JOMO celebra una semana de arte sin precedentes en el prestigioso hotel Santo Mauro. Desde el 10 al 17 de marzo

El evento contará con la participación de Eladio de Mora dEmo, Jaime Monge, Anna Barrachina, Miguel Díaz Belda y Äcondieresis. Estos visionarios del arte moderno revelarán sus más recientes creaciones, prometiendo una jornada memorable y repleta de inspiración para todos los presentes. En un entorno que rebosa lujo en cada rincón, «Ethereal» se propone como un encuentro de diversas perspectivas del mundo, un espectáculo que promete cautivar y mover a la reflexión a todos los asistentes.

 

Distanciándose de las tradicionales exposiciones en museos y galerías, que suelen favorecer un enfoque minimalista donde la obra de arte predomina, «Ethereal» rompe moldes para ofrecer una experiencia inmersiva única. Esta muestra será un punto de inflexión en la concepción de exposiciones artísticas, garantizando a los asistentes un viaje sin precedentes por las corrientes del arte contemporáneo.

 

La exposición «Ethereal» estará abierta no solo para los miembros de JOMO, sino también para el público general interesado en el arte contemporáneo. Aquellos que deseen asistir podrán reservar su entrada con cita previa, asegurando así una oportunidad exclusiva para sumergirse en el mundo del arte en un entorno íntimo y lujoso.

 

@Jaime Monge

 

@dEmo

 

Toda la recaudación JOMO de «Ethereal» será donado a la Global Gift Foundation. Esta fundación, liderada por la reconocida filántropa española Maria Bravo y la actriz Eva Longoria, se dedica a generar un impacto positivo en la vida de niños, mujeres y familias que se encuentran en situación de vulnerabilidad y/o riesgo de exclusión social.

 

Esta ocasión no solo refleja la dedicación de JOMO a fomentar el arte y la cultura, sino que también destaca su responsabilidad social corporativa al brindar apoyo a iniciativas benéficas que llevan a cabo una labor esencial en beneficio de la comunidad. «Ethereal» no es simplemente una exposición; es una manifestación de cómo el arte puede servir como puente para la solidaridad y el cambio social.

 

 

Si quieres conocer los mejores planes y pertenecer a una comunidad única, este es tu lugar. JOMO es tu mejor asesor, además de plataforma de reservas y organizador de los mejores y más exclusivos eventos de la ciudad.

¿Cómo puedes hacerte miembro de JOMO? A través de una suscripción a la que hay que postularse. La comunidad JOMO se basa en valores y pasiones comunes: el arte de estar en el lugar correcto en el momento correcto.

MADRID LUXURY DISTRICT reúne 8 obras a escala urbana de la escultora AURORA CAÑERO en la Milla de Oro de Madrid

Madrid Luxury District -enmarcado en el programa Madrid Capital de Moda impulsado por el Ayuntamiento de Madrid- pone en marcha la III Edición de Madrid Luxury Art, con la gestión cultural y el patrocinio de AGM Art Management. Una exposición de arte contemporáneo que a partir del 8 de mayo traerá a la calle Ortega y Gasset ocho obras de dimensiones monumentales de la escultora madrileña Aurora Cañero bajo el nombre ‘Figuras y Personajes’. 

 

Aurora Cañero es una artista clásica, formada en la Escuela de Bella Artes de San Fernando en Madrid. Comenzó con la escultura en la década de los setenta, impulsando nuevas formas del género figurativo que aparecieron como respuesta al Minimal Art y el Arte Povera. Es reconocida nacional e internacionalmente en Francia, Alemania, Bélgica, Holanda, Italia, Grecia, Estados Unidos, Colombia, Venezuela, México y Chile. 

 

Su exposición “Figuras y personas”, realiza un recorrido por los personajes y las situaciones entre reales y ficticias de la carrera de la artista. Cañero no crea figuras humanas, sino personajes que parecen realizar acciones cotidianas, pero siempre otorgándoles una esfera surreal. Las obras incorporadas a la exposición, además, guardan un aspecto directamente vinculado a su presencia en la calle, su capacidad de interacción con el espectador que se siente atraído por las acciones que ellos realizan y los mundos que representan.

