Archidom Studio, estudio de arquitectura e interiorismo firma en Madrid su nuevo proyecto: 61. (Sixtyone), un espacio concebido como una experiencia inmersiva donde pasado y contemporaneidad dialogan a través de la materia, la luz y la memoria.

Grupo Mosh, el grupo que inició su trayectoria en Marbella con Mosh Fun Kitchen, líder en ocio y gastronomía de lujo, presenta en la capital su proyecto más ambicioso hasta la fecha: el restaurante y club 61., un espacio llamado a redefinir la noche madrileña. Detrás de esta nueva apertura se encuentra el sello inconfundible de ARCHIDOM Studio, el estudio que en los últimos años ha firmado algunos de los espacios gastronómicos y de ocio que han marcado el pulso estético del Mediterráneo y que ahora crea en la capital una propuesta destinada a convertirse en referencia.

Ubicado en el número 61 de una calle emblemática del centro de la ciudad, el local ha sido concebido como un escenario envolvente donde cada elemento responde a una narrativa espacial precisa. Desde el inicio, el estudio planteó un objetivo ambicioso: crear un lugar que pareciera haber existido siempre. No como una recreación histórica, sino como una joya latente, descubierta y revelada. Un interior donde la pátina del tiempo no es artificio, sino argumento.

ARCHIDOM, reconocido por su capacidad para convertir espacios en destinos, integra arquitectura, interiorismo e identidad creativa bajo una misma visión, desarrollando en 61. un concepto que equilibra contraste, teatralidad y sofisticación.

Romanticismo veneciano y brutalismo: un diálogo arquitectónico

En 61., ARCHIDOM propone un encuentro inesperado entre el romanticismo veneciano y el brutalismo. La narrativa espacial se inspira en la Venecia aristocrática y en la atmósfera de sus palazzos. El espacio principal se configura como la gran sala de recepción de un noble veneciano: un entorno de luces veladas, reflejos dorados y una decadencia sofisticada que aporta profundidad y carácter.

Las líneas rotundas y los materiales crudos, de inspiración industrial, conviven con detalles ornamentales y guiños clásicos. Una barra de madera de gran presencia articula el conjunto, coronada por una lámpara diseñada a medida por el estudio y realizada por artesanos vidrieros. La chimenea esculpida funciona como hogar central. Los suelos de madera conviven con alfombras antiguas, mientras el techo revestido en pan de oro y plata genera un juego de destellos sutiles que transforma la percepción del espacio a lo largo del día.

La iluminación, concebida como parte esencial del relato arquitectónico, acompaña la evolución natural del lugar: lo que comienza como restaurante muta orgánicamente hacia club sin rupturas, gracias a una arquitectura pensada para cambiar de atmósfera. No se trata solo de diseño, sino de una puesta en escena donde cada recorrido, cada sombra y cada material activan una experiencia sensorial.

La fachada, compuesta por grandes vidrieras artesanales de vidrio coloreado, introduce una dualidad entre exhibición y misterio. Por la noche, el interior proyecta hacia la calle matices ámbar y verdes, convirtiéndose en una presencia cromática singular dentro del paisaje urbano madrileño.

En la zona posterior emerge una segunda escena: el “almacén de arte”. Aquí la estética vira hacia un lenguaje más industrial, evocando el espacio donde se guardan los tesoros acumulados durante generaciones. Vigas con roblones, lucernarios y pilares metálicos contrastan con terciopelos, cortinajes densos y mesas de mármol. La tensión entre lo estructural y lo ornamental genera un equilibrio sofisticado entre contención y exceso.

La gran vidriera central baña el ambiente con una luz cálida que evoluciona al ritmo de la música. El mueble de DJ, esculpido en mármol y acero y diseñado por el estudio, se concibe como una pieza híbrida entre mobiliario y escultura.

El arte como parte de la arquitectura

En coherencia con la visión del estudio, el arte no actúa como complemento, sino como parte estructural del concepto. Las obras, de artistas emergentes y consolidados, se renovarán cada seis meses, manteniendo el espacio en constante movimiento.

ARCHIDOM ha buscado piezas únicas en anticuarios, almacenes e inventarios privados de medio mundo: tapices renacentistas italianos, espejos de gran formato procedentes de palacios franceses y alfombras persas dialogan con obras contemporáneas, generando una conversación entre épocas. Cada pieza ha sido integrada estratégicamente para interactuar con la luz, la circulación y los materiales, reforzando la sensación de estar en un entorno vivo.

La atención al detalle se extiende a todos los elementos del proyecto de Grupo Mosh, con un marcado sello made in Spain: desde el vestuario diseñado por CASONÁ hasta piezas de LOEWE incorporadas en la propuesta estética. El contrapunto internacional lo aporta NIKE, que ha desarrollado una línea especial para el espacio, subrayando su carácter contemporáneo.

Gastronomía y experiencia inmersiva

Fiel al espíritu de Grupo Mosh, 61. apuesta por una exclusividad que no se exhibe, sino que se descubre. Tras una fachada discreta se despliega un universo donde gastronomía, arte, música y diseño conviven de manera natural, sostenidos por una arquitectura que lo articula todo.

La propuesta culinaria, liderada por Franco Franceschini, chef ejecutivo del grupo, dialoga con el entorno: precisa, cosmopolita y con acentos internacionales. La experiencia gastronómica evoluciona al ritmo del espacio, acompañando su transformación y reforzando su carácter inmersivo.

61. se plantea como una experiencia pausada. Un interior que invita a detener la mirada, a descubrir matices en sucesivas visitas y a entender el lujo desde la profundidad material y conceptual.

