En el nuevo número de primavera de FEARLESS, Mar Flores protagoniza una edición que florece con ella. Icono indiscutible de los noventa, empresaria y mujer resiliente, atraviesa hoy una etapa de renovación profunda tras la publicación de sus memorias, donde rompe años de silencio y reconstruye, con voz propia, los capítulos más mediáticos de su vida.

Después de haber sido observada, cuestionada y expuesta hasta límites que hoy resultarían impensables, Mar decide tomar la palabra y poner los puntos sobre las íes. “Mi pecado ha sido confiar y la penitencia ha sido pública”, revela con la serenidad que solo da el tiempo. Lejos del ruido que durante años marcó su relato, se muestra firme, reflexiva y dueña de su verdad.

Desde un presente marcado por nuevos proyectos —como su participación en Decomasters— y con varios horizontes profesionales en camino, Mar encarna una evolución consciente: la de quien ya no se esconde ni se justifica, sino que se reafirma. Más libre. Más auténtica. Más ella que nunca.

En esta edición especial, protagoniza una doble portada que respira exactamente lo que representa hoy. Esta primavera, FEARLESS se llena de luz, segundas oportunidades y mujeres que transforman la tormenta en calma.

¡Sírvanse a la carta!

Los clásicos nunca mueren, y en la industria del lujo esa máxima se reafirma cada temporada. Esta primavera, las grandes casas joyeras y relojeras rescatan sus emblemas más icónicos para reinterpretarlos con un giro fresco y vibrante: siluetas eternas que renacen a través del color, la luz y nuevos códigos estéticos. En este número, ese espíritu se traslada a un festín mexicano donde la tradición sirve de escenario a las piezas más deslumbrantes, celebrando un diálogo entre herencia y modernidad que florece con fuerza propia.

El show de Briten debe continuar

Ana Brito, conocida en redes como @elshowdebriten y respaldada por más de medio millón de seguidores, conquista a quien la descubre. Pódcast, libro y televisión dibujan una trayectoria en constante movimiento y siempre acompañada de una sonrisa, recordando que pase lo que pase el show debe continuar.

Un linaje flamenco llamado Amaya

Remedios y Samara Amaya se mueven por el flamenco como quien respira. La voz de la madre, una de las grandes del género en España, parece desafiar al tiempo, mientras su hija, forjando una carrera en solitario, promete dejar su propia huella en él. Ambas conocen los obstáculos de la industria y saben lo que cuesta abrirse camino en ella, pero, al final, su medida del éxito es simple y rotunda: que les guste a ellas.

Pino Montesdeoca, a flor de piel

A los 53 años debutó en un sector que antes miraba con recelo y al que hoy abraza. Con el tiempo, confiesa, aprendió que la moda le abrió los ojos y le cerró la boca. Más de una década después, y tras haber vivido mucho, quizá demasiado, Pino Montesdeoca puede presumir de algo excepcional: haberse encontrado a sí misma. También de formar parte del elenco de un filme de Almodóvar.

¡Abran paso!

España está llena de talento joven que marca tendencia en arquitectura y diseño a nivel global. Ellos son un perfecto ejemplo. Con siete años de trayectoria trabajando en equipo, no han dejado de crear y conceptualizar espacios capaces de despertar todos los sentidos. Son David Meana, Ignacio Navarro, Iñigo Palazón y Ricardo Fernández, y juntos componen Estudio DIIR. Si aún no los conocen, estén atentos, darán mucho que hablar.

A la mesa con el G15 de la arquitectura

Durante años hemos confundido estar conectados con estar juntos. Por eso, cuando un grupo de personas decide apagar los teléfonos y sentarse a hablar, el gesto adquiere una fuerza casi política. La penúltima cena del G15 fue exactamente eso: una mesa compartida como acto consciente, como espacio de escucha y pensamiento, donde la arquitectura dejó de ser solo profesión para convertirse en conversación. Convocada por Mindway y con la presencia de Agatha Ruiz de la Prada como co-anfitriona, la velada reunió a algunas de las miradas más influyentes del panorama arquitectónico y creativo español. No para exhibir logros, sino para preguntarse cómo queremos vivir, construir y contar el futuro.

Vivir es urgente

Cuando la ciencia escucha y la experiencia toma la palabra, la medicina cambia de forma. La Fundación Contigo nace del encuentro entre un oncólogo que aprendió a mirar más allá y una paciente que decidió no aplazar la vida. Una historia sobre cáncer, compromiso humano y la urgencia vital de vivir.

El pasado hecho presente de Gregorio Marañón

Gregorio Marañón y Bertrán de Lis, II marqués de Marañón, acaba de ser reelegido al frente del Patronato del Teatro Real, consolidando más de una década de liderazgo al frente de uno de los escenarios más emblemáticos de España. Abogado, financiero y académico de prestigio, Marañón combina su brillante trayectoria profesional con una pasión desbordante por la cultura y el patrimonio, impulsando proyectos que van desde la revitalización del Teatro Real hasta la creación de fundaciones que protegen nuestro legado histórico. Su historia y sus logros invitan a descubrir cómo una vida puede transformar la cultura de un país.

