Se inaugura en San Sebastián una gran retrospectiva de ISABEL AZKARATE, la primera mujer fotoperiodista vasca

La retrospectiva reúne más de 300 fotografías, muchas de ellas inéditas, que presentan al gran público la trayectoria vital y profesional de la que se considera la primera fotoperiodista vasca, con un imprescindible legado fotográfico todavía poco conocido.

Con más de 40 años de profesión, Isabel Azkarate (San Sebastián, 1950) se formó como fotógrafa en Barcelona a finales de los años setenta, donde realizó sus primeros trabajos profesionales que la llevarían a Nueva York a principios de los ochenta, documentó los asesinatos del grupo terrorista Sendero Luminoso en Perú y los años más violentos del terrorismo en Euskadi, o la última sesión de fotos a Bette Davis en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, del que fue fotógrafa durante más de una década.

La exposición está comisariada por Silvia Omedes, directora de la Fundación Photographic Social Vision, entidad que representa a Isabel Azkarate en la gestión de su patrimonio fotográfico, y que ha investigado a fondo su archivo en los últimos tres años, encargándose a su vez de cuidar y promover su obra a través de exposiciones, venta de copias, licencias y publicaciones.

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La muestra celebra la donación del Fondo Isabel Azkarate a Fototeka de Kutxa Fundazioa, que garantizará la conservación, estudio y difusión de este valioso legado, formado por más de 175.000 objetos, entre negativos y diapositivas, cámaras, catálogos y publicaciones originales en prensa.

Además, el Museo San Telmo de San Sebastián se suma al reconocimiento a la fotoperiodista con la inauguración, el 26 de enero de 2024, de una segunda exposición de Isabel Azkarate titulada “Arte y parte”, formada por tres series de fotografías relacionadas con el arte: instantáneas donde el público reacciona ante distintas obras artísticas, retratos de artistas vascos en sus estudios y una serie inédita de los años ochenta que recupera bustos de amerindios y afroamericanos guardados en el almacén del American Museum of Natural History de Nueva York.


En colaboración con Kutxa Fundazioa y el Museo San Telmo, la editorial Blume y la Fundación Photographic coeditan y presentan el libro Isabel Azkarate, primera gran publicación que amplía el conocimiento de la obra de la fotoperiodista con cerca de doscientas imágenes, muchas de ellas inéditas.

Hace más de dos décadas que la Fundación Photographic Social Vision actúa como plataforma de apoyo a la fotografía documental y al fotoperiodismo. Entre sus actividades, destaca la investigación, conservación y difusión de legados fotográficos de interés histórico, social y cultural, representando a archivos fotográficos fundamentales como el de Joana Biarnés, Jacques Léonard, Oriol Maspons, Leopoldo Pomés, Ferran Freixa, Joaquín Tusquets de Cabirol, Isabel Azkarate, Anna Turbau y Manuel Outumuro.

La FUNDACIÓN MOP presenta su gran exposición de HELMUT NEWTON en A Coruña

Helmut Newton – Fact & Fiction, la gran exposición de la Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) dedicada a la vida y la obra del legendario fotógrafo germano-australiano, abre mañana al público en A Coruña. La muestra, la tercera promovida por la Fundación MOP tras las de Peter Lindbergh y Steven Meisel, podrá visitarse en su centro de exposiciones del Muelle de Batería hasta el 1 de mayo de 2024.

A lo largo de sus seis décadas de carrera, Helmut Newton llegó a ser considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo. Prolífico creador de imágenes y auténtico visionario, sigue ejerciendo hoy en día una gran influencia en la fotografía moderna y en las artes visuales.

