EUGENIA & SUHITA tienen el regalo perfecto para este San Valentín

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Se acerca San Valentín y la marca de vajillas y complementos para la casa, Eugenia y Sushita, tienen el regalo perfecto para que el 14 de febrero sea un día especial, 3 sets con opciones distintas que muestran una parte nueva de la colección y los productos ya clásicos que tanto gustan, y que van camino de convertirse en un clásico. Además, regalamos la botella de Champagne MUMM Cordon Rouge de 37,5 cl sólo con esos 3 sets.

  • Siluetas colección
  • Pack San Valentín
  • Siluetas de Eugenia & Sushita 2024

 

En la colección de Eugenia & Sushita encontrarás también vajillas de Bamú, palmeras pintadas a mano, piezas y vajilla de Arzobispo de Toledo, producida 100% en España y pintada a mano, las vajillas icónicas inspiradas en las pinturas de Eugenia Martínez de Irujo. Disponibles en este caso:  platos llanos, postre, ensaladera y fuentes, y consomé.

Mantelería y cojines bordados a mano, sets de cristalería tallada, así como las copas y vasos multicolor, también colaboración de Eugenia.

El set de animales es uno de nuestro Top Ventas tanto en tienda como online. Tiene un precio muy competitivo y los diseños son emblemáticos de la marca ya que son dibujos replicados de Eugenia Martínez de Irujo.

 

  • Platos Animales: 45€
  • Platos postre hojas verdes: 50€
  • Platos llanos hojas verdes: 60€

 

Tenemos novedades con la incorporación de La colección de Hojas Verdes.

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Sobre FABRICA, la fundación cultural y artística del Grupo Benetton diseñada por Tadao Ando

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Fabrica, el centro de investigación en diseño y arte y arquitectura del Grupo Benetton, celebra casi 30 años, destacándose por sus programas de jóvenes talentos y su sede única en Villa Pastega Manera, un majestuoso edificio del siglo XVII renovado y ampliado por el renombrado arquitecto japonés Tadao Ando.

 

 

La arquitectura de este espacio, con sus salas renacentistas, construcciones subterráneas, yuxtaposición de auditorios interiores y exteriores, así como una biblioteca en espiral, proporciona un entorno físico propicio para la creatividad, fusionando modernidad y tradición.

 

 

Desde su creación en 1994, Fabrica ha sido un punto de encuentro para la experimentación y el aprendizaje multidisciplinario, gracias a su enfoque arquitectónico único.

 

 

Este año, Fabrica presenta su nuevo programa semestral de residencia, «Co-Ecologies», comisariado por el reconocido artista visual y cineasta español, Carlos Casas.

 

 

El programa se enfoca en las interconexiones entre diseño, el arte y la arquitectura, explorando la relación simbiótica entre la humanidad y la naturaleza.

 

Mediante este programa, los jóvenes diseñadores buscarán ser una fuerza impulsora para soluciones innovadoras en medio de la crisis climática.

 

 

El calendario del programa, curado por Carlos Casas, incluirá eventos que resalten la fusión entre el diseño arquitectónico y la creatividad. Desde conferencias hasta talleres, participarán destacados expertos internacionales como Chris Watson, Matthew C. Wilson, Emilia Tapprest, Metahaven, Fuse, Institute for Postnatural Studies, Gary Huswitt, Marina Caneve y Jenna Sutela. Todos estos eventos estarán abiertos al público, ofreciendo una oportunidad única para explorar una nueva visión hacia el futuro.

 

La culminación del programa será una exposición que presentará los proyectos creados por los jóvenes creativos, destacando el impacto del diseño y la arquitectura en la búsqueda de soluciones innovadoras para la convivencia humana con el entorno natural.

 

 

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WE LOVE FLAMENCO, cantera de nuevos talentos y casa de firmas históricas

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Tercera jornada de We Love Flamenco llena de contrastes: desde los nuevos talentos, con la Gala Final del Certamen de Diseñadores Noveles, hasta la emblemática casa de bordados Juan Foronda, que ya celebra sus 101 años de trayectoria. Reyes Bohórquez y María Fuentes, ganadoras de la pasada edición de Noveles, y Eloy Enamorado, que cumple 10 años de trayectoria, han completado la tarde.
María Nazaret Gavira se ha alzado ganadora del Certamen de Noveles, recibiendo como premio desfilar como profesional en la próxima edición. Además, Flamentex ha entregado el Premio Flamentex a la Creatividad, valorado en 1000 euros en tejidos de la marca textil, a Carmina Fernández.

El jurado, encabezado por Laura Sánchez, ha estado compuesto por Raquel Sánchez Silva, Pilar Larrondo (Diario de Sevilla), Ana Canalejo (ELLE), el estilista Paco Rus, los diseñadores Fernando Claro, Carmen Acedo y Pedro Béjar, Concha Pérez, del Máster de Comunicación y Moda; Natalia Rodríguez, de @flamencas, y Alicia Reyes (Fashion United).

Reyes Bohórquez y María Fuentes – Colección ‘Amantes’
Las ganadoras del Certamen de Diseñadores Noveles We Love Flamenco 2023 (candidatura conjunta) desfilan por primera vez como profesionales con esta colección inspirada en los colores del atardecer y la puesta de sol. Con la gasa como tejido principal y protagonismo del flocado con lunares en jacquard, la propuesta de estas jóvenes diseñadoras de Arahal y Morón de la Frontera se conforma de trajes clásicos de nejas y otros de capa, donde no faltan las carruchas y los elementos decorativos que dan un toque distintivo a los 17 looks que componen ‘Amantes’. Reyes y María han usado una paleta de rosa maquillaje, verde esmeralda, blanco y beige, así como camel. Han desfilado Alma Cortés y Junquera Cortés.
Eloy Enamorado – Colección ‘Madre Mía’

En palabras del joven diseñador de Burguillos, “‘Madre Mía’ nos lleva a los Inicios, dónde nace todo. Porque son 10 años de moda, 10 años de lunares en una primavera eterna; primavera, tiempo de flores y tiempo de madres. Un corazón en su pecho, de amor eterno, un pecho que alimenta la vida, un corazón de luz que inunda toda la composición y una planta significativa costilla de Adán, de donde surgió la primera mujer”. De este modo, Eloy Enamorado también ha tenido presente a “la gran Madre, la Virgen, con manchas en color azul, su color representativo” para crear esta colección que no es sino “un homenaje a una madre, y a todas las madres”. Tejidos como la organza y detalles de lentejuelas, además de print con motivos animales dan forma a esta propuesta de 31 looks que se divinden en cuatro cápsulas: el primero, verdes y negros; el segundo, animal print, con el guepardo como protagonista; el tercero, de tonos buganvilla, y el último, azul Klein. Ha desfilado Macarena Silva y ha actuado Macarena de la Torre. Ha asistido Sergio Rico y Alba Silva.