México: un viaje a todo color

México se despliega como un territorio de contrastes y profundidad cultural, donde la historia no pertenece al pasado y la identidad se expresa en cada gesto cotidiano. Entre paisajes que van del desierto al trópico y una creatividad que atraviesa gastronomía, arte y arquitectura, el país invita a ser leído con calma. Una mirada curada y contemporánea a México, atendiendo a su esencia, su carácter y su extraordinaria capacidad de seducción.

El retorno de Mario Conde

Estrenamos NAMELESS, un cuestionario sin biografía oficial y sin personaje, pensado para quienes ya han sido demasiado visibles como para seguir fingiendo anonimato. Un espacio para Anonymous mediáticos, para hablar cuando ya no hace falta explicar quién eres. Y no es casualidad que este lugar lo ocupe Mario Conde.

Mario fue el primero en habitar este territorio cuando aún no sabíamos muy bien qué iba a ser todo esto. Antes de premios, antes de siglas, antes incluso de tener forma. El nacimiento de FEARLESS fue una portada inédita, un logotipo recién estrenado y un artículo suyo. Así empezó la conversación.

Seis años después, seguimos aquí. Quizá con menos ingenuidad, pero con la misma curiosidad. Por eso tenía sentido volver a empezar con él. Porque hay personas que en lugar de inaugurar secciones, inauguran épocas. Hoy no le pedimos que opine, ni que sentencie. Hoy simplemente le preguntamos. Y escuchamos.

Archidom Studio, estudio de arquitectura e interiorismo firma en Madrid su nuevo proyecto: 61. (Sixtyone), un espacio concebido como una experiencia inmersiva donde pasado y contemporaneidad dialogan a través de la materia, la luz y la memoria.

Grupo Mosh, el grupo que inició su trayectoria en Marbella con Mosh Fun Kitchen, líder en ocio y gastronomía de lujo, presenta en la capital su proyecto más ambicioso hasta la fecha: el restaurante y club 61., un espacio llamado a redefinir la noche madrileña. Detrás de esta nueva apertura se encuentra el sello inconfundible de ARCHIDOM Studio, el estudio que en los últimos años ha firmado algunos de los espacios gastronómicos y de ocio que han marcado el pulso estético del Mediterráneo y que ahora crea en la capital una propuesta destinada a convertirse en referencia.

Ubicado en el número 61 de una calle emblemática del centro de la ciudad, el local ha sido concebido como un escenario envolvente donde cada elemento responde a una narrativa espacial precisa. Desde el inicio, el estudio planteó un objetivo ambicioso: crear un lugar que pareciera haber existido siempre. No como una recreación histórica, sino como una joya latente, descubierta y revelada. Un interior donde la pátina del tiempo no es artificio, sino argumento.

ARCHIDOM, reconocido por su capacidad para convertir espacios en destinos, integra arquitectura, interiorismo e identidad creativa bajo una misma visión, desarrollando en 61. un concepto que equilibra contraste, teatralidad y sofisticación.

Romanticismo veneciano y brutalismo: un diálogo arquitectónico

En 61., ARCHIDOM propone un encuentro inesperado entre el romanticismo veneciano y el brutalismo. La narrativa espacial se inspira en la Venecia aristocrática y en la atmósfera de sus palazzos. El espacio principal se configura como la gran sala de recepción de un noble veneciano: un entorno de luces veladas, reflejos dorados y una decadencia sofisticada que aporta profundidad y carácter.

Las líneas rotundas y los materiales crudos, de inspiración industrial, conviven con detalles ornamentales y guiños clásicos. Una barra de madera de gran presencia articula el conjunto, coronada por una lámpara diseñada a medida por el estudio y realizada por artesanos vidrieros. La chimenea esculpida funciona como hogar central. Los suelos de madera conviven con alfombras antiguas, mientras el techo revestido en pan de oro y plata genera un juego de destellos sutiles que transforma la percepción del espacio a lo largo del día.

La iluminación, concebida como parte esencial del relato arquitectónico, acompaña la evolución natural del lugar: lo que comienza como restaurante muta orgánicamente hacia club sin rupturas, gracias a una arquitectura pensada para cambiar de atmósfera. No se trata solo de diseño, sino de una puesta en escena donde cada recorrido, cada sombra y cada material activan una experiencia sensorial.

La fachada, compuesta por grandes vidrieras artesanales de vidrio coloreado, introduce una dualidad entre exhibición y misterio. Por la noche, el interior proyecta hacia la calle matices ámbar y verdes, convirtiéndose en una presencia cromática singular dentro del paisaje urbano madrileño.

En la zona posterior emerge una segunda escena: el “almacén de arte”. Aquí la estética vira hacia un lenguaje más industrial, evocando el espacio donde se guardan los tesoros acumulados durante generaciones. Vigas con roblones, lucernarios y pilares metálicos contrastan con terciopelos, cortinajes densos y mesas de mármol. La tensión entre lo estructural y lo ornamental genera un equilibrio sofisticado entre contención y exceso.

