FINETWORK y el REAL BETIS rescatan redes de pesca gallegas para convertirlas en porterías

Finetwork, compañía española de fibra y móvil, ha colaborado con el Real Betis, equipo que patrocina, y su plataforma Forever Green, con el objetivo de rescatar redes de pesca del océano y transformarlas en las nuevas mallas de las porterías del estadio bético.

Estas redes, que recibirán los aplausos, cánticos y ovaciones de más de 50.000 personas, partido tras partido, han convertido al Benito Villamarín en un icono de sostenibilidad deportiva, contribuyendo, además, a la eliminación de este tipo de contaminación, que supone una gran amenaza para las especies marinas.

Asimismo, Finetwork, en colaboración con, el Real Betis, y Forever Green, han logrado dar una segunda vida a 100 kilos de red procedentes de residuos marinos, lo que supone dejar de emitir a la atmósfera 166,37 kg de CO2. Para hacerlo posible, contaron con la cooperación de un grupo de redeiras de diferentes pueblos pesqueros de Galicia, que llevaron a cabo la transformación artesanal de las mallas, que ya se encuentran instaladas en el estadio del equipo masculino y también en el del femenino.

Deporte y sostenibilidad, un objetivo común

La operadora de fibra y móvil posee una gran implicación con el mundo deportivo, ámbito con el que comparte valores como la responsabilidad o la superación; por ello, es una de las principales patrocinadoras de numerosos equipos y competiciones, entre ellos, el Real Betis al que apoya desde 2021. Unidos por su compromiso con el medio ambiente y las personas, la operadora y el club buscan contribuir a la lucha por la protección del medioambiente de manera pionera en el ámbito del deporte.

“Para nosotros, llevar a cabo esta acción, junto a nuestro patrocinado, el Real Betis, y su plataforma Forever Green, era algo que llevábamos tiempo pensando, ya que compartimos nuestra implicación con la sostenibilidad y el interés por aumentar el impacto positivo que generamos en el entorno. En Finetwork creemos firmemente en nuestro lema: “Mejor es posible”, y con esta iniciativa, contribuimos de forma positiva para la materialización de este”, declara Alejandro Delgado, responsable de comunicación, medios y RSC de Finetwork,

“Este proyecto está totalmente alineado con los valores de Forever Green y del Real Betis. Con esta acción ampliamos nuestro alcance realizando acciones que cuidan también de nuestros mares. Es muy importante adherirnos a iniciativas como estas que trabajan para reducir el impacto de los residuos en el mar y dar a conocer a la gran masa social que forman nuestros aficionados la importancia de cuidar también de nuestros océanos. Además, hacer esto de la mano de nuestros patrocinadores, reafirma una vez más el objetivo de Forever Green, aprovechar el poder del fútbol y de las empresas que forman parte de él, para salvar a nuestro planeta de los efectos del cambio climático. Nos sentimos muy orgullosos de que nuestro patrocinador principal Finetwork se caracterice por este compromiso social”, valora Rafael Muela, gerente de la Fundación Real Betis, entidad que gestiona la plataforma de sostenibilidad ambiental del club verdiblanco.

En este sentido, ambos han preparado un vídeo de la acción para trasladar su compromiso.

Ayala Polo Club inaugura en Sotogrande el paraíso del polo 2023

Sotogrande se prepara para acoger las citas más importantes del año dentro de la élite de este deporte, entre ellas el prestigioso Torneo Internacional de Polo de Sotogrande a manos de Ayala Polo Club.

Ayala Polo Club dio el pistoletazo de salida el  18 de mayo con la Copa de Bienvenida. Las siguientes citas serán entre mayo y junio con la Copa KE Sotogrande (25-29 de mayo), la Copa Joseph McMicking (01/11 junio) y el Open de España (15-25 de junio) hasta una de las citas más importantes, el Memorial al fundador Enrique Zóbel del 29 de junio al 9 de julio y el Memorial Manuel Prado y Colón de Carvajal.

