Durante este mes, Madrid se prepara para una festividad especial, el 9 de noviembre, día de la Almudena. Esta fecha es relevante tanto para los madrileños como para los pasteleros de la Villa, ya que esta Virgen es también su patrona. 

El horno de Babette, conocido por su buen hacer, lleva años sumándose  a la festividad con la versión más moderna y deliciosa de la corona. La continua búsqueda de aromas y texturas en sus elaboraciones, ha llevado a Beatriz Echeverría, su panadera, a desarrollar una receta para lograr en la Corona una miga tan deliciosa y jugosa como la de su famoso roscón. Para ellos, se escogen ingredientes de primera calidad y muy aromáticos, como son  la mantequilla y la ralladura de mandarina. Los huevos son ecológicos de la marca Bgue. Y la masa madre, elaborada en esta casa, combina con la levadura para fermentar con tiempo este delicioso pan festivo.

Además, la Corona está decorada con una crema pastelera elaborada por las reposteras de El horno de Babette, almendritas tostadas y finas láminas de mandarina confitadas en frío en el obrador, lo que la convierte en un dulce único para esta fecha tan importante. La Corona de la Almudena estará a la venta por 22,40€ en sus tiendas de Madrid.

La historia de este bollo se remonta a 1978, cuando la asociación de pasteleros de Madrid organizó un concurso para encontrar el postre perfecto que rindiera homenaje a la Almudena. La elección indiscutible fue la Corona de la Almudena, un dulce que ya marca la tradición.

 

 

12 destinos, 24 velas de viaje en miniatura dentro de una caja exclusiva decorada minuciosamente con globos aerostáticos. Así es Voyage Extraordinaire, la fantástica propuesta con la que Baobab Collection invita a celebrar el Adviento. Un viaje interior imaginario al que se accede a través de las sutiles notas de una fragancia.

Como por arte de magia y de forma tan ligera como un globo, permite volar a destinos soñados, visitados o amados, cuyos recuerdos están guardados en una mini vela decorada.

De París a Mexico pasando por Mykonos. Un periplo olfativo que va desde el exotismo más voluptuoso a la envolvente calidez de las esencias amaderadas. Las sorpresas están aseguradas al destapar cada día en este calendario que se convierte en el pasaporte perfecto con el que acompañar la cuenta atrás hasta la Navidad.

Los evocadores destinos con los que prender la llama arrancan, como no podía ser de otra forma, en Bruselas. La ciudad belga de donde es originaria Baobab Collection. Completan la lista Río de Janeiro, París, Manhattan, Singapur, Roma, Mykonos, Mexico, Atenas, Miami y Saint Tropez. El vidrio de cada mini vela está recubierto por una serigrafía con motivos que recuerdan la tradición y el imaginario artístico de cada lugar.

Prepárate para disfrutar de la magia de la Navidad con el calendario de Adviento Voyage Extraordinaire. Un precioso cofre repleto de tesoros olfativos y visuales diseñado para llenar el hogar de alegría y de magia durante todo el mes de diciembre.

Un total de 33 meninas de 1,80 metros de altura, interpretadas y patrocinadas de forma solidaria por diferentes empresas e instituciones vuelven este otoño, del 1 de noviembre al 15 de diciembre, a «poblar» las calles de Madrid, gracias a Meninas Madrid Gallery, la mayor exhibición de arte al aire libre del mundo.

La presentación oficial de la edición de este año tendrá lugar el jueves 2 de noviembre a las 12.15 h en el Museo Velázquez Tech.

Meninas Madrid Gallery 2023 conseguirá una vez más exponer meninas diseñadas por personalidades de la música y el espectáculo, la moda, la gastronomía, el deporte o las redes sociales tales como Natalia JiménezGuitarchello, José Perea, Miguel Ángel Lirón, Roca Rey, Cristina Oria, Alberto Bueno, Eduardo Valcárcel, Tomás Paramo y María G. de Jaime.

Además, en esta edición la organización también invitó a participar con sus diseños a estudiantes de diversos centros educativos de Madrid y alrededores: Sta. María del Camino, San Ignacio, Estudiantes, Highlands School y el Colegio Americano, como una forma de llevar el arte no solo a las calles, sino también a las escuelas, incentivando desde temprana edad a los jóvenes a expresarse a través del arte como una herramienta de comunicación.

