CentroCentro dedica una exposición a la historia del baile en Madrid

El pasado 29 de septiembre abrió al público Madrid desde el baile, en la planta 5 de CentroCentro, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid. Una exposición comisariada por Massimiliano Casu que recorre la vinculación entre el baile y la ciudad de Madrid desde la prehistoria hasta nuestros días. A lo largo de los meses de exposición, CentroCentro organizará un programa público gratuito de actividades dirigido por el comisario, con visitas guiadasconferenciasperformanceactivaciones y charangas. Toda la información, fechas y procesos de inscripción están publicadas en la web centrocentro.org.

A través de fotografías, audiovisuales, publicaciones, materiales de archivo, instalaciones, instrumentos musicales, incluso una pista de baile, la muestra propone, “un paseo zigzagueante por siglos de producción cultural y política, una mirada sobre una ciudad que se ha construido a paso de pavanas, zarabandas, chotis, rigodones, himnos techneros y reguetones”, explica el comisario. “Una historia apócrifa de la ciudad, hecha por gente común y relatos ordinarios, pero tan determinante para nuestras vidas como la historia oficial”.

Gracias al diseño expositivo, a cargo de Casa Antillón, la planta 5 de CentroCentro se convierte en una calle más de la ciudad proponiendo un camino que arranca con una reproducción de la pintura rupestre del panel 1 de la Cueva de los Aljibes, en Manzanares el Real, la pintura más antigua conservada en la Comunidad de Madrid y que representa, según la hipótesis, una escena de baile ritual. Tras abordar la universalidad del baile, también el de plantas, animales y autómatas, el camino continúa por algunos de los lugares que en últimos 500 años no sólo han sido epicentros del ocio popular, sino verdaderos laboratorios donde se ha cocinado la política y la cultura.

Así, el visitante se puede acercar a las calles donde en el XIX sonaban las canciones de moda tocadas por los organillos del taller de Apruzzese, a los Campos Elíseos de Madrid o las noches de baile en Jardín Paraíso; a los alrededores de la Ermita de San Antonio de la FloridaVirgen del Puerto, el Manzanares y la Pradera de San Isidro; o a salones de la nobleza y del proletariado, discotecas, clubes, afters y antros de la picardía, de la frivolidad y de las disidencias contemporáneas.

La exposición aborda el baile desde diferentes perspectivas, convertidas en secciones. El baile como campo de batalla, como territorio de controversia, siempre objeto de la atención de mentalidades o medidas represoras y estigmatizantes que lo han vinculado a la peligrosidad social. Una sección que reúne historias desde el siglo XVI hasta la actualidad. El baile como herramienta para reproducir el orden constituido o subvertirlo completamente, con ejemplos de su rol en procesos de construcción comunitaria y en las luchas civiles y contraculturales. El baile como modelo de auto-organización, capaz de activar la construcción de comunidades y redes de colaboración, de resolver conflictos e impulsar acuerdos.

Asimismo, El baile como herramienta de producción del espacio público, una sección que reúne ejemplos de la capacidad de exploración, deriva, construcción y ocupación creativa del territorio urbano propia de las comunidades de baile en calles, plazas, jardines, merenderos, descampados. Un apartado está dedicado a las infraestructuras para el baile, salones, salas, discotecas, clubes, antros, y las posibles asociaciones de cada una con los distintos tejidos sociales de la ciudad. Y, por último, el baile como laboratorio creativo, como fuerza creadora de mundos donde se construyen nuevas maneras de relacionarnos, nuevos imaginarios estéticos e iconográficos.

El jardín público de Madrid llamado «El Paraíso». Rafael Botella y Coloma

 

Massimiliano Casu, comisario de la exposición
Madrid desde el baile está comisariada por Massimiliano Casu, creador y productor cultural originario de Cerdeña (Italia), afincado en Madrid desde 2006. Aquí ha desarrollado gran parte de su trayectoria artística y su interés por el uso de la música, del arte sonoro y de las prácticas performáticas colectivas como instrumentos para la activación de la participación ciudadana. Su trabajo se centra en investigar los procesos de producción colectiva del espacio social urbano, enfocándose principalmente en el repertorio de los rituales musicales populares, sean estos fiestas rave, verbenas de barrio o quedadas de jóvenes en los espacios públicos. Ha publicado textos y artículos sobre la producción social del espacio urbano a través de la fiesta y ha sido promotor de un sinfín de fiestas-happening en colaboración con las principales instituciones culturales madrileñas y estatales. Desde 2018 es director de Ciudad Bailar, un festival que investiga la relación entre baile y vida urbana en Madrid, realizado en colaboración con Intermediae-Matadero Madrid.

La Fundación MOP anuncia su tercera exposición de fotografía de moda en A Coruña

La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) convertirá este otoño su espacio expositivo en el Puerto de A Coruña en escenario de una gran exposición dedicada a la vida y la obra del legendario fotógrafo germano-australiano Helmut Newton (1920-2004). Helmut Newton – Fact & Fiction podrá visitarse del 18 de noviembre de 2023 al 1 de mayo de 2024.