Marbella y Madrid, unidas por el diseño

Con 61., Grupo Mosh traslada a Madrid la energía y sofisticación que han definido sus emblemáticos espacios en Marbella, junto a la creatividad de ARCHIDOM, que convierte esta expansión en un hito: transformar un local en un escenario y un proyecto en un fenómeno cultural.

El resultado es un interior que no se limita a ambientar, sino que construye relato. Un espacio donde cada elemento posee memoria y cada detalle ha sido sometido a un proceso creativo riguroso.

61. llega a Madrid como un lugar que no se explica, se experimenta. Y lo hace con la firma de ARCHIDOM como garantía de una nueva manera de entender el lujo nocturno: narrativa, sensorial y profundamente arquitectónica.

La revista FEARLESS impulsa por segundo año consecutivo el primer campeonato de
catas a ciegas del sector, con una edición dedicada a los vinos blancos y nuevas
conexiones profesionales en el icónico y sofisticado espacio de Doimo Cucine – Cuoco
Spazio.

El diseño y el vino han vuelto a brindar juntos en la segunda edición de la Champions Design Wine, el primer campeonato de catas a ciegas que reúne a los mejores estudios de arquitectura, interiorismo, promotoras y constructoras en una experiencia única donde la intuición, la sensibilidad y el talento se miden copa en mano.

La arquitectura y el vino comparten un mismo origen y una misma ambición: transformar la tierra en emoción. Ambos nacen de un lugar y requieren técnica, intuición y tiempo para alcanzar su plenitud. Como un buen vino, un edificio se construye en capas, con estructura, equilibrio y carácter, como una gran obra, el vino tiene profundidad, textura y memoria. Los dos se diseñan con precisión, pero se disfrutan con los sentidos, y solo cobran verdadero significado cuando alguien los habita, o los saborea.

Esta iniciativa se ha consolidado como una de las citas más singulares y originales del sector, trasladando el espíritu competitivo propio del mundo del diseño al apasionante universo del vino. En esta ocasión, la protagonista ha sido una selección de vinos blancos, elegidos para poner a prueba la capacidad sensorial y el criterio técnico de los equipos participantes en un formato dinámico, exigente y sorprendente. Una velada de tensión elegante y competitividad sofisticada.

Mucho más que una cata

La Champions Design Wine no es solo una competición: es una experiencia multisensorial inmersiva concebida para quienes entienden el networking como arte y estrategia a partes iguales. Guiados por el somelier Raúl Molina, arquitectos, interioristas, promotoras y constructoras comparten mesa, conversación y desafío en un ambiente cuidadosamente orquestado donde cada detalle cuenta, fortaleciendo vínculos profesionales en un contexto diferente, donde el diseño no solo se ve, sino que se siente y se conecta a través del vino.

Doimo Cucine – Cuoco Spazio, escenario de referencia y alma del encuentro

Un evento de categoría cuenta con un anfitrión de categoría: Doimo Cucine – Cuoco Spazio, un espacio concebido como punto de encuentro para la arquitectura y el interiorismo contemporáneo. Más que un showroom, Cuoco Spazio se consolida como un enclave de inspiración y sofisticación en pleno corazón de Madrid, acogiendo iniciativas que combinan diseño, innovación y experiencias diferenciales.

Su apuesta por generar comunidad y propiciar conexiones profesionales de valor ha sido clave en el éxito de esta edición, convirtiéndose en el escenario perfecto para una competición donde estética, materia y sensibilidad dialogan de forma natural.

Consolidada como un hito en la agenda anual de los principales estudios del país, la Champions Design Wine confirma, en su segundo año consecutivo, que existe una nueva manera de hacer networking en el sector: más experiencial, más emocional y más memorable.

La vinculación con Doimo Cucine, firma italiana líder en el diseño y fabricación de cocinas, refuerza el carácter internacional, aspiracional y altamente selecto del campeonato, que premia no solo la precisión sensorial, sino también la excelencia creativa.

Su apuesta por generar comunidad y propiciar conexiones profesionales de valor ha sido clave en el éxito de esta competición, convirtiéndose en el escenario perfecto para una competición donde estética, materia y sensibilidad dialogan con una naturalidad extraordinaria.

Porque cuando el diseño y el vino se encuentran, el resultado siempre invita a brindar de nuevo.

Los participantes

En esta segunda edición, la competición cuenta con equipos liderados por destacados profesionales de algunos de los estudios y compañías más relevantes del panorama actual, entre ellos: Estudio DIIR, Kronos, AQ Acentor, FL-ARE, MORPH, TOUZA Arquitectos, NO Arquitectos y Dazia Capital. Cada equipo, acompañado por otros invitados del sector, ha aportado su propia visión estratégica y creativa a la competición.

Una segunda edición que recoge el legado del primer campeonato

La Champions Design Wine nació en 2024 marcando un hito en la agenda de los principales estudios del país. En aquella primera edición, los equipos compitieron durante meses en una serie de encuentros guiados por el sommelier Raúl Molina, culminando en una gran final dedicada a vinos internacionales.

El podio estuvo encabezado por Archidom Studio y Cuarto Interior, que lideraron la clasificación desde el inicio con 765 puntos. A tan solo dos puntos se situó el equipo del reconocido estudio de Lázaro Rosa-Violán (763 puntos), mientras que el tercer puesto fue para L35 Arquitectos (749 puntos), liderado por Tristán López-Chicheri, responsables de la remodelación del estadio Estadio Santiago Bernabéu.

Aquella edición demostró que el vino puede convertirse en un vehículo extraordinario para generar comunidad dentro del sector, fomentando relaciones profesionales desde la emoción, el conocimiento compartido y la experiencia. Lo que comenzó como una apuesta valiente es hoy una competición esperada, comentada y, sobre todo, deseada por quienes aún no han logrado sentarse a la mesa.