Sin duda el momento más esperado del año tiene lugar en esta ocasión del 24 de julio al 26 de agosto. El Torneo Internacional de Polo de Sotogrande, con 52 años de historia, con sus respectivas Copa de Bronce, Copa de Plata Terralpa y Copa de Oro, y considerado entre los 3 más importantes del mundo, acoge a los mejores jugadores de polo del mundo, junto a un sinfín de visitantes atraídos por todo lo que ofrecen durante esas semanas.

Como colofón final del 31 de agosto al 3 de septiembre tendrá lugar la Copa San Enrique de Guadiaro y la última cita será la Copa Despedida del 7 al 10 de septiembre para poner punto y final a una prometedora temporada para la historia del polo en España.

 

Talavante presenta una obra de Manuel León como imagen para esta temporada

La obra pictórica “El verdadero toro es el público”, de Manuel León, se ha presentado el 16 de mayo en la Plaza de Toros de Las Ventas, con la presencia de Alejandro Talavante. En el acto se ha dado a conocer el retrato que el artista sevillano ha realizado del diestro extremeño y que será su imagen durante la temporada 2023.

El torero ha afirmado ante los presentes que “pensé en Manuel porque es un artista del que se aprende todos los días por el inmenso arte y la cultura que tiene dentro”. Además, ha confesado que “con esta manera de hacer campaña se llega a un público que antes no llegábamos. Con estas iniciativas me ha ido bien, se ha unido mucha gente a la fiesta a través de esto, y lo voy a seguir haciendo”. En el cuadro aparece un vestido que simboliza mucho para el diestro: “Con este traje viví una tarde muy dura en mi carrera en esta plaza el pasado año y me apetecía ponerlo para recordar que, a veces, no todo es triunfo”, ha remarcado.

La pieza es un óleo sobre lino, con una pincelada muy personal en gran formato de 250×200 cm. El boceto de la obra parte de una imagen de perfil del torero mirando al horizonte, en una profunda reflexión, que comparte algunas características de los retratos áureos de reyes y emperadores que aparecen en las monedas y sellos. Manuel León ha querido plasmar la Tauromaquia de una forma muy original y vanguardista. El cuadro, que tiene su origen en una conversación del artista con el torero, “está lleno de simbolismo y fuerza visual, invita al espectador a adentrarse en el mundo del toro desde una perspectiva diferente y a reflexionar sobre la importancia de esta expresión artística en la cultura española”, como explica el artista.

Destaca el fondo abstracto en diferentes tonos de azules que simulan el cielo al anochecer. Para ello ha utilizado una técnica inspirada en las primeras representaciones de las pinturas rupestres de Altamira y ha sido realizada con las manos, lo que le da una textura orgánica y natural. Otro de los elementos claves es el traje de luces, que adquiere un gran simbolismo dentro de la obra y que se convierte en una especie de “traje de superhéroe”. De esta manera, Manuel León destaca “la habilidad, valentía y un gran sentido estético de la Tauromaquia”.

“Poder pintar esta obra, me ha permitido trabajar el retrato, género en el que me encuentro muy cómodo y, sobre todo, he podido adentrarme en profundidad en la figura del torero y en el significado real que tiene la cultura en nuestra sociedad actual”, explicó Manuel.

Esta no es la primera incursión de la pintura de León en la temática taurina, pues cuenta con otras tres obras sobre el mundo de los toros: “No se puede dar a Dios por sentado”, “El espejo en que te miras te dirá como tú eres” y “El toro verde en busca de la estrella polar”, cartel para la feria de Olivenza de 2020.

Manuel León (Villanueva del Ariscal, Sevilla, 1977), pintor costumbrista, como el mismo se define, se formó en la Facultad de Bellas Artes de Sevilla y se ha convertido en los últimos años en uno de los artistas contemporáneos más relevantes de nuestro país, paseando su obra por numerosas galerías del mundo.

Sevillísima Trinidad II: ‘La Feria de Abril, un éxtasis de estética’, por Manuel Lombo y fotografías de Bertie Espinosa

Fotografía BERTIE ESPINOSA con Leica D-Lux 7

Texto MANUEL LOMBO

Agradecimientos Leica, Beatriz Pérez, Adrian Moreno Lozano y a quienes han contribuido a hacer realidad esta explosión de estética.

