Fotografía BERTIE ESPINOSA con Leica D-Lux 7 Textos MANUEL LOMBO
Agradecimientos Leica, Beatriz Pérez, Adrian Moreno Lozano
y a quienes han contribuido a hacer realidad esta explosión de estética.
La Semana Santa sevillana es el mayor paradigma de la celebración de la Pasión y Muerte de Cristo, unida al sentir popular y con una fuerte corriente folclórica.
Siete días en los que la ciudad se convierte en la escenografía perfecta para ponerse al servicio del espectáculo más grandioso del mundo. Esta afirmación puede resultar algo chovinista, pero piensen por un momento en cualquier tipo de manifestación en la que participen “actuantes” y espectadores. Miles de personas durante distintas jornadas, en torno a la mayor muestra pública de arte barroco, -con lo que eso supone en la capital, no solo de Andalucía, si no de la estética, en cuanto a sus fiestas de primavera se refiere-.
Una “Semana Grande”, (denominada así por muchos), que no es otra cosa, que el culmen de todo un año de incesantes actividades por parte de las hermandades, -incluyendo las no dedicadas al culto-, que tienen como finalidad efectuar estación de penitencia a la Santa Iglesia Catedral. No debemos obviar la importantísima labor social de las cofradías durante todo el año, a través de sus bolsas de caridad y otros proyectos que tratan de mejorar las vidas, no sólo de sus hermanados más desfavorecidos, sino también de los feligreses pertenecientes a las parroquias donde están constituidas dichas cofradías o vecinos de los barrios donde tienen sus sedes.
Aunque el que les escribe tiene inquietudes religiosas y profesa la fe católica, me gustaría hacer hincapié en otras cuestiones, tales, como las que supone para la ciudad el cambio rítmico de su día a día cotidiano o la mudanza de aspecto que torna su casco histórico.
Y es que durante estos siete días, -a los que se les suman dos de vísperas y la espesura de su cuaresma-, Sevilla se pone al servicio de su Semana Santa, cosa que asume el sevillano, (unos con fervor y alegría y otros con total resignación). Y escribo esto, porque no hace falta recordar que en estos tiempos de “libertad impostada”, las manifestaciones religiosas populares también despiertan ciertas controversias, aunque en Sevilla, -la tierra de María Santísima-, el que más o el que menos, el ateo o el agnóstico, tienen su predilección por alguna que otra cofradía.
La ciudad se transforma, visual y espiritualmente. La luz se alarga y las sombras se ensanchan. En el aire se dificulta la distinción de los olores, que transitan entre el azahar de los alcorques, la garrapiñada de los puestos ambulantes, los fritos y el adobo, el incienso o el del papel y tinta del programa manoseado que indica el recorrido y horario de las cofradías.
El sevillano rancio, estrena cada Domingo de Ramos. El de a pie, se viste con lo mejor que tiene. El misticismo se mezcla con lo popular; la historia, con el presente, la austeridad de las cofradías de silencio, con el júbilo que traen las vecinas de los barrios del extrarradio, la música de capilla con las cornetas, la cola de la túnica de ruan, con el terciopelo de capa; el susurro al paso de un cortejo enmudecido con el clamor del misterio que viene haciendo cambios; el ¡ay! de la saeta con el ¡ole! al final del tercio; la luz del mediodía con la oscuridad de la madrugada; el recato y la penitencia con la sensualidad que despierta la primavera; el todo de los pasos en la calle y la nada cuando éstos se recogen…
No es tarea fácil tratar de esbozar unas líneas intentando explicar un suceso que lleva siglos desarrollándose en muchos aspectos de la misma forma exactamente, pero que cada año parece cosa nueva y se vive como una primera vez de todas.
Antonio López, el gran maestro del realismo, sabe mostrar la esencia de las cosas. No solo a través de su pintura: también cuando toma la palabra.
Por otro lado, en la sección de metáforas discursivas del retrato, la exposición presenta hombres, mujeres y seres andróginos desplegando plasticidad y gracia a través de formas, gestos y símbolos. En estos retratos, Bruchstein aborda cuestiones de identidad de género, la reconfiguración del cuerpo respondiendo a su entorno y el individuo como generador de cambios a través de sus propias reverberaciones físicas.
«Creo que todo lo que hay en la calle es un regalo. Pero sólo lo consigues si sales ahí todos los días».
Fue un encuentro con el famoso fotógrafo Robert Frank a principios de los sesenta -cuando Meyerowitz trabajaba como director artístico- lo que desencadenó su decisión de convertirse en fotógrafo. Tras observar cómo trabajaba el gran artista, Meyerowitz tomó la decisión de dedicarse también a la fotografía callejera. Durante los años siguientes tomó fotos en las calles de Nueva York; allí encontró el escenario perfecto para observar la vida y la gente de la gran ciudad.