Hoy, en su segunda edición, la Champions Design Wine reafirma su posición como una de las convocatorias más selectas del calendario profesional.

Quien estuvo, quiere volver.
Quien no estuvo, ya pregunta cómo formar parte.

El escultor José María Sánchez Martínez desarrolla una práctica artística centrada en la investigación de la materia, el volumen y su relación directa con el espacio arquitectónico. Su obra se sitúa en un territorio donde la escultura se expande más allá del objeto para integrarse en el entorno construido, estableciendo un diálogo directo con la arquitectura contemporánea.

La obra escultórica: materia, textura y presencia espacial

Las esculturas de José María Sánchez Martínez se caracterizan por una fuerte carga material y una cuidada atención a la textura y al tratamiento de superficies de apariencia pétrea. A través de volúmenes rotundos y un lenguaje formal sobrio, el artista reflexiona sobre conceptos como la permanencia, el peso y la huella del tiempo. Sus piezas están concebidas para interactuar con el espacio, activando tanto entornos arquitectónicos como paisajísticos, tanto en interiores como en exteriores.

Este enfoque sitúa su trabajo en un punto de encuentro entre la escultura contemporánea, la arquitectura y el diseño, donde la obra no actúa únicamente como objeto artístico, sino como un elemento capaz de estructurar y cualificar el espacio.

Panel Rock: de la investigación escultórica al material arquitectónico

Como prolongación natural de su proceso creativo, el artista ha desarrollado Panel Rock, un innovador panel de acabado pétreo concebido desde una mirada escultórica. Este sistema permite trasladar la fuerza visual y la textura de la piedra natural a una solución más ligera, versátil y adaptable a diferentes aplicaciones arquitectónicas y artísticas.

Pensado para revestimientos, intervenciones espaciales, interiorismo y proyectos de diseño, Panel Rock aporta identidad material, carácter visual y una dimensión sensorial al espacio construido, integrando valores estéticos y funcionales.

Escultura como disciplina expandida

La obra de José María Sánchez Martínez y el desarrollo de Panel Rock evidencian una concepción contemporánea de la escultura como un campo expandido, capaz de generar nuevos lenguajes materiales y de contribuir activamente al pensamiento arquitectónico actual.

Rado, referente suizo en innovación de materiales, une fuerzas con uno de los grandes visionarios del siglo XX: Le Corbusier. El resultado es una colaboración excepcional que traslada los principios de la arquitectura moderna al universo de la relojería a través de una edición especial tan audaz como icónica.

Desarrollada junto a Les Couleurs Suisse, esta colección rinde homenaje al lenguaje arquitectónico, al uso revolucionario del color y a la visión estética del célebre diseñador suizo, reinterpretados desde la maestría técnica y el espíritu innovador de Rado.

Arquitectura moderna traducida en cerámica

La colección da vida a la visión de Le Corbusier mediante tres relojes que reinterpretan algunos de sus proyectos más emblemáticos. Los diseños se construyen a partir de cuatro tonos seleccionados de la legendaria Polychromie Architecturale, integrados directamente en la cerámica de alta tecnología característica de Rado.

Cada pieza no solo evoca una obra arquitectónica concreta, sino que también refleja el diálogo natural entre forma, función y color, valores compartidos tanto por Le Corbusier como por la firma relojera.

Elegancia minimalista: La Cité Radieuse

El primer modelo, desarrollado en un refinado blanco marfil, se inspira de forma abstracta en La Cité Radieuse, el influyente edificio de apartamentos de Marsella finalizado en 1952, que redefinió el concepto de vida urbana moderna.

Por primera vez, Rado emplea cerámica de alta tecnología en este tono específico, integrado directamente en el material durante el proceso de sinterización a 1.450 °C. Lejos de ser un simple acabado superficial, el color forma parte de la propia estructura de la cerámica, un logro técnico que requirió años de perfeccionamiento. El conjunto se completa con agujas en azul celeste vivo, azul ultramar luminoso y azul ultramar claro, creando un contraste delicado y sofisticado.

Poder monocromático: el hormigón como protagonista

El segundo reloj, elaborado en gris marfil, rinde homenaje al Carpenter Center for the Visual Arts de Cambridge, Massachusetts. Su esfera presenta una representación abstracta de la fachada de hormigón moldeado del edificio, grabada con láser directamente sobre la cerámica.

El uso del gris hierro, referencia 32010 de la Polychromie Architecturale, evoca la fuerza expresiva del hormigón en bruto, material clave en la obra de Le Corbusier. Como contrapunto cromático, las agujas lacadas incorporan blanco crema, naranja intenso y verde inglés ligeramente grisáceo, aportando dinamismo y profundidad visual.

Diseño monumental: Chandigarh en la muñeca

El tercer y último modelo de la serie celebra la visión monumental de Le Corbusier a través de su plan urbanístico para Chandigarh, en la India. Inspirado en el Palacio de la Asamblea, finalizado en 1962, este reloj presenta una esfera grabada con láser que reproduce de forma abstracta detalles de la fachada del edificio.

La caja monobloque, la corona y el brazalete se presentan en cerámica de alta tecnología en negro marfil, combinados con agujas lacadas en naranja intenso, verde esmeralda y verde oliva. El resultado es una pieza poderosa y escultórica, que transmite la ambición y la escala épica del proyecto original.