 

Esta exposición temporal se lleva a cabo en el marco de la Global Summit of Women 2024 que tendrá lugar en mayo en Madrid y que tiene como objetivo poner foco en el papel de la mujer como agente de cambio e impulso en las economías del futuro.  La presencia de Aurora Cañero durante la cumbre permite comprender el papel femenino en la creación artística. 

La exposición de arte «SOMOS NATURALEZA» llega a Madrid

“Somos Naturaleza” es una muestra que reúne el trabajo de seis creadores pertenecientes a distintas disciplinas: pintura y escultura, cuyas obras comparten una misma preocupación, la relación entre el ser humano y la naturaleza. 

 

Sus participantes son: 

El escultor Daniel Salorio construye piezas zoomórficas a partir de hojas, ramas, troncos y otros elementos vegetales. En sus expresivas esculturas se desdibuja la línea entre lo animal y lo vegetal, recordándonos que no hay divisiones en la naturaleza.

 

La artista multidisciplinar Eliana Perinat parte su obra desde la selección de imágenes que han sido tomadas por cámaras de movimiento colocadas en el campo. Su propósito es dar voz a la naturaleza que nos rodea a través de la imagen del animal en su total libertad. 

 

 

El artista Álvaro Llanza busca representar a través de sus obras la idea del progreso y el crecimiento. Su inspiración nace de la naturaleza y la belleza que le rodea en su día a día. Pinta obras figurativas, minimalistas y abstractas.

 

 

La pintora Ana Tellez basa sus obras en las diferentes texturas, colores y sabores que han ido marcando su vida. Su trabajo está impulsado por los recuerdos dentro de la cocina y comida que probó a lo largo de su infancia.

 

 

El artista autodidacta Guillermo de Vicente destaca por su obsesión por la figura humana, en especial por los rostros de mujeres no reales. Pinta en acrílico sobre lienzo y sobre tabla con un estilo figurativo. Para él, la pintura es un mundo infinito de liberación y paso del tiempo.

 

La pintora Rosita Ibáñez Martin gira su obra en torno a la naturaleza y a su camino para conectar con uno mismo. Cree firmemente en su poder sanador e investiga sobre las sensaciones de alegría y bienestar que nos produce.

 

 

Duración: del miércoles 27 de febrero al viernes 1 de marzo de 2024 (horario 12:30 – 19:00) 

Emplazamiento: Galería Cruz Bajo – Calle Don Ramón de la Cruz 15, 28001, Madrid. 

POR TIERRA, MAR Y AIRE en Madrid Design Festival 2024 de la mano de IED Madrid

Faro Barcelona presenta, junto al Istituto Europeo di  Design de Madrid, la exposición Por Tierra Mar y Aire,  creada por Héctor Serrano y Carmen Baselga, dentro  del marco del Madrid Design Festival. Una instalación  inmersiva de luminarias orgánicas, honestas y  sostenibles.  

 

 

Esta exposición tiene como objetivo destacar la  importancia de la sostenibilidad, la circularidad y la  fabricación aditiva. Una instalación que invita a reflexionar  de forma emotiva sobre la necesidad de replantear  nuestra relación con el planeta que habitamos, tomando  como protagonistas las luminarias Tierra, Mar y Aire. Se  trata de una llamada a sumergirse en el mundo que ya  conocemos, donde la tecnología debe ser el medio y  no el fin, siguiendo el ejemplo que la misma naturaleza  nos ofrece, donde no existe el concepto de residuo. Las  luminarias Tierra, Mar y Aire son en esta instalación  el vehículo. Con esta colección Faro Barcelona aporta  nuevas formas de iluminar que van más allá de la propia  luminaria. IED Madrid, Escuela Oficial del Madrid Design  Festival, se suma a esta iniciativa con el fin de generar  consciencia por la preservación de nuestro planeta. 