La exhibición es posible gracias al apoyo de Acotex y el Ayuntamiento de Madrid a través de su proyecto «Todo está en Madrid«, con el objetivo de dinamizar las calles de la ciudad a favor del comercio tradicional.

Como en ediciones anteriores, al finalizar la exposición, las Meninas serán subastadas, algunas de forma presencial y otras en línea, salvo en los casos en que se acuerde la adjudicación directa al patrocinador de la Menina, o bien se done a alguna institución. El 80% de lo recaudado será donado a las fundaciones y asociaciones de carácter benéfico seleccionadas por la organización.

Este año patrocinan esta iniciativa numerosas marcas como Acotex, Todo está en Madrid, Museo Velázquez Tech, Cervezas El Águila, Banco Pichincha, Bonnysa, C.C. La Vaguada, Lush, Play-Doh, Plaza de Toros de Las Ventas, Líneas Aéreas Plus Ultra, Embajada de la R. Dominicana, Santander, Volvo y Walk Around.

Gracias a su apoyo, Madrid se convertirá en el mayor museo al aire libre, llenando de color y creatividad espacios emblemáticos de la ciudad gracias a inéditas reinterpretaciones de la figura de la menina, icono de la obra maestra del pintor Diego Velázquez.

El mapa de ubicación de las meninas de este año se pueden consultar en:
https://meninasmadridgallery.com/

 

Cien años después de la apertura de la primera tienda Salvatore Ferragamo en Hollywood en 1923, esta exposición conmemorativa destaca los hitos y capítulos más importantes de la historia del hombre, artesano y empresario visionario, el «Zapatero de las Estrellas», que siempre se adelantó a su tiempo. Forjó una tradición sin parangón de creatividad y modernidad que aún hoy inspira a la maison y se refleja en cada una de sus expresiones de elegancia y excelencia.

 

Tras la primera retrospectiva itinerante inaugurada en 1985 en el Palazzo Strozzi -a la que siguió la fundación del Archivo Ferragamo y el Museo Ferragamo-, esta nueva exploración hacia atrás en el tiempo no sólo ilustra las ideas y obras maestras de Salvatore Ferragamo, sino que también es una importante oportunidad para reflexionar sobre el papel del Museo como sistema cultural y de conservación comprometido con un diálogo permanente entre el pasado y el presente, el patrimonio y la contemporaneidad, la marca y su comunidad global.

Una extraordinaria colección de documentos, objetos, obras de arte, fotografías y vídeos dan cuenta de su pasión sin límites y su visión de futuro, mostrando el estilo estético de los zapatos de Salvatore y revelando su importante contribución al renacimiento de la artesanía y la industria del Made in Italy.

La exposición reúne y conecta múltiples niveles de investigación e inspiración que se yuxtaponen y entrecruzan para ofrecer una visión profunda de la mentalidad del fundador: sus estudios anatómicos, su mano de obra experta y sus decoraciones, su experimentación con el color, su audaz investigación de formas y materiales y las diversas inspiraciones artísticas y culturales que finalmente llevaron a Salvatore de vuelta a Florencia, Italia, en 1927. La ciudad, emblema del Renacimiento.

 

Salvatore Ferragamo 1898-1960
Exhibition Itinerary

Sección I: La historia de Salvatore Ferragamo. Desde su nacimiento en Bonito en 1898 hasta su prematura muerte en Fiumetto en 1960, la historia de Salvatore se describe con todo detalle gracias a casi 38 años de investigación biográfica que documenta su vida en la primera mitad del siglo XX, a caballo entre dos guerras y dos mundos: Italia y América.

Sección II: Hollywood Boot Shop. Fotografías, vídeos y zapatos originales documentan la estancia en Hollywood entre 1923 y 1927, con la apertura de la primera tienda Salvatore Ferragamo: un lugar de arte y artesanía que pronto se convertiría en un punto de referencia para celebridades internacionales y estrellas de cine como Pola Negri, Mary Pickford, Joan Crawford y Rudolph Valentino.

Sección III: Materiales e inspiraciones. Una rara antología de pieles, objetos y obras de arte recoge el espíritu pionero de un artista al que le encantaba inventar, innovar y experimentar. Salvatore fue un artesano que revolucionó el mundo del calzado moldeando todo tipo de materiales, inspirándose en diferentes mundos, culturas y movimientos artísticos.

 

Sección V: Formas arquitectónicas. Esta pequeña sección muestra ocho estilos de zapatos seleccionados por su forma única y su falta de decoración, lo que demuestra un estudio casi arquitectónico del zapato que Salvatore concibió como un equilibrio perfecto y armonioso de líneas y simetrías, pesos y medidas.

