ROCA celebra el Día de la Mujer desde su escaparate con 6 interioristas mujeres

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En la reciente inauguración del escaparate de Roca Madrid Gallery, diseñado por KlunderBie ha tenido lugar una sesión de fotos realizada por Fearless Magazine con el fin de plasmar la explosión de creatividad y talento femenino de 6 interioristas mujeres.

 

 

En la inauguración se ha conmemorado la fuerza y creatividad femenina junto a las diseñadoras: Inma Bermudez, Patricia Bustos Lorna de Santos, Natalia Zubizarreta, Miriam Alia y Ana Milena Hernández.

 

 

Este homenaje a la sostenibilidad, el color y el diseño nos muestra el futuro vibrante que podemos construir juntos.

 

 

MUAH: Escuela Harpo

Alison Rivera

Jessica Rodríguez

Harpo Make up FX @harpomakeupfx

Fotógrafo: Roberto Maroto @rmarotopolo

 

Roca se encuentra de celebración por partida doble. Su colección de grifería Nu, diseñada por el Estudio Inma Bermúdez, ha recibido el iF DESIGN AWARD 2024, un premio de diseño de fama mundial otorgado por iF International Forum Design GmbH, la organización independiente de diseño más antigua, con sede en Hannover (Alemania).

 

Las múltiples opciones de manetas y acabados de la original y vívida colección de grifería impresionaron a los 132 miembros del jurado, compuesto por expertos independientes de todo el mundo. La competencia fue feroz, con casi 11.000 candidaturas procedentes de 72 países.

 

 

Nu se ha convertido en el producto más premiado de la historia de Roca, cautivando a los entusiastas del diseño de todo el mundo. Desde su lanzamiento en Frankfurt el año pasado, ha recibido numerosos y prestigiosos premios internacionales de diseño, como Red Dot, BDNY, Monocle Design, Iconic, Dezeen, Good Design e IF, consolidando su posición en la cima de la excelencia del diseño.

 

Con un enfoque atrevido en el color y un fuerte aspecto sostenible, esta vibrante colección inspirada en la paleta mediterránea encarna la herencia y los valores de Roca. Marc Viardot, Director global de diseño y marketing de Roca, se muestra satisfecho con el reconocimiento que ha recibido Nu: «Aunque ganar premios no es nuestro principal objetivo, el rotundo reconocimiento del atrevido pero alegre diseño español de Nu es realmente motivador.»

 

 

Llamamiento al color

El enfoque visionario de la diseñadora Inma Bermúdez queda patente en las manetas Pin, Dome y Stripes de Nu. Estas manetas presentan formas distintivas que combinan la innovación con la sostenibilidad. Desde el contorno redondeado de Dome hasta la elegante forma de pájaro de Pin, pasando por la superficie texturizada de Stripes, cada maneta desprende un encanto único. Inma Bermúdez subraya la vitalidad de la colección, cuyo objetivo es infundir alegría a las experiencias cotidianas, con sutiles elementos de diseño, como los indicadores de agua caliente y fría que provocan sonrisas.

 

 

La innovación de Nu se extiende a las prácticas de sostenibilidad. Con el aireador discretamente integrado en el grifo y el sistema Cold Start, Nu reduce eficazmente el consumo de agua con cada uso, mitigando las emisiones innecesarias de CO2. Además, la eliminación de plásticos de un solo uso en los embalajes y la fabricación europea de la colección contribuyen a reducir la huella de carbono global.

 

Atrevidos sin ser estridentes, los elegantes colores de Nu aportan algo verdaderamente único al catálogo de grifería de Roca. Asimismo, Nu es una colección versátil, que ofrece a arquitectos e interioristas una elección que complementa su estilo personal.

Estudio Inma Bermúdez

Inma Bermúdez (España, 1977) y Moritz Krefter (Alemania, 1978) son las dos caras -cóncava y convexa- detrás de la colección Nu. «Moritz es el milímetro, la perfección, la técnica«, dice Inma. «Inma es la forma, el lenguaje, el concepto«, responde Moritz. Con estudio y casa en Valencia, trabajan desde 2007 para empresas de todo el mundo creando objetos emocionales que no pierden de vista su función. Sus proyectos mezclan la esencia alemana con la luz mediterránea, el humor, la ironía, la sencillez y el respeto por el medio ambiente. Su compromiso con la sostenibilidad dicta el futuro y cada vez más el presente, que imaginan respetuoso con materiales, productos y procesos.

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Venezuela y España unidas por la nueva firma de moda sostenible que promete conquistar a insiders y prescriptoras de estilo: CASONÁ

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En el mundo de la moda, las colaboraciones se han vuelto cada vez más comunes. Alianzas entre firmas, personas, culturas y formas de ver la vida que dan lugar a resultados increíbles como colecciones y piezas exclusivas fruto de esa fusión.

 

Es en este contexto donde surge CASONÁ, una nueva firma de moda que fusiona la pasión por el diseño con el compromiso con el medio ambiente y la inclusión. Dirigida por Carmelá Osorio e Inés Sainz, dos visionarias con una amplia experiencia en la industria, CASONÁ representa un homenaje al mestizaje y a la singularidad de cada individuo, uniendo a Venezuela y España en un proyecto innovador y apasionante.

 

CASONÁ no es solo una marca de moda, es un espacio donde convergen la creatividad, la tradición y la responsabilidad ambiental. Desde su creación, Carmelá e Inés han trabajado para establecer un ethos que refleje su compromiso con la transparencia y la excelencia en cada paso del proceso de producción. La firma se enorgullece de ofrecer prendas de alta calidad que cuentan una historia de integridad y cuidado, desde el diseño hasta la entrega.

