Nace FEARLESS FEST, un calendario de exposiciones de arquitectura en Madrid

El próximo jueves 25 de abril arranca la primera edición de FEARLESS FEST con la exposición “El Estadio contemporáneo” de L35 en el espacio de Roca Madrid Gallery.

 

Se trata de un festival de exposiciones de arquitectura que, a lo largo de 2024, ofrecerá en diferentes showroom de marcas de diseño de Madrid exposiciones de arquitectura capitaneadas por diferentes estudios de proyección internacional.

 

Roca, Simon, Tarimas del Mundo y Gandía Blasco son las 4 empresas que promueven esta primera edición, con el apoyo de Cement Design y ECOcero, como primeras paradas confirmadas.

 

Cada muestra, adaptada al arquitecto, expondrá desde maquetas, bocetos, planos, fotografías, renders, trazos, libros y otros elementos, incluso como es el caso del hierro que se ha usado en la fachada del estadio Santiago Bernabéu en la inauguración de la exposición de L35.

 

6 meses de arquitectura en Madrid

La primera parada, será ‘El estadio contemporáneo’ de L35, desde el 25 de abril hasta el 31 de mayo que acoge Roca Madrid Gallery (C/ José Abascal, 57). El Estadio Santiago Bernabéu en Madrid (España); el Estadio Simón Bolívar en La Paz (Bolivia); el Estadio Nemesio Camacho `El Campín´ en Bogotá (Colombia); el Estadio Mendizorrotza en Vitoria (España); el Estadio M. Bin Rashid Al Maktoum en Dubái (EAU) y el Estadio Benito Villamarín en Sevilla (España), son los protagonistas de esta muestra.

 

Desde el 23 de mayo se podrá visitar la exposición de Carmelo Zappulla (External Reference) en Gandia Blasco (C/ Ortega y Gasset, 28). Una exposición que mostrará la innovación y disrupción de la arquitectura, capitaneada por el arquitecto italiano, afincado en Barcelona. La exhibición de obras plasmará un recorrido del trabajo de Zappulla en el que la investigación e innovación vinculada a las nuevas tecnologías y materiales aplicados al diseño computacional y paramétrico cobrará una importante presencia. External Reference ha proyectado y construido, entre numerosos proyectos internacionales, el recorrido expositivo del Pabellón de España en la Expo de Dubái 2020, el pabellón de la UE en la Feria Internacional de Guadalajara 2023, el primer marketplace phigital de WOW en Madrid, el interiorismo integral de la sede central de Sberbank en Moscú o espacios gastronómicos como Moritz Store y Casa Mortiz, The Penthouse by WOW, Alkimia en Barcelona o los aclamados restaurantes de tendencia Vicio. Además, uno de sus principales proyectos de investigación innovador y sostenible, las Pure Plants, las esculturas purificadoras impresas en 3D, se han expuesto en los más importantes festivales de diseño del mundo como Madrid, Valencia, Dubai y Milán.  Todos los proyectos de Zappulla trascienden lo convencional para trasformar los espacios en experiencias emocionales a través de la arquitectura y el diseño.

 

 

A partir del 20 de junio Diego Gronda, fundador y director creativo de GRONDA, exhibirá su trayectoria en Roca Madrid Gallery (C/ José Abascal, 57). Con más de 30 años de liderazgo en los campos de la arquitectura y el interiorismo, Diego ha liderado creativamente a dos grupos internacionales vanguardista (además del suyo propio) diseñar proyectos en los cinco continentes para los más influyentes operadores hoteleros como: Virgin Hotels, Nobu Hospitality, Taj Hotels & Resorts, Ritz-Carlton, Cirque Du Soleil, W Hotels, Accor, Ikos Resorts, InterContinental Hotels, Hyatt Hotels y Mandarin Oriental, entre otros.

 

Desde el 19 de septiembre “La casa de la Luz” de Simon (Calle de Santa Cruz de Marcenado, 1), el nuevo showroom de la multinacional tecnológica ubicado en el mítico edificio de Fernando Higueras y Antonio Miró, alojará la exposición de Impar Grupo. Simon es un grupo industrial especializado en soluciones tecnológicas de iluminación, control de luz, conectividad y material eléctrico para proyectos contract (retail, hospitality, workplaces) y residenciales. Por su parte, Impar Grupo es una compañía  de soluciones integrales en el sector inmobiliario en las áreas de arquitectura, project y construction management. La muestra se centrará en la rehabilitación y construcción de edificios en el entorno urbano, en los que el respeto por el patrimonio histórico, la innovación y la sostenibilidad son los principales valores en la ejecución del Grupo.

 

Desde el 15 de octubre, Gandia Blasco (C/ Ortega y Gasset, 28) acogerá la exposición del estudio Entreabierto, dirigido por José Antonio Granero, ex decano del COAM. Bajo el título “Arquitectura en compañía”, la muestra estará protagonizada por proyectos colectivos que Entreabierto ha llevado a cabo con otros estudios, ya que, para el arquitecto, “la búsqueda de la excelencia, la defensa del derecho a la belleza y la vinculación del mundo de la cultura y el arte con la actividad económica y la empresa sólo puede hacerse en compañía. Y es que, para Granero, la sensibilidad y el posicionamiento arquitectónico nace de la herencia del movimiento moderno y se sustenta en el equilibrio entre la vanguardia y el respeto por el patrimonio y la arquitectura tradicional, y es lo que esta exposición pretende mostrar.

 

La última cita oficial será la que acogerá el showroom del Barrio de Salamanca Tarimas del Mundo (C/ Velázquez, 95) del estudio de arquitectura y arte MUHER. … Se podrá visitar desde el miércoles 13 de noviembre. Especializados en el sector residencial, sedes corporativas, rehabilitación  y paisajismo, los fundadores de MUHER, con 40 años en el mercado, también son autores de obras de arte que conforman colecciones privadas y galerías en todo el mundo.