 

Siguiendo la estela de las muestras dedicadas a Peter Lindbergh y Steven Meisel, Helmut Newton – Fact & Fiction es la tercera exposición promovida por la Fundación MOP. Esta nueva muestra es un proyecto impulsado en estrecha colaboración con la Fundación Helmut Newton y comisariado por Philippe Garner, reconocido experto en fotografía; Matthias Harder, Vicepresidente de la Fundación Helmut Newton, y Tim Jefferies, director de la Galería Hamiltons.

 

A lo largo de sus seis décadas de carrera, Helmut Newton llegó a ser considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo. Prolífico creador de imágenes y auténtico visionario, sigue ejerciendo hoy en día una gran influencia en la fotografía moderna y en las artes visuales.

 

Junto a su obra, la exposición descubrirá también la faceta personal del artista a través de una serie de vídeos que muestran a Newton trabajando y conversando; de imágenes personales que ofrecen una visión de su infancia, su carrera y su relación con su esposa June y de otros documentos como carteles, cámaras y equipos, accesorios, objetos curiosos y recuerdos.

 

La selección de fotografías de moda y lifestyle que conforma la exposición es una buena muestra del lenguaje visual audaz, empoderador y sin complejos característico de Newton, incluidos sus icónicos “grandes desnudos” y los inolvidables retratos de personajes excepcionales como Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Perretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent y Karl Lagerfeld.

 

Como contrapunto a sus imágenes más icónicas, la exposición incluirá además ejemplos de “paisajes” menos conocidos de Newton: imágenes muy evocadoras de los lugares que influyeron en su obra como París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas y que también son un reflejo de la atmósfera especial del emplazamiento de la muestra en A Coruña.

 

En palabras de Marta Ortega Pérez: «Helmut Newton forma parte de ese grupo estelar de fotógrafos cuyas imágenes se reconocen al instante. Su gran acto revolucionario fue cambiar por completo la forma en que las mujeres eran retratadas en las páginas de las cabeceras de moda. Ahora eran las mujeres quienes disfrutaban del diseño y la moda, del poder y el esplendor de sus cuerpos; mujeres elegantemente seductoras e intocables. Sus fotografías iban más allá de su época y estaban muy adelantadas a su tiempo: sentó las bases para los fotógrafos que le siguieron de una manera extraordinaria.

 

Trabajar con fotógrafos cuya obra admiro desde hace mucho tiempo es un gran privilegio. Lo hago no sólo con la ambición de enriquecer la vida cultural de A Coruña, sino también con la ilusión de que las futuras generaciones de artistas visuales que visiten las exposiciones encuentren su propia inspiración en la obra de estos influyentes artistas».

 

La actividad de la Fundación Marta Ortega Pérez está estructurada sobre tres pilares: la moda, la fotografía y A Coruña. La exposición inaugural de la Fundación, Peter Lindbergh: Untold Stories (2021), atrajo a más de 100.000 visitantes. Su segunda exposición, Steven Meisel 1993 A Year in Photographs (2022), repitió el éxito de la primera registrando más de 130.000 visitas.

 

La entrada a las exposiciones promovidas por la Fundación MOP es libre. Los beneficios generados por la venta de merchandising han permitido la creación del programa ‘Future Stories’, destinado al apoyo a jóvenes creadores en el inicio de su carrera artística. La Fundación MOP dispone, además, de un programa educativo dirigido por artistas que gira en torno a sus exposiciones y que pretende llevar la figura de estos grandes fotógrafos a las aulas gallegas e impulsar así un conocimiento profundo de su obra. En la edición 2022/2023 del programa participaron 9.000 escolares y 300 profesores de 93 centros educativos de toda Galicia.

Hubertus Hohenlohe expone «FAMA Everybody» en la Fundación Cajasol de Sevilla

La Fundación Cajasol ha inaugurado la exposición «FAMA Everybody. Hubertus Von Hohenlohe». El acto ha contado con la presencia del presidente de la Fundación Cajasol, Antonio Pulido, el comisario de la exposición, Sema D’Acosta, y el autor de las obras, Hubertus Von Hohenlohe.

El presidente de la Fundación Cajasol ha sido el encargado de inaugurar el acto: “tenemos el placer de exhibir aquí en nuestra sede de Sevilla una colección que recoge lo mejor del trabajo fotográfico de Hubertus Von Hohenlohe, un creador polifacético, cosmopolita y muy vinculado a nuestra tierra, al igual que su familia.  Se trata, como pueden comprobar, de un trabajo de gran impacto visual y claras referencias al Pop Art y a la actual cultura del selfie, la versión más moderna del recurso al autorretrato”.

Tal y como ha explicado Antonio Pulido, se trata de una propuesta que abre paso ya a la tradicional programación de otoño, cargada de novedades, después de un verano todavía presente en el que las actividades culturales y de ocio de la Entidad han vuelto a ser protagonistas de las vacaciones en toda Andalucía.