 

El viaje hacia la creación de CASONÁ ha sido marcado por experiencias y aprendizajes valiosos. Carmelá Osorio, Directora Creativa de la firma, inició su carrera con el firme deseo de trabajar con diseñadores que compartieran sus valores y visión. Su paso por Calvin Klein, donde colaboró con Raf Simons, fue fundamental en la construcción de su camino hacia la creación de su propia firma. Aquí, Carmelá no solo adquirió habilidades fundamentales en diseño, sino también aprendió sobre la importancia de ofrecer opciones éticas y sostenibles a los clientes.

 

Con un enfoque en la sostenibilidad y la ética, Carmelá se asoció con Inés Sainz, Directora de Arte y socia, para dar vida a CASONÁ. Juntas, están comprometidas con una marca que promueva valores de inclusión, responsabilidad y conciencia ambiental. La visión de esta firma va más allá de la moda, estableciendo un estándar de sostenibilidad para la industria e inspirando a una nueva generación de consumidores conscientes y exigentes.

 

Una de las características de la firma es su compromiso con el upcycling, un proceso que consiste en utilizar materiales reciclados cuidadosamente seleccionados para crear nuevas piezas de mayor valor y calidad. Por eso, la marca aprovecha telas de stock muerto de las casas de moda europeas más prestigiosas, asegurando que cada prenda refleje tanto la alta calidad como la esencia de la fusión entre ambas culturas. Esta práctica no solo reduce el desperdicio textil, sino que también añade una dimensión exclusiva a las colecciones.

 

Además de su compromiso con la sostenibilidad, CASONÁ también se distingue por su enfoque en la comunidad. La firma se esfuerza por crear relaciones auténticas entre sus clientes y los artesanos que confeccionan sus prendas, fomentando una conexión significativa entre los consumidores y el proceso de fabricación.

CASONÁ representa una nueva era de moda sostenible y ética, donde la colaboración entre culturas y el compromiso con el medio ambiente son fundamentales. Con su enfoque en la transparencia, la inclusión y la excelencia, la firma será el nuevo must de las prescriptoras de moda.

 

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4RETAIL construye la discoteca BONDED CLUB en Madrid

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La constructora 4Retail, con experiencia en todo tipo de espacios retail, oficinas y hoteles, ha construido el nuevo Bonded Club en el madrileño barrio de Chamberí, local propiedad del Grupo Sounds.

 

4Retail ha llevado a cabo su servicio ‘Build’, que abarca la construcción total del local, tanto obra civil como instalaciones. El establecimiento consta de una superficie total interior de 400 m2 y el tiempo de ejecución de las obras ha resultado un total de 5 meses.

 

 

Interiorismo en rojo

Del interiorismo de Bonded Club se ha encargado el estudio de Madrid Mil Studios, que ha apostado por un diseño todo al rojo para crear una atmósfera sofisticada y glamourosa.

El local, que se distribuye en dos plantas, cuenta con una pista de baile en el centro rodeada de una barra y un espacio de sofás. La paleta cromática se viste de brillantes dorados y rojos intensos, mobiliario tapizado con suaves tejidos aterciopelados, lisos combinados con estampados print animal, y una iluminación sumamente cuidada. Todo diseñado para hacer vibrar y sentir la música al visitante.

Método 4R Know-How

La profusión de detalles y de distintos materiales utilizados en el diseño interior de Bonded Club ha obligado a 4Retail a ser muy rigurosos en todas las etapas constructivas, si bien esto “Es algo que hacemos de manera natural, forma parte de nuestro ADN, el rigor en la construcción es nuestro pilar fundamental, tanto en proyectos complejos como en otros que pueden resultar más sencillos” explica Pau Galard, socio-cofundador de 4Retail.

En cada obra que acomete, 4Retail aplica su método «4R Know-How», así como un elevado criterio técnico/económico: “Controlamos con precisión todos los procesos, desde el estudio de costes, oferta económica, planning y ejecución, contrato, seguimiento, puesta en marcha y garantía, lo que nos lleva a culminar siempre los proyectos constructivos con éxito” explica Javier Paradell, socio-cofundador de 4Retail.

 

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La colección de grifería Nu de ROCA, diseñada por el Estudio Inma Bermúdez, también gana el iF DESIGN AWARD 2024

Las múltiples opciones de manetas y acabados de la original y vívida colección de grifería impresionaron a los 132  miembros del jurado, compuesto por expertos independientes de todo el mundo. La competencia fue feroz, con casi  11.000 candidaturas procedentes de 72 países. 

 

Nu se ha convertido en el producto más premiado de la historia de Roca, cautivando a los entusiastas del diseño de  todo el mundo. Desde su lanzamiento en Frankfurt el año pasado, ha recibido numerosos y prestigiosos premios  internacionales de diseño, como Red Dot, BDNY, Monocle Design, Iconic, Dezeen, Good Design e IF, consolidando  su posición en la cima de la excelencia del diseño.

 

 

Con un enfoque atrevido en el color y un fuerte aspecto sostenible, esta vibrante colección inspirada en la paleta  mediterránea encarna la herencia y los valores de Roca. Marc Viardot, Director global de diseño y marketing de  Roca, se muestra satisfecho con el reconocimiento que ha recibido Nu: «Aunque ganar premios no es nuestro  principal objetivo, el rotundo reconocimiento del atrevido pero alegre diseño español de Nu es realmente motivador.» 