La gran vidriera central baña el ambiente con una luz cálida que evoluciona al ritmo de la música. El mueble de DJ, esculpido en mármol y acero y diseñado por el estudio, se concibe como una pieza híbrida entre mobiliario y escultura.

El arte como parte de la arquitectura

En coherencia con la visión del estudio, el arte no actúa como complemento, sino como parte estructural del concepto. Las obras, de artistas emergentes y consolidados, se renovarán cada seis meses, manteniendo el espacio en constante movimiento.

ARCHIDOM ha buscado piezas únicas en anticuarios, almacenes e inventarios privados de medio mundo: tapices renacentistas italianos, espejos de gran formato procedentes de palacios franceses y alfombras persas dialogan con obras contemporáneas, generando una conversación entre épocas. Cada pieza ha sido integrada estratégicamente para interactuar con la luz, la circulación y los materiales, reforzando la sensación de estar en un entorno vivo.

La atención al detalle se extiende a todos los elementos del proyecto de Grupo Mosh, con un marcado sello made in Spain: desde el vestuario diseñado por CASONÁ hasta piezas de LOEWE incorporadas en la propuesta estética. El contrapunto internacional lo aporta NIKE, que ha desarrollado una línea especial para el espacio, subrayando su carácter contemporáneo.

Gastronomía y experiencia inmersiva

Fiel al espíritu de Grupo Mosh, 61. apuesta por una exclusividad que no se exhibe, sino que se descubre. Tras una fachada discreta se despliega un universo donde gastronomía, arte, música y diseño conviven de manera natural, sostenidos por una arquitectura que lo articula todo.

La propuesta culinaria, liderada por Franco Franceschini, chef ejecutivo del grupo, dialoga con el entorno: precisa, cosmopolita y con acentos internacionales. La experiencia gastronómica evoluciona al ritmo del espacio, acompañando su transformación y reforzando su carácter inmersivo.

61. se plantea como una experiencia pausada. Un interior que invita a detener la mirada, a descubrir matices en sucesivas visitas y a entender el lujo desde la profundidad material y conceptual.

Marbella y Madrid, unidas por el diseño

Con 61., Grupo Mosh traslada a Madrid la energía y sofisticación que han definido sus emblemáticos espacios en Marbella, junto a la creatividad de ARCHIDOM, que convierte esta expansión en un hito: transformar un local en un escenario y un proyecto en un fenómeno cultural.

El resultado es un interior que no se limita a ambientar, sino que construye relato. Un espacio donde cada elemento posee memoria y cada detalle ha sido sometido a un proceso creativo riguroso.

61. llega a Madrid como un lugar que no se explica, se experimenta. Y lo hace con la firma de ARCHIDOM como garantía de una nueva manera de entender el lujo nocturno: narrativa, sensorial y profundamente arquitectónica.

Lo más destacado de la sociedad civil de Barcelona celebró anoche con gran éxito su esperada Gala del 10º Aniversario, una velada que reunió a lo más destacado del cine, la cultura y la sociedad barcelonesa en un homenaje al cine español y catalán coincidiendo con el mes de los Premios Gaudí y los Premios Goya.

La celebración congregó a un nutrido grupo de intérpretes, creadores, comunicadores y representantes institucionales, confirmando a Gatsby como uno de los espacios donde confluyen cultura y vida social en la ciudad. Entre los asistentes destacaron Kira Miró, Leticia Dolera, Macarena Gómez, Vanesa Romero, Elena Ballesteros, Leonor Lavado, Salva Reina, Nuria Gago, Fernando Andina, Nacho Guerreros, Clara Alvarado, Frank Blanco, Mónica Pont, Alejandra Prat Julio Salinas,  Sergi Barjuán, Jose Antonio Epi, así como figuras vinculadas a la Academia de Cine y al ámbito cultural como Josep Amorós, Javier Balaguer o Josep Mª Civit.. 

La gala contó asimismo con la presencia de Carmen Zapata, alcaldesa de la noche de Barcelona, y de Jordi Badia i Llach, de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona, entre otras personalidades del ámbito institucional y cultural.

Durante la noche, concebida como un gran homenaje escénico al cine español y catalán, Gatsby desplegó su característico formato dinner & show, combinando gastronomía, música en directo y espectáculo en una atmósfera inspirada en el universo del gran Gatsby, en un recorrido emocional por la cultura cinematográfica.

Con esta celebración, Gatsby culmina un mes dedicado al cine dando escenario a actividades oficiales de los Goya y refuerza su posicionamiento como un espacio donde el ocio nocturno dialoga con la cultura y las artes escénicas. Diez años después de su apertura, el proyecto continúa apostando por una experiencia integral basada en la emoción, el detalle y la creación de recuerdos compartidos.

Gatsby: un referente internacional visitado por celebridades

Ubicado en la calle Tuset de Barcelona, Gatsby Barcelona es un dinner & show que desde hace diez años ha contribuido a redefinir la experiencia nocturna de la ciudad. Fundado por Antonio Cano y perteneciente al Grupo Sutton, uno de los grupos más relevantes del ocio nocturno en Barcelona y a nivel nacional, el proyecto, dirigido por Oliver Om, se ha consolidado como un referente internacional por su propuesta que integra gastronomía, espectáculo en vivo y una atmósfera cuidada al detalle. Por sus salones, cuya estética evoca la era de la Ley Seca y el imaginario del gran Gatsby, han pasado a lo largo de la última década figuras globales del cine, la música y el deporte como Leonardo DiCaprio, Lionel Messi, Neymar, Lewis Hamilton, Rosalía, Brad Pitt o Georgia May Jagger, entre muchas otras.