 

TECHNOGYM celebra sus 40 años con «Design to Move» la exposición de 40 creaciones por 40 diseñadores

Technogym celebra 40 años de innovación en Milán Design Week 2024 con una exposición especial: “Design to move» donde presentan 40 Technogym Bench, uno de los productos icónicos de la marca para el bienestar en casa, cada uno, diseñado por 40 destacados artistas y diseñadores internacionales. 

 

 

La exhibición explora la especial y profunda relación entre diseño y bienestar, estilo y funcionalidad, lo emocional y lo tangible, elementos que siempre han representado pilares claves para Technogym desde sus inicios. Nerio Alessandri fundó Technogym a los 22 años en el garaje de su familia, fusionando su pasión por la tecnología y el diseño (TECHNO) con su dedicación al ejercicio (GYM). Con el transcurso del tiempo, la marca ha evolucionado de ser una empresa centrada en equipos de fitness a convertirse en un completo ecosistema de estilo de vida wellness y un protagonista en el diseño italiano.

 

 

Utilizando el Technogym Bench como lienzo en blanco, “Design to move» presenta las creaciones únicas de diseñadores como Patricia Urquiola, Antonio Citterio, Nendo, Walter De Silva e Mario Antonioli, Elena Salmistraro, Kelly Hoppen, Michele Bönan, Rolf Sachs, Piero Lissoni, Nerio Alessandri, Tiffany Lovage, Giorgia Apreia, Gustavo Martini, Ludovica Messina, Malika Novi Dzhamaldaeva, Mariana Prestes, Yuetong Shi, Renin Bilginer, Univers Uchronia, Anaïs Coulon, Iwan Suastika, Wilson Ng, Myles Igwebuike, Tosin Tòròmádé, Osiris Hertman, Kate Constantine, Karen Chan, Alek. O., Santo Tolone, Riccardo Beretta, Andrea Sala, Shafei Xia, Objects of Common Interest, Piotr Makowski, Beatrice Alici, Elisa Ceccoli, Maria Violato, Egal Marcelo Zuniga Argandona, Jana Mosconi, Gabriele Carrera, Alberto Bay y Anna Bonomi, para ofrecer una visión e interpretación única del movimiento.

 

 

Este especial proyecto ha sido visualmente planeado y concebido junto con el arquitecto y diseñador, Giulio Cappellini y comisariado por la Directora Artística Bruna Roccasalva, que ha reunido a los 40 artistas y diseñadores de todo el mundo inspirándoles a interpretar el concepto de bienestar a través de sus prismas artísticos y culturales propios. La inauguración, prevista para el lunes 15 de abril, coincidió con las celebraciones del día del Made in Italy, establecido por el Gobierno italiano con motivo del aniversario del nacimiento de Leonardo da Vinci.

 

 

«Como nos enseñó Leonardo, el movimiento es la causa de todas las formas de vida. En los últimos 40 años hemos trabajado cada día para ayudar a las personas a vivir mejor gracias al bienestar. El diseño siempre ha sido un elemento clave de nuestro viaje, un fuerte aliado para convertir lo funcional en emocional y las necesidades en aspiraciones. Estamos orgullosos de que tantos diseñadores y artistas se hayan unido a nuestro sueño de volver a poner el mundo en movimiento» ha declarado Nerio Alessandri, Fundador y CEO de Technogym.

 

 

Una selección de 15 Technogym Bench únicos, se subastará en colaboración con Sotheby’s en septiembre de 2024. Los otros 25 Technogym Bench se podrán adquirir en Technogym.com. Todos los beneficios de la subasta y de la tienda electrónica se donarán a Unicef. 

CRUZCAMPO da la bienvenida a la Feria de Sevilla con una colosal muñeca gitana

Cruzcampo despliega sus acciones en apoyo a la Feria de Sevilla en un año especial para la marca, tras el estreno de su esperada segunda entrega de ‘Con Mucho Acento’. Tras sacudirse el polvo y los clichés en la campaña de Cruzcampo, la gitana de la tele llega ahora a Sevilla convertida en icono y a una escala monumental. Se trata de una figura gigante de 8 metros de alto y 12 de ancho que pretende convertirse en uno de los símbolos de esta edición 2024, tanto para sevillanos como para visitantes que podrán contemplarla y fotografiarse con ella junto al Guadalquivir.

 

La gitana de Cruzcampo estará ubicada en la terraza de la oficina de turismo de Sevilla City Office que da al Paseo de Cristobal Colón, a poca distancia de la Torre del Oro o el Teatro de La Maestranza, hasta el domingo 21 de abril. La orientación de la gitana también está cargada de significado, con la vista dirigida a los puentes que conducen al Real desde el centro de la ciudad, el de San Telmo y el de Los Remedios.

 

El pasado mes de enero, esta misma figura hizo una misteriosa aparición en la Plaza de Callao de Madrid, antes de estrenarse la campaña, generando gran expectación y mucho contenido en redes sociales. Su parada en la Feria de Sevilla ya convertida en icono, será una nueva ocasión para poder disfrutar de su imponente presencia, con su vestido de lunares, obra del jienense Leandro Cano, y bautizada como “Maricruz del Campo” por Ernesto Marín, hijo del fundador de la mítica fábrica de muñecas de Chiclana de la Frontera.

 

“En esta nueva campaña, hemos querido mostrar la parte más actitudinal del acento a través de esta muñeca, presente durante décadas en muchos hogares españoles y que poco a poco cayó en el olvido. Ahora, la presentamos como una ‘gitana’ renovada, poderosa, dispuesta a desprenderse de estereotipos a taconazo limpio”, explica María Ruiz Sanguino, responsable de Cruzcampo.

