este material. El resultado es una instalación que pone de relieve la sostenibilidad, la honestidad de los materiales y la sinergia entre ambos estudios.

 

Ubicación y horarios:

LOCAL TRUEBA STUDIO: Calle Escosura 5, Madrid, 28015, España.

Abierto todos los días: 10 AM – 7 PM

Sábados: 10 PM – 2 PM  Domingos: Cerrados

info@truebastudio.com

Fotografías: Yuichi Kimura

 

Este proyecto del interiorista Antonio Calzado se ha convertido en el nuevo oasis de Sevilla, un refugio donde escapar del estrés del día a día. Para este proyecto, el interiorista se inspira en el mediterráneo y en la filosofía del “Slow Life”. Esta vivienda ha sido transformada a través de un proyecto de rehabilitación integral y de diseño interior, cuidadosamente elaborado para convertir la vivienda en un encantador apartamento turístico a escasos minutos del centro de la ciudad. 

Lo que era una casa antigua y con poca luz natural, ahora es un lugar de relajación donde disfrutar del sonido del agua y de la calma visual. Villa Lavanda se encuentra en un precioso rincón de la provincia de Sevilla y en ella se fusiona el estilo Mediterráneo con la actual tendencia del estilo Wabi Sabi. “El reto de este proyecto era sacarle el máximo partido, acabar con la distribución excesivamente tubular y darle muchas horas de luz natural a quienes disfruten de ella”, comenta Antonio Calzado. 

 

 

EL SALÓN Y LA COCINA  

Un espacio completamente abierto donde se unen tres ambientes: salón, comedor y cocina. En el techo, un ritmo de vigas que aporta continuidad a la estancia y unos amplios ventanales que hacen que la Villa esté totalmente fusionada e integrada con el exterior. El diseño de la barra es un diseño bicolor donde se ha jugado con la instalación horizontal combinada con la vertical de estas piezas cerámicas en acabado brillo. 

Los materiales nobles junto con luz natural y las formas orgánicas hacen que esta estancia sea la principal de este proyecto. Este espacio no solo es estéticamente agradable, sino que también prioriza la funcionalidad y el confort. 

 

 

EL BAÑO  

El Baño de Villa Lavanda es todo un sueño, se trata de un baño donde la luz natural incide indirectamente con el microcemento color arena, para crear una iluminación mágica y acogedora. Una ventana conecta el interior de este baño con la piscina que se esconde en el exterior, pensada para baños de desconexión y tranquilidad. La zona de agua está compuesta por una encimera de “solid surface» que contrasta con el lavabo artesanal blanco y negro, una grifería cromada clásica y un tejido floral de fondo rojizo que  concentra toda la fuerza visual del espacio. 

En la zona de la ducha, una mampara diseñada por el propio interiorista que, con curvas orgánicas, nos  recuerda a las olas del mar. En cuanto al plato de ducha, se ha realizado con cantos rodados para que la  experiencia sea totalmente relajante. 

 

 

LOS EXTERIORES  

Las zonas exteriores de Villa Lavanda son unas de esas cosas que no te esperas en la ciudad de Sevilla. El ambiente mediterráneo y la sensación de tranquilidad te envuelve. La protagonista es, sin duda, la piscina. Una piscina totalmente revestida de microcemento que visualmente transmite continuidad y limpieza, y una zona de solárium, para tomar el sol y disfrutar de las veladas de primavera y verano entre amigos y  familiares. 

Villa Lavanda es el claro ejemplo de la capacidad de transformar espacios y darles una nueva vida a través del diseño. La sencillez, la naturaleza, la luz y la calidez son las claves en este proyecto, que han llevado una casa abandonada, a su mejor versión. Antonio Calzado destaca: “La clave de un buen proyecto es  fusionar los materiales con el diseño en base a un concepto, en este caso, el Slow Life”.  

Del 26 de enero al 2 de febrero, BRAFA recibirá a amantes del arte y coleccionistas de todo el mundo en el Brussels Expo. Un total de 130 expositores de 16 países presentarán una exquisita selección de obras provenientes de todas las épocas y continentes. Cada una de estas piezas, al igual que todas las demás expuestas, será minuciosamente examinada por un centenar de expertos internacionales antes de la apertura de la feria.