La revista FEARLESS impulsa por segundo año consecutivo el primer campeonato de
catas a ciegas del sector, con una edición dedicada a los vinos blancos y nuevas
conexiones profesionales en el icónico y sofisticado espacio de Doimo Cucine – Cuoco
Spazio.

El diseño y el vino han vuelto a brindar juntos en la segunda edición de la Champions Design Wine, el primer campeonato de catas a ciegas que reúne a los mejores estudios de arquitectura, interiorismo, promotoras y constructoras en una experiencia única donde la intuición, la sensibilidad y el talento se miden copa en mano.

La arquitectura y el vino comparten un mismo origen y una misma ambición: transformar la tierra en emoción. Ambos nacen de un lugar y requieren técnica, intuición y tiempo para alcanzar su plenitud. Como un buen vino, un edificio se construye en capas, con estructura, equilibrio y carácter, como una gran obra, el vino tiene profundidad, textura y memoria. Los dos se diseñan con precisión, pero se disfrutan con los sentidos, y solo cobran verdadero significado cuando alguien los habita, o los saborea.

Esta iniciativa se ha consolidado como una de las citas más singulares y originales del sector, trasladando el espíritu competitivo propio del mundo del diseño al apasionante universo del vino. En esta ocasión, la protagonista ha sido una selección de vinos blancos, elegidos para poner a prueba la capacidad sensorial y el criterio técnico de los equipos participantes en un formato dinámico, exigente y sorprendente. Una velada de tensión elegante y competitividad sofisticada.

Mucho más que una cata

La Champions Design Wine no es solo una competición: es una experiencia multisensorial inmersiva concebida para quienes entienden el networking como arte y estrategia a partes iguales. Guiados por el somelier Raúl Molina, arquitectos, interioristas, promotoras y constructoras comparten mesa, conversación y desafío en un ambiente cuidadosamente orquestado donde cada detalle cuenta, fortaleciendo vínculos profesionales en un contexto diferente, donde el diseño no solo se ve, sino que se siente y se conecta a través del vino.

Doimo Cucine – Cuoco Spazio, escenario de referencia y alma del encuentro

Un evento de categoría cuenta con un anfitrión de categoría: Doimo Cucine – Cuoco Spazio, un espacio concebido como punto de encuentro para la arquitectura y el interiorismo contemporáneo. Más que un showroom, Cuoco Spazio se consolida como un enclave de inspiración y sofisticación en pleno corazón de Madrid, acogiendo iniciativas que combinan diseño, innovación y experiencias diferenciales.

Su apuesta por generar comunidad y propiciar conexiones profesionales de valor ha sido clave en el éxito de esta edición, convirtiéndose en el escenario perfecto para una competición donde estética, materia y sensibilidad dialogan de forma natural.

Consolidada como un hito en la agenda anual de los principales estudios del país, la Champions Design Wine confirma, en su segundo año consecutivo, que existe una nueva manera de hacer networking en el sector: más experiencial, más emocional y más memorable.

La vinculación con Doimo Cucine, firma italiana líder en el diseño y fabricación de cocinas, refuerza el carácter internacional, aspiracional y altamente selecto del campeonato, que premia no solo la precisión sensorial, sino también la excelencia creativa.

Su apuesta por generar comunidad y propiciar conexiones profesionales de valor ha sido clave en el éxito de esta competición, convirtiéndose en el escenario perfecto para una competición donde estética, materia y sensibilidad dialogan con una naturalidad extraordinaria.

Porque cuando el diseño y el vino se encuentran, el resultado siempre invita a brindar de nuevo.

Los participantes

En esta segunda edición, la competición cuenta con equipos liderados por destacados profesionales de algunos de los estudios y compañías más relevantes del panorama actual, entre ellos: Estudio DIIR, Kronos, AQ Acentor, FL-ARE, MORPH, TOUZA Arquitectos, NO Arquitectos y Dazia Capital. Cada equipo, acompañado por otros invitados del sector, ha aportado su propia visión estratégica y creativa a la competición.

Una segunda edición que recoge el legado del primer campeonato

La Champions Design Wine nació en 2024 marcando un hito en la agenda de los principales estudios del país. En aquella primera edición, los equipos compitieron durante meses en una serie de encuentros guiados por el sommelier Raúl Molina, culminando en una gran final dedicada a vinos internacionales.

El podio estuvo encabezado por Archidom Studio y Cuarto Interior, que lideraron la clasificación desde el inicio con 765 puntos. A tan solo dos puntos se situó el equipo del reconocido estudio de Lázaro Rosa-Violán (763 puntos), mientras que el tercer puesto fue para L35 Arquitectos (749 puntos), liderado por Tristán López-Chicheri, responsables de la remodelación del estadio Estadio Santiago Bernabéu.