Sección VI: Patentes. Las patentes de las técnicas de construcción de calzado desarrolladas por Salvatore -presentó nada menos que 369- dan fe de su enfoque del diseño, típico del mundo del diseño, y de su idea de producir en múltiplos incluso las creaciones artesanales más exclusivas. Entre sus numerosas invenciones destacan el tacón de cuña de corcho, el tacón jaula y la suela en forma de concha.

Sección VII: Nuevo Renacimiento. Entonces, como ahora, la tradición artesanal florentina inspiró el sueño de un Nuevo Renacimiento en la intersección del diseño, la cultura de los materiales y la destreza de las manos humanas. El espíritu «Made in Italy» de Ferragamo se manifiesta en la ornamentación y las texturas únicas de sus creaciones, claramente inspiradas en las tradiciones de los orfebres italianos y en las obras de los grandes artistas del siglo XVI.

Sección VIII: Creatividad en color. Los preciados zapatos del Archivo Ferragamo personifican el exuberante uso del color de Salvatore, en monocromos primarios, patchworks geométricos y efectos ópticos. Influido por los artistas futuristas y cubistas de la vanguardia, la memoria de su país natal y los paisajes de California, pintaba a partir de una paleta que iba desde los tonos marinos con toques brillantes de oro y plata, hasta el rojo, el color que prefería por encima de todos los demás, símbolo de energía y vida.

 

Sección IX: Zapatos y pies famosos. La última sección de la exposición traza una conexión invisible entre los zapatos diseñados por el «zapatero de los sueños» y quienes los llevaban: estrellas de cine, aristócratas y la jet set internacional. Sus imágenes se muestran con los zapatos que encargaron a Salvatore, que medía personalmente los pies de sus clientes y tomaba nota de sus idiosincrasias, estilos favoritos y gustos personales.

 

Swarovski Optik, líder del mercado internacional en óptica de alta calidad, ha elegidoMadridy en concretoel Palacio Realpara acercar sus productos al gran público. Y es que la compañía austriaca, que fabrica losconsideradosmejores prismáticos y telescopios del mundo, ha lanzado su nuevoconcepto,Urban Watching,que pretende hacer disfrutar más a los ciudadanos de sus monumentos y templos históricos.

De esta manera,Swarovski Optikhaorganizado un evento para verelPalacio Realcomo nunca antes se ha visto. Con la ayuda de susprismáticos y telescopios yuna personaexperta delhistórico edificiomadrileño, se podrá observar hasta el último detalle, incluso texturasimperceptibles desde la calle y, además, saber laexplicación de cadaelemento, ya quehay mucho simbolismo e historia en cada una delas figuras queadornansu fachada.

Elevento tendrá lugaren la Terraza de Sabatini (Cuesta de San Vicente, 16, Madrid)eljueves16 denoviembre, de 14a 16horas, yes completamente gratuito. Para registrarsesolo hay queenviarun mailaurbanwatching@esteller.comy cadapetición puede tener solo dos nombres.Al ser unexclusivoencuentropara25personas,si hay más peticiones que plazas disponibles, como presumiblemente ocurra, se hará unsorteo puro ylosafortunadosrecibiránun correo con las instrucciones fundamentales para asistir.

La primera vez que vi Santa Casilda de Zurbarán en el Prado en una exposición, me quedé muy impactada. Pensé que era el retrato de alguna noble y hasta unos años después, que empecé a investigar ese cuadro y las Santas de Zurbarán, no me di cuenta de por qué me había atrapado.
En una primera lectura, impresiona la riqueza de su traje y la belleza de la modelo. Pero es la serenidad que emana del cuadro, la postura de la santa, como pillada de improviso, con un signo de recogimiento, lo que te sigue sorprendiendo y hace que te quedes delante del mismo. Posteriormente supe que Zurbarán creó con sus santas un modelo que tuvo muchísimo éxito, y que fue ampliamente exportado a Ultramar. Podríamos decir que son varios los motivos de su popularidad. Se consideran por un lado que fueron “retratos a lo divino”, son damas nobles que se han retratado como santas para asemejarse a las virtudes de las mismas. Son auténticos retratos en los que la modelo mira directamente al espectador. Pero por otro lado, otros de sus cuadros, podrían considerarse modelos idealizados, aunque tanto unos como otros, están llenos de realismo y esto resulta muy atractivo.