 

Más de 20 especialidades artísticas estarán representadas, incluyendo pinturas, mobiliario, esculturas y objetos, que abarcan desde la Antigüedad hasta la actualidad. Las obras estarán disponibles en una amplia gama de precios, desde unos pocos miles de euros hasta cifras de siete dígitos.

 

Un adelanto exclusivo: 14 imperdibles de BRAFA 2025

 

Mearini Fine Art: Crucifijo, circa 1490, madera de aliso, H 115 x W 92 x D 16 cm

 

Esta escultura, de una habilidad técnica excepcional, es una obra maestra absoluta dentro de la producción veneciana de crucifijos de madera del siglo XV.

La figura de Cristo ha sido creada a partir de dos piezas de madera de aliso, ahuecadas y ensambladas con una precisión perfecta. Podemos situar su creación alrededor de 1490, en pleno auge del Renacimiento veneciano.

La atribución a Michele Linder, originario de Hamburgo y residente en el distrito de Santi Marcuola y Fortunato, está firmemente respaldada. Linder fue uno de los talladores de madera más destacados de Venecia y el escultor más renombrado de crucifijos de marfil.

 

Dei Bardi Art: El Martirio de Santa Barbara. Tapiz flamenco,

Brujas, circa 1525-1550. Wool and silk, 270 x 198 cm

 

Este tapiz flamenco que representa el Martirio de Santa Bárbara se destaca como un ejemplo sobresaliente de la artesanía del siglo XVI, caracterizado por su paleta de colores excepcionalmente bien conservada.

 

Brujas fue un centro preeminente de tejidos durante este período, con numerosos tapices documentados en inventarios contemporáneos. Sin embargo, muy pocos han sobrevivido, lo que convierte a esta pieza en algo particularmente raro y valioso.

 

La representación del verdugo empuñando un sable curvado sirve como un recordatorio poderoso del contexto histórico de la época, reflejando las incursiones otomanas en Europa Central. Este detalle ayuda a datar el tapiz en el segundo cuarto del siglo XVI.

 

 

Baptista: Bandeja de Plata, Portugal, late 16th century. Peso 1050 gr. Ø 33 cm

DYS44 Lampronti Gallery : Giovanni Antonio Canal (Venice, 1697-1768), Capriccio of the Prisons of San Marco,

circa 1744. Oil on canvas, 105.5 x 127.5 cm

 

Esta bandeja cóncava de plata es un hermoso ejemplo de la platería portuguesa del final del siglo XVI, que a menudo cumplía una función utilitaria en los hogares de las grandes familias de la época.

 

Piezas como esta, ricamente decoradas con elementos geométricos, volutas y motivos de conchas, son testimonio de la sofisticación artística y la habilidad de los artesanos portugueses del período.

 

El valor histórico y artístico de este objeto también se ve respaldado por su presencia en las colecciones de prestigiosos museos, como el Museu Nacional de Arte Antiga en Lisboa, la Fundación Lázaro Galdiano en Madrid y el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

 

DYS44 Lampronti Gallery : Giovanni Antonio Canal (Venice, 1697-1768), Capriccio of the Prisons of San Marco,

circa 1744. Oil on canvas, 105.5 x 127.5 cm

 

Giovanni Antonio Canal, conocido como Canaletto, fue un pintor italiano célebre por sus impresionantes representaciones de paisajes y vistas urbanas de Venecia.

 

Se hizo famoso por sus vedute – representaciones detalladas y pintorescas de vistas urbanas – y sus capricci – composiciones arquitectónicas imaginativas que combinaban la realidad con la fantasía. Su obra, en particular, resonó con la aristocracia británica durante sus grandes viajes por Venecia.