 

 

1 MILLÓN DE LITROS DE CRUZCAMPO Y PRESENCIA EN EL 99% DE LA CASETAS. La marca ha desplegado, además, otras acciones en apoyo a la Feria de Sevilla a través de una campaña de exterior y de redes sociales diseñada especialmente para la Feria. En las creatividades repartidas por la ciudad se pueden ver imágenes icónicas de la campaña, acompañadas de letras de sevillanas como la versión del popular verso de El Pali transformado en “Sevilla tuvo otra niña y le pusieron Gitana”. La letra de otra sevillana famosa será la que podamos leer en una gran lona de Cruzcampo ubicada en la Avenida Adolfo Suárez, junto a las lanzaderas de autobuses de salida de la Feria, despidiendo a las personas que abandonan el ferial con un “No te vayas todavía, no te vayas por favor”, sobre la icónica imagen de la gitana del spot a la carrera.

Esta Feria Cruzcampo volverá a mostrar su involucración total con los hosteleros y caseteros, estando presente en el 99% de las casetas con un total de 1.950 botelleros, 1.308 instalaciones de barril y 2.200 mostradores. Todo lo necesario para que en esta edición se vuelvan a servir cerca de 1 millón de litros de cerveza, o lo que es lo mismo unas 3.700.000 de cañas de Cruzcampo Especial, Cruzcampo Radler, Cruzcampo 0.0 y Cruzcampo SIN gluten. Entre lo más demandado en las más de 1.000 casetas volverá a estar el cañón de Cruzcampo, el formato en vaso ancho que no ha dejado de ganar popularidad en los últimos años, y que permite con un tiraje natural obtener una caña con sabor y espuma perfectos.

 

 

EL 120 ANIVERSARIO DE CRUZCAMPO EN LA PORTADA 2024. Este año, además, Cruzcampo está de celebración, al cumplirse 120 años de su nacimiento y el Área de Fiestas Mayores del Ayuntamiento de Sevilla ha decidido rendir homenaje a su historia y vinculación con la ciudad dedicándole un hueco como parte de la portada. El logotipo de Cruzcampo con una mención especial al aniversario lucirá en las columnas centrales de cada una de las caras de la portada, compartiendo protagonismo con la conmemoración de los 200 años de la Policía Nacional. Además, la marca formará parte del acto del ‘Alumbrao’ con el que, cada año, arranca oficialmente la Feria de Sevilla.

 

“Estamos enormemente emocionados con este homenaje de la ciudad que nos vio nacer y de una celebración, la Feria de Abril de Sevilla, que expresa como ninguna otra lo que somos, nuestra esencia y carácter, nuestro acento del que estamos tan orgullosos”, explican desde la marca. “Cumplimos 120 años pero tenemos las mismas ganas de, como nuestra gitana, seguir diciendo ‘aquí estoy yo’. Sin duda 2024 es y será siempre un año muy especial para Cruzcampo”, añade.

HOFF se une a Jaime Monge para celebrar el día del arte con un potente sorteo de sus obras

HOFF, marca española de sneakers, celebra el día mundial del arte el 15 de abril de la mano del artista también español Jaime Monge, reconocido por sus obras donde figuras humanas en 3D ocupan el lienzo tras un preciso estudio arquitectónico del espacio.

 

La firma hace de esta alianza un evento internacional para acercar el arte de este joven talento a cada ciudad donde tiene tienda propia en la zona geográfica de Iberia. HOFF lo hace posible a través de un sorteo en el que se podrá participar mediante la compra de uno de sus productos desde el 12 hasta el 21 de abril tanto en España como en Portugal.

 

En estos diez días, el público madrileño podrá adquirirlos en el local con el que la marca cuenta en la calle de Velázquez 39, formando parte automáticamente del sorteo y del que será informado posteriormente si resulta ganador.

 

El resto de tiendas HOFF ubicadas en Barcelona, Valencia, Palma de Mallorca, Bilbao, Sevilla, Málaga, Córdoba, Zaragoza, Valladolid, Vigo, Oviedo, Santander, San Sebastián, Lisboa y Oporto cuentan con la misma fórmula, de manera que la marca española de sneakers refuerza su compromiso con jóvenes talentos artistas al otorgar a verdaderos amantes del arte 16 obras de Jaime Monge.

 

THE WAKE, obra de Jaime Monge que se sortea en cada ciudad

 

Paralelamente, varios cuadros del artista español estarán expuestos durante las mismas fechas en las flagships de HOFF en Madrid, Barcelona y Valencia, aumentando la visibilidad del talento creativo. Además, en la tienda de la capital española, Jaime Monge realizará un live painting en el escaparte el domingo 14 de abril.

 

JAIME MONGE

Arquitecto de profesión, Jaime estudió en Madrid y ha trabajado muchos años en el ámbito de la arquitectura a caballo entre Londres y la capital española. Siempre relacionado con el diseño y la creatividad, se lanzó hace varios años al mundo de la pintura para poder así expresar sus ideas desde un punto de vista distinto.

 

Sus cuadros contienen diseño arquitectónico: proporcionalidad, estabilidad y sencillez. Pero también hay una parte creativa, subjetiva, que le permite transmitir emociones, recuerdos o experiencias.

 

Entre sus hitos más recientes, se encuentra la subasta de su obra El Cuadrado en la gala benéfica Global Gift Foundation celebrada en París el pasado mes de octubre, así como la exposición de sus obras durante dos semanas en el Hotel Santo Mauro de Madrid en el contexto de Arco.

 

 

LA GALERÍA

Por el día mundial del arte, HOFF lanza en su web el 12 de abril una nueva sección en la que se incluyen piezas de marcas y artistas que le inspiran y con los que comparte valores. Objetos de diseño, obras de arte y artículos creativos que completan y elevan el universo de HOFF conforman La Galería, un espacio para amantes del arte, donde estará a la venta uno de los cuadros de Jaime Monge.