Otro de los motivos por los que llaman la atención es por la gestualidad de las santas. Unas veces miran hacia el cielo, estableciendo una conexión con Dios, otras miran hacia abajo en signo de humildad, otras veces inclinan la cabeza hacia un lado como hacen muchos santos…. Parece que se ha congelado el instante en el que van en su camino hacia el cielo y es como una invitación a acompañarlas en su caminar. Y por último, comentar los ricos ropajes que llevan. Muchos consideran a Zurbarán el primer modisto español, por delante de Balenciaga, el cual se inspiró en el maestro de Fuente de Cantos. Su padre era mercader de telas y por tanto estaba acostumbrado a ver tejidos de calidad. En su época fue criticado por utilizar unas telas tan lujosas para vestir a las santas, pero Zurbarán, que fue el pintor religioso por excelencia de su época, representó como nadie el espíritu de la contrareforma y su utilización tuvo un sentido teológico.

Creen que estuvo inspirado en los desfiles que se hacían el día del Corpus, en el que al final de la procesión se representaba un auto sacramental o una obra de teatro con la vida de las santas. Así mismo, en una época en la que se aunaban todas las artes al servicio de Dios, era normal que más tarde esos mismos trajes fueran fuente de inspiración para vestir a las actrices en las obras de teatro que se representaban. Zurbarán fue muy original al utilizar trajes contemporáneos, pero a la vez utilizando joyas y adornos de otras épocas para dotarlos de atemporalidad. Esa particular forma de retratarlas hizo que fuera capaz de crear una nueva iconografía de santas de carne y ataviadas con vestimentas elegantes, pintando con maestría pliegues, brocados y tafetanes. También es muy significativo la serenidad que emanan las santas. Todas son vírgenes y han sufrido los más atroces martirios, pero ellas están serenamente de paso, la única forma de saber que les ha pasado son los instrumentos de martirio que portan.

Todo el asombro que me ha producido su obra y la simbología que lleva detrás, me ha llevado a querer rendir homenaje a un pintor como Zurbarán, e intentar reinterpretar sus santas bajo una mirada más contemporánea, como él mismo hizo cuando pintó a sus santas. Mediante estas fotografías, me gustaría por un lado intentar acercar su obra al espectador de hoy mediante un lenguaje más actual y comprensible para que sean testigos de la riqueza de nuestro pasado y por otro, conectar con la vida de estas mujeres tan virtuosas para así poder acompañarlas en su viaje celestial.

Por Yael Portabales

La exposición está abierta hasta el 20 de noviembre en el Museo Diocesano de Arte Sacro de Orihuela. 

La revista FEARLESS ha presentado la exposición ‘Javier Pioz, arquitectura biónica 1983-2023’, en el espacio de Gandía Blasco Group de madrid, situado en la Calle Ortega y Gasset, 28, (entrada por Núñez de Balboa). La muestra ocupa el showroom de la conocida firma de mobiliario exterior, y estará disponible hasta el 11 de diciembre. El horario de visita es: Lunes a Jueves: 10:00-14:00/16:00-20:00h_ Viernes: 10:00-14:00/ 15.00-18.30h.

La arquitectura biónica comenzó a gestarse hace 20 años. Con la máxima “la naturaleza lo hizo antes y lo hizo mejor”, esta corriente constructiva une biología, tecnología y arquitectura. El objetivo principal es encontrar respuestas edificables basadas en el aprendizaje de la naturaleza. Javier Gómez Pioz estudió arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid (ETSAM) obteniendo la titulación en 1978. Después estudió un máster en la Universidad de Columbia, Nueva York. Desde 1992 comienza a investigar sobre la incorporación de la biónica al diseño arquitectónico y urbanístico, definiendo la Torre Biónica, un proyecto que se formaliza en 1997 y se presenta en Londres. Es sin duda una de sus grandes obras icónicas que tiene una amplia presencia en la muestra dedicada a este tipo de arquitectura del que es considerado uno de sus grandes padres.

La arquitectura biónica es un movimiento constructivo de edificios basado en los trazos y en las líneas de las formas de la naturaleza. Los conceptos ya están predefinidos, provienen de la naturaleza, y sólo queda aplicarlos a la técnica de la construcción.