 

Esta obra tiene una procedencia muy distinguida. Fue pintada para el gran mecenas y agente del artista, Joseph Consul Smith, y forma parte de una serie de trece lienzos, que presumiblemente estaban destinados a decorar el Palazzo Mangilli-Valmarana, la casa de Smith en el Gran Canal, justo por encima del Puente de Rialto. En 1762, Smith vendió lo más destacado de su colección al rey Jorge III de Inglaterra, incluyendo esta pintura.

 

Gallery de Potter d’Indoye: Guéridon, circa 1790.

Atribuido a Pierre-Philippe Thomire (París, 1751-1843).
Bronce dorado y patinado, con tapa de mármol, H 90,25 cm x Ø 62,25 cm.

 

Esta mesa pedestal, atribuida a Pierre-Philippe Thomire, grabador y dorador oficial del rey Luis XVI, es una de un pequeño grupo de mesas similares con pedestal de ormolu patinado sobre una base trípode de grifo.

 

Una de ellas se encuentra en el Musée Nissim de Camondo en París, adquirida del proveedor Seligmann, atribuida a Thomire. Otra perteneció a la colección de Boniface de Castellane y Anna Gould en el Palais Rose de París, y fue vendida en Christie’s París el 7 de marzo de 2017, lote 116. Un ejemplar más estuvo en la colección de Helena Rubinstein y John Dorrance, y ahora pertenece a Dalva Brothers en Nueva York.

 

Artimo Fine Arts: Autómata de preguntas y respuestas «libro de amigos» del mago con estuche original de cuero e instrucciones de uso.
Firmado Meussel et Fils, Ginebra, marzo de 1823.
Oro, esmalte y carey, H 20 x An 15 cm (pieza única).

 

Este «Libro del Mago» es el único autómata conocido con forma de libro y un mecanismo de preguntas y respuestas, conservado en su estuche original de cuero con las instrucciones originales.

 

Cuando se activa el mecanismo, revela a un mago de pie en una terraza con vistas al Lago de Ginebra y el Mont Blanc. Este libro, descrito como el autómata más asombroso de la colección del Dr. Maurice Sandoz (1892-1958), era su favorito personal. Lo utilizaba como libro de visitas, donde los visitantes de su espectacular colección en su villa en Burier, Suiza, podían dejar sus impresiones (Revue de Voyages, junio de 1958). Entre los invitados notables se incluyen Anna von Bismarck, el Príncipe y la Princesa Federico de Prusia, el Príncipe y la Princesa Doria Pamphili, Clémentine de Saxe-Coburg-Gotha, Charlie Chaplin y su esposa, entre otros. Durante su vida, Maurice Sandoz solo prestó el libro una vez, para la exposición de 1950 en La Vieille Russie en Nueva York.

 

Galerie Marc Maison: Louis Malard, Cama monumental en estilo egiptomanía, siglo XIX.
Madera de nogal con policromía, H 271 x An 232 x Prof 260 cm

 

Presentada en la Exposición Universal de 1889 en París, esta cama formaba parte de un conjunto completo de dormitorio. Esta obra es un claro ejemplo de la egiptomanía que recorrió el siglo XIX. Mucho más allá de simplemente tomar algunos motivos del repertorio ornamental del Antiguo Egipto, como se hacía en el estilo Imperio a principios de siglo, su creador, el ebanista Louis Malard, multiplicó las referencias para crear una obra con un estilo único. Esto se refleja en el tamaño de la cama, su dosel arquitectónico y las figuras de tamaño natural sentadas, que actúan como mesas de noche a ambos lados, evocando la postura de las inmensas estatuas egipcias sentadas.

 

Claes Gallery: Máscara Songye, República Democrática del Congo, Katanga.
Periodo presunto: finales del siglo XIX – principios del
 siglo XX.
Madera, pigmentos, H 31,8 cm.

 

Esta máscara es una máscara femenina «kikashi», como lo indican los tonos blanco y negro, la ausencia de una cresta sagital y la nariz plana.