Juan Foronda y Rafa Díaz – Colección ‘Abril’
La nueva colección de la emblemática casa de mantones Juan Foronda, quien ya acumula los 101 años de trayectoria (en la pasada edición celebró su centenario), se inspira en el mes de abril. “Hemos querido reflejar la transición hacia la primavera y la anticipación de sus fiestas. Una celebración de la elegancia, la alegría y la belleza de esta época del año en nuestra tierra”, explica Juan Foronda, director creativo de marca de bordados homónima. De la mano del modisto Rafa Díaz, con sus 38 diseños de flamenca y también invitada, ‘Abril’ presenta mantones bordados, tanto artesanalmente a mano, como a máquina. De este modo, desfilarán trajes de chaqueta y vestidos de fiesta, confeccionados en crep satén, algodones, piqués, organzas y detalle de lentejuelas, complementados por mantillas, mantoncillos, mantones y, por supuesto, joyas y complementos de su marca Blasfor. “El mantón de Manila será un complemento esencial esta temporada, pues con su rica historia y versatilidad, añade un toque de elegancia y sofisticación a cualquier look, siendo una auténtica declaración de estilo”, sostiene Juan Foronda. Rosa Belmonte, al baile.
Rocío de Triana
Por segundo año consecutivo, el desfile benéfico a favor de la Obra Social de la Hermandad de Ntra. Sra. del Rocío de Triana viene a mostrar las tendencias romeras dentro del traje regional más extendido del mundo, bajo la visión de ocho firmas y diseñadores hermanos de esta corporación.
De este modo, se han visto las propuestas más peregrinas de Encarnita López, María Cañadas (MCV), Benjamín Redondo, Paula Abao, NOTELODIGO, Cecilia Alcántara, Pablo Vera, y Yolanda Moda Flamenca, todas ellas con una puesta en escena que evoca a las diferentes etapas del camino del Rocío. Con la colaboración de Fundación “la Caixa”, a través de Caixabank.
Mañana, más moda con la jornada Viva by WLF, para firmas emergentes, en la que, repartidos en cinco pases (de las 17h a las 21h), se mostrarán las propuestas de 15 diseñadores.
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Donostia celebró a EDUARDO CHILLIDA en el primer centenario de su nacimiento

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Hernani, 12 de enero de 2024.- “No vi el viento, vi las nubes pasar, no vi el tiempo, vi las hojas caer”. Eduardo Chillida no solo ha sido uno de los escultores más significativos del siglo XX, también un pensador enraizado a su tierra con los brazos abiertos al mundo. Su pensamiento universal y su obra es el legado que ha dejado y que pervivirá durante generaciones. A los 100 años de su nacimiento, la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce celebró un acto conmemorativo gratuito y abierto al público en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia – San Sebastián, en el que participaron personalidades de la política como Ernest Urtasun, Ministro de Cultura; Bingen Zupiria, consejero de Cultura y Lingüística del Gobierno Vasco; Eider Mendoza, diputada general de Gipuzkoa; Eneko Goia, alcalde de Donostia-San Sebastián; y Xabier Lertxundi, alcalde de Hernani.

 

Presentado por Anne Igartiburu y Mikel Chillida, nieto del escultor y director de desarrollo de Chillida Leku, y con la presencia del artista representada por la obra Estela XIV (1992) en el escenario, el acto giró en torno a la obra y el pensamiento de un artista de grandes valores universales que aún sigue teniendo la capacidad para generar cohesión social a través del arte y el pensamiento. Para la familia del artista, este primer centenario “celebra la vida de Eduardo Chillida, que nos ha dejado no solo la huella de su obra, sino también la huella del pensamiento, la de una forma diferente de ver la vida porque los artistas desaparecen pero, de algún modo, permanecen”, aseguró Mikel Chillida.

 

 

El bloque institucional lo abrió Eneko Goia, alcalde de la ciudad de Donostia-San Sebastián, que recordó cómo “Eduardo Chillida surcó ese puente invisible que une las dos orillas de la creación: el que separa o une, según se mire, el lado de los artistas, del de los genios. Eduardo cruzó ese puente invisible. Y lo hizo poco a poco, en silencio, sin armar ruido. Y para cuando se dieron cuenta, aquel muchacho espigado y con el pelo revuelto, ya estaba en el otro lado, junto a otros grandes del arte mundial. Hace cien años nuestra ciudad no conocía ni se expresaba a través de las obras de Chillida. Hoy, no somos capaces de imaginarla sin ellas”.

 

Chillida Leku, una utopía hecha realidad

Si bien en un inicio Chillida creía que era él quien escogía los lugares, con el tiempo se dio cuenta de algo: era el lugar quien lo escogía a él. Así es como Pilar Belzunce y el escultor encontraron en Hernani un caserío en el que hacer realidad su propia utopía: “hacer algo para las personas donde nos sintiéramos más pequeñas de lo que nos creemos y más iguales las unas a las otras”, recordó Mikel Chillida. Aquel sueño que había proyectado cobraba vida como Chillida Leku, su obra más íntima, personal y ambiciosa, un lugar que guarda con mimo sus esculturas y que invita a reflexionar en torno al arte y la naturaleza y donde ondea la bandera de la tolerancia.

 

Con sus raíces en el País Vasco, sus manos abrazaron los horizontes de todo el mundo y los transformaron en lugares únicos. Desde Hernani se proyecta al mundo todo el ideario del artista para el que “mirar es intentar ver, y normalmente ver es muy difícil. Sé que en el interior de las cosas que estoy mirando hay gran cantidad de cosas que soy incapaz de ver… pero que existen”. Xabier Lertxundi, alcalde de Hernani, hizo hincapié en la relación que el artista mantuvo con la localidad en la que se enclava el museo: “Chillida tuvo una estrecha relación con Hernani, donde la familia vivió durante algunos años y comenzó a trabajar con el hierro. Estamos trabajando para que Hernani y la obra de Chillida sigan unidas, con la seguridad de que Eduardo y Pilar lo verían con buenos ojos».

 

 

El conjunto de obras de Chillida, tal y como recordó Mikel Chillida durante el acto, propicia el encuentro “de la naturaleza con la poesía, entre materia y espacio”. Pero también “permite encontrarnos a nosotros mismos y dialogar con el espacio que nos rodea”, amplió Anne Igartiburu. Uno de esos diálogos que tuvieron lugar en el escenario del Teatro Victoria Eugenia fue el de Chillida con la danza de la mano de la compañía Metamorphosis Dance de Iratxe Ansa (Premio Nacional de Danza 2020) e Igor Bacovich, con la pieza Horizonte, interpretada por los bailarines Sephora Ferrillo y David Serrano.

 

Eduardo Chillida a través de sus pensamientos

La obra de Eduardo Chillida no solo se circunscribe a la escultura y a la obra en papel, también fue un pensador que plasmó su particular forma de ver la vida y el mundo por escrito. Para el artista la palabra era también un lugar de encuentro y con el objetivo de recordar sus pensamientos y reflexiones Susana Chillida, cineasta e hija de Eduardo Chillida, recitó algunos de sus escritos. Junto a ella, Ricardo Pinilla y Ana María Rabe dieron voz a Plotino, Heráclito, San Agustín, San Juan de la Cruz, Heidegger, Kant, Gandhi, Jorge Guillén, Gaston Bachelard, Eugen Herigel, Antonio Machado, Ellie Wiesel María Zambrano y Clara Janés.

