VACHERON CONSTANTIN expone dos obras originales de la artista Laura F. Gibellini en su boutique de Madrid hasta finales de agosto de 2024

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La firma de Alta Relojería suiza Vacheron Constantin presenta para este año 2024 un nuevo concepto que define la esencia y savoire-faire de la Maison, denominado From Geometry to Artistry.

 

Un reloj Vacheron Constantin es mucho más que la simple suma de sus partes. A partir de un boceto, un dibujo geométrico y sus ampliaciones técnicas nace todo un mundo de formas, colores y texturas.

 

Las complejas estructuras de la ingeniería mecánica se combinan con el diseño; el detalle meticuloso da vida a la gracia; la inteligencia artesanal despierta emociones. Basados en un estudio matemático formal, los relojes Vacheron Constantin están dotados de un toque de sentimiento y elegancia que representa la máxima expresión del talento artístico.

 

El clasicismo de la colección Traditionnelle; el minimalismo de los relojes Patrimony; el encanto de Égérie; y el espíritu deportivo y elegante de Overseas, ilustran vívidamente esta alquimia en la que el arte se inspira en formas geométricas, expresadas a través del concepto de Vacheron Constantin para el año 2024.

 

Proyecto artístico de Laura F. Gibellini

La artista Laura F. Gibellini ha sido escogida para este nuevo concepto anual y seguir vinculando a la Maison con la esfera del arte, formando parte de un proyecto artístico específicamente creado para Vacheron Constantin y compuesto de dos obras originales expuestas en la boutique de Madrid, donde los relojes se integran y destaca como la representación más tangible del concepto del tiempo.

 

Laura F. Gibellini (Madrid, 1978) es una artista visual que basa su trabajo en el proceso integral de creación de cualquiera de sus obras. Es profesora en la Universidad Complutense de Madrid y forma parte del claustro docente de Master de Arte Práctica impartido por la School of Visual Arts de Nueva York; además, está representada por la galería de arte madrileña NF/ Nieves Fernández.

 

La artista ha expuesto en múltiples centros expositivos nacionales e internacionales de renombre como: Matadero Madrid, Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Accademia di Belle Arti de Roma, The Gabarron Fundation de Nueva York o La Casa Encendida de Madrid.

 

El trabajo de la artista se caracteriza por su sutileza y naturaleza esquemática en cuanto al proceso de creación; a través de dibujos con compás, video-instalaciones, objetos y escultura.  Sus proyectos más recientes profundizan en los límites de lo visible y, consecuentemente, las fronteras de elementos representables; como el tiempo, el aire o la luz. Gibellini explora esas brechas existentes en la representación física de estos elementos y las posibilidades de contemplar lo inconcebible a través de proyectos inmersivos.

 

Aunque el tiempo sea un concepto abstracto, posee una dimensión fundamental para la filosofía, la física o la poesía. Su comprensión es más intrincada y profunda, más allá de la propia medición mecánica.

 

Las dos piezas originales, ubicadas en el escaparate principal de la boutique y el área privada del interior, están basadas en diagramas y transiciones de eclipses y planetas; relacionándose con la medida científica del tiempo y crucial para el universo de la relojería. Ambas se vinculan con el savoir-faire de la Maison y concretamente con los relojes que contienen calendario lunar, simbolizando los lazos ancestrales entre la Alta Relojería y la astronomía.

 

Obras artísticas

Eclipse 1794 – obra artística ubicada en el área privada de la boutique

 

Eclipse 1794

Cristal soplado y grabado al ácido

2 paneles de 80 X 40 cm y 70 x 35 cm respectivamente

 

Piezas de cristal realizadas en Alemania usando las técnicas más exquisitas de artesanía y producidas expresamente para ser expuestas en la boutique de Vacheron Constantin en Madrid.

 

Eclipse 1794  representa el primer diagrama científico registrado sobre un eclipse; un fenómeno vinculado en la astrología con el principio y el fin de todas las cosas y ampliamente estudiado para la medición del tiempo lineal. Esta representación especifica se registró hace 230 años.

 

La gama cromática de la obra se relacionada con el concepto anual de la Maison From Geometry to Artistry, al igual que la transparencia y ligereza del cristal.

 

 

Tránsito de Venus – obra artística ubicada en el escaparate exterior de la boutique

 

Tránsito de Venus

Cristal soplado y grabado al ácido

1 panel de 55 X 69 cm

 

Decorando la parte trasera de la vitrina ubicada en el escaparate exterior de la boutique, la artista propone una representación del Tránsito de Venus, similar a los eclipses, pero siendo en este caso Venus el planeta que se posiciona entre el sol y la Tierra, en lugar de la Luna. Solo ocurre una vez cada 243 años y se trata de un fenómeno astronómico de gran relevancia para la medición de la distancia entre planetas y estrellas; por lo tanto, una medida del tiempo también.

 

Los dos diagramas grabados al ácido sobre el cristal de esta obra, corresponden respectivamente a un dibujo realizado en el año 1759 por el Capitán Cook y otro dibujo realizado por el astrónomo Charles Green durante el viaje que ambos realizaron alrededor del mundo precisamente para observar este tránsito y poder medirlo para obtener información sobre la distancia entre planetas.