Por su parte, el comisario, Sema D’Acosta, ha explicado las conexiones de la muestra que hoy se presenta con el mundo actual: “Si nos detenemos a pensar sobre el significado de la obra de Hubertus hoy, podemos encontrar claves en relación con el mundo del siglo XXI, su trabajo funciona como una radiografía de la sociedad actual y la ciudad contemporánea, tiene que ver con el avance de la digitalización, los teléfonos móviles y las redes sociales. Si analizamos más allá, su obra nos hace pensar sobre cómo ha cambiado nuestra sociedad. Por ejemplo: Selfie es una palabra ahora común, habitual, TODOS SABEMOS SU SIGNIFICADO… pero no empezó a popularizarse hasta hace una década. De hecho, fue la palabra del año para el Diccionario Oxford en 2013. Antes de 2010, poca gente la usaba. La obra de Hubertus es precisamente un precedente de mucho interés de este fenómeno global”. Además, ha añadido: “el selfie nos habla de narcisismo, de individualidad, pero también de un lugar (nos hacemos selfies para constatar que hemos estado en un determinado lugar). Un selfie es una reafirmación de uno mismo en un sitio concreto, tal como hace Hubertus, el selfie funciona casi como una performance.»

Por último, el autor ha querido agradecer a la ciudad de Sevilla por su acogida en esta inauguración y ha confesado que “durante un mes y medio seré un privilegiado, pues seré embajador, a través de mi propia mirada, de acercar, a través de mis fotografías, todas las personas que he conocido y lugares en los que he estado”.

Tal y como explicó Hubertus, “empecé a tomarme en serio la fotografía a los cuarenta años. Antes, hacía fotos analógicas, pero perdía los carretes, no llevaba los negativos al laboratorio, no encontraba cómo ampliarlos luego… era todo demasiado lento. De repente, en la Nochebuena del año 2000 mi padre me regaló una cámara digital. Ahí descubro que a través de la pantalla trasera puedo ver de forma instantánea la toma, y eso para mí fue un antes y un después, me enganchó. Sencillamente, porque podía ver sobre la marcha qué hacía bien y qué debía mejorar en cada disparo”.

«FAMA Everybody. Hubertus Von Hohenlohe» está compuesta por un total de 49 fotografías en las que el visitante podrá disfrutar de su característico estilo pop art y sus autorretratos a los muchos famosos que han rodeado al aristócrata y su personal visión de diferentes ciudades del mundo, entre ellas Sevilla o Málaga. Esta colección, de una potencia visual arrolladora, es también un recopilatorio de algunas de las características de nuestro tiempo marcado por la tecnología, como el narcisismo, la velocidad o la autocomplacencia.

La exposición estará abierta al público hasta el 14 de octubre, en horario de 11 a 14 y de 18 a 21h, de lunes a sábados. Domingos y festivos permanecerá cerrada. La entrada es libre hasta completar el aforo.

HISBALIT sorprenderá en la 40ª edición de Cersaie con su primera colección de diseños con mosaico rectangular

Hisbalit, firma española líder en diseño y fabricación de mosaico de vidrio ecológico, participará un año más en Cersaie, la gran cita internacional del sector, que este año está de aniversario. La 40 º edición del salón de cerámica más influyente del mundo se celebrará en Bolonia, del 25 al 29 de septiembre, y abordará el desafío de la innovación junto a la sostenibilidad.

 

Una de las sorpresas de la compañía cántabra en Cersaie 2023 será su stand, ubicado en el HALL 22, STAND A2 en donde nos mostrará la versatilidad y elegancia del material, a través de un concepto creativo relacionado con la artesanía. Un espacio de 32m2 en donde presentarán su primera colección de diseños con mosaico rectangular que saldrá al mercado en 2024. Además, mostrarán los colores, formatos y texturas que marcarán la tendencia en mosaico durante el próximo año.

 

Durante los cinco días de la feria, Hisbalit dará a conocer su innovador catálogo de mosaico ecológico a fabricantes, distribuidores, arquitectos, diseñadores de interiores y profesionales del sector de los cinco continentes. Tendrá protagonismo su recién estrenada colección Petite, que destaca por sus patrones artesanos minimalistas personalizables, además de su singular servicio de customización, con el que es posible crear diseños de autor.

 

Hisbalit en la pasada edición

En la pasada edición, Hisbalit exhibió sus propuestas para el 2023 en un stand inspirado en la tierra.  Un oasis de paz y diseño, en tonos cálidos protagonizado por una alfombra de mosaico de más de 80m2 “hecha a medida”.  Como si de una obra de arte se tratase, se elaboró de manera artesanal con el servicio de personalización de Art Factory Hisbalit. Más de 70.800 teselas, colocadas a mano una a una para lograr un pavimento “prêt-à-porter”.

 

Cersaie 2023

El reconocido evento se celebrará en el recinto ferial Bologna Fiere, ocupando 15 pabellones, con una superficie total de 145.000 m2. En sus cinco días de exposición, más de 630 empresas líderes del sector de más de 26 países mostrarán las nuevas tendencias del sector ligadas a la artesanía y eco sostenibilidad. Participarán más de 140 empresas españolas.

 

El itinerario expositivo contará con cinco espacios diferenciados en su 40 aniversario. El primero de ellos, en el Centro de Servicios, otro en la Galería 21/22, dos en la Galería 25/25 y el último en el Mall del Pabellón 37. Cada una de las áreas mostrará los productos y personalidades clave de la de época, acompañado de música. 

 

También se celebrará nuevamente el programa cultural “Construir, Habitar, Pensar” y los “18 Press Cafés” con nombres destacados en el mundo de la arquitectura contemporánea.  Una de las novedades de este año estará relacionada con la colocación de azulejos. Seis jóvenes colocadores, de entre 17 y 23 años, participarán en un desafío utilizando azulejos de varios tamaños.