 

Curioso por naturaleza y ávido por el aprendizaje, Chillida afirmó que todas sus obras son interrogaciones. Durante toda su trayectoria, Chillida nunca dejó de plantearse preguntas y ese deseo de saber le llevó a utilizar herramientas no solo físicas sino también sensitivas, como la música, la filosofía o la ciencia. Su trabajo está atravesado por cuestiones vitales como la cultura, los derechos humanos, la libertad, la tolerancia, la defensa de los derechos humanos, la fraternidad o el respeto a la naturaleza. En este sentido, la escucha siempre fue un valor indispensable para su trabajo: “Hay que escuchar mucho para hacer algo, para que una obra llegue al final tiene que pasar por muchas instancias”, dijo.

 

Es de sobra conocido que una de las grandes inspiraciones de Chillida fue la música, en concreto la de Johann Sebastian Bach, a quien dedicó una de sus obras. Por este motivo, Musikene, Centro Superior de Música del País Vasco, ofreció una selección de piezas para violonchelo interpretadas por Mariia Slashcheva.

 

 

El valor de la obra pública

Consciente de la fuerza estética del espacio público como elemento artístico y como lugar de encuentro para el diálogo y la convivencia, el escultor fusionó a menudo escultura y arquitectura con el paisaje, hasta repartir más de 40 esculturas públicas por el paisaje urbano de varias ciudades de todo el mundo. A pesar de su internacionalidad, Chillida creía que sus obras tenían que expresarse por sí solas y, por esa razón, confiaba en que en ellas existen las raíces vascas que abren sus ramas al mundo.

 

En su intervención, el Ministro de Cultura, Ernest Urtasun, destacó que para el Ministerio de Cultura supone un orgullo participar en la difusión de este centenario. Y subrayó lo idóneo del acto para “celebrar la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, con la que nuestro Ministerio acaba de reconocer a Chillida Leku, ejemplo pionero de esa convivencia sostenible, y posible, entre arte y naturaleza”. Además de mencionar rasgos del artista como “la preocupación por lo humano en el arte” y su “afán por transitar espacios desconocidos”, Urtasun resaltó que “hay algo que es radicalmente contemporáneo, actual, en el pensamiento de Chillida y es la consideración de su obra como ‘asunto público’, al igual que hoy consideramos la cultura y la creación como grandes “asuntos públicos”. Parece obvio, pero no siempre ha sido así”, señaló.

 

Para Eduardo Chillida la cultura tiene la capacidad de abrir miradas y mentes y con eso siempre presente trabajó para que la cultura fuera universal. En este sentido, Eider Mendoza, diputada general de Gipuzkoa, afirmó que la obra de Eduardo Chillida, “siempre nos dice algo nuevo y nos conmueve de forma profunda. Acercarnos a sus obras significa entendernos un poco mejor como sociedad, como territorio y como país”, expresó en referencia a quien ha recordado como puntal de toda una generación de artistas que, en plena dictadura, “dotaron de una estética y de un imaginario colectivo al pueblo vasco, conectando a nuestra cultura con las vanguardias culturales de Europa y del mundo”.

 

Estas palabras entroncan con las de Bingen Zupiria, consejero de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, que ha comentado «este aniversario es una fantástica oportunidad para celebrar al artista y su obra pero también sus valores. A Chillida le debemos la tranquilidad, la inquietud y el placer que despiertan sus obras. Eduardo Chillida no es solo nuestro sino también lo es de quienes viven en París, Berlín, Sevilla o Gijón y de cualquier persona que disfruta de su obra en cualquier lugar del mundo. Hoy nuestro país, su pueblo, muestra su respeto y celebra este homenaje a un artista universal».

 

 

Eduardo Chillida, transversal

Otra de las notas musicales de la noche la puso el coro Landarbaso Abesbatza con Ukhutula (African song) y Zorion (Laura Jekabsone), una selección de obras realizada por su director Iñaki Tolaretxipi. Poco después, tomó la palabra Luis Chillida, hijo de Eduardo Chillida, en nombre de la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce, que ha impulsado Eduardo Chillida 100 años. Con una intervención en la que recordó diversas anécdotas familiares, Luis Chillida confesó que sus padres les dieron “libertad para hacer lo que quisiéramos pero también nos trasladaron la responsabilidad de cuidar lo que crearon juntos”. 

 

El hijo del escultor quiso recalcar que este centenario no lo están haciendo solos sino que está siendo apoyado por diferentes instituciones como es el caso de la Familia Real, que se sumó a la celebración a través de unas palabras con las que recordaba a “uno de nuestros artistas más reconocidos e internacionales”. También remarcó que “el centenario es una oportunidad para celebrar la vida de nuestros padres, recordar el legado importante que nos dejaron y mantenerlo vigente tanto ayer como hoy”.

 

Uno de los momentos más emotivos del acto llegó cuando el mismo coro cantó el tradicional poema Txoria txori de Joxean Artze mientras un vídeo con imágenes de Eduardo Chillida daba por finalizado un acto con el que se inicia un año que estará protagonizado exposiciones, nuevas publicaciones, talleres y proyectos de diversa índole por todo el mundo que permitirán encontrarnos a través de su obra.

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Un cartel único e irrepetible en el concierto benéfico homenaje a MANUEL MOLINA

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El próximo Viernes, 2 de febrero, el Auditorio del Palacio de Congresos y Exposiciones de Sevilla, Fibes, será testigo de un acontecimiento único e irrepetible. Numerosas figuras del cante, del baile y del toque flamenco, se darán cita en un Concierto Homenaje a la figura del genial artista Manuel Molina, tristemente fallecido hace algo más de 8 años.

 

Una colección de lujo, de estrellas del Flamenco, dará forma a un espectáculo que tardará en olvidarse en Sevilla y cuyos compases se abrazarán a la solidaridad para ayudar al hijo del artista, Manuel Molina, con Síndrome de Asperger.

 

UN CARTEL IRREPETIBLE

Al Cante: Manolo García, Esperanza Fernández, Israel Fernández, Remedios Amaya, Samara Amaya, María Terremoto, Gualberto y Antonio Smash, Antonio Agujetas Chico, Lya y Toto Puerma, Carmen y Joaquina Amaya “Las Peligro”, Luis de Perikín y familia (Nono y Manuel), El Pechuguita, El Mantoncillo, Mari Peña, Fran Cortes, Celia Flores, Manuel Franco, Joaquín de Sola, David Fernández, Esmeralda Rancapino.