 

Llamamiento al color 

El enfoque visionario de la diseñadora Inma Bermúdez queda patente en las manetas Pin, Dome y Stripes de Nu.  Estas manetas presentan formas distintivas que combinan la innovación con la sostenibilidad. Desde el contorno  redondeado de Dome hasta la elegante forma de pájaro de Pin, pasando por la superficie texturizada de Stripes,  cada maneta desprende un encanto único. Inma Bermúdez subraya la vitalidad de la colección, cuyo objetivo es  infundir alegría a las experiencias cotidianas, con sutiles elementos de diseño, como los indicadores de agua caliente  y fría que provocan sonrisas. 

 

La innovación de Nu se extiende a las prácticas de sostenibilidad. Con el aireador discretamente integrado en el  grifo y el sistema Cold Start, Nu reduce eficazmente el consumo de agua con cada uso, mitigando las emisiones  innecesarias de CO2. Además, la eliminación de plásticos de un solo uso en los embalajes y la fabricación europea de la colección contribuyen a reducir la huella de carbono global. 

 

Atrevidos sin ser estridentes, los elegantes colores de Nu aportan algo verdaderamente único al catálogo de grifería  de Roca. Asimismo, Nu es una colección versátil, que ofrece a arquitectos e interioristas una elección que  complementa su estilo personal. 

 

Estudio Inma Bermúdez 

Inma Bermúdez (España, 1977) y Moritz Krefter (Alemania, 1978) son las dos caras -cóncava y convexa- detrás de  la colección Nu. «Moritz es el milímetro, la perfección, la técnica«, dice Inma. «Inma es la forma, el lenguaje, el  concepto«, responde Moritz. Con estudio y casa en Valencia, trabajan desde 2007 para empresas de todo el mundo  creando objetos emocionales que no pierden de vista su función. Sus proyectos mezclan la esencia alemana con la  luz mediterránea, el humor, la ironía, la sencillez y el respeto por el medio ambiente. Su compromiso con la  sostenibilidad dicta el futuro y cada vez más el presente, que imaginan respetuoso con materiales, productos y  procesos. 

 

Premios de prestigio: 

– Los Monocle Design Awards reconocen los 50 objetos, lugares y diseñadores que más han llamado la  atención de la prestigiosa revista durante el año anterior.  

 

– Creado hace más de 60 años, el Red Dot Award es uno de los mayores concursos de diseño del mundo y  un indicador internacional del buen diseño. 

 

– Organizados por el Consejo Alemán de Diseño, los Iconic Awards se conceden a quienes generan nuevas  ideas en las categorías de arquitectura, concepto, comunicación, interiorismo y producto.  – El premio Good Design®, concedido por el Museo de Arquitectura y Diseño del Ateneo de Chicago y  Metropolitan Arts Press Ltd., es la cumbre de la excelencia en el diseño y honra a los productos que superan  los límites de la innovación e inspiran admiración.  

 

– Best of Boutique Design New York (BDNY) es una feria y conferencia líder para la comunidad de diseño  de boutiques y estilo de vida de la hostelería.  

 

– El programa anual de premios del influyente sitio web de arquitectura y diseño Dezeen identifica los mejores  proyectos de arquitectura, interiores, diseño y sostenibilidad, así como los estudios, arquitectos y  diseñadores que están detrás de algunos de los trabajos más excepcionales del sector. 

 

– Fundado en Alemania en 1954, el iF DESIGN AWARD es un faro de calidad y excelencia que se ha ganado  la confianza de los consumidores y de la comunidad del diseño.

 

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Henrique Oliveira MAISON RUINART desvela La Carte Blanche 2024: Conversaciones con la naturaleza

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Maison Ruinart se complace en desvelar su Carte Blanche 2024: Conversaciones con la Naturaleza, creada por un colectivo de artistas que comparten una fuerte conexión con la naturaleza. Parte de Conversaciones con la Naturaleza se expondrá en ARCOmadrid del 6 al 10 de marzo, a través de una serie de obras del artista brasileño Henrique Oliveira.

 

Durante casi 300 años, la Maison Ruinart ha mantenido un diálogo único con la naturaleza, celebrado a través de la Carte Blanche 2024. Dedicando tiempo a observar, escuchar y comprender la naturaleza, la Maison de champagne más antigua cosecha sus frutos a partir de los cuales toma forma cada cuvée. La atención al detalle es la base de un savoir-faire ancestral que respeta el equilibrio ecológico expresado en cada botella. El champagne es ante todo una obra de la vid: emerge de la tierra, impregnado de agua y luz. Cada burbuja contiene un destello del ciclo siempre renovado de las estaciones.

 

Inspirada en esta conexión tangible con la naturaleza, la Maison Ruinart, al elegir a un conjunto de artistas con fuertes convicciones ecológicas, sienta las bases de un movimiento colectivo para dialogar con el medio. La Maison envía una señal ambiciosa en un momento en que la agitación climática supone un enorme riesgo. Presentadas a lo largo del año en ferias de arte de todo el mundo, las obras se reunirán en una exposición permanente en uno de los jardines de la sede histórica de Ruinart en Reims, rue des Crayères, 4. Las emociones que afloren, nos conectarán con la belleza y la fragilidad de nuestro planeta, estas creaciones también constituirán una llamada a la acción frente a los retos que plantea el Antropoceno.

 

Procedentes de los cinco continentes, los artistas invitados a esta Carte Blanche encarnan tanto el arte contemporáneo como las diferentes formas en que se perciben las cuestiones medioambientales en todo el mundo.

 

Andrea Bowers reside en Los Ángeles. Marcus Coates y Thijs Biersteker viven en Europa. Pascale Marthine Tayou trabaja entre Bélgica y Camerún. Henrique Oliveira tiene estudios en Londres y São Paulo. Tomoko Sauvage viaja entre París y Tokio.