 

Helmut Newton – Fact & Fiction es un proyecto impulsado en estrecha colaboración con la Fundación Helmut Newton y comisariado por Philippe Garner, Matthias Harder y Tim Jefferies, que idearon una propuesta a medida para el espacio de la Fundación MOP en el Puerto de A Coruña, obra de Elsa Urquijo Arquitectos. “Coincidimos de inmediato en que a Helmut le habrían encantado los silos y almacenes rehabilitados del espacio expositivo, el entorno portuario y la tan especial arquitectura propia de la ciudad. Disfrutamos imaginando las imágenes que podría haber creado en este entorno”, afirman.

La selección de fotografías que conforma la exposición es una buena muestra del lenguaje visual audaz, empoderador y sin complejos característico de Newton, incluidos sus icónicos “grandes desnudos” y los inolvidables retratos de personajes excepcionales como Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Peretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent y Karl Lagerfeld.

Como contrapunto a sus imágenes más icónicas, la exposición incluirá además ejemplos de “paisajes” menos conocidos de Newton: imágenes muy evocadoras de los lugares que influyeron en su obra como París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas y que también son un reflejo de la atmósfera especial del emplazamiento de la muestra en A Coruña.

 

La exposición descubrirá también junto a su obra la faceta personal del artista a través de una serie de vídeos que muestran a Newton trabajando y conversando; de imágenes personales que ofrecen una visión de su infancia, su carrera y su relación con su esposa June y de otros documentos como carteles, cámaras y equipos, accesorios, objetos curiosos y recuerdos.


Fundación MOP
La actividad de la Fundación Marta Ortega Pérez está estructurada sobre tres pilares: la moda, la fotografía y A Coruña. La exposición inaugural de la Fundación, Peter Lindbergh: Untold Stories (2021), atrajo a más de 100.000 visitantes. Su segunda exposición, Steven Meisel 1993 A Year in Photographs (2022), repitió el éxito de la primera registrando más de 130.000 visitas.

La entrada a las exposiciones promovidas por la Fundación MOP es libre. Los beneficios generados por la venta de merchandising han permitido la creación del programa Future Stories. La primera edición del proyecto consistió en una colaboración con la Facultad de Bellas Artes de Pontevedra y el Museo MARCO de Vigo por la cual diez estudiantes del último curso de Bellas Artes recibieron una beca para el desarrollo de proyectos artísticos a partir de sus Trabajos de Fin de Grado. Los beneficiarios de la segunda edición del programa han sido estudiantes gallegos recién titulados en Artes Plásticas y Diseño en Fotografía, que actualmente se encuentran realizando una residencia artística en la sede de Milán de la prestigiosa Fondazione Sozzani.

La Fundación MOP dispone, además, de un programa educativo dirigido por artistas que gira en torno a sus exposiciones y que pretende llevar la figura de estos grandes fotógrafos a las aulas gallegas e impulsar así un conocimiento profundo de su obra. En la edición 2022/2023 del programa participaron 9.000 escolares y 300 profesores de 93 centros educativos de toda Galicia.

‘Vestidas para el Cielo’, la exposición de fotografía de Yael Portabales inspirada en Zurbarán

La primera vez que vi Santa Casilda de Zurbarán en el Prado en una exposición, me quedé muy impactada. Pensé que era el retrato de alguna noble y hasta unos años después, que empecé a investigar ese cuadro y las Santas de Zurbarán, no me di cuenta de por qué me había atrapado.
En una primera lectura, impresiona la riqueza de su traje y la belleza de la modelo. Pero es la serenidad que emana del cuadro, la postura de la santa, como pillada de improviso, con un signo de recogimiento, lo que te sigue sorprendiendo y hace que te quedes delante del mismo. Posteriormente supe que Zurbarán creó con sus santas un modelo que tuvo muchísimo éxito, y que fue ampliamente exportado a Ultramar. Podríamos decir que son varios los motivos de su popularidad. Se consideran por un lado que fueron “retratos a lo divino”, son damas nobles que se han retratado como santas para asemejarse a las virtudes de las mismas. Son auténticos retratos en los que la modelo mira directamente al espectador. Pero por otro lado, otros de sus cuadros, podrían considerarse modelos idealizados, aunque tanto unos como otros, están llenos de realismo y esto resulta muy atractivo.