La nueva colección Allures de ARTE rinde homenaje al savoir-vivre francés del siglo XIX reinterpretado para interiores contemporáneos. Cada revestimiento de pared se concibe como una pieza con identidad propia, donde la tradición decorativa se encuentra con materiales nobles, trabajo artesanal minucioso y un diseño preciso que aporta carácter, textura y profundidad a cualquier espacio.

Éclosion: la naturaleza hecha arte

Éclosion despliega una exuberante escena botánica bordada a mano sobre una base de algodón. Hojas delicadas se entrelazan con flores adornadas con nudos franceses, evocando el momento poético en que un capullo se abre. Este diseño simboliza una belleza que despierta de forma natural y fresca, aportando un toque elegante y sensorial a los interiores.

Reliure: la encuadernación como inspiración

Inspirado en el arte de la encuadernación, Reliure combina cuero de ante cepillado con un proceso artesanal preciso. Los cuadrados se cortan, cosen y enlazan a mano, creando un revestimiento liso y sólido que refleja coherencia y refinamiento. Cada pieza destaca por su estructura meticulosa y su estética sofisticada.

Galon: la elegancia del jacquard francés

Galon remite a la tapicería de los antiguos sofás franceses y a las cintas decorativas tradicionales. Su motivo de finas rayas bicolor, reinterpretado en jacquard de terciopelo, aporta un brillo sutil y sofisticado, incorporando la tradición textil de lujo en un diseño actual y versátil para cualquier espacio.

Cabochon: un guiño al mobiliario clásico

Cabochon evoca los clavos decorativos (cabochons) utilizados históricamente para fijar telas con elegancia. Su patrón ordenado de cuadrados de terciopelo con botones aporta un toque refinado y detallista, conectando la historia del mobiliario francés con la modernidad de la colección Allures.

Étamine: textura rústica y natural

El liso Étamine se distingue por su estructura abierta y aireada, que aporta un aspecto rústico y orgánico a los interiores. Disponible en tonos cálidos y terrosos, se convierte en un complemento ideal para los demás diseños de Allures, equilibrando elegancia, sofisticación y autenticidad artesanal.

La exposición se podrá visitar del 8 al 31 de enero de 2026 en la Fundación Ortega y Marañón de Madrid, con entrada gratuita de lunes a viernes de 9 a 21 h.

Del 8 al 31 de enero de 2026, la Fundación Ortega y Marañón en Madrid acoge Legado Niemeyer, la nueva exposición del fotógrafo asturiano Juan Carlos Vega. Con el apoyo de la embajada de Brasil y del Instituto Guimarães Rosa, la muestra propone un recorrido por la obra del arquitecto brasileño más influyente del siglo XX, Oscar Niemeyer (1907-2012), viajando desde Belo Horizonte hasta Brasilia, São Paulo, Niterói, Maceió, y haciendo escala en Milán y Asturias.

De Pampulha a Brasilia: los iconos de Niemeyer en fotografía

Vega retrata desde los primeros proyectos Niemeyer-Kubitschek en Belo Horizonte —como la Casa do Baile y la Iglesia de San Francisco, Patrimonio de la Humanidad— hasta los edificios más emblemáticos de Brasilia, como la Torre Digital y el Teatro Nacional, integrando también el Museo de Arte de Niterói y el OCA en São Paulo. Cada fotografía articula la arquitectura como un legado en constante construcción, revelando la forma, el ritmo y la dimensión espacial de las obras de Niemeyer.

Experiencia sensorial y accesible para todos

La exposición incluye fotografías en relieve de los proyectos de Niemeyer en Milán y Asturias, pensadas para personas con discapacidad visual. Además, Vega combina la fotografía con videoarte y deconstrucciones de imagen, ofreciendo un diálogo innovador entre arquitectura, espacio y percepción sensorial.

El lenguaje visual de Juan Carlos Vega

Juan Carlos Vega ha desarrollado un lenguaje artístico único donde la arquitectura y el ballet se fusionan. En Legado Niemeyer, los cuerpos de los intérpretes activan los espacios, mostrando cómo la obra de Niemeyer sigue generando nuevas relaciones con el paisaje y proyectando futuro. Cada instalación revela la arquitectura como un campo activo y coreografiado, donde la danza emerge como mediación entre forma y espacio.

Un broche de oro a 25 años de fotografía

Legado Niemeyer culmina los 25 años de carrera de Vega, especializado en fotografía de arquitectura y retrato, combinando estética, onirismo y rigor técnico. La exposición se enriquece con la colaboración de Alexandra, que aporta sillas intervenidas por Vega, Global TV con proyecciones de videoarte, y la Fundación Brito, consolidando un proyecto que une cultura, arte y memoria arquitectónica.

Neolith, líder mundial en superficies de piedra sinterizada, ha celebrado su evento anual de bienvenida a la Navidad en el recién inaugurado Neolith Living Gallery en Madrid, una cita que ha servido para presentar oficialmente el proyecto ganador de su concurso de escaparatismo navideño. La iniciativa, impulsada junto a los estudiantes del Máster de Diseño de Interiores y Decoración de ELLE Education by Mindway, pone en valor la creatividad emergente y refuerza el vínculo de la firma con el mundo del diseño y la formación especializada.

Un escaparate con una mirada emocional de la Navidad

La propuesta ganadora ha sido creada por Ana Ruiz, creadora de la papelería personalizada “Mamá Leona. Lovely Parties” y alumna del máster, quien ha concebido un escaparate que ofrece una reinterpretación contemporánea y emotiva de la Navidad. Su diseño se integra de forma natural con los valores y la identidad visual de Neolith, apostando por una lectura más íntima de estas fechas. “La propuesta la he querido enfocar al verdadero sentimiento de la Navidad, más allá de los regalos, de las cenas y eventos… el hecho de sentir dónde estamos como hogar”, explica la autora.