 

Juntos, darán vida a reflexiones polifacéticas que resuenan de Nueva York a Madrid, de Tokio a Dubai, de Hong Kong a París. Más que concluir un debate, estas conversaciones múltiples y abundantes harán oír las distintas voces inmersas en la naturaleza. Todo el mundo es libre de unirse a este debate abierto.

 

Como un coro, la Carte Blanche 2024 se declara partidaria de un diálogo universal con todos los seres vivos, alimentado por infinitos enfoques, puntos de vista y conocimientos.

 

En el corazón del futuro Jardín de los Artistas de Reims, con una impronta natural y artística que encarna los valores de Ruinart, las obras de arte de la Carte Blanche 2024 demostrarán un compromiso duradero con un mundo más sostenible. Entablarán apasionadas Conversaciones con la Naturaleza.

 

“Para nosotros, se trata de considerar la naturaleza y todos los seres vivos sujeto con el que conversar en lugar de un tema de conversación. Y dar voz a la fauna y la flora que nos rodean”

 

FRÉDÉRIC PANAÏOTIS

Chef de cave, Ruinart

 

UN COLECTIVO DIVERSO

CARTE BLANCHE

En 2024, con una Carte Blanche titulada Conversaciones con la Naturaleza, Ruinart da vida a una forma de arte comprometida con la naturaleza e impulsada por una multitud de talentos. Aunque utilizan medios diferentes, todos los artistas tienen una fuerte conexión con la naturaleza. Algunos se interesan por el clima, otros por la biodiversidad. Todos se centran en la relación entre el hombre y la naturaleza a través de su prisma único. Andrea Bowers combina arte y activismo, Thijs Biersteker basa su obra en datos científicos, Marcus Coates crea nuevas relaciones con un mundo «más que humano», Pascale Marthine Tayou hace aflorar la belleza donde menos se espera, Henrique Oliveira y sus espectaculares esculturas reúnen plantas y otros elementos orgánicos, mientras que Tomoko Sauvage es una apasionada de las burbujas, desde cómo se forman hasta su aspecto transparente.

 

Estos seis artistas han sido seleccionados para dialogar con la naturaleza de la región de Champagne y cuestionar nuestra relación con los seres vivos, encarnando el impulso colectivo puesto en marcha por la Maison Ruinart.

 

“Como la casa de champagne más antigua, Ruinart ha cultivado un vínculo íntimo con la tierra y la naturaleza durante casi 300 años. Tenemos la responsabilidad de comprenderla mejor y preservarla. Nuestras cuvées son el fruto de esta relación. Los artistas son los mejores embajadores para promover la preservación de la naturaleza, algo esencial para la Maison Ruinart. Están en la vanguardia de la sociedad y tienen un lenguaje poderoso capaz de atraer a nuestros diferentes públicos.”

 

FREDERIC DUFOUR Presidente, Maison Ruinart

 

HENRIQUE OLIVEIRA

DESNATUREZA 6

Henrique Oliveira estableció su estudio en Londres en 2020. Trabaja en proyectos in situ por todo el mundo, especialmente en Europa. Sus pinturas revelan una proliferación orgánica de color, mientras que sus esculturas (re)crean raíces que emergen de entornos urbanos. Compuestas por tablones incrustados de madera contrachapada reciclada (tapumes), las esculturas recuerdan las vallas que son un signo del constante proceso de destrucción y reconstrucción de la ciudad de São Paulo.

 

Sensible a las cuestiones ecológicas, el artista se inspira en la dimensión parasitaria de estas construcciones, al tiempo que subraya la necesidad de utilizar con moderación los recursos naturales. Los proyectos de Henrique Oliveira se han presentado en la Bienal de São Paulo (2006), el Smithsonian Institution de Washington (2011), el Palais de Tokyo de París (2013), el Museo de Bellas Artes de Gifu, Japón (2018), Un Été au Havre (2019) y en el Jardin des Tuileries como parte de Paris+ par Art Basel (2023).

 

El proyecto para la Carte Blanche de Henrique Oliveira consiste en una escultura del tamaño de un árbol real, hecha de madera contrachapada reciclada y papel maché reforzado por una estructura metálica interna, que se alzará en el Cour d’Honneur de la sede histórica de la Maison Ruinart en Reims. La construcción pone de relieve la importancia del reciclaje. Su forma evoca ramas entrelazadas como un laberinto de raíces, que recuerdan la red subterránea de pozos de tiza en los que Ruinart envejece su champagne. La escultura se inspira en la idea de una vid invertida cuyas raíces quedan expuestas en el aire, en vez de sumergirse bajo tierra. La fruta crece en los pozos de tiza igual que lo hacen las botellas almacenadas en las bodegas de Ruinart.

 

Impresionado por esta red subterránea, Henrique Oliveira nos recuerda la historia del paisaje de Champagne, compuesto en gran parte por tiza sedimentada hace millones de años. Una tiza explotada por los artesanos desde la Edad Media y que ofrece un entorno ideal para el crecimiento de la vid.

 

«El Intenso trabajo artesanal de mis esculturas en forma de ramas refleja el esfuerzo que debemos hacer para recuperar la misma naturaleza que antaño se daba por sentada».

 

ARCOmadrid

Conversaciones con la Naturaleza se expondrá en ARCOmadrid del 6 al 10 de marzo. Presentará una serie de 3 obras del artista brasileño Henrique Oliveira.

 

Ruinart, el champagne del arte, presenta un nuevo espacio en ARCOmadrid. Un viaje sensorial por el universo de la Maison a través de un conjunto de experiencias interactivas que narran el concepto de la Carte Blanche 2024.

 

En la entrada del lounge, el visitante descubrirá el manifesto de la Carte Blanche 2024  y podrá disfrutar de un video donde los seis artistas que integran este colectivo concienciado, dan  testimonio de su producción personal.

