Después del éxito cosechado el pasado mes de julio con el UOVO FEST, protagonizado por Ainhoa Moreno y sus obras escultóricas inspiradas en el huevo, este jueves, 10 de octubre, aterrizan en Cuoco Spazio los “pollitos” de Juan Lloret. Una nueva exhibición artística que se enmarca en el calendario de exposiciones ‘FoodArt’, promovido por la revista FEARLESS, y cuyo eje central emerge siempre de lo culinario. 

 

Los coloridos pichones de Lloret serán los protagonistas indiscutibles de una muestra que permanecerá en el mencionado showroom de la marca italiana Doimo Cucine hasta el mes de diciembre. Muchas de las piezas han sido personalizadas especialmente para la ocasión, ya que también se pretende rendir homenaje a destacadas figuras del mundo de la arquitectura y el interiorismo, como Lázaro Rosa-Violán, Tristán López-Chicheri y Héctor Ruiz, así como a figuras públicas de la talla de Bea Fanjul, quienes asistirán al evento para recoger su “pollito”.

 

Se trata de una iniciativa que, una vez más, busca consolidarse como un punto de encuentro entre profesionales del diseño, el arte o la comunicación, entre otros. Su objetivo reside en crear una atmósfera única capaz de fusionar el arte con la cocina de manera creativa. Porque, como acostumbramos a decir en FEARLESS: ya no comemos por comer, sino que comemos para sentir.

 

 

El próximo martes 8 de octubre, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson presenta Colección Masaveu. Arte español del siglo XX. De Picasso a Barceló, una exposición que reúne las obras más destacadas del arte del siglo XX presentes en las colecciones Masaveu. La muestra, de acceso gratuito, se podrá ver en el centro de la Fundación en Madrid del 9 de octubre de 2024 hasta el 20 de julio de 2025.

 

Comisariada por María Dolores Jiménez-Blanco, profesora de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, la exposición se estructura en diferentes secciones que trazan un completo itinerario del arte español del siglo pasado. En ella el visitante podrá disfrutar de un centenar de pinturas y esculturas muy representativas de distintos movimientos y artistas entre los que se encuentran: Pablo Picasso, María Blanchard, Juan Gris, Sorolla, Joan Miró, Salvador Dalí, Luis Fernández, Antonio López, Carmen Laffón, Antoni Tàpies, Manuel Millares, Eduardo Chillida, Esteban Vicente, Juan Genovés, Eusebio Sempere, Soledad Sevilla, Pablo Palazuelo, Cristina Iglesias, Juan Muñoz o Miquel Barceló, entre otros.

“La casa de la Luz” de Simon, ubicada en el emblemático edificio de Fernando Higueras y Antonio Miró (Calle de Santa Cruz de Marcenado, 1), acoge desde el pasado 26 de septiembre la exposición “Re_habilitación dentro del tejido urbano”, desarrollada por Impar Grupo y enmarcada en el calendario del FEARLESS FEST.

 

 

El nuevo showroom de la multinacional tecnológica en la capital se ha consolidado como el escenario de una nueva muestra de arquitectura, diseño, construcción y sostenibilidad, que pretende poner en valor la trayectoria de una firma tan reputada a nivel nacional e internacional como Impar Grupo.

 

 

Una vez más, FEARLESS ejerce como comisaria de la exhibición, la cual se divide en tres espacios diferenciados. Por un lado, la zona dedicada a la conservación del edificio, poniendo en valor la recuperación de los valores originales, a la que se ha denominado “Re_cuperación”. “Re_composición” es otra de las áreas de la exhibición. Esta, se enfoca en la conservación de las partes del inmueble, haciendo un ejercicio de composición de lo nuevo con lo antiguo. Por último, la “Re_interpretación”, donde se enfatiza en la construcción de un nuevo edificio interpretando e integrando los valores principales del entorno.

 

La inauguración se llevó a cabo el pasado jueves 26 de septiembre a las 19:00 horas. Al igual que en ocasiones anteriores, estuvieron presentes los tres organizadores, tratando de generar alianzas entre profesionales del sector.

 

National Geographic presenta la exposición Historias de Deporte, una muestra con fotografías tomadas a lo largo de más de 100 años en distintos rincones del mundo que se han reunido por primera vez en lo que será un recorrido en el tiempo para conocer cómo ha sido la práctica de diferentes disciplinas deportivas hasta la actualidad.