 

La Fundación Ses Dotze Naus transforma Ibiza en un lugar de creación de arte contemporáneo

La Fundación Ses Dotze Naus (Ses12naus) impulsa las residencias artísticas en Ibiza, en esta ocasión de la mano de los artistas Nina Beier y Simon Dybbroe Møller, quienes han permanecido en la isla entre los meses de abril y julio de este año para explorar la interacción entre la naturaleza y la artificialidad de la isla.

Frente a la estacionalidad vacacional que caracteriza a Ibiza, cada vez más personas convierten este espacio en su lugar de residencias habitual, conscientes de la gran cantidad de oportunidades que les brinda Ibiza. “La isla siempre ha sido acogedora y nos gustaría extender esa bienvenida transformando Ibiza en un emplazamiento que también sea reconocido por lugareños y turistas como u espacio para disfrutar de la cultura y las artes”, declara Ángeles Ferragut, fundadora y presidenta de Ses12naus.

Las residencias artísticas, una herramienta para dinamizar el tejido cultural

Esta fundación comenzó en 2016 como un programa bienal de residencias en una finca del interior de la isla con el objetivo de aportar ideas y generar valor social y cultural. En 2022, fruto de su apuesta por la cultura como motor de cambio, Ses12naus se constituyó como fundación sin ánimo de lucro para iniciar una nueva etapa impulsando diversas líneas de trabajo: fomentar y desarrollar la cultura contemporánea en Ibiza, impulsando residencias de artistas, exposiciones y programas públicos para contribuir a que la isla sea un lugar de creación, producción y disfrute del arte contemporáneo.

Dirigida por Ángeles Ferragut y fundada junto a su marido Simon Southwood, cuenta con la asesoría de la artista Cristina de Middel y el comisario y crítico de arte Fernando Gómez de la Cuesta. La misión de la Fundación es fomentar la creación contemporánea internacional en la isla de Ibiza invitando a artistas y pensadores a dialogar con ella y generar nuevas narrativas contemporáneas, alimentando así perspectivas inéditas y pensamiento crítico en residentes y visitantes.

Con una clara vocación internacional, la Fundación reúne personas de distintas edades, registros artísticos y backgrounds.

PROTEIN, fruto de la residencia de los artistas Nina Beier y Simon Dybbroe Moller
Fruto de su estancia en la isla a lo largo de varios meses, los artistas daneses Nina Beire y Simon Dybbroe Moller han desarrollado PROTEIN. Comisariada por Elise Lammer, esta nueva muestra site-specific estará abierta al público hasta el 21 de octubre en La Carpintería, un recientemente reconvertido espacio de producción y exhibición ubicado en Can Bufí —un área industrial a las afueras de la ciudad de Ibiza— donde se celebrarán exposiciones y actividades impulsadas desde Ses12naus. Este singular lugar contrasta con otras zonas urbanizadas de la isla, ofreciendo un ambiente funcional y auténtico.

PROTEIN se compone de una serie de elementos cautivadores que desafían las convenciones artísticas tradicionales. La exhibición cuenta con 500 insectos solaresdistribuidos estratégicamente por todo el espacio. Estas diminutas criaturas, equipadas con paneles solares en su dorso, cobran vida únicamente cuando son alcanzadas por la luz solar directa. “La presencia de estos seres en La Carpintería, un espacio impecable y pulcro, despierta una visión intrigante de cómo la arquitectura contemporánea podría evolucionar después de una extinción masiva, con los insectos reclamando el espacio diseñado originalmente para mantenerlos alejados”, expresa Elise Lammer, comisaria de la exposición.

Otro componente destacado de PROTEIN es una serie de retratos fotográficos enmarcados de agentes inmobiliarios que se exhiben a la altura de la vista y que fusionan elementos de la pintura de retratos clásica con el estilo de las fotografías corporativas. Si bien cada individuo retratado posee características faciales únicas, al prescindir de su identidad, se convierten en una serie de individuos genéricos e intercambiables. La combinación entre los insectos robóticos y los retratos crea un ambiente de misterio y reflexión que se ve reforzado por la ausencia de luz artificial en el espacio de la exposición. “Esta muestra revela cómo los agentes inmobiliarios se ven obligados a ceder ciertos aspectos de su identidad, como su nombre y su historia personal, a cambio de los rasgos superficiales asociados con la profesión”, explica la artista Nina Beier.

Además, con un cartel que consigue fusionar bichos, cultura de club e inmobiliaria, PROTEIN no solo aborda cuestiones estéticas y artísticas, sino que también plantea una profunda reflexión sobre la identidad de Ibiza. “Esta combinación inusual desafía las expectativas y plantea preguntas sobre cómo los diferentes aspectos de nuestra sociedad pueden coexistir y entrelazarse”, expresa el artista Simon Dybbroe Møller.

Protein es una experiencia artística y sensorial única que desafía los límites convencionales de la estética e invita a reflexionar sobre temas como la escultura, la fotografía, la vivienda, el entretenimiento, los productos básicos, la sostenibilidad y la relación entre elementos artificiales y naturales.