Desde las primeras investigaciones de estos diseños orgánicos, se hizo hincapié en la practicabilidad de las construcciones. La arquitectura biónica es una revolución al estilo tradicional de los trazados rectangulares actuales. Diseña esquemas que forman curvas, así como superficies reminiscentes a las estructuras reales de la biología.

En España Javier Pioz es el máximo exponente de la arquitectura biónica. Galardonado con el Pritzer de Asia y el Golden Global Award, este representante español de la arquitectura biónica reconoce que, hoy en día, este concepto está mucho más implantado de lo que se cree.

 

 

El nuevo número de FEARLESS edición Otoño 2023 ya está disponible en los canales de distribución y plataformas habituales. El torero Andrés Roca Rey protagoniza la portada, que cuenta con dos versiones, una en solitario y otra con sus amigos Victoria Federica de Marichalar, Tomás Páramo y María G. de Jaime.

En las páginas interiores Roca Rey concede una entrevista que muestra su faceta más personal, en la que también participan sus amigos Victoria Federica, Tomás Páramo y María G. de Jaime, que charlan largo y tendido junto a Berenice Lobatón sobre su relación con el diestro peruano. La sesión de fotos ha sido disparada por Roberto Maroto, en colaboración con el fotografo portugués Alexandre Carvalho, que dispara un behind the scenes de lujo durante la Penúltima cena en bucle, protagonizada por Roca Rey y su troupé en el restaurante ABYA de Madrid.

El número está inspirado en el espíritu LATAM, y contiene reportajes con diversas personalidades del mundo latino en Madrid, como los arquitectos Marcos Trueba o Claudia Shultheis; la chef y empresaria Johanna Von Müller, que charla junto Rafael Ansón en uno de los mexicanos de moda: Bakan. También aparecen en interior Cruz Sánchez De Lara, los toreros Joaquín Galdós y Adrien Salenc, el artista venezolano afincado en Madrid, Pedro Sandoval y Clarice Alves, que junto a otros actores protagonizan una sesión de fotos con mucho acento.

Mario Conde nos deleita en su sección con un artículo titulado ‘La soledad del anacoreta espiritual’, Mónica Hoyos protagoniza Fearless Daily escribiendo una carta a su ‘yo’ interior, Eugenia Cervantes nos da las claves para una sonrisa bonita, Eduardo Momeñe nos abre su archivo antes de su exposición fotográfica en el Circulo de Bellas Artes, y Rafael Ansón nos da sus pinceladas gastronómicas en su sección.

Kylie Minogue, la sensación del pop mundial, protagoniza la campaña Jimmy Choo / Jean Paul Gaultier, uniendo una increíble trinidad de legados de la cultura pop para dar vida a esta colaboración única.

 

Las profundas y duraderas conexiones de Kylie tanto con Jean Paul Gaultier como con Jimmy Choo la convierten en la elección idónea para mostrar esta fusión de moda: ha lucido múltiples looks de Gaultier hechos a medida, mientras que Sandra Choi lleva más de 30 años creando zapatos a medida para ella.

 

Fotografiada por el cineasta y fotógrafo francés Valentin Herfay, Kylie debuta en la nueva colaboración de calzado, peinada por su amiga Katie Grand con los iconos de archivo del prêt-à-porter de Gaultier. Kylie es la encarnación de la confianza y el glamour, una pin-up posmoderna en una serie de imágenes impactantes y cortometrajes divertidos que se hacen eco de los valores inherentes compartidos por ambas casas: relevancia pop, empoderamiento femenino y un je ne sais quoi rebelde.

«Me enorgullece decir que Jimmy Choo es un nombre que ha pasado a formar parte de la cultura pop. También es el caso de Jean Paul Gaultier y de Kylie – todos hablamos más allá de los confines tradicionales, uniendo mundos diferentes, emblemáticos del empoderamiento femenino. Por eso Kylie fue nuestra primera y única elección: es realmente icónica, modelando looks que unen la iconografía de dos casas y dos ciudades, Londres y París». Sandra Choi, Directora Creativa de Jimmy Choo

 

Jimmy Choo es como el Gaultier de los zapatos – la artesanía se une a la rebeldía. Y Kylie es más que una artista – con una historia rica y profunda con ambas casas. Cuando pienso en referencias de diseño y estética, nuestras dos marcas celebran la poderosa figura femenina enmarcada en la cultura pop, una ideología compartida que realmente destaca. Kylie es la encarnación de eso». Florence Tétier, Directora Creativa de Jean Paul Gaultier