 

No solo sirve para decorar, sino que es una obra de arte equiparada a una joya de gran valor. También se ha producido en Alemania utilizando las mismas técnicas artesanales y siendo el único lugar en el mundo donde se elabora este cristal específico.

 

La obra se conecta con el diagrama del eclipse expuesto en el área privada del interior de la boutique, tanto en elaboración como en concepto. Dos fenómenos de gran importancia para la medición del tiempo, al igual que un reloj.

 

Colocada sobre una esbelta peana hecha a medida para el escaparate de la boutique, los dos paneles de cristal destacan a la vista; el primero, el más cercano a la calle, está elaborado en cristal soplado de color azul y el segundo, más cercano al interior del escaparate, presenta un tono de color amarillo. La superposición mantiene la transparencia y la combinación de colores proyecta un nuevo tono de verde.

 

La gama cromática escogida se relaciona también con el tema anual de Vacheron Constantin y la técnica artesanal con la que se ha creado la obra (Artistry) se relaciona con el diagrama representado (Geometry).

 

Ambas piezas permanecerán unas semanas expuestas en la boutique de Madrid hasta finales de agosto y se convierten en la representación artística perfecta de todos los elementos que componen el tema anual de Vacheron Constantin: geometría, artesanía, medición del tiempo y vinculación con el universo del arte.

 

 

Dalí en Oporto: El Museo Atkinson de WOW Porto inaugura la exposición ‘Universo Dalí’

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El barrio cultural en Vila Nova de Gaia, WOW Porto, abre de nuevo las puertas de uno de sus siete museos, el Museo Atkinson, para su nueva exposición, «Universo Dalí». Esta colección presenta la vida y obra de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX, Salvador Dalí.

 

La exposición ofrece un recorrido fascinante e irreverente a través de la trayectoria del artista, desde sus orígenes, su giro hacia el surrealismo, su incursión en la publicidad, su conversión secreta al catolicismo, hasta su reinterpretación de Goya y su colaboración con Walt Disney. «Universo Dalí» invita a los visitantes a un viaje sin precedentes por el surrealismo español y el universo poliédrico de uno de los mayores genios del arte.

 

Con más de 200 piezas, la exhibición incluye dibujos, bocetos, pinturas, esculturas y obras comerciales y publicitarias. Entre estas, destaca una selección de fotografías de Robert Descharnes, fotógrafo francés y amigo cercano de Dalí, tomadas entre 1955 y 1985. Estas imágenes ofrecen una visión íntima y poco común de la vida personal del artista. Nicolas Descharnes, hijo del fotógrafo y actual poseedor de su patrimonio, estuvo presente en la inauguración y destacó la importancia de la obra fotográfica expuesta: «A través de las fotografías de mi padre se puede mantener viva la memoria de este genio».

 

 

La exposición coincide con el centenario del surrealismo y presenta una obra particularmente intrigante, «Visión del infierno en Fátima». Esta réplica numerada revela la conexión de Dalí con Portugal y su casi desconocida devoción católica. Carlos Evaristo, experto en iconografía sacra, explicó que la obra fue un encargo de 1959 para representar el tercer secreto de Fátima. Dalí tardó tres años en completarla, durante los cuales visitó Fátima, se reunió con Sor Lucía y se convirtió al catolicismo, devolviendo a la Iglesia el dinero recibido por el encargo. La obra permaneció oculta bajo el colchón de una monja durante casi tres décadas.

 

Adrian Bridge, director general del grupo The Fladgate Partnership, grupo al que pertenece WOW, comentó: «Esta exposición es una oportunidad imperdible para explorar el legado de uno de los artistas más icónicos del siglo XX y descubrir al hombre detrás del mito. Esta colección revela la versatilidad del Museo Atkinson, que tiene como objetivo traer a Oporto exposiciones notables de carácter internacional, tocando los más diversos espectros del arte, desde el clásico hasta el contemporáneo».

 

La exposición «Universo Dalí» cuenta con la colaboración de Nicolas Descharnes y Carlos Evaristo, de la Fundación Oriana, y fue comisionada por Andreia Esteves, responsable del Museo Atkinson y de las asociaciones internacionales de WOW.

 

Fechas y Horarios

«Universo Dalí» estará abierta al público hasta el 31 de octubre y se puede visitar todos los días, de 10:00 a 19:00 horas. Las entradas tienen cuestan 15 €, con descuentos a mitad de precio para niños.

Exposición y desfile GAUDÍ COMO PRETEXTO

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La genialidad de Antoni Gaudí es el pretexto con el que  Fashion Art Institute by Manuel Fernández ha hecho converger la moda, el arte y la arquitectura. El resultado: una colección multidisciplinar en la que las formas y los colores danzan en prodigiosa armonía.

 

Atípico e irrepetible, el arquitecto catalán y su obra han servido de fuente de inspiración para este proyecto en el que se fusionan diferentes disciplinas artísticas. El objetivo ha sido crear una colección de moda y una exposición presencial y digital que rindan homenaje a su estilo único. Una manifestación tangible de la visión innovadora y la profunda espiritualidad del genio catalán.