Un espacio que refleja la esencia de Neolith

Durante el evento, los asistentes pudieron descubrir la ambientación creada específicamente para la temporada navideña en el showroom, donde tradición y modernidad conviven en equilibrio. El escaparate se articula en torno a un pueblo navideño de estética minimalista, desarrollado en distintos niveles que evocan las canteras naturales, y se convierte en el eje central del concepto festivo que da la bienvenida al espacio.

20251204_Eventop_Neolith

Diseño y altas prestaciones para el hogar contemporáneo

Este planteamiento permite poner en valor las cualidades de las superficies Neolith —resistencia, durabilidad y facilidad de limpieza—, cada vez más apreciadas en los hogares contemporáneos por su capacidad para unir diseño, funcionalidad y altas prestaciones sin renunciar a la estética.

Colaboraciones que aportan calidez y textura

La instalación ha contado además con la colaboración de Gancedo, firma de referencia en diseño, fabricación y comercialización de telas, cuya aportación suma textura y calidez al conjunto, enriqueciendo la experiencia sensorial del escaparate y reforzando su carácter acogedor.

Un compromiso firme con el talento emergente

La colaboración con ELLE Education by Mindway refuerza el compromiso de Neolith con el talento emergente y el ámbito académico. El proyecto incorpora elementos como planos enrollados y trazos manuales que aluden de forma directa a esta alianza educativa, subrayando la importancia de tender puentes entre la formación y la práctica profesional real.

20251204_Eventop_Neolith

Un punto de encuentro para la comunidad creativa

Más allá de la presentación del escaparate, la cita se ha consolidado como un espacio de intercambio de ideas, conversación y cercanía entre la comunidad profesional y creativa vinculada a la firma, reforzando el papel del Neolith Living Gallery como punto de encuentro para el diseño y la innovación.

Una instalación abierta durante toda la Navidad

El escaparate permanecerá visible durante toda la temporada navideña en el Neolith Living Gallery de Madrid, reafirmando el compromiso de la marca con la innovación, la sensibilidad estética y el impulso del talento como pilares de su identidad.

Fotografía JUAN CARLOS VEGA

Uno de los puntos álgidos que la mayoría de los turistas anotan en su itinerario al visitar Madrid es el estadio Santiago Bernabéu, un lugar que también despierta emociones y frustraciones a partes iguales cada vez que el club merengue disputa uno de sus partidos. Esas mismas emociones debió sentir Tristán López-Chicheri el día que supo que él, junto con su estudio L35, sería el encargado de su renovación. Y esas emociones, sin duda, se mantuvieron a lo largo de todo el proceso, hasta hoy, cuando vuelve a poner un pie en el campo para compartir todo lo aprendido y detallar esta ambiciosa gesta, que como el Real Madrid, ya es historia.

En el interior del estadio Santiago Bernabéu existe ahora un lugar capaz de elevar la experiencia que este icono ofrece a un nivel superior: el restaurante Plaza Mahou, ¿acaso puede haber algo más castizo? Hasta allí llega Tristán López-Chicheri, autor junto a su estudio L35 de la remodelación del templo vikingo, ese que tantas alegrías ha dado a millones de personas a lo largo de los años. Entre conversaciones sobre diseño, innovación y memoria, Tristán López-Chicheri desgrana los secretos de la transformación del estadio, sus retos y aprendizajes,  preparando el terreno para lo que será una charla a dos bandas.

¿Cuál fue la visión arquitectónica y urbana que guió la transformación del Santiago Bernabéu?

Desde el brief del concurso se pedía crear un edificio icónico, algo difícil de conseguir, pero lo intentamos. Entendimos que un estadio icónico debe poder reconocerse a partir de un pequeño fragmento, capaz de evocar su imagen completa en la memoria, del mismo modo que sucede con la Torre Eiffel. Basta ver una parte para reconstruir mentalmente el conjunto.

También queríamos huir de la idea de un edificio de cuatro fachadas estáticas. Buscábamos trasmitir movimiento, el dinamismo que un estadio alberga con el fútbol. De ahí surgió la idea de generar cornisas, que subían o bajaban en función de la posición del estadio respecto a la calle.

Por último, el estadio requería una entrada formal. Un gran lobby de cara a la ciudad que representara tanto al club como al gran edificio que es. Para ello, se creó una entrada principal en el Paseo de la Castellana, uniendo varias puertas para conformar el gran vestíbulo de acceso.

¿Cómo se equilibró la identidad histórica del estadio con la necesidad de modernización?

La identidad histórica del estadio proviene de ser la casa del Real Madrid. No es la primera reforma desde su construcción en los años 40, pero a lo largo del tiempo se ha consolidado una imagen que lo identifica plenamente con el club.

¿Qué elementos consideras que convierten al nuevo Bernabéu en un referente mundial?

Además de su imagen singular, el estadio incorpora una serie de elementos que lo hacen especial: una cubierta retráctil, récord mundial de distancia salvada, que permite cubrir el estadio según los eventos y la climatología; un túnel logístico que permite acceder a todo el estadio sin interferir con los usuarios; un hipogeo que posibilita guardar y cuidar el campo de juego mientras se utiliza el exterior para otros eventos distintos del fútbol; un marcador de 360º cuya pantalla puede convertirse en un elemento de comunicación; y un conjunto de mejoras adicionales que incrementan la funcionalidad del estadio. Ubicado en pleno centro de Madrid, uno de los mayores desafíos fue trabajar en un entorno tan consolidado, lo que dificultó la logística de la obra y obligó a compaginarla con el calendario deportivo. En un momento dado, debido a la pandemia, los partidos se jugaron en la ciudad deportiva y sin público, lo que permitió que casi 1.000 trabajadores pudieran operar simultáneamente en las obras.