 

Una vez dentro del lounge de Ruinart, nos encontraremos con las 3 obras que Henrique Oliveira ha cedido a Ruinart para la feria ARCO. La obra Oito de Paus (ocho de bastos) preside el espacio, custodiada por otras dos grandes obras en los laterales, Era a la derecha y Human Nature a la izquierda. Todas estas obras han sido realizadas con los mismos materiales: corteza y trozos de ramas de árboles, cartón, madera contrachapada y pegamento.

 

Detrás de Oito de Paus, se encontrará el bar de Ruinart, que, como otras paredes del lounge, estará decorado con murales diseñados por el paisajista Cristophe Gautrand.

 

Cristophe Gautrand es el encargado de rediseñar el entorno vegetal de la Maison Ruinart en Reims donde se encontrará el jardín de los artistas. A lo largo de los senderos, en el patio principal y entre los árboles, numerosas obras encomendadas por Ruinart revelarán una variedad de visiones artísticas de la Maison, y de sus valores. En dicho jardín se encontrará la gran obra en la que Henrique Oliveira está trabajando: Desnatureza 6 que se alzará en el Coeur d’Honneur de la sede histórica de la Maison Ruinart.

 

A la derecha de la barra se podrá observar un panel que muestra una avant première del nuevo Pavillion Nicolas Ruinart. El nuevo pabellón diseñado por el arquitecto japonés Sou Fujimoto, abrirá sus puertas en octubre. El concepto se sustenta en la consideración de todas las facetas de Maison Ruinart: tradición, modernidad, savoir-faire, arte, naturaleza y art de vivre.

 

CONVERSATIONS WITH NATURE

Con HENRIQUE OLIVEIRA

ANDREA BOWERS

MARCUS COATES

PASCALE MARTHINE TAYOU

THIJS BIERSTEKER

TOMOKO SAUVAGE

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Camper presenta ROKU

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Esta temporada Primavera / Verano 2024, Camper presenta ROKU, su nueva línea unisex que rompe todos los esquemas del zapato tradicional.

 

ROKU – que en japonés significa “seis” – es un concepto revolucionario de espíritu sostenible, conectado al icónico modelo Wabi de la marca, y reinventado con un look contemporáneo. Modular y ergonómico, el zapato se inspira de las formas orgánicas y funcionales de los objetos japoneses tradicionales. Seis piezas desmontables e intercambiables componen ROKU: planta acolchada, parte superior tejida, calcetín 3D, cordones y suela ligera de XL EXTRALIGHT® SUSTAINABLE+, un material fabricado a partir de 51% de sub-productos industriales recuperados, con el fin de reducir desechos.

 

Los elementos se venden ensamblados en forma de zapato, o separados en cuatro packs diferentes, dando al cliente la posibilidad de construir su propio modelo único.

 

Desarrollado durante más de dos años, ROKU encarna una de las ideas más ambiciosas e inventivas de la historia de Camper. “Queríamos crear un zapato que cada fan de Camper pudiese disfrutar a su manera”, explica el equipo de diseño de Camper. “Se trata de un concepto complejo de desarrollar, pero de un zapato sencillo de manufacturar.”

 

El diseño de ROKU se basa en una selección mínima de ingredientes reciclados y reultilizados, y en una innovadora tecnología one-piece knit que reduce las emisiones de CO2 y contribuye a la meta cero residuos de Camper. Prescindiendo enteramente de pegamentos, el zapato se desensambla, repara y recicla fácilmente a lo largo de su vida útil, creando un producto sin límites.

 

Esta temporada, ROKU se presenta en una selección de colores que incluye blanco, negro, kaki y rojo vivo. Adquiridas en su forma desensamblada, las diferentes partes del zapato pueden ensamblarse, customizarse y reensamblarse para crear hasta 64 looks y combinaciones cromáticas.

 

ROKU será lanzado de manera anticipada exclusivamente online entre el 1 y el 5 de marzo, y estará disponible en tiendas Camper seleccionadas, tiendas multimarca y en camper.com a partir del 6 de marzo.

 

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BESO PERFUMES: la magnolia, una nota de corazón fundamental en perfumes de lujo

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En la búsqueda constante de la perfección olfativa, Carlos Benaïm, experto perfumista, y el equipo de Beso Perfumes han recurrido a la magnolia, un emblemático aroma para inspirar su fragancia «Beso de Luna», aportándole frescura, feminidad y sofisticación.

 

Este inconfundible aroma es característico por su elegancia atemporal, que ha cautivado los sentidos y el alma a lo largo de los siglos, desempeñando un papel fundamental en la creación de perfumes de lujo.

 

Con sus pétalos sedosos y su fragancia envolvente, se trata de un elemento esencial en la paleta de un perfumista. Sus notas frescas, florales y cítricas se combinan de manera única, manteniendo su carácter intacto a lo largo del día y van evolucionando de manera gradual sobre la piel. Además, su versatilidad la hace adecuada tanto para fragancias florales puras como para composiciones más complejas; desde el jazmín o la rosa hasta notas más cítricas, como el corazón del limón.

 

Desde InHouse, compartimos contigo toda la información y materiales de prensa referentes a «Beso de Luna» para que puedas conocer en detalle esta maravillosa fragancia.

 

BESO DE LUNA

La esencia de la luna en una fragancia

 

Un perfume tan luminoso e hipnótico como la luna reflejada de noche en el mar Mediterráneo.

 

Con un nuevo ingrediente cítrico único: el corazón de Limón LMR*, mezclado con el resplandor floral de la Magnolia y las notas aterciopeladas de Cashmeram, las maderas ambinarias y los almizcles, nace un perfume luminoso e hipnótico como la luna llena reflejada en el mar.