 

 

La moda, el arte, la tecnología aplicada a la creación, la sostenibilidad y el compromiso social se dan la mano en esta muestra que explora nuevos ámbitos estéticos y crea una experiencia multidisciplinar excepcional. Como decía el gran maestro: «Para hacer las cosas bien es necesario: primero, el amor; segundo, la técnica».

 

Fruto de su visionario trabajo surgieron sus inconfundibles columnas de doble giro y sus orgánicos capiteles, en los que Manuel Fernández se ha inspirado para crear 19 trajes-lienzo, porque, según las palabras del propio Gaudí: «La originalidad consiste en volver al origen».

 

 

Los 19 trajes-columna diseñados por él se han convertido en lienzos vivos para la expresión creativa de algunos de los más destacados jóvenes artistas plásticos de toda España. Uno por cada comunidad y las dos ciudades autónomas que conforman nuestro territorio. La selección de los creadores se ha realizado tratando de favorecer y promover la diversidad cultural y de género, para así fomentar la cooperación e inclusión entre las comunidades autónomas españolas.

 

El resultado final es tan disruptivo como lo fue en su momento el visionario arquitecto. A punto de cumplirse el primer centenario de su desaparición, la muestra pretende ser un rendido homenaje a la magia de su creatividad desatada y su genialidad. Un Gaudí eterno que sigue inspirando a las mentes innovadoras de hoy en día.

 

 

Castillo de Montjuïc -Barcelona

Presentación: Desfile día 27 de Junio a las 18 h.

Exposición : 27 de Junio a 29 de Septiembre 2024

 

Los trajes están confeccionados en talleres inclusivos con tejidos sostenibles

Actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura

Llega a Barcelona Arte a lo Grande, una ambiciosa expo con obras en gran formato de Juliana Plexxo, Ümit Sural, Om Barbarà y JJ Walker

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La sala Utopia, enclavada entre las murallas más antiguas de Ciutat Vella, se llenó de influencers, artistas y amantes del arte ante la llamada de este evento  único en el que confluían la pintura en gran formato de 4 firmas de renombre, la música en vivo, la performance y el arte en directo de Plexxo. Martín Sky, comisario artístico afincado en Barcelona y BLAME ME una productora de eventos artísticos dirigida por Chris Blane, fueron los artífices de esta propuesta diferente y arriesgada llamada ART THAT GOES BIG que busca evocar emociones y crear conexiones en espacios singulares.

 

Plexxo pintura en directo

 

La exposición, que durará una semana se inauguró con un evento especial que presentó  obras de arte contemporáneo a gran escala de cuatro artistas de gran trayectoria, inspirados en Barcelona como Juliana Plexxo, Ümit Sural, Om Barbarà y JJ Walker. Ademas de la expo   con algunas de  sus mejores obras se pudo disfrutar de actuaciones en vivo de ópera, del  delicado show de Ange y su telúrico instrumento Handpan, de fascinantes performances artísticas y un final de  fiesta con afrohouse.

 

La artista Ange y su concierto de handpan

 

ARTISTAS A LO GRANDE

Juliana Plexxo @julianaplexxo

 

Artista colombiana-española radicada en Barcelona, se especializa en grabados en cobre y técnicas mixtas. Ha dejado su huella con murales colaborativos en EE.UU., Colombia y Ecuador. Juliana fue la primera mujer en exponer en el Museo «La Capilla del Hombre» en Quito. Reconocida por Forbes como una de las 50 personas más creativas en 2022, su arte busca empoderar a las mujeres en el mundo del arte y preservar técnicas tradicionales fusionándolas con el arte contemporáneo.

 

Ümit Sural @umitsural

 

 

Nacido en Estambul y residente entre París y Barcelona, es conocido por su enfoque innovador en el arte contemporáneo. Desde dibujos a carboncillo hasta pinturas acrílicas, desde lienzos tridimensionales hasta esculturas, y desde foto y videografía, Ümit explora diversas escalas de expresión artística. Influenciado por el movimiento moderno de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, sus proyectos artísticos se presentan en series, cada una de ellas referenciando una influencia, referencia o evento particular. Guiado por un sincero gusto por la investigación y la invención artística, cada proyecto se convierte en una obra decisiva, personal y única.

 

Om Barbarà @filosom 

 

 

Artista catalán de la tercera generación de la ilustre familia Barbarà, se dedica a la pintura meditativa y «La Filosofía del Alma». Su arte, que utiliza acuarelas y elementos de collage, explora el auto descubrimiento y la reunificación del alma, trascendiendo el lenguaje con imágenes universales. Om ha ganado reconocimiento global a través de exposiciones y ferias internacionales de arte, como la BUSAN ART FAIR, destacando la amplia atracción de sus creaciones.

 

JJ Walker https://jwalker.studio  

 

 

Artista inglés con una carrera ilustre como creativo multidisciplinario, trabaja en diseño gráfico y muebles vanguardistas. Especializado en esculturas de bronce y grandes lienzos de óleo, sus obras ofrecen un comentario social perspicaz con un toque de surrealismo. JJ extiende constantemente los límites de la proporción y el equilibrio convencional para crear obras estéticamente frescas, emocionantes y con un mensaje serio mezclado con humor.