La exposición se compone de 82 imágenes inmortalizadas por los fotógrafos de National Geographic y podrá verse del 23 de septiembre al 1 de diciembre en el Paseo del Duque Fernán Nuñez, en el Parque del Retiro de Madrid. “La dedicación por mostrar el esfuerzo deportivo es una de las características de National Geographic que queda plasmado en este conjunto de fotografías”, afirma Paloma Martín, directora de programación de National Geographic en España.

 

La muestra, un viaje en el tiempo donde la fotografía más antigua es de 1880 y la más reciente fue tomada en 2021 durante la pandemia, es también un retrato vivo del deporte y las historias de superación de las personas que lo practican. Las imágenes recorren diferentes escenarios y entornos en los que, además, se reflejan las particularidades culturales de los lugares donde fueron realizadas esas fotografías. 

“Como periodista deportiva he vivido el deporte desde el punto de vista competitivo y he visto fotos preciosas en las que se reflejaba el esfuerzo, la acción, la alegría por el éxito o la tristeza por la derrota pero siempre había un punto de vista más allá: el deporte como actividad social y cultural. En esta exposición vemos de todo: competición, alegría, deporte, cultura, ocio, naturaleza, tradición… Y todas ellas con un enfoque fotográfico extraordinario. Creo que todo el mundo debería pararse a ver esta exposición, seguro que van a aprender mucho”, comenta Paloma del Río, periodista y embajadora de la exposición.

 

Paloma del Río, periodista deportiva y embajadora de la exposición, y Paloma Martín, directora de programación
de National Geographic en España. Foto: Javier Echánove

 

Con ello, el público apreciará cómo la práctica del deporte se convierte en una actividad común y compartida por los seres humanos en distintos tiempos y en cualquier rincón del mundo, pero a la vez aunando contextos geográficos y culturales que los hacen singulares. Desde el baloncesto y el fútbol a la escalada, pasando por el buceo, el montañismo o la equitación, la selección lanza también una mirada a los deportes tradicionales y prácticas minoritarias.

En esta exposición en el Paseo del Duque Fernán Núñez, en el parque madrileño, lugar muy habitual de deportistas y visitantes, se incluyen también fotografías de diferentes puntos de España, que cuentan con deportes autóctonos –como los castellers en Cataluña o los harrijasotzailes (levantadores de piedras) del País Vasco–, así como imágenes históricas de Alfonso XIII y Victoria Eugenia, retratados por Harriet Chalmers Adams, practicando equitación.

De este modo, National Geographic invita al público a sumergirse en estas fotografías y ver más allá de una escena deportiva: captar toda una forma de vivir, el amor por el deporte, la constancia y el afán de superación. Unos valores que han podido verse, por ejemplo, este año en los Juegos Olímpicos y Paralímpicos de verano.

 

El Paseo del Duque de Fernán Núñez en el parque madrileño es el escenario de la exposición organizada por
National Geographic. Foto: Javier Echánove

 

Del deporte tradicional a la práctica extrema

El trabajo de los fotógrafos de National Geographic permite que este recorrido por el tiempo muestre la evolución de algunas disciplinas deportivas, así como las manifestaciones culturales que forman parte de otras. Además, el entorno natural es protagonista en algunas de las imágenes, y de manera sobresaliente destaca en una buena parte de las fotografías el desafío que los y las deportistas asumen para alcanzar mayores metas.

Desde los estadios y arenas profesionales, hasta los terrenos naturales más variados y espacios que se convierten en canchas improvisadas, en estas imágenes la actividad física va más allá de los deportes tradicionales y de equipo y reflejan la resistencia, la aventura, la fuerza y la destreza en cada una de estas prácticas.

LaFinca Grand Café ha inaugurado hoy la exposición “Pegada al Corazón” organizada en colaboración con el Centro de Patrimonio Histórico del Real Madrid y la Fundación Real Madrid, y que estará abierta al público hasta el 17 de noviembre.

Susana García-Cereceda, presidenta de LaFinca Grupo, e Iker Casillas, adjunto al director general de la Fundación Real Madrid, presentaron la exposición que recoge la historia del mejor club del siglo XX a través de su equipación y otros objetos de leyenda.