¿Qué papel jugaron las innovaciones estructurales, como la cubierta retráctil o el césped móvil, en el diseño arquitectónico? ¿Qué innovaciones tecnológicas destacan en el nuevo Bernabéu respecto a estadios de última generación?

Es fundamental que el diseño compagine estas cuestiones. Al igual que en un hospital no se puede ignorar la mecánica de funcionamiento, en un estadio como el Santiago Bernabéu los elementos estructurales se convierten en ingredientes del propio “diseño”. De hecho, la cubierta retráctil surgió como propuesta desde la fase de concurso. 

Estas innovaciones, junto con otras tecnologías, son las que lo convierten en un referente mundial.

¿Cómo se abordó el reto de convertir el estadio en un espacio multifuncional más allá del fútbol?

Hoy en día, todos los estadios buscan un uso de 365 días al año, lo que implica ir más allá de los aproximadamente 40 partidos de fútbol que se juegan anualmente. Este concepto multifuncional estuvo presente desde la fase de concurso y fue evolucionando hasta convertirse en la realidad que vemos hoy. Estamos involucrados en diversos proyectos de estadios en España y en el extranjero, y todos ellos buscan incorporar esta misma filosofía. El Santiago Bernabéu cuenta con varias ventajas clave: es la casa del Real Madrid, por lo que recibe un gran número de visitantes, y además es un estadio urbano, perfectamente conectado mediante una excelente red de transporte público.

¿Cómo fue el trabajo conjunto entre los equipos?

El proyecto se desarrolló en nuestro estudio de Madrid y contó con la colaboración de un gran número de especialistas de diversas áreas, tanto de ingeniería como de movimiento de personas o de explotación de estadio, aspecto que tiene un gran impacto en la resolución del programa y del diseño. Esto fue una constante desde que empezamos el concurso en 2012, continuó con el proyecto en 2014 y se mantuvo durante las obras; ha sido un desarrollo activo y vivo a lo largo del tiempo.

¿Cuál fue la mayor lección aprendida en un trabajo de esta envergadura?

En L35 desarrollamos grandes proyectos, pero este fue especialmente sofisticado y complejo, ya que debía compaginar la reforma de un estadio existente con la implementación de todos los elementos nuevos ya mencionados. Requirió de una gran coordinación entre todos los especialistas intervinientes. Creo que la participación de estos equipos nos enseñó a coordinarnos con el objetivo de integrar todo en un único proyecto.

¿Qué crees que representa el nuevo Bernabéu para la ciudad de Madrid y para el Real Madrid como institución?

Como ya hemos mencionado antes, se genera una identificación entre estadio y ciudad. El Bernabéu ya era un símbolo de Madrid y ahora este aspecto se ve reforzado, de la misma manera que el estadio se identifica con el club.

¿Cómo imaginas el impacto de este estadio en el futuro de la arquitectura deportiva?

Creo que ya podemos observar este impacto en los nuevos proyectos que surgen en distintos países. Sin duda, se ha convertido en un referente.

¿Qué proyectos futuros de L35 se inspiran en lo aprendido con el Bernabéu?

Es inevitable incorporar las enseñanzas de este proyecto único. Sin embargo, cada nuevo encargo tiene sus propias características y personalidad, por lo que no se puede ni se debe trasladar de manera literal un proyecto tan complejo, sofisticado y de tan alto valor simbólico.

 

El estudio dirigido por Silvia Trigueros firma una profunda transformación en una vivienda de nueva obra situada en la calle Hermosilla, en pleno Barrio de Salamanca. El piso, de unos 70 m², contaba con dos dormitorios, dos baños y un espacio completamente abierto que unía entrada, salón, comedor y cocina. Sus propietarios, que utilizan esta residencia como segunda vivienda durante sus estancias en Madrid, buscaban convertir un espacio frío y poco acogedor en un hogar cálido, sofisticado y funcional.

La interiorista asumió el reto de aportar privacidad y carácter a una distribución excesivamente diáfana, además de reducir el protagonismo de la cocina, que quedaba expuesta desde la entrada. Para ello, el estudio desarrolló una intervención basada en mobiliario a medida, soluciones de almacenaje invisible y una lectura espacial más equilibrada.

El papel esencial del estilismo

El proyecto alcanza su máxima expresión gracias al trabajo de estilismo de Cristina Rodríguez Goitia, cuyo criterio estético potencia la intención de cada estancia. Su selección de objetos, arte, textiles y detalles decorativos aporta cohesión visual y emocional, reforzando la personalidad contemporánea del espacio y dotándolo de un refinamiento cálido.

Rodríguez Goitia consigue que la vivienda respire armonía a través de piezas bien escogidas, equilibrando texturas, tonos y materiales que dialogan con la arquitectura interior concebida por Trigueros. Su trabajo resulta clave para lograr esa atmósfera afrancesada, sofisticada y personal que los clientes buscaban.

Clásico afrancesado con un enfoque contemporáneo

La propuesta de Trigueros articula un clasicismo actualizado mediante molduras en paredes y techos, rodapiés altos y la presencia de espejos ahumados y detalles en negro y dorado. La estilista refuerza esta narrativa visual incorporando arte moderno, piezas singulares y elementos cálidos que otorgan profundidad y equilibrio.

La iluminación técnica, diseñada íntegramente para el proyecto, permite que la casa cambie de carácter a lo largo del día. Por la noche, el juego entre luces indirectas, sombras y lámparas auxiliares —cuidada selección de Rodríguez Goitia— genera un ambiente íntimo que acompaña la funcionalidad del espacio.