Huguet exporta el talento mallorquín al mundo presentando nuevas colecciones y proyectos internacionales

La firma de baldosas hidráulicas, cemento y terrazzo Huguet ha presentado hoy las últimas colecciones y proyectos recientes, en el transcurso de la tradicional fiesta de verano que inaugura la exposición que organiza en su sede de Campos, Mallorca.

Este año, las novedades en cuanto al catálogo se centran en dos colecciones, fruto de colaboraciones con reconocidos estudios internacionales. Por un lado, Pentagram, una de las agencias de diseño más importantes del mundo, ha trabajado con Huguet para crear una colección única de baldosas y objetos.

La otra colaboración destacada es la que se ha llevado a cabo con el prestigioso estudio de arquitectura londinense Sergison Bates, con quienes se ha creado la colección hanstile, una gama de baldosas de cemento que ofrece un diseño flexible y discreto para suelos, paredes e incluso techos.

Además de las novedades en producto, a la exposición de Huguet se pueden ver presentaciones de los proyectos más recientes o que se encuentran en fase de realización, como es el caso de las colaboraciones con arquitectas de prestigio internacional como David Chipperfield o los franceses Lacaton & Vassal. También se pueden ver las propuestas que se han trabajado con arquitectos y diseñadores, tan emergentes como consolidados, como por ejemplo MVRDV, TEd’A, Cierto, Teklan, Isabel Lopez-Vilalta, Wingardhs, Juan Herreros, Alfredo Häberli o Laura González.

La exposición se presentó dentro de la ya tradicional fiesta de verano bianual que Huguet organiza en la sede de la fábrica de Campos, Mallorca. Entre los asistentes destacan diseñadores internacionales como los socios de Pentagram Yuri Suzuki y Matt Willey o la diseñadora Tekla Evelina Severin, así como el estudio de arquitectura Sergison Bates y los Premios Nacionales Carme Pinós o Lluís Clotet. Entre los arquitectos destacados han acudido a la cita Belén Moneo, Juan Herreros, Josep Lluís Mateo, Josep Ferrando, Esteve Bonell, Carles Oliver o los estudios Aulets, Ripoll-Tizón o Ted’A. Al encuentro ha asistido también la ex-presidenta de las Illes Balears Francina Armengol, així como una nutrida representación de la sociedad civil mallorquina.

Desde una fábrica pequeña, en un pueblo pequeño de una isla, la firma Huguet ha conseguido lograr un gran hito: la proyección internacional de un producto de alta artesanía que recupera los materiales y la producción tradicionales, trabajados bajo el prisma del diseño contemporáneo y la innovación. Actualmente, sus diseños se pueden ver en proyectos de ciudades como por ejemplo Nueva York, Milán, Londres, Hong Kong o Seúl.

La exposición estará abierta al público desde lunes 14 hasta el próximo viernes 25 de agosto (los días laborables) en la fábrica de Campos. Los interesados podrán visitarla de las 9h a las 14h.

HAUSER & WIRTH Menorca inaugura la primera exposición individual de CHRISTINA QUARLES en España

Hauser & Wirth Menorca ha inaugurado Come In From An Endless Place, la primera exposición en España de Christina Quarles. La artista afincada en Los Ángeles presenta nuevas pinturas y obras sobre papel coincidiendo con una gran muestra en la Hamburger Bahnhof de Berlín y dando continuación a su participación en la aclamada exposición del año pasado en la Bienal de Venecia, The Milk of Dreams.
Los lienzos y dibujos de Quarles, elogiados por la crítica, muestran cuerpos fragmentados y polimorfos que se mezclan en ricos patrones texturales —un enfoque singular en la figuración muy característico en la retórica visual de la artista y en su fascinación por la temática de la experiencia de los cuerpos. Brazos y piernas entrelazados emergen de sus pinturas, mientras que los planos en perspectiva hienden los cuerpos, situándolos y dislocándolos simultáneamente en el espacio. En su acercamiento inicial al lienzo, Quarles empieza haciendo marcas que evolucionan hasta convertirse en dibujos lineales de formas humanas o partes del cuerpo. A continuación, fotografía el trabajo y utiliza Adobe Illustrator para dibujar los fondos y las estructuras que rodearán las figuras. En una inversión de la estratificación convencional de una composición, las figuras de Quarles preceden e incluso dictan el entorno en el que van a habitar.
Como mujer cisgénero, queer e hija de padre negro y madre blanca, Quarles describe su posición de compromiso con el mundo como ‘multisituada’, una experiencia que se materializa en su arte sui generis. La intersección de figuras y planos de Quarles remite a los límites imaginarios y prescritos de la identidad. «Las categorías rígidas de la identidad se pueden utilizar para marginar, pero, paradójicamente, también pueden ser utilizadas por las personas marginadas para ganar visibilidad y poder político», afirma Quarles. «Esta paradoja es el eje central de mi práctica». Los magentas, azules, verdes y amarillos vibrantes no sirven como medio para describir la realidad, sino para generar una resistencia activa ante el instinto del espectador de asignar clasificaciones binarias a las figuras: hombre o mujer, blanco o negro, abstracto o representativo
Quarles plasma su visión de la identidad en los grandes cuadros expuestos en Come In From An Endless Place, en los que se entremezclan y se desploman múltiples patrones, figuras y planos. Con la envergadura del brazo de Quarles como único límite, los rasgos arquitectónicos de sus cuadros se aproximan a la tridimensionalidad. Lift Yew Up, I Wanna Lift Yew Up, I Wanna presenta un conjunto de extremidades —brazos entrelazados y piernas protuberantes en un plano aéreo— que parecen tanto desafiar como ceder ante la fuerza de la gravedad. Hay un movimiento interminable en la composición de Quarles, reflejado en otras obras como (And Tell Me Today’s Not Today). Aquí, figuras fantasmales se extienden en varios planos del gradiente. Sus extremidades parecen atadas a una fuerza centrífuga, que atrae brazos, orejas y piernas hacia el centro, mientras las figuras intentan acercarse a los bordes del lienzo. En primer plano, dos dedos que se tocan nos recuerdan al canónico fresco de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Liberados del colapso de partes del cuerpo que inunda los lienzos, se acercan el uno al otro como la mano de Dios se aproximó a la de Adán.