Entre las máscaras Songye, se hacía una distinción general en cuanto a la función de las máscaras masculinas y femeninas. Las máscaras masculinas (bifwebe balume) se utilizaban en ritos de iniciación. Por otro lado, las máscaras femeninas (bifwebe bakashi), que aparecían con ocasión de la muerte o investidura de un jefe y durante los ritos lunares, formaban parte integral de la composición simbólica de estos rituales, animando fuerzas espirituales benévolas a través de la danza.

 

Tiara Art Deco de diamantes, Maison Chaumet, París 1909.

 

Esta tiara fue realizada en París en 1909 por la Maison Chaumet para la boda de la hija del Conde y la Condesa de Heeren. Presenta una serie de motivos griegos redondeados, engastados con 2096 diamantes, montados en platino y oro, con un acabado típico «mille-grain». Mientras que la mayoría de las tiaras de la época seguían el estilo guirlande o el estilo tradicional del siglo XIX, esta pieza es un ejemplo temprano de la estética geométrica que definiría el periodo Art Deco, que alcanzó su apogeo en la década de 1920. Fundada en 1780, la Maison Chaumet ha diseñado más de 2000 impresionantes tiaras.

 

Kunstconsult 20th Century Art I Objects: Conjunto de cinco jarrones filetés por Charles Schneider (Château-Thierry 1881-1953 Epinay-sur-Seine), circa 1925.
Vidrio transparente y opalescente en diferentes colores, soplado a mano y moldeado, con rayas verticales aplicadas.

 

Este conjunto extremadamente raro y de alta calidad proviene de la fábrica Schneider, fundada en Épinay-sur-Seine en 1913 por Ernest y Charles Schneider. Charles Schneider fue uno de los indiscutidos maestros del vidrio y cristal al estilo francés, y miembro de la Escuela de Nancy, el movimiento detrás de la expansión del Art Nouveau en Francia y en otros lugares. Estas obras fueron descubiertas a lo largo de un período de treinta años en los mercados de arte francés y neerlandés.

 

Gokelaere & Robinson: Bodil Kjaer (Hatting 1932), Escritorio Presidente, 1959.
Madera de rosa, acero, H 72 x An 210 x Prof 100 cm.

 

Este escritorio de madera de rosa fue creado en 1959 por la artista-diseñadora danesa Bodil Kjaer y fabricado por E. Pedersen & Son en Dinamarca como parte de un proyecto para el Instituto de Tecnología de Massachusetts. El diseño es puro, con líneas claras y refinadas. Es famoso por haber sido utilizado en varias películas, incluyendo tres de James Bond. Este modelo de escritorio ha sido parte de colecciones de celebridades como las del actor Michael Caine, el pianista Oscar Peterson y el príncipe Felipe, Duque de Edimburgo.

 

Cortesi Gallery: Lucio Fontana (Rosario 1899-1969 Comabbio), Concetto spaziale, Attese, 1959.
Pintura al agua sobre lienzo, H 81 x L 99 cm. Firmado e inscrito en el reverso “l. fontana attese 1+1-AE2”.

 

El lienzo romboidal y el alto número de incisiones – catorce – cortadas en tres bandas discretas sobre un fondo blanco, hacen de esta obra un ejemplo muy raro dentro de la producción de Fontana. El movimiento y la distribución de estas incisiones son una medida de energía y dispersión. La fuerza de esta obra, que es irregular en su forma, está vinculada a su rechazo de las normas pictóricas y a su audacia al sugerir una nueva forma de arte. Esta obra única podría considerarse como una anticipación de la serie «Quanta» del artista, un grupo de obras que Fontana creó entre 1959 y 1960.

 

Boon Gallery: Günther Uecker (Wendorf 1930), Wind, 2005.
Clavos y óleo sobre lienzo montado sobre madera, H 200 x L 160 cm.

 

Durante seis décadas, Günther Uecker ha desarrollado sus relieves compuestos por arreglos dinámicos de clavos. En la década de 1950, influenciado por la filosofía oriental y el canto gregoriano, comenzó un ritual de clavar clavos. Estos materiales fueron sinónimo de protección para el artista, quien recuerda clavar tablas en las ventanas de su casa cuando las tropas soviéticas invadieron después de la Segunda Guerra Mundial. En 1957, utilizó clavos en lienzos para crear un efecto óptico de «reloj de sol», proyectando luz y sombra en patrones efímeros. En 1961, Uecker se unió a Heinz Mack y Otto Piene en el movimiento antiexpresionista Grupo Zero, que rechazaba las dimensiones tradicionales del lienzo para explorar dominios cinéticos, seriales y participativos.