 

“Deseaba crear un perfume contrastado que mezclara la firma fresca y afervescente de la magnolia con los tonos cálidos del cachemir y las maderas ambarinas. Una fragancia tan radiante y envolvente como la luz de la luna.»

– Carlos Benaïm

 

 

NOTAS PRINCIPALES

Corazón de Limón LMR*

Pimienta rosa CO2 LMR*

Bergamota de Italia

 

NOTAS DEL CORAZÓN

Magnolia viva

Rosa esencial para la vida LMR*

 

 

NOTAS BASE

Cashmeran

Madera de Ambery

Pachulí N4 LMR*
Almizcle

 

*LMR (Laboratoires Monique Remy): La mejor empresa de ingredientes naturales del sector por la pureza y calidad de sus ingredientes. IFF adquirió la empresa en 2020.

*Para la Vida: Certificado otorgado por ECOCERT cuando certifica que el ingrediente procede de fuentes sostenibles.

P.V.R.:

100 ml/3,4f l.oz – 175,00 €

 30 ml/1,0,f l.oz – 95,00 €

Beso de Luna disponible en besoshopb.com

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EL ELOGIO DE LAS SOMBRAS: Un homenaje a la belleza exótica y tradicional de las prendas bajo el juego de luces

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Costura de Autor es una asociación sin ánimo de lucro, que nace para preservar, potenciar y comunicar la excelencia en la costura, así como la creatividad y el exquisito trabajo de los diseñadores repartidos en toda la geografía española. 

 

El principal objetivo de la asociación es la promoción y defensa de la costura española de autor, así como de sus diseñadores y del oficio artesano, mediante la creación de un lugar común para todos aquellos interesados en una moda artesanal, cualificada, responsable y creativa. Para ello, CdA lleva a cabo todo tipo de actividades destinadas a dar a conocer el diseño y la costura española de autor y su historia, tales como exposiciones, talleres, charlas o formaciones, con la voluntad de definir una “voz única” que represente a todos sus asociados, sus valores y su talento creativo, promoviendo la costura artesanal con “sello español”, impulsando el legado de la tradición indumentaria española, que es ejemplo internacional de creatividad, sostenibilidad y ética profesional. 

 

 

Homenajeando las ideas del manifiesto “Elogio de las Sombras” de Junichiro Tanizaki, esta exhibición de creaciones elaboradas por los diseñadores de Costura de Autor en La Casa de La Luz Simón, pretende homenajear la belleza exótica y tradicional de las prendas bajo el juego de luces. 

 

Una instalación de gran contenido poético, en donde las técnicas tradicionales de la costura reflejan la belleza de la artesanía y convergen con la estética japonesa tradicional. 

 

 

Partiendo del negro, como color clave en la historia de la moda española, así como su opuesto, y fomentando el juego de las penumbras tan valorado en la antigua cultura oriental, los trajes cuentan historias que retornan en nuestro imaginario bajo el bello influjo de la luz.

 

Comisariado: Félix Valiente (fotógrafo) 

 

Costura de Autor, “Los virtuosos de la moda”

“Un espacio para aprender, compartir y disfrutar de la luz”

 

DEL 19 DE FEBRERO AL 1 DE MARZO 

21 de febrero, inauguración y coloquio. 27 de febrero, recorrido por la exposición. 

 

La Casa de la Luz Simón es un espacio creado para aprender, compartir y disfrutar de la luz en un ambiente colaborativo y abierto a profesionales y particulares. 

 

Con sus orígenes como empresa familiar hace más de 100 años en un pequeño taller destinado a la fabricación de portalámparas, Simon es hoy una empresa líder en material eléctrico y referente en diseño a nivel internacional. Una multinacional en plena expansión cuyos proyectos en materia de innovación, sostenibilidad y eficiencia energética han sido premiados con el sello LEED, la más alta certificación en materia de sostenibilidad. 

 

 

Pioneros en su sector gracias a su departamento de I+D+I, definen sus filosofía con dos conceptos: Diseño y Tecnología. Entre sus valores está el priorizar el desarrollo profesional de las personas, algo que incentivan mediante espacios y proyectos como la Casa de la Luz, que abre sus puertas a diversas iniciativas formativas y culturales en colaboración con creadores y profesionales.

 

 

Agenda de la exposición

Diseñadores @costuradeautor_org

 

Helena Mareque 

Su esencia representa el lujo silencioso. Sus vestidos creados con técnicas artesanas y su continua creatividad no dejan indiferente a nadie. Empleando telas de las mejores calidades, es capaz de adaptarse a cualquier estilo para convertir cada pieza en una joya preciosa. 

 

Miquel Alemany 1942 

Carlos Baqués Cirera y Carlos Baqués hijo son la cuarta y quinta generación de Miquel Alemany 1942, especializados en tejidos de alta costura para diseñadores nacionales e internacionales como Balmain, Armani o Chanel. 

 

Ammiu 

Amaia Ubiria, tras formarse en el IED y trabajar con Jesús del Pozo, creó su propio Atelier en San Sebastián. Con un estilo muy personal, envuelve los cuerpos con ricas texturas, sencillez y prendas fluidas con un toque minimalista y un sello propio. 

 

Silvia Fernández 

Creció rodeada de patrones y telas. Estudió publicidad y desfiló para YSL y Karl Lagerfeld, para posteriormente crear su marca homónima, donde vuelca su pasión por la costura tradicional en vestidos para ocasiones especiales con piezas de gran estilo y personalidad. 