 

«Para mí, la moda siempre ha sido sinónimo de colaboración con creativos afines y de auténtica expresión personal. Jean Paul Gaultier y Jimmy Choo han formado parte de mi viaje por la moda, y estoy encantada de trabajar con ambos para celebrar esta excepcional colección. Son nuestras historias colectivas fusionándose, para crear algo fresco y nuevo». Kylie Minogue

Equipo creativo
Dirección creativa – Sandra Choi, Florence Tétier
Fotógrafo – Valentin Herfray
Estilista – Katie Grand
Peluquería – Evanie Frausto
Maquillaje – Sam Visser
Manicura – Marisa Carmichael
Escenografía – Heath Mattioli
BTS Vídeo – Matilda Montgomery
BTS fotógrafo – Riley Taylor

La campaña y la colección Jimmy Choo / Jean Paul Gaultier se lanzaron mundialmente el 18 de octubre de 2023.

Sobre la colección
La colección de calzado de la colaboración Jimmy Choo / Jean Paul Gaultier es una conversación creativa entre dos casas de moda cuyos legados paralelos abarcan mezclas culturales polifacéticas, un amor por la artesanía y una ideología idiosincrásica de rebelión glamurosa. La colaboración fusiona las identidades de las dos marcas icónicas -una emblemática de Londres, la otra con esencia parisina- y explora la dicotomía entre estos dos puntos geográficos y filosóficos.

 

La colección propone una cápsula de grandes éxitos que mezcla los códigos elementales y eternos de Gaultier con los iconos modernos de Jimmy Choo. Trampantojo, sexualidad, elegancia rebelde, artesanía de alta costura: los lenguajes singulares de Gaultier y Jimmy Choo encuentran un vocabulario dual. Valores compartidos -de empoderamiento, de individualidad y de celebración de la poderosa figura femenina- unen sus estéticas e inspiran la colección. El resultado es una rica mezcla de dos herencias, dos nacionalidades y dos personalidades. Esta colección se convierte en una historia dinámica de dos ciudades, aquí reunidas.

Fabricio Joel López, representante del local Caracortada, se ha alzado como ganador de la 2ª edición de su competición internacional Sustainable Cocktail Challenge en Valladolid, una iniciativa global creada por Flor de Caña, el primer destilado en el mundo certificado Carbono Neutral y Fair Trade, que busca promover y premiar la coctelería sostenible en bares eco-conscientes para construir juntos un futuro más verde.

 

La final ha tenido lugar hoy 24 de octubre en el marco de la feria de Fibar Valladolid, sección escuela de Fibar. Durante esta final, los 9 bartenders finalistas han competido para llevarse el galardón, teniendo el reto de crear el mejor cóctel sostenible con Flor de Caña  y utilizando ingredientes y técnicas sostenibles.

 

El segundo y tercer finalista han sido Elías Diéguez de Lovo y Héctor Sardón de Nubel.

 

Fabricio ha obtenido el título de «Bartender Más Sostenible de ESPAÑA», teniendo la oportunidad de participar en la Final Global del Sustainable Cocktail Challenge que tendrá lugar en la exótica Nicaragua en 2024. Su cocktail, Madre Tierra, ha sido elaborado con Flor de caña infusionando en piel de plátano y un mix clarificado con: vermut de jerez, bitter, sirope de plátano al te chai, limon, leche ahumada en puros de vainilla.

 

Los cócteles han sido evaluados por personalidades de la industria como: Frank Lola , Especialista en destilados y creador de coctelería; Truly Hospitality, Bar & Brands Consultant;  Santi Madrueño, Gran experto en el sector de los espirituosos y reconocido bartender nacional;  Alejandro Alayón, Ganador del Flor de Caña Challenge 2022 Bar Manager Creps al Born; Luis Inchaurraga, CEO de House of Mixology.

 

Los criterios de evaluación han incluido aspectos como  la historia e inspiración detrás del cóctel, el uso de ingredientes/técnicas sostenibles y el nivel de creatividad, además de su sabor y apariencia.

 

Flor de Caña también ha trabajado en estrecha colaboración con los gerentes de bares y bartenders en un esfuerzo educativo para destacar la importancia y beneficios de adoptar prácticas sostenibles en sus operaciones diarias. Dan Nevsky, mixólogo de renombre mundial conocido como Indie Bartender, se ha unido a Flor de Caña para promover el Sustainable Cocktail Challenge globalmente.