 

 

La instalación lleva al visitante a realizar un recorrido  para descubrir el proceso de creación, los conceptos que se han querido transmitir y el proceso de producción  de la colección Tierra, Mar y Aire. De una parte, la  sostenibilidad, con la utilización de bioplásticos, redes  de pesca y otros materiales reciclados y reciclables para  contribuir a la circularidad. De otra, la fabricación aditiva,  con el ánimo de democratizar la impresión 3D a gran  escala, y finalmente, la inspiración de la colección en los  elementos que la propia naturaleza nos ofrece.

 

 

Exposición Por Tierra, Mar y Aire

Del 13 de febrero, al 15 de marzo (de lunes a viernes) Horario: de 10:00h a 20:00h 

Entrada gratuita 

IED Madrid 

Sala de Exposiciones. Palacio de Altamira,  

Calle de la Flor Alta, 8 – 28004 Madrid 

CONCHA JEREZ – 1er PREMIO ENATE ARCO 24

En 1992, ENATE comenzó una colección de arte contemporáneo con obras de artistas nacionales e internacionales. Desde entonces, cada uno de los vinos de la marca está asociado a un artista de reconocido prestigio, figurando en la etiqueta una obra de su autoría realizada para la bodega. Por eso, su compromiso con el arte contemporáneo lleva a esta reconocida bodega del Somontano a unirse a ARCOmadrid 2024.

 

Así, ENATE premiará, mediante una adquisición valorada en 5.000 €, una obra original en ARCOmadrid 2024, que pasará a formar parte de la colección ENATE, en reconocimiento a su labor artística. La obra será presentada en el espacio de ENATE en el GUEST Lounge de ARCOmadrid junto a otras piezas de la colección. Asimismo, esta obra se convertirá, en diálogo con el/la artista, en etiqueta de la botella edición especial en homenaje a la feria.

 

El jurado, formado por Luis Nozaleda (director general de ENATE), Carlos Urroz Arancibia (gestor cultural) y Frances Reynolds (fundadora de Instituto Inclusatriz), ha acordado otorgar el I Premio ENATE-ARCOmadrid 2024 a la obra ENTRE Escritos Autocensurados, 2020, de la artista Concha Jerez (Galería Freijo). El jurado ha valorado tanto la trayectoria de la artista, que desde los años 70 se ha preguntado por la manera en que nos comunicamos y relacionamos en un mundo mediado por la tecnología, como por el especial foco de esta obra en nuestra posibilidad de comunicarnos o decidir dejar de hacerlo.

Donostia celebró a EDUARDO CHILLIDA en el primer centenario de su nacimiento

Hernani, 12 de enero de 2024.- “No vi el viento, vi las nubes pasar, no vi el tiempo, vi las hojas caer”. Eduardo Chillida no solo ha sido uno de los escultores más significativos del siglo XX, también un pensador enraizado a su tierra con los brazos abiertos al mundo. Su pensamiento universal y su obra es el legado que ha dejado y que pervivirá durante generaciones. A los 100 años de su nacimiento, la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce celebró un acto conmemorativo gratuito y abierto al público en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia – San Sebastián, en el que participaron personalidades de la política como Ernest Urtasun, Ministro de Cultura; Bingen Zupiria, consejero de Cultura y Lingüística del Gobierno Vasco; Eider Mendoza, diputada general de Gipuzkoa; Eneko Goia, alcalde de Donostia-San Sebastián; y Xabier Lertxundi, alcalde de Hernani.

 

Presentado por Anne Igartiburu y Mikel Chillida, nieto del escultor y director de desarrollo de Chillida Leku, y con la presencia del artista representada por la obra Estela XIV (1992) en el escenario, el acto giró en torno a la obra y el pensamiento de un artista de grandes valores universales que aún sigue teniendo la capacidad para generar cohesión social a través del arte y el pensamiento. Para la familia del artista, este primer centenario “celebra la vida de Eduardo Chillida, que nos ha dejado no solo la huella de su obra, sino también la huella del pensamiento, la de una forma diferente de ver la vida porque los artistas desaparecen pero, de algún modo, permanecen”, aseguró Mikel Chillida.