A finales del mes de Enero, Sevilla comienza a construir en los aledaños del barrio de los Remedios una ciudad efímera que cobra vida por algo más de una semana y que pasada ésta, vuelve a ser un descampado al que todo el que deambula por allí (feriante, claro), mira con cierta nostalgia el resto del año.

Me gustaría considerar, sin hacer apología del sentimiento sevillano, que la Feria de Sevilla posee la estética más equilibrada y elevada al mayor grado de gusto en cuanto todo su conjunto se refiere. Las casetas en su inmensa mayoría están exornadas de forma exquisita; ¿a quién se le ocurre decorar un lugar de divertimento con encajes, cornucopias de madera talladas y doradas, mobiliario noble y lámparas de cristal? Les aseguro que sólo a los sevillanos, pioneros indiscutibles en darle ese toque de belleza a lo que en un principio fueron unos sombrajos y más tarde tiendas de campaña donde los tratantes de ganado cerraban las operaciones de compra y venta de animales. Recordemos que la actual celebración de esta fiesta tal y como la conocemos, tiene sus orígenes en una feria de ganado.

Como es tradicional cada año, la «portada» tiene un significado que alude a la conmemoración de alguna efeméride o está inspirada en la arquitectura de algún edificio emblemático de la ciudad.

La feria durante el día nos ofrece estampas de un costumbrismo muy romántico; coches de caballos con lacayos perfectamente ataviados, amazonas luciendo sombrero de ala ancha o catite, caballistas con hermosas mujeres a la grupa, la elegancia de los viandantes que pasean el real, vendedoras de claveles o el entusiasmo de los más pequeños que hacen sus juegos con todo tipo de artilugios o saborear un rico algodón de azúcar…

Otra parte fundamental estos días son las corridas de toros, donde durante más de una decena de festejos, incluyendo Domingo de Resurrección, «preferia» y «farolillos» (como se denomina a las que se celebran durante los días de Feria) comparecen las máximas figuras del escalafón taurino del toreo a pie y a caballo. El esplendor de la Maestranza no tiene parangón; en ésta se aúnan en un solo espectáculo una amalgama de caracteres de tipo social y artísticos, que mezcla con fluidez desde vendedores ambulantes hasta la elegancia del palco maestrante donde lucen las hermosas mantillas.

Pero, volvamos al Real, donde la noche cambia por completo la estética del recinto. Parece que nos encontramos en un lugar totalmente diferente del que hemos paseado durante el día. Las luces de los farolillos, -rojos y blancos- en sus calles, eclosionan con el sonido de las casetas, generando a veces, un shock audiovisual que se ve incrementado por la ingesta de manzanilla si se lleva demasiadas horas en la feria. Hay que decir que algunas casetas conservan la música en directo sin ningún tipo de amplificación, cosa muy admirable en estos tiempos y las nuevas corrientes están haciendo que por desgracia, se pierda todo tipo de autenticidad. En muchas de éstas, se sigue pudiendo oír a grandes artistas del mundo flamenco, así como ver “darse una patá” -expresión usada para denominar un baile corto por bulerías-, a magníficas figuras del baile.

Voy a hacer uso del refranero popular para dar un consejo que nadie me ha pedido: “cada uno cuenta la feria como le va”. Es por eso que cuando vayan a conocer cualquier fiesta de España y sobre todo en Andalucía, traten de ir acompañado de un autóctono que sepa mostrarle la autenticidad de estas manifestaciones, tan entendidas por muchos, como incomprendidas por otros.

‘Maestros del Futuro’, la oda a la artesanía que se expone en Sevilla

La exposición Maestros del futuro. Artesanía y diseño en Europa abre sus puertas del 22 de marzo al 31 de mayo en el Castillo de San Jorge, en el barrio sevillano de Triana. La muestra, que reúne una distinguida selección de piezas de creadores y artesanos europeos y españoles, está organizada por el Ayuntamiento de Sevilla y coordinada por la Asociación Contemporánea de Artes y Oficios, con el apoyo dela prestigiosa Michelangelo Foundation for Creativity and Craftsmanship y el Ministerio de Cultura y Deporte.