Aquella edición demostró que el vino puede convertirse en un vehículo extraordinario para generar comunidad dentro del sector, fomentando relaciones profesionales desde la emoción, el conocimiento compartido y la experiencia. Lo que comenzó como una apuesta valiente es hoy una competición esperada, comentada y, sobre todo, deseada por quienes aún no han logrado sentarse a la mesa.

Hoy, en su segunda edición, la Champions Design Wine reafirma su posición como una de las convocatorias más selectas del calendario profesional.

Quien estuvo, quiere volver.
Quien no estuvo, ya pregunta cómo formar parte.

Por Katy Mikhailova

Hay exposiciones que se miran.
Y hay exposiciones que te miran a ti.

“De tripas corazón”, de Rafael Blasco Ciscar (Valencia, 1987), pertenece a la segunda categoría. No es una muestra complaciente ni estética en el sentido decorativo del término. Es una experiencia. Una confrontación. Un espejo orgánico donde lo que creemos residuo se revela como verdad.

Entrar en Mobb Art Club estos días es aceptar una invitación incómoda: mirar la carne cuando ya no es cuerpo, el resto cuando ya no tiene función, el desecho cuando ya no puede esconderse bajo la alfombra del lenguaje. Rafael trabaja con chatarra, restos industriales, estructuras metálicas que evocan conductos, sistemas de ventilación, anatomías técnicas. Pero lo que construye no es solo escultura. Es una pregunta.

¿Dónde empieza lo vivo y dónde termina lo industrial?
¿En qué momento el cuerpo se convierte en objeto?
¿Y cuándo el objeto empieza a latir?

Hay algo profundamente honesto en su propuesta. No busca redimir la ruina ni estetizar el escombro. Lo expone. Lo enfrenta. Lo deja ser materia cruda, fragmentada, mutilada incluso. Y en ese gesto radical hay una ética: la de no disfrazar lo que somos como sociedad. Vivimos en un sistema que consume, tritura y expulsa. Un sistema digestivo sin exterior. Todo circula. Todo se transforma. Todo vuelve como residuo.

Sus piezas parecen órganos sin cuerpo, intestinos sin biografía, tubos que no conducen aire sino memoria. Son arquitecturas mutantes, entre lo orgánico y lo cyberpunk, entre el matadero y la fábrica. Y sin embargo, no hay morbo. Hay reflexión. Hay silencio.

Me impresionó especialmente esa sensación de umbral constante. No hay categorías estables en su obra. No sabes si estás ante algo vivo o muerto, ante algo natural o artificial, ante algo bello o perturbador. Y tal vez ahí reside su fuerza: en obligarnos a dar vueltas, a rodear la pieza, a no consumirla de un vistazo rápido. Como si el significado no estuviera en la superficie sino en la insistencia.

“De tripas corazón” no es solo un título. Es una declaración. Es transformar lo visceral en gesto creativo. Es asumir que del desecho también nace pensamiento. Que del resto puede surgir estructura. Que del interior más crudo puede emerger una forma.

En un momento cultural obsesionado con la imagen limpia, con la estética filtrada, con lo perfecto y lo vendible, Rafael Blasco propone lo contrario: lo que incomoda, lo que no encaja, lo que no se deja asimilar fácilmente. Y eso, en sí mismo, es profundamente contemporáneo.

Salí de la exposición con una sensación extraña. No era entusiasmo ligero. Era algo más denso. Una especie de conciencia corporal. Como si el arte me hubiera recordado que también yo soy sistema, materia, proceso. Que también nosotros acumulamos restos, silencios, fragmentos.

Y que quizá, en tiempos de saturación simbólica, mirar el escombro con honestidad sea un acto político.

Hay exposiciones que se olvidan al día siguiente.
Esta no.

Porque no se queda en la retina.
Se queda en las tripas.

“Comerse una manzana nunca había sido tan cool”. Con este espíritu, Pink Lady sorprendió el pasado 12 de febrero en pleno corazón de Madrid con una frutería pop-up efímera que transformó lo cotidiano en extraordinario. Coincidiendo con San Valentín, la marca convirtió una simple pieza de fruta en el nuevo love spot urbano.

Lejos de una acción promocional al uso, la firma materializó su nueva campaña europea —“Muy crujiente. Muy jugosa. Muy cool.”— en una experiencia real, inmersiva y absolutamente instagrameable. 

Una frutería futurista que rompió Instagram

El espacio sorprendía desde el primer paso: una estética metalizada e industrial que reinterpretaba las cámaras frigoríficas tradicionales con un giro contemporáneo. El resultado era un entorno inesperado, brillante y casi cinematográfico, donde la manzana se elevaba a icono lifestyle.

La atmósfera invitaba a fotografiar cada rincón. Entre luces, superficies cromadas y detalles cuidados al milímetro, la marca logró que el producto trascendiera su condición de fruta para convertirse en tendencia.

Degustaciones, cócteles y tatuajes: así se vivió el evento

En el interior, la experiencia combinó degustaciones de aperitivos con la manzana como protagonista indiscutible y una carta de cócteles inspirados en distintas love vibes de San Valentín.