 

 

El bloque institucional lo abrió Eneko Goia, alcalde de la ciudad de Donostia-San Sebastián, que recordó cómo “Eduardo Chillida surcó ese puente invisible que une las dos orillas de la creación: el que separa o une, según se mire, el lado de los artistas, del de los genios. Eduardo cruzó ese puente invisible. Y lo hizo poco a poco, en silencio, sin armar ruido. Y para cuando se dieron cuenta, aquel muchacho espigado y con el pelo revuelto, ya estaba en el otro lado, junto a otros grandes del arte mundial. Hace cien años nuestra ciudad no conocía ni se expresaba a través de las obras de Chillida. Hoy, no somos capaces de imaginarla sin ellas”.

 

Chillida Leku, una utopía hecha realidad

Si bien en un inicio Chillida creía que era él quien escogía los lugares, con el tiempo se dio cuenta de algo: era el lugar quien lo escogía a él. Así es como Pilar Belzunce y el escultor encontraron en Hernani un caserío en el que hacer realidad su propia utopía: “hacer algo para las personas donde nos sintiéramos más pequeñas de lo que nos creemos y más iguales las unas a las otras”, recordó Mikel Chillida. Aquel sueño que había proyectado cobraba vida como Chillida Leku, su obra más íntima, personal y ambiciosa, un lugar que guarda con mimo sus esculturas y que invita a reflexionar en torno al arte y la naturaleza y donde ondea la bandera de la tolerancia.

 

Con sus raíces en el País Vasco, sus manos abrazaron los horizontes de todo el mundo y los transformaron en lugares únicos. Desde Hernani se proyecta al mundo todo el ideario del artista para el que “mirar es intentar ver, y normalmente ver es muy difícil. Sé que en el interior de las cosas que estoy mirando hay gran cantidad de cosas que soy incapaz de ver… pero que existen”. Xabier Lertxundi, alcalde de Hernani, hizo hincapié en la relación que el artista mantuvo con la localidad en la que se enclava el museo: “Chillida tuvo una estrecha relación con Hernani, donde la familia vivió durante algunos años y comenzó a trabajar con el hierro. Estamos trabajando para que Hernani y la obra de Chillida sigan unidas, con la seguridad de que Eduardo y Pilar lo verían con buenos ojos».

 

 

El conjunto de obras de Chillida, tal y como recordó Mikel Chillida durante el acto, propicia el encuentro “de la naturaleza con la poesía, entre materia y espacio”. Pero también “permite encontrarnos a nosotros mismos y dialogar con el espacio que nos rodea”, amplió Anne Igartiburu. Uno de esos diálogos que tuvieron lugar en el escenario del Teatro Victoria Eugenia fue el de Chillida con la danza de la mano de la compañía Metamorphosis Dance de Iratxe Ansa (Premio Nacional de Danza 2020) e Igor Bacovich, con la pieza Horizonte, interpretada por los bailarines Sephora Ferrillo y David Serrano.

 

Eduardo Chillida a través de sus pensamientos

La obra de Eduardo Chillida no solo se circunscribe a la escultura y a la obra en papel, también fue un pensador que plasmó su particular forma de ver la vida y el mundo por escrito. Para el artista la palabra era también un lugar de encuentro y con el objetivo de recordar sus pensamientos y reflexiones Susana Chillida, cineasta e hija de Eduardo Chillida, recitó algunos de sus escritos. Junto a ella, Ricardo Pinilla y Ana María Rabe dieron voz a Plotino, Heráclito, San Agustín, San Juan de la Cruz, Heidegger, Kant, Gandhi, Jorge Guillén, Gaston Bachelard, Eugen Herigel, Antonio Machado, Ellie Wiesel María Zambrano y Clara Janés.