 

Textura Animal, la exposición de fotografía que ha reunido a los mejores interioristas con sus animales

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Desde el miércoles 29 hasta 30 de junio, Gancedo (Velázquez, 38) acoge la exposición de fotografía Textura Animal del fotógrafo asturiano Juan Carlos Vega. Se trata de una muestra comisariada por la revista FEARLESS, en la que han posado hasta un total de 18 interioristas y arquitectos, en compañía de sus animales. Perros, gatos, conejos y caballos son parte de esta colección, acompañados de sus dueños.

 

 

 

 

 

Se trata de una oda a la naturaleza, la sostenibilidad, las texturas y los tejidos. Cada uno de los protagonistas posan con algún tejido de Gancedo de fondo. La filosofía de esta exposición va en la línea de la sostenibilidad, diseño y vanguardia de la reconocida firma de interiorismo textil. Además, desde una perspectiva estética, las texturas de los animales y los patrones naturales son una fuente de inspiración continua para los diseñadores de decoración de interiores y textiles. La belleza y la diversidad de la naturaleza se traducen en tejidos que imitan estas características para crear productos visualmente atractivos.

 

 

Entre los participantes, la mayoría clientes y amigos de la marca, figuran Sara Folch, Alejandra Pombo, Carmelo Zappulla, Claudia Schultheis, Carlota López-Chicheri, Borja Esteras, MOME Estudio, Fernando Tejero, Sergio García-Gasco, Jorge Alonso, BAO Estudio, Nacho Marqués, Angelina Sanz, Virginia Albuja, Martín de Goya, Raúl Martins, Mar Vera y Héctor Ruiz.

 

 

No es la primera vez en la que FEARLESS y Juan Carlos Vega rinden un homenaje a la naturaleza. Desde 2019 hasta la actualidad, la revista ha llevado a cabo exposiciones de fotografías protagonizadas por animales y sus dueños. Desde actrices como Mónica Cruz con sus perros y un conejo, pasando por diseñadoras como Agatha Ruiz de la Prada con ovejas, influencers como Violeta Mangrilán o modelos como Malena Costa con caballo.

 

 

Nace FEARLESS FEST, un calendario de exposiciones de arquitectura en Madrid

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El próximo jueves 25 de abril arranca la primera edición de FEARLESS FEST con la exposición “El Estadio contemporáneo” de L35 en el espacio de Roca Madrid Gallery.

 

Se trata de un festival de exposiciones de arquitectura que, a lo largo de 2024, ofrecerá en diferentes showroom de marcas de diseño de Madrid exposiciones de arquitectura capitaneadas por diferentes estudios de proyección internacional.

 

Roca, Simon, Tarimas del Mundo y Gandía Blasco son las 4 empresas que promueven esta primera edición, con el apoyo de Cement Design y ECOcero, como primeras paradas confirmadas.

 

Cada muestra, adaptada al arquitecto, expondrá desde maquetas, bocetos, planos, fotografías, renders, trazos, libros y otros elementos, incluso como es el caso del hierro que se ha usado en la fachada del estadio Santiago Bernabéu en la inauguración de la exposición de L35.

 

6 meses de arquitectura en Madrid

La primera parada, será ‘El estadio contemporáneo’ de L35, desde el 25 de abril hasta el 31 de mayo que acoge Roca Madrid Gallery (C/ José Abascal, 57). El Estadio Santiago Bernabéu en Madrid (España); el Estadio Simón Bolívar en La Paz (Bolivia); el Estadio Nemesio Camacho `El Campín´ en Bogotá (Colombia); el Estadio Mendizorrotza en Vitoria (España); el Estadio M. Bin Rashid Al Maktoum en Dubái (EAU) y el Estadio Benito Villamarín en Sevilla (España), son los protagonistas de esta muestra.

 

Desde el 23 de mayo se podrá visitar la exposición de Carmelo Zappulla (External Reference) en Gandia Blasco (C/ Ortega y Gasset, 28). Una exposición que mostrará la innovación y disrupción de la arquitectura, capitaneada por el arquitecto italiano, afincado en Barcelona. La exhibición de obras plasmará un recorrido del trabajo de Zappulla en el que la investigación e innovación vinculada a las nuevas tecnologías y materiales aplicados al diseño computacional y paramétrico cobrará una importante presencia. External Reference ha proyectado y construido, entre numerosos proyectos internacionales, el recorrido expositivo del Pabellón de España en la Expo de Dubái 2020, el pabellón de la UE en la Feria Internacional de Guadalajara 2023, el primer marketplace phigital de WOW en Madrid, el interiorismo integral de la sede central de Sberbank en Moscú o espacios gastronómicos como Moritz Store y Casa Mortiz, The Penthouse by WOW, Alkimia en Barcelona o los aclamados restaurantes de tendencia Vicio. Además, uno de sus principales proyectos de investigación innovador y sostenible, las Pure Plants, las esculturas purificadoras impresas en 3D, se han expuesto en los más importantes festivales de diseño del mundo como Madrid, Valencia, Dubai y Milán.  Todos los proyectos de Zappulla trascienden lo convencional para trasformar los espacios en experiencias emocionales a través de la arquitectura y el diseño.