 

Galerie von Vertes: George Condo (New Hampshire, Concord 1957), Female Composition, 2006.
Óleo sobre lienzo, H 165.1 x L 152.4 cm

 

Al igual que los ‘Manichini’ o maniquíes metafísicos de Giorgio de Chirico, que rechazan el rostro como símbolo de estatus e identidad, Female Composition encapsula perfectamente el concepto de Realismo Artificial de Condo. A través de este retrato, el artista se burla de las representaciones tradicionales de la feminidad vistas en obras de Rembrandt y Picasso. Esta interpretación irónica muestra a una mujer sin rostro, con pechos, una capa, un collar, además de una cabeza coronada con un sombrero y una zanahoria.

El próximo 27 de noviembre, con motivo de la semana de la diversidad funcional, Alcalá de Henares se convierte en el epicentro de la inclusión artística con la inauguración de «Retazos de Diversidad» en la Sala Kioto, ubicada en el antiguo hospital Santa María la Rica. Esta exposición, organizada por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares en colaboración con la Asociación Alhena, es un proyecto de nuestro reconocido fotógrafo de cabecera Roberto Maroto.

La propuesta artística de Maroto se basa en collages digitales que combinan imágenes de personas con discapacidad intelectual y personas sin discapacidad. Estas composiciones, cuidadosamente elaboradas, borran las barreras visibles entre unos y otros, simbolizando la integración y el entendimiento mutuo. El título de la exposición, «Retazos de Diversidad», subraya cómo cada fragmento, único en su forma, contribuye a un todo armónico y lleno de significado.

 

La exposición estará abierta hasta el 8 de diciembre y es una oportunidad única para disfrutar de una propuesta artística que trasciende lo visual para adentrarse en el ámbito de lo social.

 

Información clave

  • Autor: Roberto Maroto www.robertomaroto.com
  • Fechas: Del 27 de noviembre al 8 de diciembre.
  • Lugar: Sala Kioto, antiguo hospital Santa María la Rica, Alcalá de Henares.
  • Organizan: Ayuntamiento de Alcalá de Henares y Asociación Alhena.
  • Inauguración: Miércoles 27 de noviembre, a las 18:30, con la presencia del autor y autoridades locales.
  • Entrada: Libre hasta completar aforo.

 

«Retazos de Diversidad» nos recuerda que el arte tiene el poder de transformar la percepción y acercarnos a una sociedad más inclusiva. ¡No te la pierdas!

 

Neolith ha sido reconocida con dos galardones en la séptima edición de los Premios Marbella Design & Art por Casa Yin, el elegante espacio diseñado por la interiorista Cristina Puerta e inspirado en el concepto del Yin y el Yang.

 

 

Casa Yin ha conquistado al jurado profesional y al público de Marbella Design & Art al concebir un espacio como un auténtico refugio, que permite redescubrir nuestra fuerza interior, así como la esencia de la tierra y el contraste entre luz y oscuridad. La estancia invita a conectar con uno mismo, en una envolvente atmósfera de elegancia y belleza natural.

 

 

La diseñadora Cristina Puerta recoge los premios junto a los equipos de Neolith y La Ebanisteria.

Gracias a su ambiente sofisticado y único, el espacio de Neolith y La Ebanistería, Casa Yin, ha sido merecedor del segundo premio al Mejor Proyecto y también ha sido galardonado con el Premio INSIDE, espacio más votado entre expositores.

 

“La naturalidad y elegancia del espacio Casa Yin, diseñado por Cristina Puerta, captura en un solo espacio los valores de Neolith: pasión, innovación, colaboración, estilo propio e inspiración. Estamos muy orgullosos de los dos reconocimientos obtenidos en Marbella Design” afirma Andreas Manero, Marketing Director de Neolith.