La capital andaluza es un vivero de maestría artesana que alberga algunos de los talleres más excepcionales del mundo, marcados por las tradiciones religiosas y culturales. Como sede de Maestros del Futuro apuesta por una nueva perspectiva: partiendo de la maestría tradicional y local, se proyecta un futuro en clave contemporánea, internacional y sostenible, que contribuye a revitalizar y a preservar la tradición artesana.

La cita se inspira en Next of Europe, una de las quince exposiciones que formaron parte en 2022 de Homo Faber: Crafting a more human future, el gran evento de la artesanía organizado por la Michelangelo Foundation for Creativity and Craftsmanship en Venecia. En dicho espacio, comisariado también por Blanchaert, se presentó una selección de objetos funcionales y decorativos creados por los mejores maestros artesanos de Europa.

La muestra que llega al Castillo de San Jorge recoge más de 50 piezas singularesfirmadaspor maestros como el escultor italiano Alessandro Ciffo, la ceramista belga Annemarie Laureys o la artista textil irlandesa Helen O’Shea. Entre la representación española, destacan las obras de Orfebres Seco, un taller especializado en el trabajo con metales nobles desde mediados del siglo XIX, la cerámica de la sevillana Concha Ybarra o las piezas de Juan Miñarro, escultor e imaginero de referencia.

Comisariada por el galerista, crítico de arte y artista italo-belgaJean Blanchaert y con Irina Eschenazi y Ramón Vergara comocomisarios adjuntos,Maestros del futuropromueve un diálogo entre las obras de maestros españoles y europeos en un espacio colectivo ideado por el arquitecto y diseñador Pablo Millán.

FELIPAO, el otro autor de Las Meninas, con permiso de Velázquez…

Fotografía JUAN CARLOS VEGA

Texto K. MIKHAILOVA

Si hay un verdadero autor de Las Meninas contemporáneas (después de Velázquez) es él. Famoso por diseñar y esculpir bulldogs (Poppi, como los ha bautizado) en todos los tamaños y colores, asiduo a las fiestas más exclusivas de Madrid, y artista polifacético que se asocia a marcas de lujo (como recientemente con IWC). Él es Felipe García-Bañón Sanz-Briz, o lo que es lo mismo (y más mediático): Felipao. Nieto de diplomáticos, ha recorrido medio mundo sin haberlo elegido. De Emirato Árabes, pasando por Kenia, Pakistán, Nicaragua, o lo que es menos éxito pero no idílico, Francia, la cuna de la alta costura. Nadie se imaginaría que un licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales en ICADE, que termina trabajando en multinacionales como Repsol, un día decidiría (hace 3 años, para ser exactos) dar un giro drástico en su devenir, y dedicarse al arte. 

“Yo lo invento, yo lo creo y yo lo vendo”, me cuenta en casa del empresario y joyero Miguel Mas, en una esquina, mientras compartimos burbujas de Veuve Clicquot y confidencias. Es un ser peculiar, diferente a la norma porque él recrea su norma y la plasma en sus criaturas andantes que recorren medio mundo decorando e inspirando los hogares, las oficinas o los museos particular de cientos de personas. “Vendo una Menina al día, como poco”, confiesa. 365 al año, como poco. Me confiesa que su primera venta fue un Poppi, a una argentina, y aquello le hizo muy feliz. 

Su seguridad y templanza le han llevado a poner el foco de atención en eso que sabía que iba a hacerlo “bien”, que iba a alcanzar el exito en vida y vida en las vidas de otros (porque el alma de Felipao vive en todos esos rincones que decoran sus piezas).

Ha expuesto en Alemania, Estados Unidos, Hong Kong, México, Reino Unido, entre otros países, además de España. Su visión poliédrica de la realidad y del mundo le hace reinventarse a diario.

Su obra conforma colecciones privadas  como la colección Juan Antonio Pérez Simón,Philippe Starck, César Gaviria, Solita Cohen, Koplowitz, March o  Jeff Brody.

Y es que la Menina de Felipao ha sido electa  como regalo institucional de la Comunidad de Madrid para entregar a visitantes ilustres y como galardón en los premios del Queen Sofía Spanish Institute de Nueva York.