La música marcó el ritmo de la velada gracias a un DJ set en directo, mientras un photobooth personalizado permitía inmortalizar el momento. Para los más atrevidos, un tatuador ofrecía la posibilidad de llevarse un recuerdo permanente de esta experiencia efímera.

La acción funcionó además como puente entre campaña y retail, trasladando la marca del lineal del supermercado al universo emocional y aspiracional del consumidor urbano.

El nuevo mood de Pink Lady en Europa

Con más de 25 años de historia, Pink Lady inicia una nueva etapa en Europa reafirmando su carácter premium y su ambición de reencantar la categoría.

Su nuevo posicionamiento celebra el gesto de morder una manzana como expresión de placer y libertad. El crunch —ese sonido inconfundible— se convierte en firma sensorial y en símbolo de actitud.

Cuando lo cotidiano se vuelve icónico

En un mercado donde la manzana ha sido tradicionalmente percibida como un producto básico, Pink Lady reivindica su poder cultural. La frutería pop-up de Madrid demuestra que incluso lo más cotidiano puede convertirse en objeto de deseo cuando se mira desde otra perspectiva.

San Valentín fue la excusa. La estrategia, mucho más ambiciosa: posicionar la manzana no solo como alimento, sino como experiencia. Porque para Pink Lady, la fruta no solo se consume. Se siente. Se comparte. Se desea.

La inteligencia artificial (IA) se ha convertido en uno de los debates más decisivos del siglo XXI. Su impacto ya es tangible en nuestra vida cotidiana y en sectores estratégicos de la economía global. Sin embargo, junto a sus enormes posibilidades, emergen interrogantes éticos, sociales y políticos que no pueden ignorarse.

La pregunta es tan directa como incómoda: ¿estará la IA al servicio del bien común o quedará concentrada en manos de unos pocos actores con capacidad de controlarla?

Los grandes beneficios de la IA

La IA ya está transformando múltiples ámbitos con resultados prometedores.

En salud, permite diagnósticos más rápidos y precisos, acelera el desarrollo de nuevos medicamentos y mejora la atención a personas con discapacidad mediante tecnologías de apoyo avanzadas.

En medio ambiente, facilita la predicción de desastres naturales, optimiza el uso de recursos y ayuda a diseñar políticas de sostenibilidad basadas en datos.

En educación, rompe barreras geográficas y lingüísticas, personaliza el aprendizaje y amplía oportunidades para estudiantes que antes quedaban excluidos del sistema.

También contribuye a la detección de fraudes y corrupción, impulsa la investigación científica en campos como la física, la biología o la astronomía, y ofrece soluciones para el acompañamiento de personas mayores y dependientes.

Más allá de sus aplicaciones prácticas, la IA nos obliga a reflexionar sobre cuestiones profundamente humanas: ¿qué significa ser persona?, ¿qué es actuar con justicia?, ¿cómo preservar el sentido y la dignidad en una era tecnológica?

Riesgos que no se pueden ignorar

Junto a sus beneficios, la IA plantea riesgos de enorme calado.

  • Deshumanización de las relaciones y posible pérdida de empatía en interacciones mediadas por sistemas automatizados.

  • Desempleo y aumento de la desigualdad derivados de la automatización del trabajo.

  • Concentración del poder económico y tecnológico en un reducido número de empresas y países.

  • Vigilancia masiva y pérdida de privacidad, especialmente mediante reconocimiento facial y rastreo digital.

  • Sesgos y discriminación algorítmica en decisiones judiciales, financieras o laborales.

La propia UNESCO ha advertido: “Los algoritmos no son neutrales; reflejan los valores de quienes los diseñan.” Esta afirmación subraya que la tecnología nunca es completamente objetiva: siempre incorpora decisiones humanas.

El gran desafío: la democratización

Actualmente, el desarrollo más avanzado de la IA se concentra en grandes corporaciones tecnológicas como Google, Microsoft, Meta, Amazon, Apple, Baidu y Tencent, así como en potencias como Estados Unidos y China.

Estos actores controlan modelos avanzados, infraestructuras críticas y enormes volúmenes de datos. Si no se impulsa una democratización real, aumentarán la dependencia tecnológica, la manipulación política y la exclusión de países y comunidades sin acceso a estas herramientas.

En esta línea, el papa León XIV afirmó: “Nuestra vida personal tiene más valor que cualquier algoritmo, y las relaciones sociales requieren espacios para desarrollarse que trascienden con creces los patrones limitados que cualquier máquina sin alma puede prefabricar.”

Camino hacia una IA inclusiva y justa

Para que la inteligencia artificial esté verdaderamente al servicio del bien común, son necesarias medidas concretas:

  1. Leyes claras y justas que regulen su desarrollo y aplicación.

  2. Educación ciudadana, ampliando el debate más allá de expertos y tecnólogos.

  3. Proyectos éticos y colaborativos que prioricen el interés público.

  4. Transparencia empresarial y gubernamental en el uso de algoritmos y datos.

  5. Participación activa de la sociedad civil, universidades, comunidades religiosas y medios de comunicación como contrapeso democrático.