 

Al Baile: Manuela Carrasco, Antonio Canales, Farru, José Suarez Torombo, Carmen Ledesma, Pepa Montes, Carpeta, Barullo, Polito, Antonio Amaya «Petete», José Manuel «El Oruco», Beatriz Morales

 

A la Guitarra: Rafael Riqueni, Diego del Morao, Manuel Parrilla, Josemi Carmona, El Perla, Ricardo Moreno, Pedro María Peña, Fernando de la Morena, Antonio Moya, Pepe Bao, Caracafé, Ricardo Miño

 

Palmas y Percusión: Tino di Geraldo, Juan Grande, Emilio Castañeda, Paco Vega y Tobalo

 

Al Piano: Pedro Ricardo Miño, y al Saxo: Gautama del Campo

 

Presenta:     Pepe Da-Rosa

 

FILA 0

Para quienes no puedan asistir presencialmente al concierto, se ha habilitado una “Fila 0” en la que se pueden hacer las aportaciones a través del nº de cuenta:  ES94 2100 7789 31 2100176963

 

Dichas aportaciones irán íntegramente destinadas a ayudar al hijo del artista, Manuel Molina, con Síndrome de Asperger.

 

EVENTO: Concierto Homenaje a Manuel Molina a beneficio de su hijo con Síndrome de Asperger

FECHA: Viernes, 2 de febrero de 2024

LUGAR: Auditorio FIBES (Palacio de Congresos y Exposiciones de Sevilla)

HORA: 21:00hs

ENTRADAS: https://www.fibestickets.es/espectaculo/homenaje-a-manuel-molina/HMMOLINA

 

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La galería GUILLERMO DE OSMA expone «Equipo Crónica»

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En la Galería Guillermo de Osma el año 2024 empieza el próximo 18 de enero con una exposición dedicada al grupo artístico «Equipo Crónica», uno de los mayores referentes del arte de los 60 y los 70 en España y, sin duda, el mejor exponente del pop español. El grupo fue creado en Valencia, en 1964, por Manolo Valdés, Rafael Solbes y Juan Antonio Toledo, quien se separó al poco tiempo de formarse el grupo. Sin embargo, a lo largo de los años se unieron al Equipo Crónica otros artistas como Rosa Torres, Carmen Calvo o Juan Vicente Monzó. Estos colaboraron intermitentemente con Valdés y Solbes hasta el año 1981, cuando éste último fallecería.

Se expondrán obras de este grupo de artistas valencianos cuya producción aludía a algunas de las imágenes más reconocibles de la Historia del Arte español. El Greco, Velázquez, Goya o Picasso son reproducidos mediante nuevas técnicas, con guiños a artistas internacionales como Kandinsky o Léger, y con la intención de trasmitir un mensaje fácilmente comprensible para un público más amplio; es decir, con intención de democratizar el arte.

Así, este nuevo arte supuso un giro hacia el figurativismo, en contraposición del informalismo, la corriente artística más relevante en las décadas anteriores. La abstracción se sustituyó por imágenes definidas con un mensaje claro: una crítica ácida a la sociedad del momento con un evidente deseo de cambio.

En la Galería Guillermo de Osma se expondrán obras que introdujeron y consolidaron el arte pop en España; algunas, pertenecientes a series tan míticas como la «Serie del billar» o la «Crónica de la Transición», y procedentes de galerías históricas como la Galeria Val i 30 o la Galería Maeght. La muestra contará con dieciocho piezas entre cuadros, obra sobre papel y esculturas seriadas. De estas destacan dos obras tempranas: Una obra sin titular del año 66, en clave política y «La Casa de Pilatos» o «Baile de debutantes», con un evidente tono de crítica social.

Por otro lado, también destacan los cuadros, «Técnicas de reunión», del año 1977, de la serie «El billar» y «Retrato alegórico de la señorita vanguardia», pintado entre 1980 y 1981 y en clara alusión y homenaje a Picasso. De las esculturas destacan «Los tres músicos», «Las meninas» y el mítico «Espectador» de los Encuentros de Pamplona de 1972.

 

Con motivo de la exposición también se editará un catálogo con un ensayo de Sergio Rubira (curador y profesor en la Universidad Complutense de Madrid) y dos textos históricos de Valeriano Bozal y de Tomàs Llorenç, exegetas pioneros del Equipo.

 

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Ana Cela nos cuenta los secretos de la tienda del Museo Thyssen

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¿Por qué la tienda del museo es tan visitada como el propio museo?

TiendaThyssen es una tienda que está abierta al público desde la calle, no hay que pagar entrada para visitarla. Además, los visitantes, que vienen a ver las exposiciones o el propio museo, también pueden venir a comprar. 

Hemos detectado que hay una parte de los visitantes que vienen exclusivamente  a la tienda. Por ejemplo, para comprar regalos durante la pasada Navidad. Hay dos tiendas, una grande general y otra más pequeña que está a la salida de la exposición temporal.  En esta segunda tienda, tenemos claro cuánta gente pasa porque son los propios visitantes de la exposición temporal, pero con la principal es más complicado contabilizar cuantos son los que van directamente a la tienda y cuantos hacen la visita tras recorrer la colección permanente, antes de marcharse del museo.

La  política de la tienda puede resumirse en que todo el producto que está a la vente debe estar inspirado en cuadros representados en las colecciones permanentes o las exposiciones temporales del museo y debe estar diseñado en exclusiva para el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. A veces permitimos comprar algo de mercado que tenga relación. Este suele ser el caso de las exposiciones temporales, que solamente duran 3 meses, mismo tiempo que están sus productos en la tienda. Al término de estas, se renuevan los objetos disponibles. 

Desde el origen de la tienda estamos constantemente buscando diseñadores y artesanos, dando prioridad a profesionales locales, para que el artículo sea un producto de cercanía. Por ejemplo, en nuestra línea de DelicaThyssen, de alimentación y productos gourmet, los proveedores son lo más cercano posible, como en el caso de las mermeladas, de la Sierra de Madrid, o las galletas artesanales Xianas, de Galicia; y luego tenemos todo lo que son productos de artesanía, donde buscamos a artesanos locales para que elaboren los productos cerámicos, textiles, piel, joyería…

 

 

¿En qué se diferencia la tienda del Thyssen de la del Reina Sofía o el Prado? 

La tienda del Museo del Prado la gestiona Prado Difusión. La entrada no es libre, hay que  pagar el ticketpara poder acceder a la tienda. Es una tienda de gran calidad, pero más centrada en el souvenir, aunque recientemente están colaborando con diseñadores para ofrecer artículos de artesanía que ahora están tan de moda. La del Reina Sofia lo gestiona Palacios y Museos, que es una empresa externa. La gestión de la TiendaThyssen se hace desde el propio museo y eso hace que tengamos más autonomía y la convierte en una tienda mucho más ágil e innovadora que desde los orígenes ha apostado por los artesanos y por las colaboraciones con empresas y diseñadores de renombre, como ‘La Cartuja de Sevilla’, ‘Swatch’, ‘Lladró’, Elena Rohner, Miriam Ocariz, Magro Cardona, Carlota Pereiro…

 

¿Cooperáis entre las tiendas de los tres museos?

Con el Museo del Prado no cooperamos, yo no tengo ningún problema, es más me encantaría intercambiar experiencias, pero no se ha dado.  Si que hablo con Palacios y Museo que es la empresa que gestiona la tienda del MNCARS. Tengo muy buena relación con ellos, entre otras cosas porque trabajé ahí durante 14 años. 