La exposición presenta un recorrido por distintas vitrinas que exhiben más de una treintena de camisetas de la primera equipación del fútbol del club, cada una con su propia historia, desde una réplica de la primera camiseta del club de 1902 hasta la camiseta de Iker Casillas de la final de la Champions en 2014.

Además, recoge otros objetos entre los que destacan las botas de Cristiano Ronaldo, Modric o Arbeloa, balones y carteles de partidos que han marcado la historia del club, entre otras reliquias.

Esta colaboración supone el inicio de otros proyectos conjuntos que responden a la política de Responsabilidad Social Corporativa de LaFinca Grupo, apoyando la cultura y el deporte más solidarios.

Vuelve Apertura Madrid Gallery Weekend, el gran evento que inaugura la temporada expositiva de las galerías de la ciudad, para celebrar su decimoquinta edición del 12 al 15 de septiembre con la participación de las 52 galerías que forman parte de Arte Madrid —Asociación de Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo de Madrid—, entre las que se incluyen algunas nuevas incorporaciones como Espacio Mínimo o Memoria.

 

Durante la presentación de esta nueva edición, Nerea Fernández, presidenta de Arte Madrid, ha querido recordar que Apertura nació con “una idea muy simple pero importante que es hacerle llegar el arte al público, que es nuestro invitado. Las 52 galerías que formamos parte de Arte Madrid, abrimos las puertas con una programación continua, de calidad, gratuita y abierta a todo el público”.

 

 

También ha señalado que los galeristas dedican todo su esfuerzo, su energía y sus ganas a promover la creación artística. “Creemos que el arte es fundamental para la sociedad y es nuestro deber defenderlo y ayudar a que los artistas digan todo lo que quieran decir. Por eso lo más importante hoy es agradecer a artistas y galeristas su esfuerzo, su trabajo, sus ganas y su energía por continuar realizando una labor que es maravillosa pero muy ardua. España tiene una capacidad cultural fantástica, pero somos muy conscientes de que gran parte se debe al trabajo de los profesionales del sector. Un sector que es vulnerable y frágil”.

 

Por su parte, Lucía Mendoza, vicepresidenta de Arte Madrid, ha agradecido tanto a la administración pública como a los inversores privados su colaboración. “Agradecemos vuestro apoyo, no sólo para celebrar Apertura, sino dar continuidad a nuestra labor en la divulgación de la obra de los artistas a los que representamos, que es en realidad nuestra verdadera exhibición”.

 

Horarios ampliados para la gran fiesta del arte contemporáneo de Madrid

Durante cuatro días, las galerías de Madrid presentan exposiciones de primer nivel con artistas nacionales e internacionales como Eduardo Chillida, Antoni Tàpies, Milena Muzquiz, Miguel Ángel Tornero, José María Sicilia, Vik Muniz, :mentalKLINIK, Juan Uslé, Julie Mehretu, Luis Gordillo o Jerónimo Elespe.

 

Apertura cuenta con una programación de actividades gratuitas como la inauguración conjunta en todas las galerías. Durante los días que dura la cita, abrirán en horario ampliado: el jueves de 13:30 a 22:00 h, el viernes y el sábado de 11:00 a 20:00 h y el domingo de 11:00 a 14:00 h.

 

Para completar la experiencia, durante estos días las galerías se unen para ofrecer un recorrido único por exposiciones en diferentes barrios de la ciudad como Chamberí, Salesas, Lavapiés, Letras y Salamanca, además, por supuesto, de las situadas en el centro y en otros distritos como Carabanchel. A esto se suma un programa de actos en los espacios de las galerías, así como otras actividades destinadas a poner en valor el arte contemporáneo.

 

Este año, Apertura Madrid Gallery Weekend cuenta con la novedad del Cuaderno de Galerías, una iniciativa orientada a animar al público el descubrimiento en profundidad del trabajo de las galerías. “El propósito de este documento es fomentar la visita a las galerías y llegar al público más diverso posible con motivo de esta fiesta y el arranque de la temporada expositiva. Además, es una muestra de la colaboración y el apoyo de entidades como la Comunidad de Madrid, ARCO y Filmin, que han hecho posible esta nueva actividad”, señala Nerea Fernández, presidenta de Arte Madrid.