NEOLITH se mimetiza con la naturaleza y toma el jardín de Casa Decor 2024

Nos adentramos en un espacio idílico. Sentimos la frescura del ambiente y la humedad, el olor a tierra mojada y el sonido del agua que fluye, a su antojo, por los surcos de las cortezas de los árboles. A través de su espesura verde, profunda y frondosa, una multitud de rayos iluminan intensa y efusivamente la escena, reflejando su luz e invitándonos a disfrutar del momento. Nos mimetizamos con el entorno. Porque la naturaleza es, al fin y al cabo, un mero reflejo de lo que somos.
Así da Neolith la bienvenida este año a los visitantes de Casa Decor 2024. De la mano de SUMMUMSTUDIO, la marca da vida a un espectacular espacio exterior en los jardines del Palacio de la Trinidad denominado “A Reflection of Who We Are”, que se puede visitar del 11 de abril al 26 de mayo de 2024 en el barrio de Salamanca (Madrid).
Una experiencia única a través de un espacio inmersivo
Con este espacio, disruptivo y rotundo, los antiguos jardines del palacete se transforman para renacer en un ambiente natural donde SUMMUMSTUDIO ha buscado mimetizar las superficies de piedra sinterizada de Neolith con el entorno. El visitante descubre un rincón asombroso, donde la luz y el agua evocan el paso del tiempo y nos recuerdan que la naturaleza es un reflejo de lo que somos, así como una fuente permanente de inspiración.
La belleza de la piedra sinterizada de Neolith contribuye a la recreación del ambiente de calma y sosiego natural. SUMMUMSTUDIO se apoya además en exuberantes plantas naturales y utiliza un juego de espejos para acentuar la sensación de conexión con la naturaleza.
El denso suelo del bosque se escenifica mediante los tonos oscuros de las superficies de piedra sinterizada del modelo Amazonico de Neolith que se abre paso, paulatinamente, a tonalidades más claras, en un guiño a la luminosidad gradual que emerge de la copa de los árboles. El antiguo estanque de los jardines del Palacio de la Trinidad cobra una nueva majestuosidad, revestido en piedra sinterizada en tonos grises y claros, con el modelo Layla de Neolith. Un tributo al agua que nos brinda la madre naturaleza.
José María Gimeno, CEO y fundador de SUMMUMSTUDIO, nos explica que «hemos tratado de captar la belleza del entorno natural a través de una piel espejada, para proyectarla en el interior». «Es una instalación convertida en metáfora. El objetivo ha sido crear una experiencia inmersiva en el que el visitante se mimetiza con la naturaleza, y conecta con la esencia de Neolith», añade.
Neolith para una nueva era
Con este espacio de bienestar como metáfora de un bosque que conecta la naturaleza directamente con las superficies de Neolith, denominado “A Reflection of Who We Are” y diseñado por estudio SUMMUMSTUDIO, Neolith escenifica el compromiso y total respeto de la firma por el medio ambiente, gracias a la producción de superficies de piedra sinterizada creadas desde la naturaleza.
Desde sus inicios, Neolith aboga por una belleza sostenible en todas sus colecciones y se posiciona como una de las superficies arquitectónicas más respetuosa con el entorno.
Las materias primas utilizadas en su composición son naturales y cuenta con modelos que contienen hasta un 98% de materias primas recicladas. Neolith no añade cuarzo a su formulación, ni resinas o plásticos, y es 100% reciclable.
Sus procesos de producción son también respetuosos con el medio ambiente, por lo que toda el agua industrial empleada se recicla y el 100% de la energía eléctrica utilizada durante el proceso productivo procede de fuentes con garantía de origen renovable. La empresa también valoriza y recicla más del 96% de los residuos industriales generados, además de haber alcanzado la neutralidad de carbono para sus principales alcances.
En definitiva, Neolith sigue reafirmando su apuesta por la sostenibilidad y el cuidado del medio ambiente y su espacio “A Reflection of Who We Are” de este año para Casa Decor refuerza esta postura, decantándose por un ambiente exterior que da la bienvenida a los visitantes de esta nueva edición de la feria en su estado más natural, que se puede visitar hasta el 26 de mayo en la calle Francisco Silvela, 82.
Puedes seguir las novedades más recientes de Neolith en http://www.neolith.com/es
Fotógrafo: Nacho Uribe Salazar

¡CASA DECOR 2024 abre sus puerta!

La edición Casa Decor 2024 cuenta con dos presencias institucionales con espacio propio en la Exposición: ITA-Italian Trade Agency, a través de la cual el gobierno italiano favorece el desarrollo económico-comercial de las empresas italianas en los mercados extranjeros, y Legado Artesano de Castilla La-Mancha, marca impulsada por la Comunidad de CLM para promocionar la artesanía regional.

 

 

Italia participa por tercer año consecutivo en Casa Decor para difundir la sostenibilidad, la tecnología, el diseño y la tradición de las empresas italianas, y lo hace de la mano del  Jean Porsche, encargado de materializar el proyecto. El arquitecto ha diseñado el despacho «Visconti», un ambiente elegante, lujoso y colorido, para el que ha contado con la tecnología y los muebles, textiles y complementos de veintiún marcas representativas del buen gusto y del inconfundible diseño made in Italy.
«Artesanía: pasado, presente y futuro» se llama el proyecto que el estudio de arquitectura y diseño Romero & Vallejo ha creado para Legado Artesano Castilla-La Mancha. Una propuesta de interiorismo conceptual, cálida y amable, en la cual se han integrado las producciones y piezas únicas de casi una veintena de artesanos y artesanas de esta comunidad autónoma, desde tapiceros y ceramistas hasta carpinteros o metalistas.