 

 

A partir del 20 de junio Diego Gronda, fundador y director creativo de GRONDA, exhibirá su trayectoria en Roca Madrid Gallery (C/ José Abascal, 57). Con más de 30 años de liderazgo en los campos de la arquitectura y el interiorismo, Diego ha liderado creativamente a dos grupos internacionales vanguardista (además del suyo propio) diseñar proyectos en los cinco continentes para los más influyentes operadores hoteleros como: Virgin Hotels, Nobu Hospitality, Taj Hotels & Resorts, Ritz-Carlton, Cirque Du Soleil, W Hotels, Accor, Ikos Resorts, InterContinental Hotels, Hyatt Hotels y Mandarin Oriental, entre otros.

 

Desde el 19 de septiembre “La casa de la Luz” de Simon (Calle de Santa Cruz de Marcenado, 1), el nuevo showroom de la multinacional tecnológica ubicado en el mítico edificio de Fernando Higueras y Antonio Miró, alojará la exposición de Impar Grupo. Simon es un grupo industrial especializado en soluciones tecnológicas de iluminación, control de luz, conectividad y material eléctrico para proyectos contract (retail, hospitality, workplaces) y residenciales. Por su parte, Impar Grupo es una compañía  de soluciones integrales en el sector inmobiliario en las áreas de arquitectura, project y construction management. La muestra se centrará en la rehabilitación y construcción de edificios en el entorno urbano, en los que el respeto por el patrimonio histórico, la innovación y la sostenibilidad son los principales valores en la ejecución del Grupo.

 

Desde el 15 de octubre, Gandia Blasco (C/ Ortega y Gasset, 28) acogerá la exposición del estudio Entreabierto, dirigido por José Antonio Granero, ex decano del COAM. Bajo el título “Arquitectura en compañía”, la muestra estará protagonizada por proyectos colectivos que Entreabierto ha llevado a cabo con otros estudios, ya que, para el arquitecto, “la búsqueda de la excelencia, la defensa del derecho a la belleza y la vinculación del mundo de la cultura y el arte con la actividad económica y la empresa sólo puede hacerse en compañía. Y es que, para Granero, la sensibilidad y el posicionamiento arquitectónico nace de la herencia del movimiento moderno y se sustenta en el equilibrio entre la vanguardia y el respeto por el patrimonio y la arquitectura tradicional, y es lo que esta exposición pretende mostrar.

 

La última cita oficial será la que acogerá el showroom del Barrio de Salamanca Tarimas del Mundo (C/ Velázquez, 95) del estudio de arquitectura y arte MUHER. … Se podrá visitar desde el miércoles 13 de noviembre. Especializados en el sector residencial, sedes corporativas, rehabilitación  y paisajismo, los fundadores de MUHER, con 40 años en el mercado, también son autores de obras de arte que conforman colecciones privadas y galerías en todo el mundo.

 

MIAD abre la primera feria con más de 150 marcas de arte, diseño y arquitectura en la Plaza de Toros, Las Ventas, en Madrid

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Madrid Inside Art & Design se estrena como un evento que plantea un formato innovador para las marcas participantes, interioristas, diseñadores, artesanos y artistas. Doce días en los que, a través de una intervención absolutamente rompedora en el emblemático espacio de La Plaza de Toros de las Ventas en Madrid, del 5 al 17 de marzo, un grupo muy selecto de interioristas exhiben sus espacio diseñados con la libertad de haber dejado volar su imaginación de la mano de marcas, los diseñadores y artistas de primer nivel.

 

Fotografías Paloma Pacheco – Espacios: SOLEDAD ORDONEZ y WELCOME DESIGN
Fotografías: Gonzalo Botet – Espacios: EICHHOLTZ BY BEATRIZ SILVEIRA y TATTOO CREATORS BY GUSTAVO RODRIGUEZ

 

MIAD inaugura un recorrido por 30 espacios exclusivos, donde el público encontrará las tendencias más innovadoras del diseño de interiores residencial y contract. Madrid Inside Art & Design es un evento que mira al futuro, tomando las mejores referencias del presente y del pasado, pero sin olvidarse del arte y el diseño vanguardista del panorama actual.

 

Fotografías: Gonzalo Botet. Espacios: ESCENIUM BY TAMARA DELGADO / ANTONIO CALZADO ESTUDIO / CREATIVE CAMPUS UE / ASCALE BY LAURA CARRILLO

 

MIAD inaugura un recorrido por 30 espacios exclusivos, donde el público encontrará las tendencias más innovadoras del diseño de interiores residencial y contract. Madrid Inside Art & Design es un evento que mira al futuro, tomando las mejores referencias del presente y del pasado, pero sin olvidarse del arte y el diseño vanguardista del panorama actual.