 

¿Los más raro que podemos encontrar en una tienda de museos? 

Nosotros hemos tenido hasta fundas de casco de moto. Yo creo que en este momento se puede hacer de todo. Eso sí, hay que guardar la ética del museo, ser respetuosos con las obras, los artistas y con el museo, perolas posibilidades son casi infinitas. 

 

 

¿Qué cifras online manejáis de compras? ¿hasta dónde llegáis?

Las cifras online suponen el 5% de la facturación general de la tienda. Recientemente elaboramos un estudio acerca de las tiendas online de los museos y teníamos uno de los índices más altos. Hay que tener en cuenta que nuestros productos no son comparables con unas zapatillas que se producen en serie, que quizá ya has visto con anterioridad en una tienda o que son de una marca que conoces , son productos que tienes que ver, que tocar… son tan exclusivos que no los has visto en otro sitio y muchas veces al ser artesanos, son objetos únicos. Por eso no es tan alto el índice de facturación de la tienda online, pero vamos a ir subiendo porque además este año vamos a tener una nueva tienda online. que en unos meses saldrá a la luz. 

Acerca de las cifras totales de la tienda, este año hemos superado de nuevo los 3 millones de euros.

 

¿Hay rebajas en la tienda del Thyssen?

Sí, hay rebajas en la tienda online, además de campañas de outlet. Quizás es lo que menos me gusta, pero en todas las partes se hace. A veces lo hacemos por exceso de stock de producto de las exposiciones temporales, que únicamente duran tres meses en la tienda.

 

¿Cómo es el proceso de diseño de los souvenirs?

El souvenir es todo lo que hay en la parte delantera del mostrador: sacapuntas, fundas de gafas, cosas que puedes encontrar en cualquier museo…  lo interesante de la TiendaThyssen es el producto que se hace en exclusiva para nosotros con artistas artesanos, diseñadores… eso es lo que es importante. En la tienda se hace un comisariado junto con artesanos y diseñadores para crear todos los productos que luego se pueden ver en la tienda.

A la hora de diseñar el producto, hay varios procesos diferentes. En primer lugar, mostramos el dosier de nuestras exposiciones -los cuadros que van a mostrarse en las exposiciones temporales o las obras de la colección permanente- a una diseñadora que lleva tiempo trabajando con nosotros, Carlota Pereiro. De ahí empezamos a pensar los productos que nos interesa sacar.

En segundo lugar, elegimos a los mejores proveedores que puedan producirlos. Si por ejemplo se trata de un abanico, pues buscamos quien pueda fabricar el mejor abanico posible, o se trata de un estuche, o un cojín, pues buscamos al que nos haga la impresión textil de mayor calidad. Decidimos los materiales, corregimos los colores y supervisamos todo el proceso de producción. 

Por otro lado, durante mis viajes visito muchas ferias de artesanía y cuando veo a alguien cuyo trabajo me gusta y que además hace que me venga a la mente algún cuadro del museo, le reto a que venga al museo, visite la colección permanente y cree un artículo. Si nos gusta y queda aprobado, él produce y nosotros lo compramos. Esto suele ocurrir mucho con cerámica, joyería, textil, o  piezas de madera.

 

 

¿Por qué sigue siendo importante el souvenir?

Los objetos que se venden en la tienda hacen que te lleves un trocito del museo a tu casa y hacen que viaje hasta puntos donde a lo mejor no habrías llegado. Un visitante que quiere regalar un obsequio a alguien que vive en Sidney, pues se lleva un producto nuestro y lleva el museo hasta allí. Es una forma de comunicar y de promocionar el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza por todo el mundo.

 

¿Qué te gustaría que hubiese que aún no hay?

Hemos hecho alguna prueba con temas de vidrio, pero todavía no tenemos nada en la tienda, aunque me gustaría. Mi intención es crear una colección de cristal de vidrio, que eso lo tengo pendiente.

 

¿Hasta dónde llegaremos en el souvenir?

Pues yo creo que actualmente se puede llegar hasta donde queramos con estos productos. Antes éramos el mercader en el templo y ahora esto se ha abierto. Afortunadamente desde hace unos años mucho más, y se ha entendido que la tienda aporta mucho al museo.

Por un lado, no solamente aporta el ingreso económico que supone para el propio museo, que ayuda a hacer nuevas exposiciones y a mantener las colecciones, sino que también contribuye a que la imagen del museo esté en otros lugares y que llegue a todas partes. Es así también una forma de comunicar y de marketing. 

 

 

¿La Baronesa está al día de todo lo que hay en la tienda de su museo?

Al principio cuando yo llegué en el 2006 sí que estaba más encima para ver que incluíamos o no en el surtido de la tienda, pero enseguida nos entendimos y  Cuando vio que la tienda iba bastante bien -porque pegó un salto importante al año de llegar -la facturación casi se dobló y se abrió la segunda tienda, la de temporles-, empezó a estar menos presente, pero si que le agradezco que siempre ha defendido y sigue defendiendo y apoyando mucho la tienda y ha demostrado que es de importancia para ella y por lo tanto, para el museo. 

 

¿Qué tal la guerra de los copyright?

El tema del copyright es una gestión que también se lleva desde mi área, tanto lo que es el pago de estos para la reproducción de las obras que tienen derechos de autor como el archivo comercial, donde se gestionan también nuestros cuadros.

La guerra de los copyrights es algo complicada, pero siempre somos muy respetuosos con este tema, como no puede ser de otra forma. Somos un museo y estamos en constante relación con artistas, instituciones y con otros museos, y tenemos que respetarnos entre todos.

 

¿Qué es lo más vendido?

Los catálogos de las exposiciones son uno de los ingresos más importantes, pero nosotros vendemos también muy bien todo el tema de joyería, bisutería y complementos. 

 

¿Quién elige los libros de las estanterías? (están muy bien seleccionados)

Los libros de Fondo Editorial están elegidos por una persona de mi equipo, la que se encarga de seleccionar todo lo que tenga relación con las colecciones, y pueden ser tanto libros de arte como ensayos, novelas o cualquier otro tipo… poesía incluso, que tengan algo relacionado con la colección. 

Cuando tenemos exposiciones temporales en el museo partimos de la bibliografía que se maneja para crear la exposición y su catálogo, estudiamos las obras que van a venir y analizamos el tema de la exposición. De ahí salen todos esos títulos, que pueden ir desde el libro de arte a una monografía de un artista que está representado en esa exposición. También puede ser una novela de la época de alguno de los pintores que tenga algún tipo de relación con él… 

 

¿Qué tal los catálogos?, ¿Cuáles se venden más? (exposiciones de moda…)

Los catálogos se venden muy bien.Creo que somos uno de los museos que más catálogos vende en relación al número de visitantes. También los catálogos de moda tienen una gran aceptación por parte de los visitantes, al igual que las monografías, que se venden mejor que los temáticos. La edición de los catálogos se hace también desde dentro del museo. Dentro del área que yo gestiono hay un departamento editorial que los hace. La venta es mayoritariamente en la tienda del museo, pero también contamos con distribución nacional e internacional.