Una decisión de futuro

El historiador y filósofo Yuval Noah Harari lo sintetizó con claridad: “La cuestión no es si las máquinas pensarán como los humanos, sino quién controlará a esas máquinas.”

La inteligencia artificial puede convertirse en un instrumento de justicia, solidaridad y progreso humano, o en un mecanismo de control y concentración de poder.

La dirección que tome no está predeterminada por la tecnología, sino por las decisiones políticas, éticas y sociales que adoptemos hoy. Solo mediante una acción conjunta y responsable será posible construir una IA inclusiva, justa y verdaderamente al servicio de todos.

Crédito de apoyo y fuente:
Contenido elaborado con el apoyo de ChatGPT (OpenAI, versión GPT-5), consulta realizada el 26 de agosto de 2025.

Los fabulosos años veinte continúan capturando la imaginación del mundo, y en este contexto, el estilo Art Déco floreció como una manifestación del optimismo de la época y de los momentos históricos que marcaron ese período. El monumental descubrimiento de la tumba de Tutankamón en el Valle de los Reyes, con sus muebles finamente decorados, influyó profundamente en el diseño y la estética de la era. Luxor, la nueva colección de ARTE, se inspira en este vibrante periodo histórico y su estilo Art Déco, fusionando influencias egipcias con la modernidad de los años veinte.

La colección Luxor se caracteriza por sus diseños geométricos que evocan la magnificencia del Art Déco y las formas icónicas de la cultura egipcia. Los patrones y las texturas están realizados con técnicas innovadoras de impresión y una paleta de colores naturales, lo que confiere a cada pieza una textura sorprendentemente detallada y realista. Completa la colección un panorama de gran riqueza escénica que captura la esencia de un mundo de lujo y misterio.

Gizeh

Inspirado en las imponentes pirámides de Egipto, que dominan el paisaje desértico y se han convertido en un símbolo de poder y misterio. Este patrón captura la forma majestuosa y dominante de las pirámides, que se erigen como guardianas del paisaje árido, creando una atmósfera de eternidad y solidez.

Amulet

Un diseño que rinde homenaje a las lujosas joyas del Art Déco, con un diseño elegante que evoca el lujo de esa época. Basado en las preciosas joyas de los años veinte, el diseño de Amulet destaca por su sofisticación y detalles finos que evocan la elegancia de los interiores lujosos de la época.

Delta

Una interpretación del curso sinuoso del Nilo, la arteria vital del antiguo Egipto. Este diseño refleja la majestuosidad y serenidad de la desembocadura del río, simbolizando la fertilidad y la vida que ofrece el Nilo, todo ello representado con líneas suaves y curvas que evocan la fluidez del agua.

Horus

Inspirado en el dios egipcio Horus, conocido por su sabiduría y visión. El elegante patrón geométrico de este diseño refleja claramente las influencias del Art Déco, creando una pieza armoniosa que celebra la grandeza de la mitología egipcia a través de sus líneas estilizadas y elegantes.

Benoe

Una reinterpretación moderna de un motivo geométrico clásico, inspirado en el ave mítica Benoe, que renace cada mañana como el sol. Este diseño simboliza la renovación y la perpetuidad, con una serie de formas geométricas que evocan la riqueza de la cultura egipcia y la tradición del arte antiguo.

Thebe

Un impresionante panorama que captura la esencia del Antiguo Egipto. Con palmeras que se mecen suavemente, las majestuosas pirámides al fondo y el fluir del Nilo, Thebe crea una escena llena de vida y sorpresas. Entre estos elementos, se ocultan flores y animales que dotan al paisaje de una dimensión mágica. El tejido de arpillera fil-à-fil añade una profundidad excepcional, haciendo que el panorama parezca elevarse de la pared.

El restaurante Los 33 acaba de escribir una nueva página en su historia: ha recibido su primer Sol de la Guía Repsol en la gala celebrada en Tarragona el pasado 16 de febrero de 2026. Un reconocimiento que no solo confirma su excelencia gastronómica, sino que lo consolida como uno de los locales imprescindibles del panorama madrileño.

Ubicado en el vibrante barrio de Las Salesas, el proyecto impulsado por Ignacio Ventosa y Sara Aznar nació hace casi cuatro años con una idea clara: crear el restaurante al que ellos mismos querrían ir. Hoy, esa visión cercana, honesta y centrada en el disfrute compartido se ve respaldada por uno de los galardones más codiciados del sector.

Un Sol que premia la honestidad y el producto

El Sol de la Guía Repsol distingue a aquellos restaurantes que recomendarías sin dudar y a los que siempre deseas volver. En el caso de Los 33, el jurado ha valorado especialmente la calidad de la materia prima, la coherencia de su propuesta culinaria y un servicio atento y profesional, acompañado de una bodega inquieta y bien seleccionada.

“Recibir nuestro primer Sol es una alegría inmensa y un orgullo compartido”, han declarado sus propietarios, que destacan el esfuerzo y la pasión de todo el equipo como el verdadero motor del proyecto.