 

Curioso por naturaleza y ávido por el aprendizaje, Chillida afirmó que todas sus obras son interrogaciones. Durante toda su trayectoria, Chillida nunca dejó de plantearse preguntas y ese deseo de saber le llevó a utilizar herramientas no solo físicas sino también sensitivas, como la música, la filosofía o la ciencia. Su trabajo está atravesado por cuestiones vitales como la cultura, los derechos humanos, la libertad, la tolerancia, la defensa de los derechos humanos, la fraternidad o el respeto a la naturaleza. En este sentido, la escucha siempre fue un valor indispensable para su trabajo: “Hay que escuchar mucho para hacer algo, para que una obra llegue al final tiene que pasar por muchas instancias”, dijo.

 

Es de sobra conocido que una de las grandes inspiraciones de Chillida fue la música, en concreto la de Johann Sebastian Bach, a quien dedicó una de sus obras. Por este motivo, Musikene, Centro Superior de Música del País Vasco, ofreció una selección de piezas para violonchelo interpretadas por Mariia Slashcheva.

 

 

El valor de la obra pública

Consciente de la fuerza estética del espacio público como elemento artístico y como lugar de encuentro para el diálogo y la convivencia, el escultor fusionó a menudo escultura y arquitectura con el paisaje, hasta repartir más de 40 esculturas públicas por el paisaje urbano de varias ciudades de todo el mundo. A pesar de su internacionalidad, Chillida creía que sus obras tenían que expresarse por sí solas y, por esa razón, confiaba en que en ellas existen las raíces vascas que abren sus ramas al mundo.

 

En su intervención, el Ministro de Cultura, Ernest Urtasun, destacó que para el Ministerio de Cultura supone un orgullo participar en la difusión de este centenario. Y subrayó lo idóneo del acto para “celebrar la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, con la que nuestro Ministerio acaba de reconocer a Chillida Leku, ejemplo pionero de esa convivencia sostenible, y posible, entre arte y naturaleza”. Además de mencionar rasgos del artista como “la preocupación por lo humano en el arte” y su “afán por transitar espacios desconocidos”, Urtasun resaltó que “hay algo que es radicalmente contemporáneo, actual, en el pensamiento de Chillida y es la consideración de su obra como ‘asunto público’, al igual que hoy consideramos la cultura y la creación como grandes “asuntos públicos”. Parece obvio, pero no siempre ha sido así”, señaló.

 

Para Eduardo Chillida la cultura tiene la capacidad de abrir miradas y mentes y con eso siempre presente trabajó para que la cultura fuera universal. En este sentido, Eider Mendoza, diputada general de Gipuzkoa, afirmó que la obra de Eduardo Chillida, “siempre nos dice algo nuevo y nos conmueve de forma profunda. Acercarnos a sus obras significa entendernos un poco mejor como sociedad, como territorio y como país”, expresó en referencia a quien ha recordado como puntal de toda una generación de artistas que, en plena dictadura, “dotaron de una estética y de un imaginario colectivo al pueblo vasco, conectando a nuestra cultura con las vanguardias culturales de Europa y del mundo”.

 

Estas palabras entroncan con las de Bingen Zupiria, consejero de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco, que ha comentado «este aniversario es una fantástica oportunidad para celebrar al artista y su obra pero también sus valores. A Chillida le debemos la tranquilidad, la inquietud y el placer que despiertan sus obras. Eduardo Chillida no es solo nuestro sino también lo es de quienes viven en París, Berlín, Sevilla o Gijón y de cualquier persona que disfruta de su obra en cualquier lugar del mundo. Hoy nuestro país, su pueblo, muestra su respeto y celebra este homenaje a un artista universal».

 

 

Eduardo Chillida, transversal

Otra de las notas musicales de la noche la puso el coro Landarbaso Abesbatza con Ukhutula (African song) y Zorion (Laura Jekabsone), una selección de obras realizada por su director Iñaki Tolaretxipi. Poco después, tomó la palabra Luis Chillida, hijo de Eduardo Chillida, en nombre de la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce, que ha impulsado Eduardo Chillida 100 años. Con una intervención en la que recordó diversas anécdotas familiares, Luis Chillida confesó que sus padres les dieron “libertad para hacer lo que quisiéramos pero también nos trasladaron la responsabilidad de cuidar lo que crearon juntos”. 