Temáticas como el combate, el apoyo y el control están presentes en una nueva serie de cautivadoras pinturas sobre papel, una técnica que Quarles expone de manera pública por primera vez. Ceñidos por la envergadura del movimiento de su muñeca, los cuerpos se funden, se superponen, se retuercen y se apoyan unos en otros mediante movimientos que dan lugar a múltiples lecturas. En Wrestlin, Quarles retrata cuerpos en lo que podría ser un encuentro lúdico o bien combativo, mientras que en Restin, la forma que emerge de una brillante pincelada parece crecer o desplomarse entre dos flores altas. De nuevo, las figuras están encorvadas y retorcidas –tal vez apoyándose la una o la otra, o puede que inmersas en una situación más caótica. Como sugiere el título de la exposición, Come In From An Endless Place, este conjunto de obras continúa explorando la naturaleza cíclica del escape, el retorno y la persistencia. La belleza y la monotonía, la lucha y la conformidad –las limitaciones y posibilidades de los márgenes continúan siendo primordiales en sus obras.

En la exposición, a las pinturas sobre lienzo y papel se suman dibujos de trazo fino, en los que las figuras van a menudo acompañadas de frases escritas, lo que pone de relieve el interés de la artista por el potencial del lenguaje para la creación y alteración de significados. Las frases, escritas en una mezcla de argot y ortografía fonética, se inspiran en una amplia gama de referencias: frases de la calle, poesía, temas del pop, tales como ‘Hallelujah’ de Leonard Cohen o ‘Self Control’ de Frank Ocean. En Wish We’d Grown Up on tha Same Advice, Quarles plasma la letra la canción de Ocean en una escena impregnada de serenidad, con figuras que se recuestan y se abrazan. En Just Got Caught Up in Myself, el título aparece junto a un cuerpo que se contorsiona, en un intento por liberarse de los confines de ambas dimensiones.

El dibujo es un componente clave en la obra de Quarles: comenzó a practicarlo con 12 años, cuando empezó a asistir a clases de dibujo del natural después del colegio. De adulta, ha seguido perfeccionando esta técnica. «El dibujo de la figura humana es una técnica bastante curiosa en la que no basta con adquirir la destreza y ya. Es como ir al gimnasio, hay que seguir entrenando. Cuando trabajo con mi pintura, no recurro a bocetos, sino más bien a esta práctica continua de dibujar».

Para esta exposición, Quarles sigue combinando el estudio del dibujo, las técnicas experimentales de pintura y la tecnología digital, lo que da como resultado una manera de enfocar la figuración única y cautivadora, que sitúa a la artista en la vanguardia de la pintura contemporánea.
Education Lab
De forma paralela a la exposición, el Education Lab será un espacio dedicado al aprendizaje a partir del enfoque de Christina Quarles sobre el cuerpo y el lenguaje. Este espaciose ha realizado en colaboración con 19 estudiantes de CREAE Espacio Creativo, una escuela de dibujo, pintura y cerámica ubicada en Mahón. En respuesta a una selección de textos de los dibujos de la artista y su trabajo con esténcil, el alumnado de CREAE ha creado una instalación con grandes lienzos que retratan partes del cuerpo. Los lienzos cuelgan de raíles y van entrelazados con trozos de tul, que el público puede mover, jugando para descubrir el trabajo de los y las estudiantes a través de diferentes lentes coloreadas.
En una estación interactiva compuesta de espejos deformantes, un tablero de fieltro y recortes de tela de colores invitan al público a explorar representaciones de sus cuerpos. Finalmente, se puede encontrar una selección de libros sobre el trabajo de Quarles, así como otras lecturas sugeridas por la artista, que ofrecen la oportunidad de sentarse a leer sobre su trabajo e influencias. El Education Lab lo complementan una serie de eventos y actividades de aprendizaje que tendrán lugar a lo largo de todo el recorrido de la exposición.

Aldo Comas inaugura su exposición ‘Langostas y guitarras’ en Ibiza

La inauguración de la muestra ‘Langostas y guitarras’ del artista polifacético Aldo Comas ha tenido lugar hoy en las elegantes instalaciones de Aguas de Ibiza Grand Luxe Hotel. A la cita han acudido un gran número de amigos del pintor que han querido apoyarle en este nuevo proyecto en el que rinde homenaje al Mediterráneo a través de la representación de sus simbólicas langostas. Macarena Gómez, una de las actrices protagonistas de la afamada serie de televisión ‘La que se avecina’ y la mujer de Aldo Comas, ha disfrutado de una refrescante velada acompañando a su esposo junto al actor Antonio Velázquez y Fiona Ferrer Leoni, art dealer y curadora de las exposiciones en España, entre otros invitados.