Brasas, identidad hispano-uruguaya y una cocina con alma

Al frente de los fogones está el chef Oswaldo González, quien ha sabido construir una propuesta que tiende un puente entre España y Uruguay. La carta apuesta por platos sencillos, donde el producto de temporada y la excelencia en los cortes son protagonistas absolutos.

La leña y el fuego no son solo una técnica, sino el alma de la casa. Carnes, pescados y verduras pasan por la parrilla con un respeto absoluto por el origen y el proveedor, configurando una experiencia gastronómica auténtica y reconocible.

Cocina ininterrumpida y un espacio para todos los planes

Uno de los grandes atractivos de Los 33 es su cocina non stop, abierta de 13:00 a 01:00 horas. Esta amplitud horaria ha convertido al restaurante en punto de encuentro para comidas de negocios, cenas entre amigos, citas informales o copas nocturnas.

El espacio se divide en dos ambientes: una zona más informal, con mesas altas y sofás sin reserva, y otra más formal, con mesas bajas frente a la parrilla y posibilidad de reserva. A ello se suma una gran barra en la entrada, perfecta para disfrutar de su propuesta líquida.

Una bodega de más de 100 referencias y coctelería de autor

La bodega de Los 33 reúne más de 100 vinos que combinan grandes etiquetas nacionales e internacionales con referencias singulares difíciles de encontrar. Una selección pensada tanto para el aficionado clásico como para el explorador inquieto.

La coctelería, bajo la dirección creativa de Kevin González, eleva la experiencia con seis cócteles de autor y dos mocktails fijos en carta, además de propuestas rotativas según temporada, diseñadas para armonizar con la intensidad de las brasas.

Reconocimientos que consolidan su posición en el ranking gastronómico

Este primer Sol Guía Repsol se suma a una trayectoria ascendente. En 2024, Los 33 ya fue reconocido como restaurante recomendado por la Guía Repsol. En 2025, obtuvo la distinción de recomendado por la Guía Michelin, y actualmente ocupa el puesto número 15 en el ranking internacional The World’s 101 Best Steak Restaurants.

Con este nuevo galardón, Los 33 no solo reafirma su identidad basada en el respeto al producto y el fuego como eje central, sino que se posiciona definitivamente como uno de los restaurantes de moda en Madrid que marcan tendencia y elevan el listón de la gastronomía capitalina en 2026.

La música volvió a ocupar el lugar que merece dentro del universo cinematográfico con el encuentro de nominadas y nominados a Mejor Canción Original organizado por la Academia de Cine en Gatsby Barcelona. Una cita que puso el foco en una de las categorías más emocionales del cine español y que contó con el respaldo de Maestro Dobel, firma creadora del primer tequila cristalino del mundo, que acompañó la experiencia celebrando la maestría en todas sus formas: la musical y la artesanal.

El lado más íntimo de las canciones nominadas

En un formato cercano y distendido, el público pudo adentrarse en el proceso creativo de algunos de los compositores e intérpretes responsables de las piezas seleccionadas.

Paloma Peñarrubia Ruiz, nominada por ¡Caigan las rosas blancas!, compartió la inspiración detrás de una obra cargada de simbolismo y sensibilidad.

Por su parte, Alba Flores y Silvia Pérez Cruz, nominadas por Flores para Antonio, reflexionaron sobre la conexión entre música y memoria, subrayando cómo una canción puede convertirse en refugio emocional y vehículo de identidad colectiva.

El músico Leiva, nominado por Hasta que me quede sin voz, abordó el reto de integrar su universo artístico en la narrativa cinematográfica sin perder autenticidad, destacando el equilibrio necesario entre historia y personalidad musical.

La canción como arquitectura emocional del cine

También participaron Víctor Manuel, nominado por La Cena, y el equipo formado por Blanca Paloma, Luis Ivar y José Pablo Polo, nominados por Parecido a un asesinato. Todos coincidieron en reivindicar la música como elemento estructural del relato fílmico, capaz de amplificar emociones y otorgar profundidad a cada escena.

El encuentro se consolidó como un espacio de diálogo intergeneracional que puso en relieve la riqueza y diversidad de la música cinematográfica española actual. Más allá de la competición, la conversación giró en torno al oficio, la sensibilidad y el poder de una canción para trascender la pantalla e instalarse en la memoria colectiva.

Maestro Dobel: celebración de la maestría artística

La velada contó con el patrocinio oficial de Maestro Dobel, creador del primer tequila cristalino del mundo. La marca acompañó la experiencia con una propuesta de degustación premium alineada con el carácter exclusivo del encuentro.

Referente del tequila premium y ultra-premium, Maestro Dobel refuerza así su posicionamiento en el territorio cultural y cinematográfico, conectando con una audiencia contemporánea de sensibilidad artística y espíritu sofisticado.

Barcelona reafirma su papel cultural

Con este encuentro, Barcelona consolida su papel como escenario cultural de referencia, acogiendo un evento que sitúa la música en el centro del relato cinematográfico. Una celebración del talento, la emoción y la excelencia creativa que demuestra que, en el cine, las canciones no solo acompañan: también cuentan historias.