 

El hijo del escultor quiso recalcar que este centenario no lo están haciendo solos sino que está siendo apoyado por diferentes instituciones como es el caso de la Familia Real, que se sumó a la celebración a través de unas palabras con las que recordaba a “uno de nuestros artistas más reconocidos e internacionales”. También remarcó que “el centenario es una oportunidad para celebrar la vida de nuestros padres, recordar el legado importante que nos dejaron y mantenerlo vigente tanto ayer como hoy”.

 

Uno de los momentos más emotivos del acto llegó cuando el mismo coro cantó el tradicional poema Txoria txori de Joxean Artze mientras un vídeo con imágenes de Eduardo Chillida daba por finalizado un acto con el que se inicia un año que estará protagonizado exposiciones, nuevas publicaciones, talleres y proyectos de diversa índole por todo el mundo que permitirán encontrarnos a través de su obra.

La galería GUILLERMO DE OSMA expone «Equipo Crónica»

En la Galería Guillermo de Osma el año 2024 empieza el próximo 18 de enero con una exposición dedicada al grupo artístico «Equipo Crónica», uno de los mayores referentes del arte de los 60 y los 70 en España y, sin duda, el mejor exponente del pop español. El grupo fue creado en Valencia, en 1964, por Manolo ValdésRafael Solbes y Juan Antonio Toledo, quien se separó al poco tiempo de formarse el grupo. Sin embargo, a lo largo de los años se unieron al Equipo Crónica otros artistas como Rosa TorresCarmen Calvo Juan Vicente Monzó. Estos colaboraron intermitentemente con Valdés y Solbes hasta el año 1981, cuando éste último fallecería.

Se expondrán obras de este grupo de artistas valencianos cuya producción aludía a algunas de las imágenes más reconocibles de la Historia del Arte español. El GrecoVelázquezGoya o Picasso son reproducidos mediante nuevas técnicas, con guiños a artistas internacionales como Kandinsky o Léger, y con la intención de trasmitir un mensaje fácilmente comprensible para un público más amplio; es decir, con intención de democratizar el arte.

Así, este nuevo arte supuso un giro hacia el figurativismo, en contraposición del informalismo, la corriente artística más relevante en las décadas anteriores. La abstracción se sustituyó por imágenes definidas con un mensaje claro: una crítica ácida a la sociedad del momento con un evidente deseo de cambio.

En la Galería Guillermo de Osma se expondrán obras que introdujeron y consolidaron el arte pop en España; algunas, pertenecientes a series tan míticas como la «Serie del billar» o la «Crónica de la Transición», y procedentes de galerías históricas como la Galeria Val i 30 o la Galería Maeght. La muestra contará con dieciocho piezas entre cuadros, obra sobre papel y esculturas seriadas. De estas destacan dos obras tempranas: Una obra sin titular del año 66, en clave política y «La Casa de Pilatos» o «Baile de debutantes», con un evidente tono de crítica social.

Por otro lado, también destacan los cuadros, «Técnicas de reunión», del año 1977, de la serie «El billar» y «Retrato alegórico de la señorita vanguardia», pintado entre 1980 y 1981 y en clara alusión y homenaje a Picasso. De las esculturas destacan «Los tres músicos», «Las meninas» y el mítico «Espectador» de los Encuentros de Pamplona de 1972.

 

Con motivo de la exposición también se editará un catálogo con un ensayo de Sergio Rubira (curador y profesor en la Universidad Complutense de Madrid) y dos textos históricos de Valeriano Bozal y de Tomàs Llorenç, exegetas pioneros del Equipo.

 

Madrid acogerá la exposición ‘From Spain With Design’ con una extensa mirada al diseño español

Tras haber pasado con éxito de público por Santiago de Compostela, Aveiro (Portugal), Murcia, Valencia, Badajoz y Gijón, la elogiada exposición ‘From Spain With Design: Identidad y Territorio’ llega a Madrid con el diseño en infinidad de vertientes como protagonista de su séptima itinerancia.