 

Con una edición limitada de 550 ejemplares este cuaderno acompañará al visitante y, al final del recorrido le permitirá obtener, a través de un sorteo, una entrada para ARCOmadrid 2025 o un suscripción gratuita de un mes a la plataforma de cine creada en España, Filmin. Para entrar al sorteo los visitantes deberán visitar un mínimo de 20 exposiciones del evento. Los cuadernos deberán depositarse en una urna situada en la entrada de la exposición Jacobo Castellano. El espacio entre los dedos en la Sala Alcalá 31 hasta las 14.00 del 15 de septiembre.

 

 

Oferta artística más allá de las galerías

Cada año son más las instituciones que se suman a la celebración de Apertura con la organización de exposiciones, charlas y visitas. En esta edición ha destacado la colaboración con la Fundación MACBA y sus ‘III Jornadas de Instituciones Artísticas y Sostenibilidad’ centradas en poner sobre la mesa medidas y acciones reales para impulsar el cambio en la gestión de los museos e instituciones artísticas.

 

Un año más, Apertura Madrid Gallery Weekend colabora con la Fundación Pablo Palazuelo, que ofrece visitas guiadas organizadas por el teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre a  la sede de Bankinter del Paseo de la Castellana, 29, y al Museo de Escultura al Aire Libre en el Paseo de la Castellana, 40. Por otro lado, la Fundación ARCO continúa organizando sus habituales visitas guiadas, los ARCO GalleryWalks, que proponen circuitos para visitar las galerías de Arte Madrid. Este año tendrán lugar del 18 al 21 y del 25 al 28 de septiembre y recorrerán las galerías ubicadas en diferentes distritos de la ciudad.

 

La Universidad Nebrija repite este año con la exposición Tejidos Simbióticos, comisariada por los estudiantes del Máster en Mercado del Arte con el acompañamiento de la comisaria Nerea Urbieto. La muestra, que reúne el trabajo de los artistas Rosana Antolí, Rosalía Banet, Nacho Carbó, Día Muñoz, Maya Pita Romero y Fran Somoza, plantea las relaciones como flujos constantes de cambio, invitando a la reflexión sobre lo que somos y lo que podemos llegar a ser y auspiciando un futuro de cooperación y resiliencia.

 

Una de las novedades de este año es la participación del Museo Lázaro Galdiano con una serie de conversaciones con diferentes agentes del mundo del arte en las que se abordarán cuestiones como las motivaciones que llevaron a José Lázaro Galdiano y a otros coleccionistas europeos del XIX a crear una colección. Se hablará, también, de las galerías y su relación con los coleccionistas: pasado, presente y futuro así como de las similitudes y diferencias entre los coleccionistas de finales del siglo XIX, los del siglo XX y los contemporáneos. El encuentro, que tendrá lugar el 17 de septiembre en el museo, contará con la participación de conservadores de museos y galeristas y estará moderado por la comisaria Pía Ogea.

 

Arte en papel pero también a golpe de clic

Como es habitual, la literatura también encontrará su espacio reivindicando el papel de las librerías en la difusión de las artes, las ideas y los artistas y como lugares de conocimiento y placer. Librerías como Laie, Antonio Machado, La central o Tipos Infames tendrán una selección especial de libros en torno al arte durante todo el mes de septiembre.

 

Todas estas actividades gratuitas compondrán un nutrido programa que convertirá el arte contemporáneo en protagonista de la vida cultural madrileña. Así, Apertura Madrid Gallery Weekend busca acercar cada vez más el arte contemporáneo y la actividad de las galerías al público profesional y no profesional y fomentar el diálogo del arte contemporáneo con otras disciplinas culturales. Para ello, Apertura Madrid Gallery Weekend cuenta con el apoyo, colaboración y patrocinio tanto de empresas privadas como de organismos públicos.

 

Para descubrir la capacidad de Madrid como nodo de la creación artística contemporánea internacional, el público podrá organizar su ruta y disfrutar de la oferta artística a través de la app –gratuita y disponible todo el año en Google Play y App Store– de Arte Madrid. Desde el teléfono móvil el visitante puede organizar su propia ruta y disfrutar de la oferta artística de las distintas galerías repartidas por los diferentes barrios de la ciudad  así como consultar toda la información relativa al evento y las actividades en torno a él.

Para completar su presencia digital, Apertura Madrid Gallery Weekend cuenta de nuevo con su propio evento en Exhibify, herramienta que, desarrollada por ITGallery, es el primer portal de venta de arte online gratuito para galerías.