 

Fotografías: Gonzalo Botet. Espacios: JUNG BY SARA FOLCH / NATUZZI BY PEPE LEAL / TECHNOGYM BY FREEHAND ARQUITECTURA / DESEESE DESIGN

 

En el interior de la feria, se podrá disfrutar de mini exposiciones de arte comisariadas en los espacios decorados por grandes interioristas y arquitectos. También, se expondrán talleres de colaboraciones entre los diseñadores, artistas, interioristas y las marcas participantes.

 

Fotografías: Gonzalo Botet. Espacios: RAMOS Y COBOS BY LEDESIGN4U 2 / GLOBAL TV BY GUILLE GARCIA-HOZ / CYNTHIA ROMAN / REKKER + BESFORM BY CIRCULO CUADRADO

 

Con más de 150 marcas nacionales e internacionales reunidas en el prestigioso distrito de Salamanca, con un atrevido y diferente montaje, MIAD se posiciona como el magno evento de diseño más innovador de la capital española y un nuevo e imprescindible hito del calendario, tanto de Madrid, como de España, con una clara proyección en Europa.

Una cita indispensable para los amantes del diseño de interiores y de la arquitectura, donde el lujo, la artesanía de calidad, la innovación tecnológica, la creatividad y la excelencia son los vectores centrales.

 

Fotografías: Gonzalo Botet. Espacios: COSENTINO BY MARISA GALLO / ÖMAN CRAFT STUDIO BY MAR VIDAL / ECOCERO BY ALEJANDRA POMBO / LA EBANISTERIA BY SIMONA GARUFI

 

Fotografías: Gonzalo Botet. Espacios: EDRA BY SHELUM BAUTISTA / NEOLITH BY JOSE ARROYO / BARDERA BY ALTELIER STUDIO

 

La feria cuenta con más de 1.500m2 de recorrido, en un espacio diáfano que ha sido intervenido cuidadosamente por el mismo equipo de la feria más importante de la Costa del Sol. “MIAD, es un montaje diferente y atrevido, que desafía las estructuras comunes que se suelen apreciar en este tipo de ferias, así como un recorrido ameno, cómodo y atractivo para recorrerla.” Afirma su director, Alejandro Zaia.

 

05 al 17 de marzo | Horario: de 12 a 20h | Plaza de Toros Las Ventas, Madrid

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«ANTIFÉMINA» de Colita en el Círculo de Bellas Artes

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El Círculo de Bella Artes y La Fábrica, en colaboración con el Archivo Colita, inauguran la exposición “Colita. Antifémina”, que permanecerá en la sala Goya del Círculo hasta el próximo 5 de mayo. La exposición recupera el trabajo fotográfico de esta autora fundamental, publicado en formato libro en 1977 bajo el mismo título, junto con los textos de la escritora Maria Aurèlia Campmany. Unas imágenes que hoy resuenan con la misma intensidad.

 

Hace 46 años Colita (Isabel Steva Hernández) y Maria Aurèlia Capmany se unieron para reivindicar el papel de la mujer en una sociedad machista. Cada una desde sus profesiones, una, fotógrafa y la otra, escritora, publicaron Antifémina, que fue retirado rápidamente del mercado, pero que se convirtió en un libro de culto crítico y reivindicativo. En sus páginas se representaba la vida cotidiana de esos seres que consideran marginados, la “subversiva” realidad que la mujer arrastraba desde siempre. “Antifémina-escribe Mary Nash en el prólogo del libro reeditado- confronta el imaginario colectivo patriarcal con discursos textuales y visuales rompedores que subvierten el canon que había proyectado lo masculino como norma universal y excluido a las mujeres de las grandes narrativas”.

 

 

Para la elaboración del libro, Colita realizó una revisión de su obra hasta la fecha, seleccionando a partir de su archivo fotográfico imágenes de mujeres desde 1960 hasta 1976. Recuperó imágenes de los diferentes estados y clases sociales en que la mujer aparece como protagonista: el mundo de las gitanas del Somorrostro y Montjuïc, las mujeres trabajadoras en las fábricas, la vejez o la prostitución. Colita propuso las imágenes y Maria Aurèlia las acompañó con un texto en el que se pregunta, y pregunta a quien lee, cuestiones relativas a los temas planteados, siempre desde una visión feminista y un tono crítico y reivindicativo.

 

Años más tarde, Colita y Francesc Polop, director de su Archivo y comisario de la exposición, recuperaron el proyecto localizando y restaurando los negativos originales. El libro fue finalmente reeditado y publicado en 2021 por la editorial Terranova y el Ayuntamiento de Barcelona.

 

La exposición actual del Círculo de Bellas Artes muestra por primera vez una selección representativa del trabajo fotográfico de Colita. Reúne, además de diverso material documental y audiovisual, 94 de las 176 fotografías que contiene el libro. Su estructura obedece a los diez capítulos en los que se divide la publicación y en los que se abordan, en tono crítico y didáctico, la vejez, el matrimonio, el trabajo, la religión, la prostitución, la cosificación, la marginación, las modelos, el disfraz y el piropo. Se trata de la primera muestra celebrada tras el fallecimiento de la autora en diciembre de 2023. Es también su último proyecto, ya que fue trabajado e imaginado con ella hasta el último detalle, lo que convierte la exposición en un homenaje a su trayectoria.