 

Le Touquet 

Paula Canellada es arquitecta de profesión y diseñadora por pasión. En 2009 creó Le Touquet, donde modela artesanalmente piezas de joyería inspiradas en las flores, mediante una técnica que data de finales del SXIX. 

 

BSJ by Macarena 

Macarena Sanz es reconocida como una de las pocas bordadoras artesanas españolas especializadas en los diseños con hilo de oro, piezas que realiza en su Atelier en Cuenca. 

 

Maria Barragán 

Con Atelier en Madrid y Almería, se dedica a la confección de vestidos exclusivos para novia e invitada. Virtuosa del patronaje, su especialización, diseña cada vestido como si se tratase de una obra de arte, dando rienda suelta a sus dos pasiones, el dibujo y la costura. 

 

Isabel Hervás 

Elabora creaciones exclusivas experimentando con técnicas tradicionales y grandes dosis de creatividad en el Atelier que creó hace años en su Jaén natal, donde confecciona prendas sofisticadas, románticas y modernas. 

 

Maria Gadea 

Formada en IED Madrid, diseña prendas exclusivas mediante un proceso elaborado y altamente cuidado, inspirado en el objetivo de crear vestidos que conecten y emocionen, con diseños llenos de personalidad y técnicas artesanas. 

 

Slabon Moda 

Fascinada por la Alta Costura, Susana Poyatos crea Slabon Moda en 1990. El cuidado en los acabados, la selección de los materiales y el trabajo artesanal dan lugar a creaciones personalizadas de gran calidad y sensibilidad. Desde 2011 forma parte de Estampa Desing. 

 

Eusebio Sánchez 

Desde 1952 especializados en la importación de bordados, hace unos años empezaron a producir sus propias creaciones basadas en la tradición textil española y su técnica, inspirando a diseñadores de todo el mundo con sus telas. 

 

Genoveva Hita 

La seda es el medio perfecto con el que Genoveva da rienda suelta a sus creaciones artísticas, que convierten prendas atemporales y versátiles en lienzos pintados a mano. 

 

Manuela Montero 

Sus creaciones se inspiran en la naturaleza y en la magia de los cuentos para vestir a los más pequeños con cuidados detalles propios de la Alta Costura. Es la artífice de algunas de las prendas prêt-à-porter de moda infantil más valoradas en España. 

 

Lechienerrant 

Tras trabajar para varias firmas e involucrarse en todo el proceso creativo, Miguel Ángel Aldeguer crea Lechienerrant, donde diseña con un estilo depurado a través de tejidos nobles y una confección impecable destinada a una mujer intuitiva que rechaza lo superfluo. 

 

Escuela ESADA 

La escuela, especializada en la formación de nuevos diseñadores en Andalucía, presenta a Elisa Chien, que representa la apuesta por el diseño innovador, creativo y basado en criterios de sostenibilidad de la escuela. 

 

Cristina Tamborero 

Graduada en la Universidad Ramón Llull en Dirección y Administración de empresas, continuó sus estudios de moda en el IED . Su pasión siempre fue el diseño y su dedicación la ha llevado a crear piezas únicas en su Atelier de Barcelona, con tejidos nobles y confeccionados a mano. Un guiño a la antigua alta costura trasladada a la actualidad.

 

Yar Studio Design 

Graduado en diseño industrial en Teherán, Hamid Mihanyar aprendió el oficio de curtidor y descubrió su pasión por modelar el cuero creando volúmenes. Desde Guadalajara confecciona a mano junto a su compañera Somita Hesam, formada en diseño en Madrid. 

 

Clara Blu 

Clara Martinez es la artífice de Clara Blu, marca de moda infantil, creada puntada a puntada para vestir las ceremonias infantiles, inspiradas en las técnicas artesanales de la costura tradicional. Especializada en los faldones de bautizo, sus diseños perduran por generaciones. 

 

Teresa Patiño 

Tras cursar moda en el Instituto Marangoni de Londres, y bordado de Luneville en l’École Lesage -propiedad de Chanel- , Teresa ha hecho del bordado su forma de vida y su vocación artística. Actualmente compagina su estudio donde diseña y borda, con la docencia. 

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Las tendencias de moda flamenca que arrasarán este 2024

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En el anticipado camino hacia la Feria de Abril de 2024, las pasarelas de We Love Flamenco y SIMOF han dictado las reglas del juego para la moda flamenca de esta temporada. En un constante juego de contrastes, las tendencias han evolucionado para ofrecer una frescura única a los trajes de flamenca, fusionando la tradición con la innovación. 

 

Las tendencias de moda flamenca que arrasarán este 2024 

 

@mia_crespo

 

  • Fusión de tejidos y estampados. 

En el 2024, la moda flamenca abraza la fusión de tejidos y estampados, desafiando las convenciones. En particular, el estampado de flores se erige como el protagonista indiscutible, con rosas y claveles tejiendo historias en los vestidos. La mezcla de texturas y patrones se convierte en una declaración de estilo, dando vida a trajes que cuentan historias únicas con cada movimiento.

 

@mia_crespo

 

  • Mangas con protagonismo. 

Las mangas toman el centro del escenario este año, adornadas con encajes y volantes que añaden un toque de dramatismo y elegancia. Desde mangas abullonadas hasta diseños más ajustados, la variedad es la clave. Esta tendencia juega con las formas y aporta una dimensión única a los trajes, equilibrando la tradición con la modernidad.

 

@mia_crespo

 

  • Importancia del mantoncillo. 

El mantoncillo se convierte en el accesorio indispensable para completar el vestido de flamenca en 2024. Ya no es simplemente un complemento, sino una pieza fundamental que eleva la sofisticación y añade un toque de misterio al look.