 

15 años celebrando Apertura

Apertura nació en 2009 como una inauguración conjunta de 45 galerías de la capital y desde entonces se ha convertido en una cita obligada en el calendario artístico, tanto para el público como para coleccionistas nacionales e internacionales. Siguiendo el modelo Gallery Weekend que se estaba haciendo en Berlín, Viena y otras capitales artísticas, Apertura siempre ha tenido el objetivo de poner en valor el trabajo de las galerías.

 

 

El nombre del evento surgió a propuesta del galerista

Guillermo Parra y contó con Guillermo de Osma como primer presidente. En el año 2009 el ayuntamiento recibió la idea de esta nueva cita con entusiasmo y apoyó la iniciativa. “Los primeros años la presentación se hacía en el ayuntamiento en Cibeles con un discurso del alcalde Alberto Ruiz Gallardón, que entendió perfectamente el papel de las galerías en una ciudad como Madrid. No solo su papel como agentes culturales, esenciales como intermediarias entre el artista y el público y abiertas gratuitamente, sino también como dinamizadores de la ciudad y sus barrios, a menudo como regeneradores del tejido urbano, como es el caso ahora de Carabanchel”, recuerda Guillermo de Osma.

 

Apertura Madrid Gallery Weekend cuenta con el apoyo, colaboración y patrocinio tanto de empresas privadas así como del Ministerio de Cultura, la Comunidad de Madrid y la Fundación ARCO. Cervezas Alhambra, que vuelve a ser el patrocinador de este evento, mantiene una conexión especial con el mundo de la creación contemporánea. Para la marca, el arte es una actividad a través de la que refuerza su vínculo con la artesanía, preservando el trabajo manual, respetando las materias primas y sobre todo, dedicándole a cada cosa el tiempo que necesita para alcanzar su mejor expresión. Y es que para Cervezas Alhambra el tiempo es una parte indispensable de su ADN, una manera de ser y de hacer. Por eso defienden que nada que merezca la pena se hace deprisa: esto es una invitación a disfrutar, sin prisa, de una vida en la que se dedica tiempo de calidad a lo que realmente importa.

 

Arte Madrid también agradece el patrocinio de Seaya, cuya misión es apoyar a emprendedores con propósito de mejorar la sociedad en la que vivimos, y su apoyo a la cultura es muestra importante de ello.

La firma de Alta Relojería suiza Vacheron Constantin presenta para este año 2024 un nuevo concepto que define la esencia y savoire-faire de la Maison, denominado From Geometry to Artistry.

 

Un reloj Vacheron Constantin es mucho más que la simple suma de sus partes. A partir de un boceto, un dibujo geométrico y sus ampliaciones técnicas nace todo un mundo de formas, colores y texturas.

 

Las complejas estructuras de la ingeniería mecánica se combinan con el diseño; el detalle meticuloso da vida a la gracia; la inteligencia artesanal despierta emociones. Basados en un estudio matemático formal, los relojes Vacheron Constantin están dotados de un toque de sentimiento y elegancia que representa la máxima expresión del talento artístico.

 

El clasicismo de la colección Traditionnelle; el minimalismo de los relojes Patrimony; el encanto de Égérie; y el espíritu deportivo y elegante de Overseas, ilustran vívidamente esta alquimia en la que el arte se inspira en formas geométricas, expresadas a través del concepto de Vacheron Constantin para el año 2024.

 

Proyecto artístico de Laura F. Gibellini

La artista Laura F. Gibellini ha sido escogida para este nuevo concepto anual y seguir vinculando a la Maison con la esfera del arte, formando parte de un proyecto artístico específicamente creado para Vacheron Constantin y compuesto de dos obras originales expuestas en la boutique de Madrid, donde los relojes se integran y destaca como la representación más tangible del concepto del tiempo.

 

Laura F. Gibellini (Madrid, 1978) es una artista visual que basa su trabajo en el proceso integral de creación de cualquiera de sus obras. Es profesora en la Universidad Complutense de Madrid y forma parte del claustro docente de Master de Arte Práctica impartido por la School of Visual Arts de Nueva York; además, está representada por la galería de arte madrileña NF/ Nieves Fernández.

 

La artista ha expuesto en múltiples centros expositivos nacionales e internacionales de renombre como: Matadero Madrid, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Accademia di Belle Arti de Roma, The Gabarron Fundation de Nueva York o La Casa Encendida de Madrid.