Organizada por la Red Española de Asociaciones de Diseño (READ) con la colaboración de la Asociación de Diseñadores de Madrid (DIMAD) y el patrocinio de UDIT, Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología, la exposición abrirá sus puertas al público desde el 1 de febrero hasta el 17 de marzo en la Central de Diseño de Matadero Madrid, para dar visibilidad al diseño nacional a través de iniciativas realizadas por profesionales españoles.

 

‘FSWD: Identidad y Territorio’ se concibe como una exposición viva en sus itinerancias y las piezas expuestas varían de una exposición a otra mediante una selección de profesionales y estudios del territorio. Madrid no será una excepción y al conjunto de trabajos que reúne la muestra se incorporarán propuestas de profesionales y empresas de diseño madrileñas que ofrecerán un actualizado panorama del sector y de las innovaciones de la disciplina en la región.

Como viene siendo habitual, la muestra aglutinará diferentes tipos de trabajos de diseño siguiendo un hilo conductor que componen cinco ejes temáticos: «Identidad y territorio», «Intersecciones», «Internacionalización», «Sostenibilidad» y «Complicidades».

 

Bajo el paraguas de estos ejes, el visitante encontrará más de 100 piezas que durante los casi dos meses que durará la exposición estarán acompañadas de un intenso programa de actividades paralelas desarrollado por READ y DIMAD que incluye charlas y talleres, tanto para público general como para profesionales y empresas.

 

Entre los trabajos se pueden contemplar creaciones de diseñadores consagrados como la icónica Follow Me, de Inma Bermúdez; Totem, de Martín Azúa; Anémona, de Idoia Cuesta o la consagrada Bota, de Noviembre Estudio junto a piezas de diseñadores emergentes que trabajan en los nuevos ámbitos del diseño como la silla Bolina, de Amalia Puga o La Fresca, de Granada Barrero; la caja Amelia, de Cenlitros metrocuadrado o la Colección Vélez, de Leblume Estudio.

 

La muestra transita por diseños procedentes de todos los territorios en una visión panorámica del diseño actual desde lo más exclusivo (Closca helmet) a lo mundano (Carro 8 plus eco, de Rolser); de lo industrial (Noray, de Jorge Herrera Estudio) a lo artesano (vestido Barbian de Kos para Rodrigo Cuevas); de lo físico (Val do Barco, de Tomás Alonso Estudio) a lo virtual (Nomad Gardens).

 

 

FSWD es un proyecto organizado por READ que nació con el impulso del Ministerio de Cultura y Deporte del Gobierno de España. En su itinerancia en Madrid cuenta con la colaboración de DIMAD para su organización y coordinación, y con el patrocinio de UDIT. En esta ocasión la exposición forma parte de la programación de la séptima edición del Madrid Design Festival. El diseño expositivo, responsive y nacido de una convocatoria nacional, está firmado por Enorme Estudio.

 

Uqui Permui (DAG), Ángel Martínez (ADCV), Gloria Escribano (DIMAD) y Juan Lázaro (Cuenca Diseña) son los comisarios de la exposición y coordinadores del proyecto FSWD dentro de READ.

La artista madrileña Beatriz de Bartolomé nos presenta su exposición FLAMENCAS

“En la búsqueda de ese instante en el que se produce la unión entre la realidad y el sueño , encontré el duende del flamenco … encontré el misterio de un ritmo, de un cante o un baile …
Y quise plasmarlo para poder recordar  esa armonía de contrastes, intentado sintetizar el momento en el que sus pies o quizás el vuelo de su falda nos hipnotizan para siempre. “
Con una serie de acuarelas y dibujos que intentan representar la espontaneidad y plasticidad de ese momento construye su particular homenaje para estas mujeres que sobre un tablao siguen creando maravillas .
La exposición consta de una decena de pinturas en los que una bailaora es la inspiración de todas ellas . El espacio expositivo es un estudio de Interiorismo en el que además combinando el arte con la decoración logran crear ambientes muy especiales.
La aurora Beatriz de Bartolomé es una relevante acuarelista que sigue proyectando su obra participando en importantes certámenes y exposiciones tanto en España como el extranjero.
La exposición se podrá visitar hasta el 15 de enero en Loanlob Interiorismo C/Castelló 47 Madrid.
Horario 11 a 14 h y de 16:30 a 20 h
Sábados mañana y domingo cerrado.