Una cocina rediseñada para integrarse

La cocina original, completamente blanca y muy visible, daba poca identidad al conjunto. El estudio la sustituyó por mobiliario a medida en tonos cálidos, integrando electrodomésticos y almacenamiento en una librería lacada en verde gris con revestimiento de madera natural en la trasera. Esta pieza, diseñada de forma muy especial, cumple un papel estético y funcional fundamental dentro del proyecto.

Estancia principal, espacio infantil y zonas comunes

El salón incorpora una chimenea de vapor, textiles acogedores y una alfombra a medida diseñada por el estudio y realizada por Kaymanta, combinación a la que el estilismo suma piezas decorativas y paletas de color que acentúan la sensación de hogar.

El dormitorio infantil fue uno de los mayores retos del proyecto: en muy pocos metros debía albergar una cama doble y otra individual. Todo el mobiliario —litera triple, escritorios, estanterías y zona de uso diario— se diseñó a medida para optimizar cada centímetro, mientras Rodríguez Goitia aportó los textiles y elementos decorativos que lo llenan de calidez sin renunciar a la funcionalidad.

En la suite principal, el toque oriental que deseaban los clientes se consiguió mediante la combinación de vidrios con pan de oro, telas de Sicis y una composición estética afinada por la estilista, creando un ambiente sofisticado y envolvente.

Textiles y sensorialidad

Los textiles cobran especial relevancia tanto en el interiorismo como en el estilismo. Terciopelos negros y dorados, geometrías elegantes y fibras naturales aportan una mezcla de sofisticación y calidez que define la personalidad final del proyecto. La mano de Cristina Rodríguez Goitia resulta aquí decisiva para dotar a cada estancia de la textura emocional adecuada.

Créditos

Los arreglos florales que visten todas las estancias son obra de Atelier Sakura (@lateliersakura), mientras que las alfombras del salón–comedor y del dormitorio principal pertenecen a Kaymanta (@kaymanta). Las esculturas que destacan en la mesa de comedor son piezas de Maite Carranza (@maite.carranza). En el sofá del salón, los cojines con estampados geométricos pertenecen a Harlequín, distribuidos por Pepe Peñalver (@pepe.penalver), y los cojines lisos son de Lizzo. Las piezas cerámicas de la librería, así como las toallas, complementos de baño y el atrezzo de cocina, proceden de Zara Home, aportando una nota final de estilo y coherencia estética al conjunto.

Fotografía AMADOR TORIL

El emblemático Teatro Magno se vistió de gala para acoger la segunda edición de los Architecture Madrid Awards (AMA), un evento que se ha consolidado como una cita ineludible para el mundo de la arquitectura, el interiorismo y el diseño. Promovidos por la China Europe International Design Culture Association (CEIDA) y respaldados por Madrid Capital Mundial (MWCC), y en colaboración con la revista FEARLESS y la agencia SHAMELESS, los premios volvieron a reunir a la élite del sector para celebrar la creatividad, la innovación y la visión de quienes construyen el paisaje urbano y cultural de nuestras ciudades.

El Magno, convertido una noche más en la FEARLESS & SHAMELESS Embassy, fue el escenario perfecto para este encuentro, donde se puso en valor la labor de arquitectos, interioristas y diseñadores que transforman el entorno a través de su talento. El evento, conducido por la periodista Marta Jaumandreu, contó con las intervenciones de Katy Mikhailova, directora de FEARLESS y CEO de SHAMELESS y David García Núñez, presidente de Madrid Capital Mundial (MWCC), quienes inauguraron una velada dedicada a honrar la arquitectura como motor cultural y símbolo de identidad. 

Cerró el acto Rafael Aranda, en representación de RCR Arquitectes, los grandes homenajeados de la noche gracias a toda una trayectoria dedicada a transformar la arquitectura contemporánea. La entrega del Premio Honorífico se convirtió en uno de los momentos más aplaudidos, reconociendo su innovación, sensibilidad y capacidad de inspirar a toda una generación de arquitectos. La ovación del público subrayó la magnitud de este reconocimiento, que destacó no solo la obra, sino también el legado cultural y profesional que RCR Arquitectes deja en la disciplina.

Un jurado de excepción y una deliberación a la altura 

La segunda edición de los AMA reunió a un jurado de renombre compuesto por figuras clave del panorama nacional e internacional: Carlos Lamela, Carlos Rubio Carvajal, Lázaro Rosa-Violán, Tristán López-Chicheri (L35 Arquitectos), Paloma Sobrini, José Antonio Granero (Estudio Entreabierto), Eva Longoria (Grupo Rockwell), César Vidal (Cabeza & Sastre), Ignacio Vicens (Vicens & Ramos), María José Piccio (Directora General de Vivienda y Rehabilitación de la Comunidad de Madrid), Álvaro Estúñiga (Archidom Studio) y Ángel Cava (Modular Home).

El proceso de deliberación se celebró el pasado 13 de octubre en la azotea del propio Teatro Magno, en una cena donde la pasión por la arquitectura y el debate profesional se unieron bajo las luces de Madrid. Entre los asistentes estuvo también Iñaqui Carnicero, Secretario General de Agenda Urbana, Vivienda y Arquitectura, quien participó en el encuentro previo a la resolución final.

De aquella noche de reflexión surgieron los nombres de los ganadores, seleccionados por su excelencia técnica, su creatividad y su capacidad para transformar espacios en experiencias vivas.

Premiados por el jurado

La velada comenzó con la entrega de los premios otorgados por el jurado, que reconocieron la excelencia en las categorías de Arquitectura, Residencial, Vivienda Unifamiliar, Interiorismo y Producto.