 

El trabajo de la artista se caracteriza por su sutileza y naturaleza esquemática en cuanto al proceso de creación; a través de dibujos con compás, video-instalaciones, objetos y escultura.  Sus proyectos más recientes profundizan en los límites de lo visible y, consecuentemente, las fronteras de elementos representables; como el tiempo, el aire o la luz. Gibellini explora esas brechas existentes en la representación física de estos elementos y las posibilidades de contemplar lo inconcebible a través de proyectos inmersivos.

 

Aunque el tiempo sea un concepto abstracto, posee una dimensión fundamental para la filosofía, la física o la poesía. Su comprensión es más intrincada y profunda, más allá de la propia medición mecánica.

 

Las dos piezas originales, ubicadas en el escaparate principal de la boutique y el área privada del interior, están basadas en diagramas y transiciones de eclipses y planetas; relacionándose con la medida científica del tiempo y crucial para el universo de la relojería. Ambas se vinculan con el savoir-faire de la Maison y concretamente con los relojes que contienen calendario lunar, simbolizando los lazos ancestrales entre la Alta Relojería y la astronomía.

 

Obras artísticas

Eclipse 1794 – obra artística ubicada en el área privada de la boutique

 

Eclipse 1794

Cristal soplado y grabado al ácido

2 paneles de 80 X 40 cm y 70 x 35 cm respectivamente

 

Piezas de cristal realizadas en Alemania usando las técnicas más exquisitas de artesanía y producidas expresamente para ser expuestas en la boutique de Vacheron Constantin en Madrid.

 

Eclipse 1794  representa el primer diagrama científico registrado sobre un eclipse; un fenómeno vinculado en la astrología con el principio y el fin de todas las cosas y ampliamente estudiado para la medición del tiempo lineal. Esta representación especifica se registró hace 230 años.

 

La gama cromática de la obra se relacionada con el concepto anual de la Maison From Geometry to Artistry, al igual que la transparencia y ligereza del cristal.

 

 

Tránsito de Venus – obra artística ubicada en el escaparate exterior de la boutique

 

Tránsito de Venus

Cristal soplado y grabado al ácido

1 panel de 55 X 69 cm

 

Decorando la parte trasera de la vitrina ubicada en el escaparate exterior de la boutique, la artista propone una representación del Tránsito de Venus, similar a los eclipses, pero siendo en este caso Venus el planeta que se posiciona entre el sol y la Tierra, en lugar de la Luna. Solo ocurre una vez cada 243 años y se trata de un fenómeno astronómico de gran relevancia para la medición de la distancia entre planetas y estrellas; por lo tanto, una medida del tiempo también.

 

Los dos diagramas grabados al ácido sobre el cristal de esta obra, corresponden respectivamente a un dibujo realizado en el año 1759 por el Capitán Cook y otro dibujo realizado por el astrónomo Charles Green durante el viaje que ambos realizaron alrededor del mundo precisamente para observar este tránsito y poder medirlo para obtener información sobre la distancia entre planetas.

 

No solo sirve para decorar, sino que es una obra de arte equiparada a una joya de gran valor. También se ha producido en Alemania utilizando las mismas técnicas artesanales y siendo el único lugar en el mundo donde se elabora este cristal específico.

 

La obra se conecta con el diagrama del eclipse expuesto en el área privada del interior de la boutique, tanto en elaboración como en concepto. Dos fenómenos de gran importancia para la medición del tiempo, al igual que un reloj.

 

Colocada sobre una esbelta peana hecha a medida para el escaparate de la boutique, los dos paneles de cristal destacan a la vista; el primero, el más cercano a la calle, está elaborado en cristal soplado de color azul y el segundo, más cercano al interior del escaparate, presenta un tono de color amarillo. La superposición mantiene la transparencia y la combinación de colores proyecta un nuevo tono de verde.

 

La gama cromática escogida se relaciona también con el tema anual de Vacheron Constantin y la técnica artesanal con la que se ha creado la obra (Artistry) se relaciona con el diagrama representado (Geometry).

 

Ambas piezas permanecerán unas semanas expuestas en la boutique de Madrid hasta finales de agosto y se convierten en la representación artística perfecta de todos los elementos que componen el tema anual de Vacheron Constantin: geometría, artesanía, medición del tiempo y vinculación con el universo del arte.