Ha colaborado en exposiciones y proyectos artísticos específicos para marcas como Tag- Heuer, Glenfiddich, Beefeater, Ebay, Apodemia, Gemóloga Miriam de Ungría, Brittany Ferries, Sol & Luna Leather,  Grupo Miguel Vergara, vinos HABLA, Brandy Carlos I, línea dermatológica Método R, lámparas Oliva, Four Seasons y Bulldog Gin, entre otros.

Su trayectoria es imparable. Y esto sólo acaba de empezar, porque estamos ante un artista que cuenta historias a través de obras que hacen del mundo un lugar más amable.

 

 

Ignasi Monreal x Ruinart: Oda a la sobremesa

Ruinart, el champagne del mundo del arte vuelve a ARCO, la prestigiosa Feria Internacional de Arte que se celebrará del 22 al 26 de febrero en Madrid.

Para esta ocasión, Maison Ruinart ha seleccionado al artista Ignasi Monreal como el responsable para su intervención creativa sobre el estuche second skin. La creación artística de Ignasi Monreal se inspira en la preocupación y en los diferentes proyectos desarrollados por Maison Ruinart por un mundo más sostenible.

Los 18 magnum, 10 Blanc de Blancs y 8 Rosé, se convierten en trampantojos que recrean la naturaleza y los insectos que se acercan a los restos de comida durante la sobremesa, algo tan mediterráneo como el artista y tan importante para Maison, eje principal de varios proyectos destinados a la reforestación y recuperación de la biodiversidad en Champagne (Taissy). Ruinart está considerado como uno  de los  pioneros en la protección del medio ambiente y del clima en Champagne. Con el proyecto «Vitiforestry», Maison Ruinart ha replantado árboles y setos entre los  viñedos para mejorar la biodiversidad con métodos forestales.

En los próximos años, Ruinart se centrará en un proyecto piloto de biodiversidad en los viñedos históricos de Taissy. En unas 40 hectáreas, 20 de ellas de Chardonnay y Pinot Meunier, se pretende fomentar la diversidad de la fauna y la flora locales. «Vitiforestry» es el nombre del enfoque, que pretende dar más vida a los viñedos y sus suelos.

Al conservar la naturaleza y restaurar los ecosistemas se reduce su vulnerabilidad y se aumenta su resiliencia.La conservación y restauración de la naturaleza constituyen una estrategia importante en la lucha de Maison contra el cambio climático y su sostenibilidad.

Siguiendo la línea de su antecesor Jaime Hayon, la recaudación de la venta de estas magnum exclusivas del artista se destinarán a la ONG (R)Forest Project, cuyo objetivo se centra en repoblar de árboles el mundo y crear conciencia para cuidar el planeta. En concreto El Bosque Ruinart, un proyecto que empezó en 2022 y que se fortalece año tras año con su repoblación. Además, Ruinart durante del 22 al 26 de febrero, donará la totalidad de la venta en establecimientos seleccionados* a (R)Forest, con el objetivo de seguir contribuyendo al proyecto de reforestación.

Ignasi Monreal quiere mostrar con esta magnífica intervención el placer consciente de Ruinart y el compromiso de ambos por el medio ambiente y la sostenibilidad.

*Aarde, Amazónico, El Paraguas, Gran Meliá Palacio de los Duques, Quintín, Mandarín Oriental Ritz, Madrid, Numa Pompilio, Ten con Ten y The Edition.

IGNASI MONREAL, ODA A LA SOBREMESA

Maison Ruinart ha confiado en Ignasi Monreal la intervención artística de los estuches second skin de esta edición limitada, para que dé rienda creativa a su expresividad. Un encuentro natural entre el artista y el estuche eco-responsable de las botellas Ruinart.

Uno de los elementos de su obra es la sobremesa en plena naturaleza, entendida como concepto clave para degustar Ruinart y disfrutar de conversaciones infinitas con amigos.

Las 18 botellas magnum customizadas expresan la continuidad de su obra Plats Bruts. El artista ha querido integrar la intervención dentro de su última obra, dando sentido íntegro al concepto creativo y a la importancia de la biodiversidad de Ruinart.

La delicada obra de Ignasi Monreal con Ruinart estará a la venta en el espacio ARCO a un precio de 1000€ y se podrá adquirir bajo petición a la marca.