 

 

¿Van a hacer más colaboraciones como la reciente con Rafael Moneo?

Colaboraciones, como la reciente junto con Rafael Moneo, llevamos haciendo colaboraciones desde los orígenes: Ailanto, Cartuja de Sevilla, Swatch, Casita de Wendy, Helena Rohner, Miriam Ocariz… Sí, nos interesan marcas de prestigio que nos den visibilidad más allá de las paredes del museo.

 

¿Hacia dónde va el souvenir?

El souvenir puro y duro aburre mucho. Tener la misma taza con la Gioconda aquí en Paris, con la Menina en el Prado y con Giovanna aquí, pues es aburrido. Los objetos de las tiendas al menos de este museo van por reinterpretar cuadros, hacer rediseños de cosas… A mi es lo que más me motiva

 

¿Hacia dónde va la tienda del Museo?

Desde la tienda queremos seguir en esta línea y potenciar a los  nuevos talentos. También hacemos colaboraciones con escuelas y con universidades de diseño, donde sacamos gente super interesante con la que creamos colecciones. 

 

¿Qué tendencias de futuro manejas?

Un tema capital en la actualidad es la sostenibilidad. Desde hace tiempo estamos controlando temas de packaging, además de potenciar la artesanía, que está muy de moda y todo el mundo se cuelga esa medalla, aunque nosotros estábamos desde los orígenes de la tienda trabajando con los artesanos

 

 

¿Hay algo más que me quieras contar?

Pues no se me ocurre más que invitar a todo el que lea este artículo a visitar la tienda del museo y poder descubrir que es un pequeño museo dentro de un museo.

 

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El arte más actual toma la calle en la Semana del Arte de Madrid

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El artista Mark Whalen protagoniza la primera colaboración entre  Urvanity Projects y Galería Canalejas. Su obra –irónica y lúdica,  pero mordaz– se podrá descubrir en el centro de Madrid durante  dos meses. 

 

Urvanity Projects y Galería Canalejas tienen el objetivo común de acercar  lo último de la creación artística a pie de calle. De esta forma, el visitante, el  paseante o el aficionado descubrirán el trabajo de uno de los artistas más  rompedores, que está dibujando la estética de este principio de siglo, Mark  Whalen. 

 

A escasos metros de la Puerta del Sol, frente a la Real Academia de Bellas Ar tes de San Fernando, la escultura Moments (2021) del artista de origen austra liano afincado en Los Ángeles, llena de colores saturados, sarcasmo y humor  la calle de Alcalá a la altura de los números 10 y 12, en unos de accesos de la  galería comercial. 

 

Una mano gigante atravesada por un lápiz, ante la mirada de uno de sus  característicos personajes que parece soplar la previsible herida, nos acerca al  mundo absurdo e irónico de este creador. “Mi estilo de narración en las esculturas podría describirse como una acumulación de perturbaciones, acertijos y  preguntas divertidas sobre la vida”, ha explicado el artista. Moments es una de  las piezas más ambiciosas (y grandes) que ha realizado hasta ahora. Con una  altura de dos metros, está producida en materiales industriales –poliuretano  y aerógrafo sobre aluminio moldeado–, otra de las características de su obra  escultórica. 

 

La pieza de Whalen estará expuesta desde el 11 de enero, durante dos meses,  y se convertirá en una de las imágenes de la Semana de Arte de Madrid, que  se celebrará entre el 6 y el 10 de marzo. Una parada obligada en ese triángulo artístico que forman el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía y la reciente mente inaugurada Galería de las Colecciones Reales, junto al Palacio Real. “Es  la primera vez que podemos disfrutar del trabajo de Mark Whalen en Madrid,  un artista que te propone situaciones cómicas pero que también te hace  parar e interrogarse sobre qué hay tras lo evidente. Es una invitación a imaginar”, explica Sergio Sancho, director de Urvanity Projects y responsable del  comisariado.

 

Karine Titli, directora de Galería Canalejas, añade: “Estamos muy orgullosos de colaborar con Urvanity Projects y poder dar la bienvenida a las  personas que nos visitan en Galería Canalejas y en el Food Hall con esta obra  del artista Mark Whalen. La instalación de esta escultura en nuestra entrada representa nuestra dedicación en la promoción del arte, así como nuestro  compromiso en brindar una experiencia única en Madrid en la que moda, lujo, gastronomía, historia y cultura se aúnan en una experiencia global”. De esta  forma, Galería Canalejas reafirma su compromiso con el arte, con la creación  actual como motor de inspiración, diálogo y enriquecimiento cultural. 

 

Este proyecto se realiza gracias al apoyo de Madrid Capital de Moda y del  programa Todo está en Madrid de la Dirección General de Comercio, Hostelería y Consumo del Ayuntamiento de Madrid. 

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Madrid acogerá la exposición ‘From Spain With Design’ con una extensa mirada al diseño español

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Tras haber pasado con éxito de público por Santiago de Compostela, Aveiro (Portugal), Murcia, Valencia, Badajoz y Gijón, la elogiada exposición ‘From Spain With Design: Identidad y Territorio’ llega a Madrid con el diseño en infinidad de vertientes como protagonista de su séptima itinerancia.

Organizada por la Red Española de Asociaciones de Diseño (READ) con la colaboración de la Asociación de Diseñadores de Madrid (DIMAD) y el patrocinio de UDIT, Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología, la exposición abrirá sus puertas al público desde el 1 de febrero hasta el 17 de marzo en la Central de Diseño de Matadero Madrid, para dar visibilidad al diseño nacional a través de iniciativas realizadas por profesionales españoles.

 

‘FSWD: Identidad y Territorio’ se concibe como una exposición viva en sus itinerancias y las piezas expuestas varían de una exposición a otra mediante una selección de profesionales y estudios del territorio. Madrid no será una excepción y al conjunto de trabajos que reúne la muestra se incorporarán propuestas de profesionales y empresas de diseño madrileñas que ofrecerán un actualizado panorama del sector y de las innovaciones de la disciplina en la región.

Como viene siendo habitual, la muestra aglutinará diferentes tipos de trabajos de diseño siguiendo un hilo conductor que componen cinco ejes temáticos: «Identidad y territorio», «Intersecciones», «Internacionalización», «Sostenibilidad» y «Complicidades».

 

Bajo el paraguas de estos ejes, el visitante encontrará más de 100 piezas que durante los casi dos meses que durará la exposición estarán acompañadas de un intenso programa de actividades paralelas desarrollado por READ y DIMAD que incluye charlas y talleres, tanto para público general como para profesionales y empresas.

 

Entre los trabajos se pueden contemplar creaciones de diseñadores consagrados como la icónica Follow Me, de Inma Bermúdez; Totem, de Martín Azúa; Anémona, de Idoia Cuesta o la consagrada Bota, de Noviembre Estudio junto a piezas de diseñadores emergentes que trabajan en los nuevos ámbitos del diseño como la silla Bolina, de Amalia Puga o La Fresca, de Granada Barrero; la caja Amelia, de Cenlitros metrocuadrado o la Colección Vélez, de Leblume Estudio.