 

Según Cristina Puerta, diseñadora de Casa Yin, “Estoy eternamente agradecida a Neolith y La Ebanisteria por haber confiado en mí. Casa Yin ha brillado con luz propia gracias a todos los que hemos participado en ella. Hemos creado una gran familia y no puedo estar más orgullosa del trabajo realizado”.

Un equilibrado juego de contrastes con las superficies de Neolith

Para los pavimentos y revestimientos del espacio, Cristina Puerta ha utilizado dos elegantes superficies de Neolith: Amazonico y Everest Sunrise, donde ambas contrastan mediante un estudiado juego de formas geométricas.

Por un lado, el modelo Amazonico de Neolith, de tono verdoso, simula el mármol exótico y recuerda las densas selvas tropicales de América del Sur.

Por otro lado, el modelo Everest Sunrise de Neolith está inspirado en la montaña más alta del mundo, el monte Everest, y es una impecable y equilibrada cuarcita. El modelo combina el color delicado y pacífico que evocan las montañas del Himalaya con una chispa y brillo sutil de oro, que transporta a los amaneceres desde su cima.

Este perfecto juego de contrastes con las superficies de Neolith crea una atmósfera única y sofisticada en Casa Yin.

La ceremonia de entrega de los 7º Premios Marbella Design & Art tuvo lugar el pasado 8 de noviembre en el Museo Fred Friedrich de Marbella y contó con un prestigioso jurado profesional que premió la dedicación y visión creativa de los estudios y empresas colaboradoras de esta edición 2024.

La última creación de HUBLOT y el célebre artista contemporáneo japonés Takashi Murakami ya está aquí, y puede que sea la creación más llamativa y excepcional del dúo hasta la fecha. Presentamos el MP-15 Takashi Murakami Tourbillon Sapphire Rainbow, que reimagina la icónica flor sonriente del artista como una escultura de zafiro engastada con piedras preciosas de colores y equipada con el primer movimiento tourbillon central de HUBLOT. Una edición limitada a tan solo 20 unidades.

 

Trascendiendo las nociones preconcebidas del arte contemporáneo, Takashi Murakami creó su propio movimiento artístico apodado «Superflat», que abarca desde las bellas artes, como la pintura, la escultura y las instalaciones, hasta medios más comerciales, como la moda y la animación. Desdibujando la línea entre la alta y la baja cultura, Murakami funde la estética de la tradición artística japonesa con el arte y la cultura contemporáneos. De todas sus obras, la más icónica es la flor sonriente, que HUBLOT ha querido trasladar al contexto relojero a través de varias piezas de colaboración.

El MP-15 es el símbolo de una amistad en pleno florecimiento, nacido de una pasión compartida por traspasar los límites y superar las expectativas. HUBLOT empezó a trabajar con Murakami en 2021, con el objetivo común de traspasar los límites y superar las expectativas con sus respectivas formas de arte. Tras sus modelos epónimos Classic Fusion y una serie de obras de arte TNF emparejadas con piezas únicas, HUBLOT y Takashi Murakami llevaron su colaboración al siguiente nivel con la presentación del MP-15 Takashi Murakami Tourbillon para la subasta benéfica Only Watch 2023. Reimaginando uno de los motivos más emblemáticos de Murakami, el MP-15 Takashi Murakami Tourbillon retoma la «flor sonriente» y la transfigura a partir de la estética característica de Murakami en una escultura ponible que fusiona a la perfección el arte contemporáneo, la relojería de vanguardia y un engaste excepcional; HUBLOT ha sido pionera en este último aspecto con técnicas inesperadas y un dominio del efecto arco iris perfecto. Para ello, es necesario seleccionar cuidadosamente las gemas que combinan entre sí en una transición perfecta de tonos.

 

 

 Neolith celebra la cultura y la creatividad con un singular espacio diseñado por el prestigioso diseñador de interiores Fabián Ñíguez, inspirado en un templo Zigurat, en el evento sobre diseño y arte ADN Forum 2024, que se celebra del 23 al 27 de octubre en un entorno icónico como la Plaza de Colón en Madrid.