Antonio Velázquez, Fiona Ferrer, Macarena Gómez y Aldo Comas

“Esta exposición es una pequeña oda al Mediterráneo, al amor, a las cosas bonitas y a las contradicciones. Las langostas simbolizan la dualidad y la música, los bares y las guitarras, en definitiva, son algo, casi lo único, que nos une a la sociedad española. Por eso están presentes”, ha explicado el artista Aldo Comas en su intervención durante esta cita con el arte.

Una vista de la terraza donde se celebró el evento

La cita ha dado comienzo con un cóctel de bienvenida patrocinado por Cría Cuervos, Small Luxury Hotels, Frutos Secos Ibiza, Sal de Ibiza e Instax Fujifilm. Los invitados han podido disfrutar de una agradable velada junto a los vinos de la joven marca Cría Cuervos, que ha sabido posicionarse con rapidez en el mercado vitivinícola desde su lanzamiento en 2020, así como de un delicioso cóctel elaborado por el hotel anfitrión, Aguas de Ibiza Hotel Grand Luxe, que ha consistido en un original bombón de salmorejo, ostras nº3 Faine Claire, tartar de salmón, royal de gamba y Sam de costilla de cerdo negro. La empresa ibicenca Frutos Secos Ibiza ha obsequiado a los invitados con un pack de bienvenida compuesto por algunos de sus productos más selectos. Además, los asistentes han podido inmortalizar los momentos más emotivos del encuentro junto a las cámaras Instax Fujifilm, expuestas en un divertido expositor durante toda la jornada.

 

Aldo Comas y Macarena Gómez

El evento ha contado también con la presencia de autoridades locales como la Consellera de Promoción Económica y Empresarial, Cooperación Municipal y Recursos Humanos del Consell Insular d’Eivissa, Maria Fajarnés. También han acudido a esta cita con la cultura rostros conocidos de la escena ibicenca como Carmen Matutes, la influencer Desirée Jurado, el diseñador Tony Bonet, la pintora Marta Torres o la Dra. Moshgan Mahrami. Además, también han disfrutado de la exposición Mónica Hoyos, la Duquesa Sylvia Serra di Cassano, Hugo Mingo o Paco Polenghi, entre otras personalidades de ámbito nacional. La velada ha transcurrido en la azotea del hotel, donde han estado expuestas las 10 obras de formato cuadrado que integran la muestra, y ha contado con la presencia de un DJ, que ha inundado la estancia de ritmos de jazz y chill out.

La FUNDACIÓN SES DOTZE NAUS (Ibiza) inaugura PROTEIN

La Fundación Ses Dotze Naus (Ses12naus) ha presentado hoy PROTEIN, una exposición que muestra los resultados del trabajo de los reconocidos artistas daneses Nina Beier y Simon Dybbroe Møller, quienes han explorado la interacción entre la naturaleza y la artificialidad de Ibiza. El trabajo ha sido realizado durante la residencia de los artistas en la isla entre los meses de abril y julio de este año.

 

Comisariada por Elise Lammer, esta nueva muestra site-specific estará abierta al público hasta el 21 de octubre en La Carpintería, un recientemente reconvertido espacio de producción y exhibición ubicado en Can Bufí —un área industrial a las afueras de la ciudad de Ibiza— donde se celebrarán exposiciones y actividades impulsadas desde Ses12naus. Este singular lugar contrasta con otras zonas urbanizadas de la isla, ofreciendo un ambiente funcional y auténtico.

La Fundación Ses12naus nació con el objetivo de fomentar y desarrollar la cultura contemporánea en Ibiza, impulsando residencias de artistas, exposiciones y programas públicos para contribuir a que la isla sea un lugar de creación, producción y disfrute del arte contemporáneo. “La fundación ofrece un marco para la creación sin consideraciones comerciales, prejuicios o corsés preestablecidos. PROTEIN forma parte de esta trayectoria que vertebra el trabajo con el que queremos fomentar iniciativas que generen nuevos diálogos entre la creación contemporánea, el patrimonio cultural y natural de Ibiza y los imaginarios locales”, declara Ángeles Ferragut, fundadora y presidenta de Ses12naus.

Las residencias artísticas, una herramienta para dinamizar el tejido cultural
Ses12naus comenzó en 2016 como un programa bienal de residencias en una finca del interior de la isla con el objetivo de aportar ideas y generar valor social y cultural. En 2022, fruto de su apuesta por la cultura como motor de cambio, Ses12naus se constituyó como fundación sin ánimo de lucro para iniciar una nueva etapa impulsando diversas líneas de trabajo.

Dirigida por Ángeles Ferragut y fundada junto a su marido Simon Southwood, cuenta con la asesoría de la artista Cristina de Middel y el comisario y crítico de arte Fernando Gómez de la Cuesta. La misión de la Fundación es fomentar la creación contemporánea internacional en la isla de Ibiza invitando a artistas y pensadores a dialogar con ella y generar nuevas narrativas contemporáneas, alimentando así perspectivas inéditas y pensamiento crítico en residentes y visitantes.