En la categoría de ‘Arquitectura’, el Platinum Award fue para el estudio Provencher Roy por su espectacular Port Montreal Tower, un proyecto que redefine el paisaje urbano canadiense. El Gold Award recayó en Giulia De Appolonia, por el Olgiate Olona Sport Hall, y los Silver Awards fueron para 3DOR Concepts, por 3DOR AAPEES, y para Davide Macullo, por Vet Hospital Tirana.

En la categoría de ‘Residencial’, el Platinum Award fue para Biombo Architects por House of Winds Luxury Houses, y el Gold Award se otorgó a Tariq Khayyat Design Partners por The H Residence.

En ‘Vivienda unifamiliar’, Silverline obtuvo el Platinum Award por Casa M; el Gold Award fue para A-01, por No Footprint Wood House; y los dos Silver Awards fueron para Bruno Dias (Amago House) y Uffizi Arquitectura (14 bis House).

En ‘Interiorismo’, el Gold Award, único reconocimiento de la categoría, fue para Cometa Architects por Eventail, una propuesta que convierte la luz y el movimiento en los protagonistas de la experiencia espacial.

Finalmente, en ‘Producto’, el Platinum Award recayó en Serrano + Baquero por Ciudad de Perros, y el Gold Award fue para Ingrid Vermulst por Moving Together.

Premios Extraordinarios reconocidos por la organización

El bloque comenzó con el reconocimiento Instalaciones, para Simona Garufi, por su capacidad para integrar la técnica y la sensibilidad artística, redefiniendo el papel de las instalaciones como elementos expresivos dentro de la arquitectura contemporánea. El galardón fue entregado por Elena Pereira, directora de Marketing de Modular Home. Le siguió el Premio Extraordinario al Estudio Revelación, otorgado a Alejandro Cateto y entregado por Shameless Agency. Tras el,  el Premio Extraordinario a Estudio con Proyección Internacional, que reconoció a César Frías, de Estudio Morph, por su labor en la expansión del talento arquitectónico español más allá de nuestras fronteras, con un trabajo que combina innovación, emoción y comprensión del contexto global. El galardón fue entregado por Héctor Ruiz, arquitecto.

El Premio Extraordinario a la Arquitectura de la Luz by POLIGHT. fue otorgado a Estudio Herreros por su innovador uso de la luz en arquitectura, destacando especialmente su trabajo en el Museo Munch de Oslo. El galardón fue entregado por Raquel Gutiérrez y Nacho Castillejo, fundadores de POLIGHT..

El Premio Extraordinario a la Arquitectura Efímera recayó en Borja Esteras (Arquitalia), por Lobby to the Sky en Casa Decor 2025, una intervención que trascendió la temporalidad del espacio.

Continuando, el Premio Extraordinario al Mejor Estudio Emergente 2025 fue para NŌ Architects, estudio fundado por Pedro Terrades y Rafael Martínez, al frente de un equipo cuya creatividad y visión marcan el pulso de la nueva generación de arquitectos. Este galardón fue entregado por Julio Touza.

En Arquitectura Textil, el reconocimiento fue para Gancedo, en homenaje a sus más de 80 años de trayectoria innovando en diseño textil aplicado a la arquitectura. Recogieron el premio José y Beatriz Gancedo, y fue entregado por Alejandra Pombo.

El Premio Extraordinario al Compromiso con la Arquitectura de Calidad se otorgó al Restaurante Omeraki, de Alberto Chicote y diseñado por Enrique Barrera (In Design We Trust), por su integración ejemplar entre gastronomía, diseño y emoción, convirtiendo cada rincón en una experiencia memorable. Fue entregado por Fassa Bortolo, marca histórica en el mundo de la construcción, reconocida en el mercado por la calidad de sus productos y con una sólida trayectoria en España, además de ser patrocinadora Silver de la II Edición de los AMA.

Por otro lado, y en lo que a interiorismo refiere, el Premio Extraordinario Interiorismo & Experiencia recayó en Bar Manero – Marqués de Cubas, de Carlos Bosch, Raquel Giménez y Lázaro Rosa-Violán, el último place to be de la capital, donde cada detalle se transforma en un relato sensorial que envuelve a todo aquel que lo visita. El reconocimiento fue entregado de manos de CAMPARI.

El Premio Extraordinario a la Excelencia Empresarial en Project Management fue para ACERTA, recogido por Eva Cuesta, y en Hospitality Design, el reconocimiento fue para Cuarto Interior, de Germán Álvarez y José Manuel Fernández, por su capacidad para redefinir la experiencia hotelera a través del diseño.

El Premio Extraordinario Construcción y Rehabilitación: Pasado, Presente y Futuro distinguió a Impar Grupo, entregado por K Line, y el Premio Extraordinario El Arte Eterno de la Piedra fue para Kleos Stone Design, por su trabajo con la piedra como material de permanencia y belleza.

Una noche que consagra a Madrid como capital del talento arquitectónico

La velada concluyó entre aplausos, emoción y arte flamenco, símbolo de la fusión entre tradición y vanguardia que define el espíritu de los AMA. El Teatro Magno se convirtió en un escenario donde la arquitectura, la música y la emoción dialogaron en perfecta armonía, celebrando la creatividad como lenguaje universal.

Con esta segunda edición, los Architecture Madrid Awards consolidan su posición como referente internacional, reafirmando a Madrid como epicentro del talento y la innovación arquitectónica. Una gala que, más allá de los premios, rindió homenaje a la pasión, la técnica y la sensibilidad de quienes hacen de la arquitectura una forma de arte que trasciende el tiempo.