 

 

El barrio cultural en Vila Nova de Gaia, WOW Porto, abre de nuevo las puertas de uno de sus siete museos, el Museo Atkinson, para su nueva exposición, «Universo Dalí». Esta colección presenta la vida y obra de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX, Salvador Dalí.

 

La exposición ofrece un recorrido fascinante e irreverente a través de la trayectoria del artista, desde sus orígenes, su giro hacia el surrealismo, su incursión en la publicidad, su conversión secreta al catolicismo, hasta su reinterpretación de Goya y su colaboración con Walt Disney. «Universo Dalí» invita a los visitantes a un viaje sin precedentes por el surrealismo español y el universo poliédrico de uno de los mayores genios del arte.

 

Con más de 200 piezas, la exhibición incluye dibujos, bocetos, pinturas, esculturas y obras comerciales y publicitarias. Entre estas, destaca una selección de fotografías de Robert Descharnes, fotógrafo francés y amigo cercano de Dalí, tomadas entre 1955 y 1985. Estas imágenes ofrecen una visión íntima y poco común de la vida personal del artista. Nicolas Descharnes, hijo del fotógrafo y actual poseedor de su patrimonio, estuvo presente en la inauguración y destacó la importancia de la obra fotográfica expuesta: «A través de las fotografías de mi padre se puede mantener viva la memoria de este genio».

 

 

La exposición coincide con el centenario del surrealismo y presenta una obra particularmente intrigante, «Visión del infierno en Fátima». Esta réplica numerada revela la conexión de Dalí con Portugal y su casi desconocida devoción católica. Carlos Evaristo, experto en iconografía sacra, explicó que la obra fue un encargo de 1959 para representar el tercer secreto de Fátima. Dalí tardó tres años en completarla, durante los cuales visitó Fátima, se reunió con Sor Lucía y se convirtió al catolicismo, devolviendo a la Iglesia el dinero recibido por el encargo. La obra permaneció oculta bajo el colchón de una monja durante casi tres décadas.

 

Adrian Bridge, director general del grupo The Fladgate Partnership, grupo al que pertenece WOW, comentó: «Esta exposición es una oportunidad imperdible para explorar el legado de uno de los artistas más icónicos del siglo XX y descubrir al hombre detrás del mito. Esta colección revela la versatilidad del Museo Atkinson, que tiene como objetivo traer a Oporto exposiciones notables de carácter internacional, tocando los más diversos espectros del arte, desde el clásico hasta el contemporáneo».

 

La exposición «Universo Dalí» cuenta con la colaboración de Nicolas Descharnes y Carlos Evaristo, de la Fundación Oriana, y fue comisionada por Andreia Esteves, responsable del Museo Atkinson y de las asociaciones internacionales de WOW.

 

Fechas y Horarios

«Universo Dalí» estará abierta al público hasta el 31 de octubre y se puede visitar todos los días, de 10:00 a 19:00 horas. Las entradas tienen cuestan 15 €, con descuentos a mitad de precio para niños.

La genialidad de Antoni Gaudí es el pretexto con el que  Fashion Art Institute by Manuel Fernández ha hecho converger la moda, el arte y la arquitectura. El resultado: una colección multidisciplinar en la que las formas y los colores danzan en prodigiosa armonía.

 

Atípico e irrepetible, el arquitecto catalán y su obra han servido de fuente de inspiración para este proyecto en el que se fusionan diferentes disciplinas artísticas. El objetivo ha sido crear una colección de moda y una exposición presencial y digital que rindan homenaje a su estilo único. Una manifestación tangible de la visión innovadora y la profunda espiritualidad del genio catalán.

 

 

La moda, el arte, la tecnología aplicada a la creación, la sostenibilidad y el compromiso social se dan la mano en esta muestra que explora nuevos ámbitos estéticos y crea una experiencia multidisciplinar excepcional. Como decía el gran maestro: «Para hacer las cosas bien es necesario: primero, el amor; segundo, la técnica».

 

Fruto de su visionario trabajo surgieron sus inconfundibles columnas de doble giro y sus orgánicos capiteles, en los que Manuel Fernández se ha inspirado para crear 19 trajes-lienzo, porque, según las palabras del propio Gaudí: «La originalidad consiste en volver al origen».