 

ZONAS SOCIALES

 

La empresa Tarimatec ha confiado en Adriana Nicolau para el diseño de su espacio: el Restaurante de Casa Decor 2024. Bajo el nombre de «Lanai restaurant & lifestyle»,  la interiorista ha creado un ambiente fresco y natural con muebles funcionales, tejidos suaves, y frisos y artesonados de madera, de Tarimatec. Un escenario único, elegante y contemporáneo, en el cual el visitante de la Exposición tendrá oportunidad de degustar la variada propuesta gastronómica y de altísima calidad de Rosewood Villa Magna, el operador oficial del restaurante.

 

Reservas en el teléfono 639 654 887

o en el correo villamagna. casadecor@rosewoodhotels.com

Inspirándose en el aire decadente del Berlín de los 80, Estudio Sandra Antón, ESs Interiores ha diseñado el Auditorio de Casa Decor 2024: «Berlin Calling», un proyecto que sorprende por la majestuosidad de las piedras naturales, utilizadas tanto en el revestimiento de paredes, como en el mobiliario a medida, y por sus ricos detalles de molduras y cornisas afrancesadas. Un espacio especialmente acondicionado para acoger los más de 100 eventos que están programados, entre conferencias, presentaciones de productos, ruedas de prensa, mesas redondas, etc.

En la entrada a la finca del Palacio de La Trinidad, encontramos el Espacio JYSK, que acoge la taquilla de la Exposición. Aquí, las interioristas de Studio Mo han recreado «Villa Calma», una vivienda mediterránea con aires escandinavos, donde la combinación de muebles de líneas nórdicas, detalles en fibra y textiles neutros y cálidos, todo, de esta firma danesa, contribuye a crear una atmósfera serena y relajada. Desde aquí el visitante podrá empezar el recorrido por los Jardines, para después acceder al Palacete y terminar en el Pabellón de invitados.

En el Palacete se han ubicado dos aseos de uso público. En la primera planta, el equipo de Devesa & Agenjo Interiorismo ha recreado en el Espacio Nais «COCO, stay & relax«, un hotel-boutique organizado en dos ambientes con la cerámica en tonos calmados y naturales como hilo conductor. Terminando el recorrido, en la planta baja, se encuentra el proyecto de Blanca Rosa Gutiérrez «Divina Marquesa», un espacio  en el que se respira grandeza y opulencia gracias a los cortinajes, mármoles y delicadas pinceladas doradas y de color bronce que marcan la decoración.
También se han destinado dos espacios del Pabellón de Invitados para ubicar aseos de uso público. Uno de ellos es «Pausa» (a la izquierda),  de Rober Quiñones-Her, situado junto al Restaurante de Casa Decor 2024. Un espacio de gran riqueza visual en el que detenerse a contemplar cada uno de los detalles que conforman el proyecto. El otro (a la derecha), frente al Auditorio, es el Espacio Impar Grupo,  un diseño de un equipo de arquitectos de Impar, inspirado en la artista textil Anni Albers.
Helena Rubinstein, la exclusiva firma de belleza para la piel, está presente en esta edición con una de sus gamas de productos de tratamiento facial, sensoriales y refinados.
Issey Miyake, la prestigiosa firma japonesa de perfumes de hombre y mujer, serán las fragancias de esta edición  y estarán presentes en distintos espacios de la Exposición.
En esta edición se exponen más de 600 materiales y productos distribuidos en los 46 espacios. Para llegar a toda esa información y que esté al alcance del visitante, del profesional y de los medios especializados, hemos creado una herramienta muy útil: el Panel de Expositores virtual una plataforma en la que cada empresa participante tiene su ficha con la descripción de cada producto o material, así como el espacio donde se encuentra.  Además, el Panel está vinculado con la web de Casa Decor, ya que cada ficha de producto/material está enlazada con el reportaje de cada espacio.
#CasaDecor2024    #PalaciodelaTrinidad #CasaDecorSostenible

El bailaor Eduardo Guerrero a los pies de El Bosco en el museo del Prado

El bailaor y coreógrafo Eduardo Guerrero continúa su exitosa temporada con la puesta en escena de su espectáculo Debajo de los pies, un proyecto inspirado en el cuadro El Jardín de las delicias de El Bosco. Con esta maravillosa obra que se exhibe en el Museo del Prado, Guerrero pinta como en un lienzo los movimientos de este montaje que avanza al ritmo del flamenco.

 

Tradición y vanguardia se entremezclan en este espectáculo que el artista gaditano ha ido perfilando y adaptando desde que se estrenara en el Festival de Jerez en el año 2021. El tríptico de El Jardín de las Delicias es la creación más enigmática del pintor al representar el destino de la humanidad por lo que su puesta en escena también ha conllevado un complejo trabajo creativo. Tanto es así que su escenografía es también un tríptico como el propio cuadro en el cual se proyectan imágenes que suceden en el mismo, como la lujuria, el caos, la armonía, lo carnal, hasta llegar a la Creación del mundo.

En el 550 Aniversario de EL Bosco, el Museo Nacional del Prado ha realizado una colaboración conjunta con Eduardo Guerrero que ha tenido como resultado un video protagonizado por el bailaor en el que se muestra parte de su espectáculo a los pies del famoso cuadro del pintor neerlandés. Disponible aquí

Esta no es la primera incursión de Eduardo Guerrero con el mundo del arte ya lo hizo anteriormente en el Festival de Estrellas del Museo Guggenheim de Nueva York, también junto a la Fundación Teatro Real con quien llevó una exitosa gira por India y Brasil y ha participado con el Museo Aga Khan en Toronto.

 

Sin duda, éste es el proyecto más personal y transgresor de su carrera; “Este espectáculo aboga por la tradición para evolucionar hacia la contemporaneidad. La conexión con el cuadro de El Bosco se debe a que sus figuras están llenas de preocupaciones vitales por las que transitamos. Es el destino de la humanidad. Refleja un amplio mundo donde existe todo lo humano, todo lo carnal, está el cielo, la armonía, pero también existe el caos, el dolor…y viendo todo eso es cuando empecé a fijarme en esos pequeños detalles del cuadro que reflejo en las tablas del escenario”, afirma Guerrero.