Con una clara vocación internacional, la Fundación reúne personas de distintas edades, registros artísticos y backgrounds.

 

PROTEIN, un desafío a los límites de la estética en Ibiza
PROTEIN se compone de una serie de elementos cautivadores que desafían las convenciones artísticas tradicionales. La exhibición cuenta con 500 insectos solares distribuidos estratégicamente por todo el espacio. Estas diminutas criaturas, equipadas con paneles solares en su dorso, cobran vida únicamente cuando son alcanzadas por la luz solar directa. “La presencia de estos seres en La Carpintería, un espacio impecable y pulcro, despierta una visión intrigante de cómo la arquitectura contemporánea podría evolucionar después de una extinción masiva, con los insectos reclamando el espacio diseñado originalmente para mantenerlos alejados”, expresa Elise Lammer, comisaria de la exposición.

Otro componente destacado de PROTEIN es una serie de retratos fotográficos enmarcados de agentes inmobiliarios que se exhiben a la altura de la vista y que fusionan elementos de la pintura de retratos clásica con el estilo de las fotografías corporativas. Si bien cada individuo retratado posee características faciales únicas, al prescindir de su identidad, se convierten en una serie de individuos genéricos e intercambiables. La combinación entre los insectos robóticos y los retratos crea un ambiente de misterio y reflexión que se ve reforzado por la ausencia de luz artificial en el espacio de la exposición. “Esta muestra revela cómo los agentes inmobiliarios se ven obligados a ceder ciertos aspectos de su identidad, como su nombre y su historia personal, a cambio de los rasgos superficiales asociados con la profesión”, explica la artista Nina Beier.

Además, con un cartel que consigue fusionar bichos, cultura de club e inmobiliaria, PROTEIN no solo aborda cuestiones estéticas y artísticas, sino que también plantea una profunda reflexión sobre la identidad de Ibiza. “Esta combinación inusual desafía las expectativas y plantea preguntas sobre cómo los diferentes aspectos de nuestra sociedad pueden coexistir y entrelazarse”, expresa el artista Simon Dybbroe Møller.

 

A lo largo de diferentes generaciones y corrientes culturales, desde los beatniks y hippies hasta los clubbers, Ibiza ha sido un refugio para aquellos que buscan escapar de la autoridad institucional. Este mismo enfoque se refleja en PROTEIN, donde los artistas tratan el espacio como un escenario y a los objetos, imágenes y visitantes como el elenco de su obra de arte no jerárquica. “Hemos querido abordar el fascinante tema de las islas como microcosmos de experimentación y coexistencia, como lugares de refugio que estimulan la imaginación y donde se puede explorar la relación entre identidad, comunidad y entorno”, concluyen los artistas.

 

PROTEIN es una experiencia artística y sensorial única que desafía los límites convencionales de la estética e invita a reflexionar sobre temas como la escultura, la fotografía, la vivienda, el entretenimiento, los productos básicos, la sostenibilidad y la relación entre elementos artificiales y naturales.

«The billion faces», la exposición solidaria sobre India de Jacobo De Gregorio

«The billion faces» es la exposición solidaria que Jacobo de Gregorio inaugura en Madrid para recaudar fondos a favor de la Fundación Vicente Ferrer. Tras pasar un tiempo en La India, el joven fotógrafo ha capturado su visión propia en el país, capturando la esencia del ambiente, los rostros o los espacios vacíos.

La India es un país que desafía cualquier intento de descripción exhaustiva. Está en constante cambio; plagado de infinidad de estímulos, acciones y experiencias que despiertan todos los sentidos: olores, sonidos, colores y emociones… Todos ellos se entrelazan en un torbellino de sensaciones y experiencias únicas. La India es caos y es paz.

En su trabajo alrededor de este país, el artista captura los fragmentos de un viaje que, poco a poco, le va revelando la contrapuesta esencia del país y su gente, a la vez que influye su perspectiva y su lente.

Desata una evolución que se nos hace visible en el desarrollo de su mirada y sensibilidad, y que hoy se nos presenta a través de un foco humilde que carece de ostentación en sus composiciones. Se aleja de lo rebuscado y compone su obra a través del respeto hacia lo que le rodea. Ve y captura belleza en la cotidianidad desde una mirada atenta y cercana, con especial énfasis en lo aparentemente simple.

A través de sus composiciones arquitectónicas, en las que captura espacios vacíos, enfatiza aún más el caos que visualizan sus paredes, mientras logra exponer la otra cara de este país tan aparentemente bullicioso.

Con esta exposición, el artista nos presenta su propia experiencia de este lugar tan cautivador, buscando acercarnos al entendimiento de la esencia de todo lo que rodea este país, que parece pertenecer a otro mundo.

En palabras del propio Jacobo: «debido al impacto que tuvo en mí este viaje y todo lo que aprendí de su gente y cultura, tenía la necesidad devolver de alguna manera. Me impactaron sobre todo los niños, que yo soy muy niñero de siempre y por eso contacté con la Fundación Vicente Ferrer para donar el 100% de los beneficios conseguidos con las obras vendidas».

La exposición se puede visitar en la Calle Monte Esquinza, 8. (Madrid).