 

 

Los 19 trajes-columna diseñados por él se han convertido en lienzos vivos para la expresión creativa de algunos de los más destacados jóvenes artistas plásticos de toda España. Uno por cada comunidad y las dos ciudades autónomas que conforman nuestro territorio. La selección de los creadores se ha realizado tratando de favorecer y promover la diversidad cultural y de género, para así fomentar la cooperación e inclusión entre las comunidades autónomas españolas.

 

El resultado final es tan disruptivo como lo fue en su momento el visionario arquitecto. A punto de cumplirse el primer centenario de su desaparición, la muestra pretende ser un rendido homenaje a la magia de su creatividad desatada y su genialidad. Un Gaudí eterno que sigue inspirando a las mentes innovadoras de hoy en día.

 

 

Castillo de Montjuïc -Barcelona

Presentación: Desfile día 27 de Junio a las 18 h.

Exposición : 27 de Junio a 29 de Septiembre 2024

 

Los trajes están confeccionados en talleres inclusivos con tejidos sostenibles

Actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura

La sala Utopia, enclavada entre las murallas más antiguas de Ciutat Vella, se llenó de influencers, artistas y amantes del arte ante la llamada de este evento  único en el que confluían la pintura en gran formato de 4 firmas de renombre, la música en vivo, la performance y el arte en directo de Plexxo. Martín Sky, comisario artístico afincado en Barcelona y BLAME ME una productora de eventos artísticos dirigida por Chris Blane, fueron los artífices de esta propuesta diferente y arriesgada llamada ART THAT GOES BIG que busca evocar emociones y crear conexiones en espacios singulares.

 

Plexxo pintura en directo

 

La exposición, que durará una semana se inauguró con un evento especial que presentó  obras de arte contemporáneo a gran escala de cuatro artistas de gran trayectoria, inspirados en Barcelona como Juliana Plexxo, Ümit Sural, Om Barbarà y JJ Walker. Ademas de la expo   con algunas de  sus mejores obras se pudo disfrutar de actuaciones en vivo de ópera, del  delicado show de Ange y su telúrico instrumento Handpan, de fascinantes performances artísticas y un final de  fiesta con afrohouse.

 

La artista Ange y su concierto de handpan

 

ARTISTAS A LO GRANDE

Juliana Plexxo @julianaplexxo

 

Artista colombiana-española radicada en Barcelona, se especializa en grabados en cobre y técnicas mixtas. Ha dejado su huella con murales colaborativos en EE.UU., Colombia y Ecuador. Juliana fue la primera mujer en exponer en el Museo «La Capilla del Hombre» en Quito. Reconocida por Forbes como una de las 50 personas más creativas en 2022, su arte busca empoderar a las mujeres en el mundo del arte y preservar técnicas tradicionales fusionándolas con el arte contemporáneo.

 

Ümit Sural @umitsural

 

 

Nacido en Estambul y residente entre París y Barcelona, es conocido por su enfoque innovador en el arte contemporáneo. Desde dibujos a carboncillo hasta pinturas acrílicas, desde lienzos tridimensionales hasta esculturas, y desde foto y videografía, Ümit explora diversas escalas de expresión artística. Influenciado por el movimiento moderno de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, sus proyectos artísticos se presentan en series, cada una de ellas referenciando una influencia, referencia o evento particular. Guiado por un sincero gusto por la investigación y la invención artística, cada proyecto se convierte en una obra decisiva, personal y única.

 

Om Barbarà @filosom 

 

 

Artista catalán de la tercera generación de la ilustre familia Barbarà, se dedica a la pintura meditativa y «La Filosofía del Alma». Su arte, que utiliza acuarelas y elementos de collage, explora el auto descubrimiento y la reunificación del alma, trascendiendo el lenguaje con imágenes universales. Om ha ganado reconocimiento global a través de exposiciones y ferias internacionales de arte, como la BUSAN ART FAIR, destacando la amplia atracción de sus creaciones.

 

JJ Walker https://jwalker.studio  

 

 

Artista inglés con una carrera ilustre como creativo multidisciplinario, trabaja en diseño gráfico y muebles vanguardistas. Especializado en esculturas de bronce y grandes lienzos de óleo, sus obras ofrecen un comentario social perspicaz con un toque de surrealismo. JJ extiende constantemente los límites de la proporción y el equilibrio convencional para crear obras estéticamente frescas, emocionantes y con un mensaje serio mezclado con humor.