 

 

Elegancia y técnica depurada

Guerrero descubrió la danza a la temprana edad de los 6 años. Su talento, fuerza vital, elegancia, giros perfectos y una técnica depurada lo han acompañado a lo largo de su carrera profesional participando en compañías de gran renombre con artistas de la talla de Antonio Canales, Eva Yerbabuena, Aída Gómez o Javier Latorre, entre otros.

Muy ligado al mundo de la moda ha sido imagen de Adolfo Dominguez y ha desfilado para Francis Montesinos o Custo Barcelona. Recientemente, el icónico Corral de la Morería ha acogido su espectáculo Origen en el que ha contado con la colaboración del diseñador Palomo Spain para su vestuario. Definido por la crítica como un artista “geométrico y picassiano” ha sido uno de los primeros bailaores de flamenco en pisar las tablas del Teatro Bolshoi de Moscú. Ha recibido numerosos premios que avalan su profesionalidad y buen hacer impulsando el proyecto renovador de esta disciplina artística por todo el mundo con exitosas actuaciones a nivel nacional e internacional.

Eduardo Guerrero es un artista multidisciplinar con unas formas muy contemporáneas que beben de la tradición del flamenco. El público respalda que sus espectáculos acojan un amplio abanico de posibilidades en los que no pierde de vista las tradiciones pero que tiene como objetivo la búsqueda incesante hacia la evolución.

En su último espectáculo ligado al genial cuadro de El Jardín de las Delicias explora diferentes conceptos en el mundo de la danza para alejarse de los convencionalismos y experimentando nuevas performances dentro de las artes plásticas y visuales.

Tras el éxito reciente de Debajo de los Pies en los Teatros del Canal de Madrid, el bailaor gaditano compagina sus giras con la continua formación y los estrenos de sus obras. Es el momento de este gran bailaor que, con una estética actual, un profundo conocimiento de la esencia del flamenco, su físico y su gran carisma, conmueve y emociona al mismo tiempo, triunfando allá donde baila.

 

AGENDA PROXIMAS ACTUACIONES 

  • 6 de abril, Debajo de los pies, Teatro Victoria Eugenia, Donosti
  • 12 y 13 de abril, Debajo de los pies, Teatro Julio Mario Santo Domingo, Bogotá, Colombia
  • 16 de abril, Desplante, Teatro Nescafé de las Artes, Santiago de Chile
  • 25 de mayo, Bailar no es solo bailar, Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas, Madrid
  • 7 de junio, Faro, Teatro de la Sátira, Sofia,
  • 9 de junio, Faro, Teatro de Festivales y Congresos, Varna, Bulgaria
  • 19 de junio, Jondo del primer llanto del primer beso, Teatro Fernán Gómez, Madrid
  • 24 de junio, Bailar no es solo bailar, Festival Albuquerque, Nuevo México, EEUU
  • 5 de agosto, Desplante, Festival Cante de las Minas, La Unión, Murcia
  • 14 agosto, Jondo del primer llanto del primer beso, Teatro Romano, Sagunto
  • 5 y 6 de octubre, Sombra efímera, Museo Aga Khan, Toronto
  • 16, 17 y 18 octubre, Flamenco Real, Teatro Real, Madrid
  • 14 noviembre, Bailar no es solo bailar, Casa de la Música, Oporto, Portugal
  • 22 noviembre, Bailar no es solo bailar, Casino Estoril, Portugal
  • 23 noviembre, Debajo de los pies, Teatro Buero Vallejo, Alcorcón
  • 30 noviembre, Auditorio Pilar Bardem, Rivas Vaciamadrid

 

LINK VIDEO MUSEO DEL PRADO:

LINK DEL ESPECTÁCULO:

Hauser & Wirth Menorca homenajea la relación de Eduardo Chillida con la isla

izq: Homenaje a la mar IV (Homage to the Sea IV) © Eduardo Chillida. Foto: Stefan Alternburger Photography Zurich.
dcha: Chillida trabajando en su estudio de Menorca. Foto: Hans Spinner.

 

Con motivo del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida y en colaboración con la Sucesión Eduardo Chillida, ‘Chillida en Menorca’ celebra la profunda conexión del artista con la isla a través de una destacada selección de esculturas y obras sobre papel que incluye varias piezas creadas durante sus estancias en Menorca. Con más de sesenta obras creadas a lo largo de medio siglo, desde 1949 hasta el año 2000, la exposición muestra toda la dimensión de la trayectoria del escultor. El concepto de la presentación, diseñado por el arquitecto Luis Laplace con especial atención a materiales locales, amplía el vínculo del artista con la isla y su entorno natural. La exposición se acompaña de un Education Lab desarrollado en colaboración con Chillida Leku y Menorca Preservation a través de Plastic Free Menorca.

Eduardo Chillida (1924 – 2002) es uno de los más destacados escultores españoles del siglo XX, cuya práctica pionera y variada reinterpretó la dialéctica entre materia y vacío, positivo y negativo, espacio interior y exterior. El vínculo de Chillida con Menorca se creó a lo largo de todos los veranos que pasó en la isla desde 1989. En ‘Quatre Vents’, la casa familiar que estableció con su mujer Pilar Belzunce en Alcaufar, creó un estudio al aire libre, donde encontró un espacio tranquilo para trabajar sus esculturas en tierra chamota, rodeado de campos con muros de piedra seca. Fue también en ‘Quatre Vents’, en un estudio con un ventanal con vistas al mar, donde trabajó en muchas de sus ‘gravitaciones’.