 

La vigencia en sus denuncias y reflexiones hace que hoy sea necesario que vuelva a ver la luz este proyecto pionero. A través de esta exposición se pone de manifiesto el valor del libro y se reivindica la figura de dos mujeres intelectuales y valientes que lucharon en una época convulsa para dignificar el hecho de ser mujer y hablar de feminismo, de manera clara y directa. La conjunción de la mirada profundamente humanista de Colita y de las reflexivas palabras de Capmany nos brinda un patrimonio notable de memoria histórica de la sociedad que emerge de la larga dictadura franquista.

 

El objetivo de la muestra es resaltar la fuerza de sus imágenes recuperándolas con nitidez a través del trabajo de un tiraje cuidado y moderno para lograr unas copias en todo su esplendor y que, desprovistas de cualquier artificio, se nos muestren frontalmente para interpe

 

Visitas guiadas

En torno a la exposición, el CBA ha organizado visitas guiadas junto a la cooperativa Pandora Mirabilia, comunicadora y creadora de contenidos con perspectiva feminista. A través de las visitas guiadas a Antifémina, Pandora hará un recorrido por el significado de ser mujer en la época del franquismo y analizarán los mecanismos de represión y discriminación que la dictadura activó contra las mujeres. Las primeras visitas tendrán lugar los días 7, 12, 14 y 19 de marzo.

 

Colita

Isabel Steva Hernández nació en Barcelona en 1940. En sus inicios sigue los pasos y consejos de sus maestros: Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Francesc Català Roca y Leopoldo Pomés, que acabarán siendo compañeros y grandes amigos. Con ellos recorre Barcelona, sus calles y sus gentes, acercándose al mundo gitano del Somorrostro y Montjuïc, al Flamenco, al Barrio Chino, a Las Ramblas… En definitiva, a la vida de su ciudad y de quienes la habitan.

 

En paralelo a su trabajo de calle, Colita va generando con el tiempo una galería de retratos inmensa y, en muchos casos, desconocida, habiendo fotografiado a personajes que van desde Ocaña a Miró, de Mompou a García Márquez, de la Bella Dorita a Carmen Amaya o de Tàpies a Orson Welles. Su cercanía y compromiso personal han hecho que Colita haya sido adscrita a movimientos culturales como la Gauche Divine, la Escuela de Barcelona o la Nova Cançó, fotografiándolos y formando parte de ellos.

 

Al comprender que la transición democrática es un momento irrepetible del que hay que dejar constancia, se lanza a la calle con sus cámaras a cuesta para documentar gráficamente el momento histórico. Fotografía el encierro de Montserrat, la muerte de Franco y las manifestaciones políticas posteriores. Más allá de su compromiso laboral, Colita se implica personalmente en la lucha por las libertades y derechos democráticos, especialmente en los de la mujer. Se afilia a los incipientes movimientos feministas y colabora como editora gráfica en la revista Vindicación Feminista (1976).

 

Fotógrafa incansable, durante cinco décadas, colabora con publicaciones como Interviú, Fotogramas, Cuadernos para el diálogo o Telexprés, entre muchas otras. Ha realizado más de cuarenta exposiciones y publicado más de setenta libros de fotografía. Su obra forma parte de colecciones tan importantes como la del Museu Nacional d’Art de Catalunya o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

 

Le han sido concedidos, entre otros reconocimientos, la Medalla al Mérito Artístico del Ayuntamiento de Barcelona, el doctorado honoris causa por la Universidad Autónoma de Barcelona, el Premio Bartolomé Ros, la Creu de Sant Jordi, el Premio Nacional de Fotografía de 2014 y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de 2021.

 

Colita falleció en Barcelona el 31 de diciembre de 2023.

 

Maria Aurèlia Capmany

Maria Aurèlia Capmany i Farnés, mujer polifacética, escritora, pedagoga y política, nació en Barcelona en 1918. Tras sus estudios universitarios de Filosofía y Letras, participa en actividades culturales clandestinas. Mujer precoz en su trabajo como escritora, rápidamente gana el premio Joanot Martorell con El cel no és transparent, una de sus primeras novelas y en 1968 el Sant Jordi con Un lloc entre els morts, obra que más tarde será llevada a los escenarios.

 

El mundo del teatro es clave en su trayectoria, primero como dramaturga y más tarde como actriz, participando también en tres películas. Junto a Ricard Salvat impulsa la fundación de la Escola d’Art Dramàtic Adrià Gual, donde se encarga de los cursos de literatura dramática. Se adentra también en el teatro de cabaret con intención crítica en colaboración con el escritor Jaume Vidal Alcover, su pareja.

 

El feminismo es evidente desde muy pronto en su actitud pública, en sus opiniones y declaraciones. Se aprecia en muchos de sus textos publicados en los albores del franquismo, como la novela Feliçment jo sóc una dona (1969) o los ensayos El feminismo ibérico (1970), De profesión: mujer (1971) o Carta Abierta al Macho Ibérico (1973), antecedentes claros de Antifémina. Paralelamente escribe artículos para la revista Vindicación Feminista y participa, entre otras, en las Jornades Catalanes de la Dona de 1976, hitos históricos del feminismo español.