La FUNDACIÓN MOP presenta su gran exposición de HELMUT NEWTON en A Coruña

Helmut Newton – Fact & Fiction, la gran exposición de la Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) dedicada a la vida y la obra del legendario fotógrafo germano-australiano, abre mañana al público en A Coruña. La muestra, la tercera promovida por la Fundación MOP tras las de Peter Lindbergh y Steven Meisel, podrá visitarse en su centro de exposiciones del Muelle de Batería hasta el 1 de mayo de 2024.

A lo largo de sus seis décadas de carrera, Helmut Newton llegó a ser considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo. Prolífico creador de imágenes y auténtico visionario, sigue ejerciendo hoy en día una gran influencia en la fotografía moderna y en las artes visuales.

 

Helmut Newton – Fact & Fiction es un proyecto impulsado en estrecha colaboración con la Fundación Helmut Newton y comisariado por Philippe Garner, Matthias Harder y Tim Jefferies, que idearon una propuesta a medida para el espacio de la Fundación MOP en el Puerto de A Coruña, obra de Elsa Urquijo Arquitectos. “Coincidimos de inmediato en que a Helmut le habrían encantado los silos y almacenes rehabilitados del espacio expositivo, el entorno portuario y la tan especial arquitectura propia de la ciudad. Disfrutamos imaginando las imágenes que podría haber creado en este entorno”, afirman.

La selección de fotografías que conforma la exposición es una buena muestra del lenguaje visual audaz, empoderador y sin complejos característico de Newton, incluidos sus icónicos “grandes desnudos” y los inolvidables retratos de personajes excepcionales como Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Peretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent y Karl Lagerfeld.

Como contrapunto a sus imágenes más icónicas, la exposición incluirá además ejemplos de “paisajes” menos conocidos de Newton: imágenes muy evocadoras de los lugares que influyeron en su obra como París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas y que también son un reflejo de la atmósfera especial del emplazamiento de la muestra en A Coruña.

 

La exposición descubrirá también junto a su obra la faceta personal del artista a través de una serie de vídeos que muestran a Newton trabajando y conversando; de imágenes personales que ofrecen una visión de su infancia, su carrera y su relación con su esposa June y de otros documentos como carteles, cámaras y equipos, accesorios, objetos curiosos y recuerdos.


Fundación MOP
La actividad de la Fundación Marta Ortega Pérez está estructurada sobre tres pilares: la moda, la fotografía y A Coruña. La exposición inaugural de la Fundación, Peter Lindbergh: Untold Stories (2021), atrajo a más de 100.000 visitantes. Su segunda exposición, Steven Meisel 1993 A Year in Photographs (2022), repitió el éxito de la primera registrando más de 130.000 visitas.

La entrada a las exposiciones promovidas por la Fundación MOP es libre. Los beneficios generados por la venta de merchandising han permitido la creación del programa Future Stories. La primera edición del proyecto consistió en una colaboración con la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y el Museo MARCO de Vigo por la cual diez estudiantes del último curso de Bellas Artes recibieron una beca para el desarrollo de proyectos artísticos a partir de sus Trabajos de Fin de Grado. Los beneficiarios de la segunda edición del programa han sido estudiantes gallegos recién titulados en Artes Plásticas y Diseño en Fotografía, que actualmente se encuentran realizando una residencia artística en la sede de Milán de la prestigiosa Fondazione Sozzani.

La Fundación MOP dispone, además, de un programa educativo dirigido por artistas que gira en torno a sus exposiciones y que pretende llevar la figura de estos grandes fotógrafos a las aulas gallegas e impulsar así un conocimiento profundo de su obra. En la edición 2022/2023 del programa participaron 9.000 escolares y 300 profesores de 93 centros educativos de toda Galicia.