En Menorca, Chillida se dejó inspirar por la luz blanca del Mediterráneo, en perfecto contraste con la ‘luz negra’ propia de su País Vasco natal, tal y como él la describía. El artista encontró inspiración en la luz de la isla, las monumentales canteras al aire libre de marés y los monumentos del periodo talayótico, incluyendo los recintos de ‘taula’ en forma de T que inspiraron algunos de sus trabajos y fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2023. «La luz de Menorca es magnífica», afirmó el artista. «Esta isla tiene una historia preciosa, hay toda una cultura de la piedra muy interesante pero la isla también está llena de viento. Así lo he oído decir: Menorca, viento y piedras».

 

izq: Sin título © Eduardo Chillida. Foto: Alex Abril // dcha: Lurra M-13 (Earth M-13) © Eduardo Chillida. Foto: Marc Autenrieth

 

La exposición comienza con una selección de sus ‘Gravitaciones’ de gran formato, obras bidimensionales en papel que exploran las cualidades y limitaciones del espacio. Estos delicados trabajos en blanco y negro son el resultado de la superposición de capas de papel unidas por hilos y suspendidas para dejar circular el aire entre ellas. Junto estas obras, se presenta ’Mural G-56’ (1985), una pieza de gran escala que utiliza elementos gráficos en negro para continuar la misma exploración entre espacio positivo y negativo. En palabras de Chillida, ‘en la mayoría de mis esculturas se alternan lo positivo y lo negativo. Cada uno es de algún modo recíproco, disidente del otro’.

‘Chillida en Menorca’ muestra también una serie de las conocidas esculturas de acero y relieves de madera que enfatizan su interés por hacer visible el espacio a través de las formas que que lo rodean. Chillida, que empezó los estudios de arquitectura, exploró a lo largo de su carrera conceptos como el límite, el espacio y la medida. ‘Proyecto para un monumento’ (1969) es un juego de escalas que enlaza con muchos de los monumentos públicos del artista. Su espacio interior se configura a través de tres bloques sólidos que encajan entre sí. En otras obras, elementos totémicos de una íntima escala humana continúan enfatizando la interacción entre las formas sólidas y el espacio negativo.

A lo largo de la exposición, una selección de obras se presenta sobre plintos hechos de marés, la arenisca utilizada para construir el edificio del siglo XVIII que alberga la galería. El concepto de la presentación ha sido desarrollado por el arquitecto Luis Laplace, que dirigió la restauración de Hauser & Wirth Menorca y el reacondicionamiento de Chillida Leku —el museo creado por Eduardo Chillida durante su vida— y que sitúa las piezas de arte en diálogo con el paisaje circundante y la arquitectura del espacio.

Junto con la materia, el propio acto de crear fue un concepto crucial en el trabajo de Chillida. La mano fue el tema más cercano del artista y su herramienta más inmediata para trabajar de forma gráfica o escultórica —representaba todo lo hecho a mano. Un tema recurrente en su obra, una serie de dibujos presenta estudios de manos, en las que encontró un elemento vivo donde investigar el espacio a través del movimiento de los dedos, que se abren y se cierran en un intento de atrapar lo que los rodea. Rechazando la utilización de moldes, Chillida resaltó la irregularidad material de las obras creadas en manipulación directa con sus manos, como las esculturas en tierra chamota.

 

izq: Lotura XXVII (Bond XXVII) © Eduardo Chillida. Foto: Íñigo Santiago
dcha: Óxido G-78 (Oxide G-78) © Eduardo Chillida. Foto: Stefan Alternburger Photography Zurich

 

En Menorca, Chillida modeló muchas de sus ‘Lurra’ – una serie de esculturas llamada así por la palabra ‘tierra’ en euskera. Están hechas en tierra chamota, un tipo de arcilla que puede cocerse en grandes bloques sin resquebrajarse. Chillida se sintió atraído por esta propiedad del material y exploró sus infinitas posibilidades de forma que permitía. En trabajos como ‘Lurra M-32’ (1996), las finas incisiones revelan patrones de líneas rectas y circulares. En otras piezas como ‘Lurra M-13’ (1995), las incisiones penetran de tal manera que revelan el espacio interior, transmitiendo una sensación de liviandad. Los títulos de las obras conectan su lugar de origen: aquellas con una ‘M’ en el título están entre las que hizo en el estudio de Menorca, mientras que las que tienen una ‘G’ fueron hechas en Grasse, en el sur de Francia, donde Chillida se familiarizó con el material.

También hecha de tierra chamota está la serie ‘Óxidos’, con obras de color y textura distintivos debido al uso de óxido de cobre negro y un doble proceso de cocción. ‘Óxido G-78’ (1985) presenta motivos geométricos abstractos, similares a los realizados en sus dibujos en tinta y en ‘Mural G-56’. En esta pieza, se dibujan en ambas caras, invitando al espectador a experimentar la sensación espacial creada con la obra.

 

La parte final de la exposición pone de relieve la pasión del artista por los fenómenos naturales. Desde sus inicios, Chillida incorporó las formas orgánicas a sus obras sobre papel y esculturas en acero, y enfatizó las cualidades naturales de los materiales con los que trabajaba como el granito, el alabastro o el fieltro, entre otros. Un ejemplo de esto es la pieza en granito ‘Escuchando a la piedra III’ (1996), en la que el artista retiró tan solo lo justo para revelar la forma y enfatizar la impenetrabilidad de la piedra. Igualmente, explorando la versatilidad del acero, la escultura ‘Lotura XXVII’ (1992) (nudo o unión en euskera) está compuesta de piezas longitudinales creadas en la fragua, sin moldes, y manipuladas para abrirse y envolverse en sí mismas, habitando pausadamente el espacio con una calidad arbórea.

Habiendo crecido junto al océano Atlántico, Chillida recordaba pasar horas contemplando las olas y se refería al mar como su maestro. ‘Homenaje a la mar IV’ (1998), de la serie de piezas que Chillida dedicó a personajes o fenómenos que le inspiraron, evoca la escarpada costa cantábrica a través de formas geométricas talladas en alabastro en contraste con una base de piedra en bruto. En diálogo con esta escultura se encuentra ‘Homenajea la arquitectura II’ (2000), una referencia a la exploración constante de Chillida sobre las formas —ya fueran orgánicas o arquitectónicas— y su estructuración en el espacio.