El uso de pintura sostenible y la utilización del trampantojo que integra lo natural y lo animal acerca la obra a esa filosofía de Maison Ruinart de un mundo más sostenible y la preocupación por el medio ambiente.

Los viñedos de Maison están certificados con el sello de sostenibilidad «Viticultura duradera en Champagne» desde 2014. Maison Ruinart ha tomado una serie de medidas con el objetivo de ahorrar CO2 y conservar los recursos. Uno de los desarrollos más innovadores es el nuevo envase exterior «Second Skin». Fabricado en un 100% de papel, ahorra un 60% de las emisiones de gases de efecto invernadero de los envases convencionales.

En esta edición especial donde cada pieza es única, el eco-packaging «disruptivo» que siluetea la emblemática botella distintiva de la Maison es utilizada como lienzo 360º que alberga la obra de joven, pero reconocido artista mundial.

Esta nueva muestra de arte contemporáneo, en este caso, el del artista multidisciplinar Ignasi Monreal se suma a los grandes nombres que han colaborado con la primera Maison de champagne y consolida, un año más, la estrecha relación de Ruinart con el mundo del arte.

SECOND SKIN, UN ARTE SOSTENIBLE

Innovador y duradero, el estuche second skin es la expresión de una nueva forma de dar, más consciente y reflexiva.

Lanzado en 2020 y ahora disponible en formatos magnum, este estuche característico de la Maison tiene como objetivo reducir y reciclar sin distorsionar la experiencia ni el sabor. Compuesta 100% por papel procedente de fibras de madera de bosques europeos eco-gestionados, la segunda piel es 9 veces más ligera que la generación anterior de cajas y reduce un 60% su huella de carbono.

A juego con la forma característica de la botella, el estuche protege el vino de la luz, resiste la humedad de una bodega o frigorífico, e incluso puede permanecer en una cubitera hasta 3 horas sin deteriorarse. Su motivo en relieve es también un homenaje directo a Les Crayères, las bodegas históricas de la Maison en Reims

RUINART x IGNASI MONREAL

8 unidades de Ruinart Blanc de Blancs en magnum, estuche second skin

por Ignasi Monreal 1000€/unidad.

10 unidades de Ruinart Rosé en magnum, estuche second skin por Ignasi Monreal 1000€/unidad

Disponible exclusivamente del 22 al 26 de febrero en la feria de arte contemporáneo ARCO (Ifema Madrid, Av. del Partenón, 5) o a través del contacto de ventas privadas y corporativas.

Ortega y Gasset reúne el mejor arte contemporáneo iberoamericano con 12 esculturas a escala urbana en la Milla de Oro de Madrid

Aproximar el arte a los ciudadanos e invitar a descubrir la relación del hombre y su entorno a través del arte público. Madrid Luxury District -enmarcado en el programa Madrid Capital de Moda impulsado por el Ayuntamiento de Madrid- pone en marcha la II Edición de Madrid Luxury Art, con la gestión cultural y el patrocinio de AGM Art Management. Una exposición de arte contemporáneo que a partir del 16 de febrero y durante dos meses traerá a Madrid obras de escultores iberoamericanos de referencia, procedentes de colecciones privadas, de los talleres de los mejores artistas y de las principales galerías internacionales, entre ellas Marlborough, Fernando Pradilla, La Cometa, El Museo, Gärna Art Gallery, Luisa Pita, Fundación Botero y Galería Freites.

Esta exposición temporal propone un recorrido por diferentes miradas del arte contemporáneo, bajo el epígrafe la “Condición humana y su lugar en el universo”, comisariado por la venezolana María Luz Cárdenas y formará parte del programa Guest de ARCO MADRID 2023.

Inmaculada Pérez Castellanos, fundadora de Madrid Luxury District incidió en el papel de la asociación que representa a las marcas y firmas de Ortega y Gasset y afirmó que el objetivo es invitar al ciudadano a disfrutar del mejor arte contemporáneo y visitar la Milla de Oro con un nuevo contenido de máxima calidad.