 

  • Pasión por lo retro. 

La nostalgia por épocas pasadas se refleja en la pasión por lo retro en la moda flamenca de este año. Los diseñadores han revivido siluetas clásicas, incorporando detalles vintage que evocan la elegancia de décadas anteriores. Desde faldas con vuelo hasta blusas con cuellos pronunciados, la moda flamenca se viste con aires del pasado, pero con un giro contemporáneo.

 

@mia_crespo

 

  • Comodidad. 

A pesar de la presencia del volumen, las formas se vuelven más cómodas y livianas, respondiendo a la demanda de comodidad sin sacrificar el estilo. Las firmas han logrado equilibrar la espectacularidad de los trajes flamencos con la practicidad, permitiendo a las mujeres disfrutar de las festividades con libertad de movimiento.

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VACHERON CONSTANTIN exhibe dos siglos de indicaciones retrógradas en Madrid

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La historia de las indicaciones retrógradas se remonta al siglo XVIII y tienen que ver cuando el indicador no da una vuelta completa a la esfera, sino que vuelve a su punto de partida y comienza a desplazarse de nuevo tras haber recorrido todo su segmento de medición. Este aspecto siempre ha representado una dificultad técnica que exige una precisión extrema; algo que la Maison ha convertido en un rasgo distintivo desde 1824, incluyendo indicaciones salientes en relojes de bolsillo.

Vacheron Constantin perfeccionó su técnica durante un siglo para poder otorgar a sus relojes de pulsera de indicaciones retrógradas, dotando a la Maison de un saber hacer especial en materia de complicaciones relojeras y formando parte de sus colecciones actuales.

La exposición rinde homenaje a la maestría técnica de Vacheron Constantin durante sus más de dos siglos de historia a través de modelos con indicaciones retrógradas, específicamente, y de indicaciones especiales, en términos más generales.

Siguiendo el éxito alcanzado con el desarrollo de las indicaciones retrógradas, la Maison cuenta actualmente con modelos que incluyen esta complicación dentro de sus colecciones Traditionnelle o Overseas ; destacando el reloj Traditionnelle tourbillon openface con fecha retrógrada o el reloj Overseas moonphase con fecha retrógrada.

 

Reloj de bolsillo para caballero de oro amarillo con cronógrafo rampante – 1894

 

 

El cronógrafo apareció por primera vez a principios del siglo XIX como contador de tercios y posteriormente se le añadieron numerosas innovaciones como la función rampante para calcular los tiempos intermedios. Precisamente, el contador de segundos parciales se creó en 1831 por el austriaco Joseph-Thadeus Winnerl con un sistema de una sola aguja y se mejoró en 1838 con la adhesión de una aguja adicional.

Estos primero mecanismos se crearon para una clientela interesada en la aventura, la velocidad y las competiciones deportivas; como por ejemplo un pedido del año 1889 por parte de un cliente de Buenos Aires interesado en las carreras de caballos que encargó un cronógrafo con segundera rampante o el encargo realizado en 1922 por el famoso escenógrafo Edgar Wallace (artífice de la película King Kong) solicitando un modelo personalizado de cronógrafo con segundera rampante tipo bassine  de oro pulido de 18 quilates.

Mecánicamente, la función rampante es mucho más compleja que un cronógrafo simple debido a que está equipada con un segundo sistema de desembrague dotado de pinzas para poner en contacto o separar la rueda y el piñón del cronógrafo de las mismas partes ubicadas en la aguja rampante. Además, la aguja se reposiciona mediante un muelle que es cargado por el cronógrafo.

 

Reloj de bolsillo para caballero “Brazos al Aire” de oro amarillo – 1931

 

 

A principios del siglo XX, el movimiento art déco estaba en pleno apogeo y las mentes creativas trabajaban creando imaginativas esferas y cajas con indicaciones retrógradas.  En Vacheron Constantin, estas novedades aparecieron prácticamente de manera simultánea en relojes de mesa (década de 1920), relojes de bolsillo (1930) y relojes de pulsera (1935) y se han convertido en un rasgo distintivo de la Maison, formando parte de sus colecciones actuales.

Este reloj de bolsillo en cuestión se trata de un modelo biretrógrado y es el ejemplo perfecto de libertad estética que ofrecen las indicaciones especiales. En la esfera se representa un mago hindú cuyos brazos indican las horas y los minutos en dos segmentos graduados a ambos lados y a media que avanza el tiempo adopta diferentes posturas; recordando a los autómatas tan de moda en aquella época. Históricamente, además de los indicadores retrógrados de tiempo cíclico (horas, minutos, segundos o fechas) existen también los indicadores retrógrados “de barrido” como los de reserva de marcha.

 

Reloj de pulsera para caballero El Mercator, Modelo 43050 – 2001

 

 

Se trata de un homenaje al geógrafo Gérard Mercator que reproduce los mapas de Europa dibujados por él en el siglo XVI sobre su esfera esmaltada policromada Grand Feu,  a través la técnica del cloisonné . Presenta un Calibre 1120 ultraplano que comenzó a comercializarse en 1967 y comprende uno de los movimientos automáticos más finos del mundo debido a su grosor de 2,45 mm. Cuenta también con doble indicación retrógrada de horas y minutos de movimiento continuo.

 

La inspiración de este reloj se encuentra en las indicaciones de “brazos al aire” propias de principios del siglo XX, pero integradas en el volumen de una manera más reducida para adaptarse a la muñeca.  Sus agujas retrógradas en forma de compás se diseñaron especialmente para esta colección y la colocación de su eje a las 12 horas evoca a la perfección el instrumento utilizado durante toda la vida del cartógrafo, matemático y geógrafo.

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