 

En este entorno único de interacción entre el arte y el espacio urbano, Neolith presenta Zigurat, una instalación inspirada en las antiguas civilizaciones, que combina la fluidez y la simetría arquitectónica de los templos de la antigua Mesopotamia con una reinterpretación moderna en un contexto urbano. La fuerza y versatilidad de las superficies Neolith dan una nueva lectura contemporánea a los antiguos templos de culto.

El “Zigurat”, símbolo de ascenso espiritual y conexión con lo divino, se transforma en una estructura que dialoga entre el pasado y el presente. Este espacio efímero invita al visitante a reflexionar sobre cómo los símbolos y formas del pasado pueden ser reinterpretados en el diseño moderno y sobre el paso del tiempo.

 

Con el espacio limitado de un contenedor marítimo, Zigurat de Neolith escenifica mediante su estructura escalonada la búsqueda humana de trascender lo terrenal, incluso en los entornos más restrictivos y tecnológicos de la actualidad. Escenifica la unión de historia e innovación, un puente entre lo espiritual y lo contemporáneo y la búsqueda de una conexión más profunda con la naturaleza, la sostenibilidad y el equilibrio entre innovación tecnológica y herencia cultural.

 

Según dice Fabián Ñíguez, «la arquitectura interna, el uso innovador de las superficies de Neolith junto con las láminas de espejo generan una sensación de amplitud y profundidad, transformando el contenedor en un espacio simbólicamente ilimitado«.

 

Reinterpretando un recorrido singular a través de las superficies Neolith

El recorrido del visitante por esta estructura ascendente evoca la subida a un templo, pero reinterpretado de forma abstracta y contemporánea. Los materiales de Neolith, con su estética moderna y versátil construyen una estructura que invita a la reflexión sobre la relación entre lo antiguo y lo moderno, lo sagrado y lo urbano. Las superficies utilizadas son los modelos Layla e Himalaya Crystal de Neolith.

 

Para escenificar el progreso moderno, la superficie interior se ha escogido en el modelo Neolith Himalaya Crystal, en un acabado pulido. Su juego de láminas espejadas y sus vetas visibles juegan con la idea de que el ascenso hacia lo divino refleja, tanto el entorno, como a los mismos visitantes.

 

Por otra parte, los tonos oscuros y neutros del modelo Neolith Layla, evocan el peso de la historia, la tierra y las civilizaciones pasadas. Sus vetas blancas y su acabado texturizado remarcan ciertos detalles con toques brillantes, escogido en un acabado Slate.

 

Un espacio efímero único de Neolith para ADN Forum 2024

El espacio Zigurat de Neolith, diseñado en exclusiva por Fabián Ñíguez para la exposición ADN Forum 2024, ofrece una experiencia inmersiva que transporta al visitante a un espacio donde pasado y presente se fusionan. La arquitectura, la iluminación y la elección de materiales de Neolith crean una atmósfera envolvente que invita a la reflexión y conecta lo urbano con lo sagrado.

 

«La posibilidad de enmarcar Neolith dentro de un certamen como ADN Forum, que va más allá del arte o la arquitectura, es clave para la marca y está perfectamente alineado con nuestros valores«, comenta Andreas Manero, Marketing Director de Grupo Neolith. «Poder contar con el impresionante trabajo de Fabián Ñíguez y su forma de interpretar los espacios ha propiciado un resultado del que nos sentimos especialmente orgullosos«.

 

La piedra sinterizada de Neolith, gracias a su versatilidad y capacidad para imitar diferentes materiales, permite reinterpretar los materiales tradicionales de la antigüedad de manera contemporánea.

 

El espacio Neolith en ADN Fórum se puede visitar en la Plaza de Colón en Madrid del 23 al 27 de octubre, en una segunda edición que reúne a más de 15 artistas y 20 firmas.

 

Descubre las novedades más recientes de Neolith en www.neolith.com