Alejandra y Geyka Urdaneta, cofundadoras de AGM ART Management subrayaron la colaboración en el proyecto de artistas y galerías de referencia para generar una experiencia y convertir “Ortega y Gasset en un espacio para el arte en Madrid”

Arte contemporáneo Iberoamericano: 20 escultores y más de 30 obras

En Ortega y Gasset, la exposición comienza a la altura de Núñez de Balboa con una obra del artista Manolo Valdés -destacado pintor y escultor español residente en Nueva York quien introdujo en España una forma

de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía-. En la entrada del Edificio Beatriz estará ubicada la obra de Jaume Plensa “Tel Aviv Man”, de casi 2 metros, en acero troquelado y fuera del mismo edificio una obra del artista español David Rodríguez Caballero, de más de 5 metros de altura, en la esquina de Velázquez con Ortega y Gasset.

Tras esas primeras paradas, el recorrido continúa por la calle Ortega y Gasset y finaliza en el Hotel Rosewood Villa Magna con una escultura de Diego Canogar denominada “Enroscada Roja”.

En el circuito urbano expone su obra Rafael Barrios, David Rodríguez Caballero, Odnoder, Ricardo Cárdenas, Carlos Albert, Carlos Medina, Sydia Reyes, Aurora Cañero, Manolo Valdés, Diego Canogar y Baltasar Lobo.

Y en el circuito, que termina en el Hotel Rosewood Villa Magna, están instaladas esculturas de Fernando Botero, “Woman with an Apple”, Juan Díaz-Faes “Pitarras” y la obra “Aldeas Transversales” de Fernando Suárez Reguera que, desde el espejo de agua de la entrada, nos recuerda la relación más pura del hombre y la naturaleza.

Además, durante estos meses se desarrollarán diferentes acciones para divulgar el arte iberoamericano y las firmas de la Asociación Madrid Luxury District incluirán esculturas en el interior de sus espacios.  Bvlgari, Celine, Chaumet, Edificio Beatriz, Hotel Rosewood Villa Magna, Jaeger – LeCoultre, Jimmy Choo, Lavinia, Panerai generarán una exclusiva propuesta artística.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Diario de una becaria en la Fashion Week, por Marta Martín

Lo primero que se me pasa por la mente al cruzar la puerta que separa el ciberespacio de la zona de desfiles es la cantidad de veces que me encontré en ese barullo de gente, mendigando una mirada de compasión a la que le sobrara una entrada de ese desfile que previamente había casi estudiado en casa. Había algún día en el que, aunque cansada de intentarlo, caía una entrada en tus manos de alguien que tenía más de la cuenta. Salía del desfile con una sonrisa de oreja a oreja por haberlo presenciado detrás de un montón de cabezas sin rostro que muchas veces no te dejaban ni ver, pero contenta, al fin y al cabo, creías cumplir tus sueños de estudiante de moda con eso.

Siendo hoy 15 de febrero e inaugurando el primer día de la MBFW me encuentro sentada en primera fila por llevar un papel que me acredita como prensa, me encuentro sobre unos tacones rosas que llevo todo el día eligiendo sin saber si la prensa va en tacones y con la chaqueta abrochada hasta arriba porque la chica de atrás lleva mi misma blusa, ya he cubierto el cupo de tierra trágame del primer día.

El desfile de Isabel Dalbat se podría definir como tradicionalismo moderno o lo que es lo mismo, ser experta en construir un baile perfecto donde la tradición encaja con la modernidad sin caer en la corriente tan destructiva del desequilibrio de no saber dónde está el límite entre la moda y lo moderno por lo moderno.

No tengo nada en contra de lo moderno y ni mucho menos es que me considere especialmente una persona clásica, al fin y al cabo vivo en el mismo siglo que todos y soy consciente de lo que supone, pero después de estudiar 4 años de diseño de moda donde cada mañana se caracterizaba por la lucha y la justificación constante de defender lo que según una supuesta opinión tachaba mi moda de clásica, simple y tradicional, le acabas cogiendo un poco de miedo a lo moderno. Gracias a desfiles como este y gracias a diseñadoras como ella, la marca España se presenta ante el mundo con carácter, identidad y valores para luchar contra una idea de la moda vacía y sin valor alguno.