 

La muestra transita por diseños procedentes de todos los territorios en una visión panorámica del diseño actual desde lo más exclusivo (Closca helmet) a lo mundano (Carro 8 plus eco, de Rolser); de lo industrial (Noray, de Jorge Herrera Estudio) a lo artesano (vestido Barbian de Kos para Rodrigo Cuevas); de lo físico (Val do Barco, de Tomás Alonso Estudio) a lo virtual (Nomad Gardens).

 

 

FSWD es un proyecto organizado por READ que nació con el impulso del Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España. En su itinerancia en Madrid cuenta con la colaboración de DIMAD para su organización y coordinación, y con el patrocinio de UDIT. En esta ocasión la exposición forma parte de la programación de la séptima edición del Madrid Design Festival. El diseño expositivo, responsive y nacido de una convocatoria nacional, está firmado por Enorme Estudio.

 

Uqui Permui (DAG), Ángel Martínez (ADCV), Gloria Escribano (DIMAD) y Juan Lázaro (Cuenca Diseña) son los comisarios de la exposición y coordinadores del proyecto FSWD dentro de READ.

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La artista LYNDA BENGLIS, por primera vez, en Madrid

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El jardín de Banca March, en Madrid, acogerá desde finales de febrero hasta junio de 2024 la instalación de cuatro piezas monumentales de la creadora Lynda Benglis. Se trata de la primera vez que se podrán contemplar en España obras de una de las escultoras estadounidenses más relevantes de los siglos XX y XXI. En 1970, la revista Life la proclamó heredera de Jackson Pollock y en 2022 fue seleccionada por The New York Times para su edición especial The Greats, en la que la publicación destaca cada año a cuatro “creadores inimitables cuyo talento ha cementado su lugar en la cultura”. A sus 82 años, tras seis décadas de trabajo, sigue en activo.

 

“Siempre quise hacer fuentes. Haberme criado en un lago, cerca del agua, fue lo que me llevó a querer trabajar con ella y con su movimiento (…) El agua fluye sobre ellas y a su alrededor. Son como erupciones que brotan de la tierra, y el agua articula ese carácter explosivo. Esto es algo que se siente en el cuerpo, la succión de la gravedad. Siempre he sido muy consciente de ello, y se manifiesta en mi trabajo, probablemente en todo mi trabajo, de una forma u otra” (1), ha declarado la artista. Ahora, este trabajo se puede descubrir en la instalación titulada Lynda Benglis Fuentes Jardín Banca March.

 

El compromiso histórico de Banca March con la cultura y el arte se pone de manifiesto en esta instalación de cuatro piezas de Lynda Benglis, concebida junto con Vande, firma internacional especializada en la venta privada de obras de arte y en la producción cultural, en torno a la idea de las fuentes y el agua como símbolos evocadores del concepto de sostenibilidad. Desde su fundación en 1926, Banca March se ha mantenido fiel a su compromiso de generar un impacto positivo en su entorno y contribuir al desarrollo de la sociedad. Banca March está comprometida con la creación no sólo de valor económico, sino también valor social, de manera respetuosa con el medio ambiente y de forma sostenible en el tiempo, apoyándose en un modelo de negocio singular, basado en el crecimiento conjunto de clientes, profesionales, accionistas y la sociedad en general.

 

A las puertas de la celebración de su centenario en 2026, Banca March abrirá el jardín de su sede madrileña dos días a la semana hasta el mes de junio. Durante este periodo, los visitantes podrán contemplar estas cuatro fuentes situadas en diferentes emplazamientos del jardín, una isla verde a la sombra de un emblemático edificio de principios del siglo XX, situado en el madrileño Barrio de Salamanca.

 

José Luis Acea, consejero delegado de Banca March, asegura: “Que las esculturas de Lynda Benglis se exhiban en el jardín de Banca March tiene mucho significado para nosotros y todo el sentido del mundo. Tanto la idea de la exposición como la filosofía de la artista estadounidense se imbrican a la perfección con nuestra filosofía de Banco y de negocio. Banca March es el banco más solvente de España, especializado en banca privada y asesoramiento a ahorradores, empresas y familias empresarias, con un modelo de negocio que va más allá de la obtención de un necesario beneficio económico. Desde su origen hace casi 100 años, Banca March se ha mantenido fiel a su compromiso de crecimiento conjunto con clientes, empleados, accionistas y la sociedad en general. Nacimos en Mallorca, una isla del Mediterráneo, por lo que en nuestro ADN están la vinculación al mar, el agua, y la necesidad de su conservación. Muestra de ello es que en 2019 creamos Mediterranean Fund, un fondo de inversión pensado para conjugar sostenibilidad y rentabilidad, que invierte en los océanos como fuente de riqueza y en el agua como bien a conservar, escaso e imprescindible. Como único banco 100% familiar desde sus orígenes en el sistema financiero español, queremos estar a la altura de los cambios que la sociedad demanda y responder de manera responsable, mirando al largo plazo, para tratar de legar a las generaciones futuras un mundo mejor”.

 

Sobre la importancia de la obra de Lynda Benglis, Anne Pontégnie, que comisaría la muestra junto con Vande, afirma: “Lynda Benglis es una figura colosal dentro de la escultura contemporánea. Su trabajo puede interpretarse como un esfuerzo constante por capturar el movimiento, un intento de congelar y expresar el flujo, la encarnación de la vida”.

 

Celebrar el agua

“Una escultura debería ser capaz de hacer algo consigo misma, de tener voz. Una buena obra no debería dejar nunca de plantear preguntas” (2).

 

Lynda Benglis produjo la primera fuente en 1984 para la Exposición Mundial de Luisiana y la tituló The Wave of the World. Fue también su estreno con el bronce. Durante años esta fuente se dio por perdida, hasta que apareció en una antigua planta de tratamiento de aguas residuales, en la ciudad de Kenner, a poco más de 20 kilómetros de donde estuvo instalada. De su restauración se encargó la propia artista, quien la modificó dando lugar a Crescendo (1983–84/2014–15), una de las piezas que se mostrarán en el jardín de Banca March. Este megalito se convertirá casi en un objeto animado que dará la bienvenida al visitante en su paseo y descubrimiento del jardín del banco.

 

Otra de las esculturas, Knight Mer (2007-22), es una fuente de menor formato que puede recordar a cualquiera de los crustáceos o formas vivas con los que Lynda Benglis se cruzó en los pantanos de su Luisiana natal.

 

Bounty, Amber Waves y Fruited Plane (2021) son tres columnas formadas por vasos cónicos apilados por los que discurre el agua. Quizá uno de los conjuntos escultóricos más conocidos y reproducidos de Benglis, estas piezas resaltan por su monumentalidad, al alzarse casi ocho metros desde el suelo.