Ubicado en diálogo con el mar Mediterráneo encontramos ‘Proyecto Peine del viento I’ (1966). Este estudio forma parte de la serie más importante del artista, que culmina con la instalación de tres esculturas de acero colosales en la costa de San Sebastián, un trabajo que fusiona materiales, tierra, mar y aire. Con sus brazos tentaculares abrazando el dinamismo de los elementos, la obra es una invitación a mirar.

INMA CASTREJÓN la sensación de la moda flamenca para la FERIA DE ABRIL 2024

Inma Castrejón, diseñadora de moda, estudió distintas facetas del sector, desde el Diseño y Gestión de Empresas de la Moda en CEADE, hasta el  Patronaje Industrial en GOYMAR, sin olvidar la parte artística que se perfecciona en la Escuela de Arte de Sevilla con Diseño Gráfico.

 

Tras este arranque en moda, sus líneas creativas de novia, flamenca y ceremonia han ido sucediéndose a lo largo de estos años. Y le han ido llevando por distintas pasarelas y lugares del mundo, invitada como jurado y exponente por China y Kazajistán en el plano internacional.

 

En España han podido verse sus creaciones en pasarelas como SIQ Costura Andaluza, la Pasarela Flamenca Jerez o la Pasarela Flamenca Jerez, donde este año verá la luz su nueva colección de trajes de flamenca, Sueños de Goya, inspiradas en el Padre del Arte Contemporáneo.

 

Debido a la referencia creativa, las propuestas serán un tanto costumbristas, llenas de detalles, fiel reflejo, por tanto, de la artesanía y, también, característica definitoria de la propia moda flamenca.

 

Los tejidos y materiales empleados en la colección van desde los encajes y transparencias, hasta la pasamanería y tiras bordadas.

 

En cuanto a los colores, más negro que nunca, más burdeos y menos rojo y fucsia. Tonos graves y potentes para una colección inspirada en Goya.

 

¿Cuándo fundas la marca?

La marca oficialmente surge en 2009 a partir de mi primera incursión en Simof, aunque anteriormente ya llevaba trabajando en moda desde hacia años.

 

 

¿Cómo definirías tu estilo?

Mi sello se define como un estilo atrevido pero elegante, sugerente, muy femenino, para un agujero con personalidad y carácter.

 

 

¿Cómo ves la evolución de la moda flamenca?

La moda flamenca ha evolucionado de forma paralela a la moda en general, es el único traje regional que se adapta a los dictados de las tendencias de la industria de la moda.

 

 

¿Como se presenta la Feria de Abril 2024?

Está feria de Abril tiene una muy buenas previsiones. En el caso de mi firma, la colección Secretos de Goya ha sido un rotundo éxito. Tanto en trajes de flamenca como en vestidos de estilo flamenco para asistir a la feria arregladas y de feria pero con un aire más liviano.

 

ROCA BARCELONA GALLERY acoge la sesión inaugural de la 15ª edición de MUTEK Barcelona

El festival MUTEK Barcelona, orientado a la promoción de la música electrónica y las artes digitales, celebrará del 9 al 13 de abril su edición número 15. Fiel a su afán descubridor, el festival no solo visibiliza el trabajo de reconocidos artistas nacionales e internacionales, sino que también da a conocer nuevos talentos a través de un completo programa de shows en directo e instalaciones artísticas.

 

Esta apuesta por la creatividad, la innovación, el diseño y la conectividad también es compartida por Roca.  Por ello, un año más, Roca Barcelona Gallery volverá a ser una de las localizaciones clave para MUTEK en la ciudad. El espacio acogerá el próximo miércoles 10 de abril la jornada inaugural del festival, que contará con los artistas quebequenses Martin Messier y DATUM CUT. Ambos son también protagonistas del ciclo conjunto ‘Sculpted with Light & Sound’, que este año se celebra por quinta vez consecutiva para volver a vincular dos elementos, la luz y el sonido, a través de una propuesta que combina instalación artística y show en directo

 

 

El evento supondrá para Martin Messier (con más de quince años de experiencia creando obras que fusionan sonidos, objetos e imágenes) la oportunidad de presentar en España su proyecto Impulse, una analogía poética con un giro tecnológico del funcionamiento del cerebro. Se trata de una obra capaz de ejercer un efecto electrizante en el espectador, permitiéndole acercarse un poco más a la esencia de los sentidos.

 

Por su parte, DATUM CUT presentará su performance audiovisual Inex.materia, una obra etérea que celebra la efeméride, impermanencia y obsolescencia de nuestros cuerpos y las tecnologías, y que busca establecer relaciones entre medios obsoletos y tecnologías contemporáneas en busca de nuevas posibilidades estéticas. Será la primera vez que este artista, radicado en Montreal y ganador de diversos premios como director y compositor, presente un show en España, gracias al apoyo del Bureau du Québec Barcelona.

 

La jornada inaugural se dividirá en dos partes. La primera, privada, tendrá lugar de 18:00 a 20:00 horas. Se trata de un encuentro de networking, ‘MUTEX Match – Meet the professionals’, diseñado para conectar a los directores y programadores del festival con socios, promotores, curadores, instituciones y colectivos de todo el mundo. A continuación, los artistas presentarán sus obras de manera abierta al público.

 

Programa:

20:00h Welcome

20:20h Charla Mutek 15º aniversario

20:30h Presentación obra Martin Messier

21:00h Actuación Datum Cut

 

Reserva de entradas: https://www.rocabarcelonagallery.com/events/15_Aniversario_MUTEK

 

Horario de visitas a la instalación artística:

Jueves 11/04 de 9.00 h a 19.00 h

Viernes 12/04 de 9.00 h a 19.00 h