El día de 16 de febrero las puertas de ifema se abren para deleitar al público con una sonrisa especial, Agatha Ruiz De La Prada inunda de vitalidad todo el recinto en forma de colores, olores y música, es la encargada de llenar 15 minutos de alegría a la gente, a pesar de haber desayunado con la noticia de que la cifra de fallecidos en los seísmos de Turquía y Siria supera las 40.000 personas.

Hoy he decidido pasar más desapercibida, es más difícil encontrar a alguien igual que tú si vas de negro. Libreta en mano y zapatos de tacón bajo decorados con un corazón rojo en la punta para darle un toque “Aghata” me dispongo a encontrar a los jefes de prensa de todas las marcas colaboradoras, si me vieran desde fuera dirían que lo he hecho toda la vida, sin titubeo y con decisión. En la “fiesta” posterior al desfile es donde se cuece todo, nunca había visto tal aglomeración de famosos juntos. Por un lado, tenemos el clan televisión; colaboradores, tertulianos y concursantes de algún programa, últimamente de un rango de edad de entre 20-30 años. Lo mismo pasa con el clan “influ”, nuestras influencers de confianza a las que les revisaremos el perfil para ver los modelitos elegidos, el cual se ha polarizado mucho últimamente con el fenómeno TikTokers, ahora la primera fila del segundo bloque de la derecha está reservado para ellas, influencers de unos 20 años son las que pisan la pasarela con más fuerza que las propias modelos. De hecho a las 12:30 el desfile de Andrés Sardá se abría con una de las influencers más veteranas y reina de las redes. Aida Domenec, más conocida como Dulceida, acaparaba toda la atención y expectación del día al igual que toda la primera fila de la grada que la acompañaba. La directora creativa de Sardá ocupaba todas las publicaciones y los stories de Instagram el martes 16 siendo el desfile más visto en redes, hoy en día una campaña de marketing muy acertada.

Actualmente todas las redes sociales tienen el poder de introducirte en el mundo de la moda, incluso en la propia pasarela, de una manera u otra y siendo totalmente lícito. La moda al fin y al cabo es una marca y se alimenta de otras marcas o en este caso de productos persona imprescindibles para llegar a un mayor número de espectadores, pero… ¿Con todo esto la moda se ha relegado a un segundo puesto donde, aún en la semana de la moda, ni mucho menos es lo más importante? ¿Las verdaderas figuras del mundo de la moda se sientan ahora en la última fila y las influencers se sientan delante acaparando las cámaras siendo ellas las verdaderas reinas de la moda?

El último grupo; periodistas, prensa, reporteros y CEOS que corren de un lado a otro en busca de la mejor colaboración, entrevista y fotografía, no solo a los diseñadores. Hay figuras que sabes que son importantes por la aglomeración que forman a su alrededor e intentar acercarse a ellos para conseguir el teléfono de la mejor colaboración que vas a hacer en años es casi imposible, peces gordos con peces gordos, no con simples becarias.

El viernes 17 pude presenciar en primera fila un desfile llamado elegancia y buen gusto, Isabel Sanchís y sus estructuras brillantes construidas en diferentes materiales transmitían al público el sentimiento de pasión por lo bien hecho. Antes de empezar el desfile pude observar como la interminable cola que se forma en la puerta trasera antes de cada desfile para poder entrar a verlo sin entrada, comenzaba a dejar pasar a 5, 6 personas. Yo también esperé en su día horas y horas para conseguir entrar a algún desfile, para poder ver desde dentro lo que sería mi futuro profesional y el de la mayoría de jóvenes que esperamos esa cola. Casi 18 escuelas especializadas en moda forman solo la comunidad de Madrid y es rara la vez que dentro de un desfile consigues ver unos ojos ilusionados como los de estos estudiantes que nunca se les da la oportunidad de observar de cerca su futuro. Si apostamos por el futuro de la moda española no podemos dejar de lado a los jóvenes, son el futuro y necesitan oportunidades para tener ganas de serlo.

 

ADRIANA TORRES, entre séis artistas, expone en Madrid con Gross¬Abad

El pasado jueves 16 de febrero  se ha inaugurado por Gross¬Abad en la madrileña Calle Urola nº6. Madrid la primera exhibición del  2023 comisariada por el grupo.   Leer más