 

Completa la muestra Pink Lady (2014), la única fuente realizada en poliuretano y de un sorprendente color rosa fluorescente cuya superficie rugosa recuerda a los montones de arena y barro expulsados por los cangrejos y crustáceos a la orilla del mar. Benglis ha hablado específicamente de esto: “Los agujeros que hacían los cangrejos eran muy importantes para mí (…) Al observar las aguas de las riadas, veía como extraían el barro y dejaban unos grandes agujeros, a veces de treinta centímetros de alto, cubiertos de barro burbujeante. Tenían textura, era algo muy románico” (3).

 

Sobre el origen y concepto de la muestra, Vande comenta: “De todos es conocido el compromiso con el arte y la cultura de Banca March en el marco de su filosofía casi centenaria de crecimiento conjunto con la sociedad. La elección de estas cuatro fuentes monumentales de Lynda Benglis no fue difícil. El exotismo de sus formas establecerá un fructífero diálogo con la vegetación de la que estarán rodeadas. La belleza de estas fuentes ha hecho que estas y otras piezas de la escultora ya estén grabadas en la retina de todos. Estamos seguros de que, trayéndolas a Madrid, el público será capaz de apreciarlas en toda su plenitud y matices, en particular los referidos al paisaje, al agua y a la importancia de sostener y preservar el mundo que nos rodea.

 

Sobre Lynda Benglis

La revista Life proclamó a Lynda Benglis “heredera de Pollock” en 1970. Tenía 29 años y llevaba seis en Nueva York, la nueva capital del arte, donde había realizado 15 exposiciones individuales. Su ascenso fue vertiginoso, pero quizás su figura no haya tenido el mismo reconocimiento que compañeros de viaje como Donald Judd, Robert Morris, Richard Serra o Frank Stella.

 

Nacida en 1941 en Lake Charles (Luisiana, EE UU), su padre, de origen griego, dirigía un almacén de materiales de construcción y su madre, costurera, era pintora aficionada. Era la mayor de cinco hermanos. Se especializó en pintura en el Newcomb College de Nueva Orleans.

 

En 1964 se mudó a Nueva York y se matriculó en la Escuela de Arte del Museo de Brooklyn, hoy desaparecida. Al principio, bordea el expresionismo abstracto, pero cuestiona la rigidez del soporte. En una conversación con el artista John Baldessari publicada en 2015 en la revista Interview, éste le confiesa que cuando vio su trabajo pensó: “No es necesario tener un bastidor para pintar”. Más tarde empezó a trabajar con materiales industriales y en esto fue pionera. En palabras de la propia Benglis: “No estaba rompiendo con la pintura, sino tratando de redefinir lo que era”.

 

Crea los pours (vertidos de material), un formato que luchaba por despegar la obra de arte de la pared, llevando la técnica de goteo a lo Pollock a las tres dimensiones, derramando caucho líquido directamente sobre el suelo. Su trabajo convierte el gesto abrumador del expresionismo en ingenioso y la rigidez del minimalismo en subversiva. También fue pionera en trabajar con el vídeo, cuestionando el papel de la mujer artista, y provocó escándalos con sus autorretratos en los que posaba como una pin-up o una estrella porno. Un camino que luego siguieron artistas tan diversas como Cindy Sherman o Rachel Harrison.

 

En 1969 el Museo Whitney le pidió una pieza de 10 metros de vertido de látex, Contraband, para la exposición Anti-Illusion, una reunión de postminimalistas. Sus compañeros se quejaron del colorido y la comisaria de la muestra situó la obra cerca de una rampa de acceso. Benglis se la llevó a casa y decidió no participar. En esos años se centra en sus frozen gestures, que construye partiendo de estructuras de madera y alambre de gallinero sobre las que, desde una escalera, derrama espuma de polietileno. Al retirar las mallas, quedan formas fantasmales que parecen saltar de las paredes. En 1971, seis de estas instalaciones gigantes viajaron por todo el país. Otras versiones de estos gestos se realizaron en cera que, cepillada en caliente en dos direcciones crea, al enfriarse, una peculiar topografía escarpada. En la misma línea, también se enmarcan sus esculturas en forma de nudos.

 

Noviembre de 1974 parece ser el momento de su consagración. La revista Artforum, el medio artístico más importante del momento, iba a dedicar un reportaje a su obra. Benglis quiso publicar un desnudo suyo en una de las páginas de apertura del artículo, pero la cabecera se negó. Su respuesta fue contratar dos páginas de publicidad, por las que pagó 3.000 dólares: la izquierda, sobre fondo negro, los datos de su galería; en la impar, un autorretrato sin ropa, con gafas de sol y pose seductora. Quiere ser un toque de atención sobre los estereotipos de género sexistas del arte y provoca tal polémica en el sector que varios editores abandonarán la revista como protesta. Según The New York Times, esta fotografía es considerada una de las obras de arte pop y feministas más importantes del siglo XX. Se titula Centrefold y es, quizás, la página más famosa nunca publicada en una revista de arte. Un icono, pero también una anormalidad en la carrera de Benglis, llena de obras más revolucionarias y contundentes.

 

Al año siguiente, recibe una beca Guggenheim. Se suceden exposiciones –más de 70, tanto en EE UU como en el resto del mundo– entre 1975 y 2008, pero su carrera no vuelve a ser tan popular. No fue hasta 2009, con su primera retrospectiva europea en el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín, cuando los focos vuelven hacia ella. La exposición itineró a Le Consortium, en Dijon (Francia); el Museo de Arte de la Escuela de Diseño de Rhode Island, en Providence; y el New Museum, en Nueva York.

 

Actualmente, Benglis divide su tiempo entre sus estudios en Nueva York y Santa Fe (Nuevo México). Sigue trabajando con cerámica y poliuretano junto a piezas en papel moldeado. «Si piensas en cada una de mis obras como un cuerpo», le dijo Benglis al curador de su exposición en The Hepworth Wakefield, Andrew Bonacina, “ese cuerpo siempre está en movimiento”.

 

Sobre Banca March

Banca March es la cabecera de uno de los principales grupos financieros españoles y el único de propiedad totalmente familiar. Acorde con su filosofía de gestión prudente y de largo plazo, el modelo de negocio de Banca March está respaldado por unos firmes ratios financieros y de capital: la entidad mantiene la tasa de mora más bajas del sector en España (1,27% a cierre de junio, frente a un 3,5% de media en el sector) y ratios de solvencia (19,61%), liquidez — LCR (256,19%) y DTL (137,93%)— y cobertura de riesgos dudosos (74,92%) entre los más elevados del sector. La firmeza de la propuesta de valor de Banca March ha sido respaldada por la agencia de calificación crediticia Moody’s, que ha elevado el rating a largo plazo de Banca March a A2 con perspectiva “estable”, con lo que continúa siendo una de las entidades con mejor rating del sistema financiero español, por delante del Reino de España (en la actualidad Baa1). Banca March es uno de los principales accionistas de Corporación Financiera Alba, con participaciones significativas en Naturgy (indirecta), Acerinox, Profand, Ebro Foods, Viscofan, Atlantic y Parques Reunidos, entre otras empresas.

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