Tras comenzar en color en 1962, Meyerowitz empezó a utilizar película en blanco y negro un año después. La formación que recibió en Nueva York se perfeccionó durante un viaje de un año por Europa en 1966/67. Muchas de las conocidas fotografías que forman parte de la inconfundible obra de Meyerowitz fueron tomadas en esa época en distintos países y ciudades. En los años siguientes a su regreso a EE.UU., el color cobró aún más importancia para el fotógrafo, y muchos de sus motivos legendarios son de esa época.
«A menudo pienso que la cámara es una vara de adivinación. Me guía. Porque tenerla conmigo, en mis manos o en mi hombro, es mi licencia para ver».
De este modo ha utilizado la fotografía para “hablar” de Ucrania y de la realidad que se está viviendo en este país, más allá de lo que vemos a través de los medios de comunicación a diario. Fukunaga hizo un viaje recorriendo varios puntos del conflicto y captando con su cámara los rostros de personas anónimas, viviendas ya sin dueño y descampados que muestran un territorio desolado. Durante la duración de la exposición se pondrán a la venta 5 unidades de cada una de las fotografías, en beneficio de World Central Kitchen, la ONG liderada por el chef José Andrés.
Esta exposición está producida por Leica Camera Iberia, marca que ha hecho posible toda la producción para que las fotografías lleguen a España. Ha cedido una cámara modelo Leica Q2 para este proyecto. De hecho, Javier Liedo, director general de Leica Camera Iberia, ha querido que su espacio en la capital, Leica Gallery Madrid.
Al cumplirse 55 años desde su publicación original, y 40 años desde la concesión del Premio Nobel al
Además de una exposición, Zurumbático es también un fotolibro publicado en 2017.
Podrá visitarse en Leica Gallery Madrid, C/ José Ortega y Gasset,34, hasta el próximo 21 de enero.
Kiana Hayeri: Promesas escritas en el hielo, dejadas al sol Ganadora del Premio Leica Oskar Barnack, 2022 Tras la retirada de las tropas occidentales de Afganistán en el verano de 2021, los talibanes
Valentín Goppel: Entre años Ganador del premio Leica Oskar Barnack talento emergente, 2022 Jóvenes en tiempos de Corona: la serie del fotógrafo alemán (nacido en 2000) explora el impacto de la pandemia en su generación. Él también experimentó la repentina ruptura de los hábitos, y los sentimientos de inseguridad que parecían definir los planes de la gente y el futuro. Corona fue como un catalizador de una sensación de desorientación continua. La fotografía, sin embargo, ofreció a Goppel una herramienta con la que comprender mejor sus pensamientos y temores, y le permitió dar expresión visual a la sensación de desamparo.
Valentín Goppel: «La pandemia fue una situación excepcional para todos nosotros. De repente nos encontramos luchando contra demonios, que habíamos contenido mediante distracciones familiares. Es sorprendente lo similares que fueron las experiencias de estos últimos años para mí y mis amigos, y sin embargo, todos nos sentimos tan solos. Mi estado de limbo se prolonga». Goppel empezó a retratar a sus amigos cuando era adolescente. Desde septiembre de 2019 estudia fotografía documental en Hannover. Ha recibido sus primeros encargos de publicaciones, como Spiegel y Die Zeit. Actualmente está trabajando en su primer libro de fotos sobre los sentimientos de los jóvenes.
El LOBA es uno de los premios mejor dotados y más prestigiosos en el campo de la fotografía. El ganador del LOBA recibe 40.000 euros y un equipo de cámara Leica valorado en 10.000 euros; el ganador del premio para recién llegados recibe 10.000 euros y una Leica Q2.
El término japonés «komorebi» inspiró el revestimiento de la edición especial, describiendo la transparencia y el juego de luces que se produce cuando la luz del sol cae a través de la copa de los árboles. El revestimiento de tela, producido por la marca japonesa Hosoo, está marcado como un hito en el arte de tejer, con un proceso innovador que utiliza hilo negro (93% de poliéster) y papel japonés de color dorado
En sintonía con su música, la fotografía de Seal evoca la emoción, iluminando la belleza y la humanidad del momento, en consonancia con la filosofía estética del set de edición limitada. El pañuelo de edición limitada que aparece en el set Q2 «Dawn» by Seal ha sido diseñado por la artista multimedia Annina Roescheisen, que interpreta las letras de Seal a través de elementos dorados sobre un fondo negro, ejemplificando aún más el impacto de la luz que emerge a través de la oscuridad y producido por la marca de moda neoyorquina Rag & Bone. Una variante blanca del pañuelo, que se vende por separado del set de cámara, estará disponible en algunas Leica Store en el mundo.
El Q2 «Dawn» de Seal está limitado a 500 unidades. Está disponible en todo el mundo en las Leica Stores, en la tienda online de Leica y en los distribuidores autorizados. El precio de venta es de 6.405 euros, IVA incluido.
Annina Roescheisen