 

Capmany fue siempre una mujer políticamente comprometida. En 1976, participó en el Míting de la Llibertat y en el proceso constituyente del Partido Socialista de Catalunya (PSC). Con la llegada de la democracia, Maria Aurèlia pasa a jugar un papel activo en la política local. Es nombrada regidora de Cultura del Ayuntamiento de Barcelona durante la primera legislatura del PSC y a partir de 1987 asume la regiduría de Ediciones y Publicaciones. En paralelo a su actividad municipal, fue miembro de la Diputación de Barcelona desde 1983 hasta su muerte en Barcelona el 2 de octubre de 1991.

JOMO celebra una semana de arte sin precedentes en el prestigioso hotel Santo Mauro. Desde el 10 al 17 de marzo

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El evento contará con la participación de Eladio de Mora dEmo, Jaime Monge, Anna Barrachina, Miguel Díaz Belda y Äcondieresis. Estos visionarios del arte moderno revelarán sus más recientes creaciones, prometiendo una jornada memorable y repleta de inspiración para todos los presentes. En un entorno que rebosa lujo en cada rincón, «Ethereal» se propone como un encuentro de diversas perspectivas del mundo, un espectáculo que promete cautivar y mover a la reflexión a todos los asistentes.

 

Distanciándose de las tradicionales exposiciones en museos y galerías, que suelen favorecer un enfoque minimalista donde la obra de arte predomina, «Ethereal» rompe moldes para ofrecer una experiencia inmersiva única. Esta muestra será un punto de inflexión en la concepción de exposiciones artísticas, garantizando a los asistentes un viaje sin precedentes por las corrientes del arte contemporáneo.

 

La exposición «Ethereal» estará abierta no solo para los miembros de JOMO, sino también para el público general interesado en el arte contemporáneo. Aquellos que deseen asistir podrán reservar su entrada con cita previa, asegurando así una oportunidad exclusiva para sumergirse en el mundo del arte en un entorno íntimo y lujoso.

 

@Jaime Monge

 

@dEmo

 

Toda la recaudación JOMO de «Ethereal» será donado a la Global Gift Foundation. Esta fundación, liderada por la reconocida filántropa española Maria Bravo y la actriz Eva Longoria, se dedica a generar un impacto positivo en la vida de niños, mujeres y familias que se encuentran en situación de vulnerabilidad y/o riesgo de exclusión social.

 

Esta ocasión no solo refleja la dedicación de JOMO a fomentar el arte y la cultura, sino que también destaca su responsabilidad social corporativa al brindar apoyo a iniciativas benéficas que llevan a cabo una labor esencial en beneficio de la comunidad. «Ethereal» no es simplemente una exposición; es una manifestación de cómo el arte puede servir como puente para la solidaridad y el cambio social.

 

 

Si quieres conocer los mejores planes y pertenecer a una comunidad única, este es tu lugar. JOMO es tu mejor asesor, además de plataforma de reservas y organizador de los mejores y más exclusivos eventos de la ciudad.

¿Cómo puedes hacerte miembro de JOMO? A través de una suscripción a la que hay que postularse. La comunidad JOMO se basa en valores y pasiones comunes: el arte de estar en el lugar correcto en el momento correcto.

MADRID LUXURY DISTRICT reúne 8 obras a escala urbana de la escultora AURORA CAÑERO en la Milla de Oro de Madrid

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Madrid Luxury District -enmarcado en el programa Madrid Capital de Moda impulsado por el Ayuntamiento de Madrid- pone en marcha la III Edición de Madrid Luxury Art, con la gestión cultural y el patrocinio de AGM Art Management. Una exposición de arte contemporáneo que a partir del 8 de mayo traerá a la calle Ortega y Gasset ocho obras de dimensiones monumentales de la escultora madrileña Aurora Cañero bajo el nombre ‘Figuras y Personajes’. 

 

Aurora Cañero es una artista clásica, formada en la Escuela de Bella Artes de San Fernando en Madrid. Comenzó con la escultura en la década de los setenta, impulsando nuevas formas del género figurativo que aparecieron como respuesta al Minimal Art y el Arte Povera. Es reconocida nacional e internacionalmente en Francia, Alemania, Bélgica, Holanda, Italia, Grecia, Estados Unidos, Colombia, Venezuela, México y Chile. 

 

Su exposición “Figuras y personas”, realiza un recorrido por los personajes y las situaciones entre reales y ficticias de la carrera de la artista. Cañero no crea figuras humanas, sino personajes que parecen realizar acciones cotidianas, pero siempre otorgándoles una esfera surreal. Las obras incorporadas a la exposición, además, guardan un aspecto directamente vinculado a su presencia en la calle, su capacidad de interacción con el espectador que se siente atraído por las acciones que ellos realizan y los mundos que representan.

 

Esta exposición temporal se lleva a cabo en el marco de la Global Summit of Women 2024 que tendrá lugar en mayo en Madrid y que tiene como objetivo poner foco en el papel de la mujer como agente de cambio e impulso en las economías del futuro.  La presencia de Aurora Cañero durante la cumbre permite comprender el papel femenino en la creación artística.