Otro de los motivos por los que llaman la atención es por la gestualidad de las santas. Unas veces miran hacia el cielo, estableciendo una conexión con Dios, otras miran hacia abajo en signo de humildad, otras veces inclinan la cabeza hacia un lado como hacen muchos santos…. Parece que se ha congelado el instante en el que van en su camino hacia el cielo y es como una invitación a acompañarlas en su caminar. Y por último, comentar los ricos ropajes que llevan. Muchos consideran a Zurbarán el primer modisto español, por delante de Balenciaga, el cual se inspiró en el maestro de Fuente de Cantos. Su padre era mercader de telas y por tanto estaba acostumbrado a ver tejidos de calidad. En su época fue criticado por utilizar unas telas tan lujosas para vestir a las santas, pero Zurbarán, que fue el pintor religioso por excelencia de su época, representó como nadie el espíritu de la contrareforma y su utilización tuvo un sentido teológico.

Creen que estuvo inspirado en los desfiles que se hacían el día del Corpus, en el que al final de la procesión se representaba un auto sacramental o una obra de teatro con la vida de las santas. Así mismo, en una época en la que se aunaban todas las artes al servicio de Dios, era normal que más tarde esos mismos trajes fueran fuente de inspiración para vestir a las actrices en las obras de teatro que se representaban. Zurbarán fue muy original al utilizar trajes contemporáneos, pero a la vez utilizando joyas y adornos de otras épocas para dotarlos de atemporalidad. Esa particular forma de retratarlas hizo que fuera capaz de crear una nueva iconografía de santas de carne y ataviadas con vestimentas elegantes, pintando con maestría pliegues, brocados y tafetanes. También es muy significativo la serenidad que emanan las santas. Todas son vírgenes y han sufrido los más atroces martirios, pero ellas están serenamente de paso, la única forma de saber que les ha pasado son los instrumentos de martirio que portan.

Todo el asombro que me ha producido su obra y la simbología que lleva detrás, me ha llevado a querer rendir homenaje a un pintor como Zurbarán, e intentar reinterpretar sus santas bajo una mirada más contemporánea, como él mismo hizo cuando pintó a sus santas. Mediante estas fotografías, me gustaría por un lado intentar acercar su obra al espectador de hoy mediante un lenguaje más actual y comprensible para que sean testigos de la riqueza de nuestro pasado y por otro, conectar con la vida de estas mujeres tan virtuosas para así poder acompañarlas en su viaje celestial.

Por Yael Portabales

La exposición está abierta hasta el 20 de noviembre en el Museo Diocesano de Arte Sacro de Orihuela. 

Influencers, celebrities y deportistas eligen el fotomatón ESFERING PHOTOBOOTH para su boda.

Sergio Luján, CEO fundador de ESFERING, recibe al equipo de FEARLESS para concedernos una entrevista después de las portadas de FEARLESS que realizamos con esta empresa en nuestra pasada fiesta en AEDAS. Todos los invitados pudieron ser por un día ‘portada’ gracias a ESFERING.

 

La era de Instagram y la revolución de las redes no ha desplazado al sector de los fotomatones. Todo lo contrario: hoy, en fiestas y eventos corporativos, bodas, aniversarios o cualquier ocasión especial, los invitados quieren llevarse un recuerdo impreso. Impreso, pero que, a su vez, se complementa con la versión digital de entrega inmediata que ofrecen estos servicios: fotos y vídeos directos del soporte a la red. 

 

Aunque Google está repleto de empresas que ofrecen este servicio, ESFERING es sin lugar a dudas un valor seguro dado el clipping y la enorme clientela con la que cuenta. Marcas como NETFLIX, PORSCHE, SWAROVSKI, GUESS, TAG HEUER, ADIDAS o celebrities, influencers como Edurne & David de Gea, Dani Carvajal & Daphne Cañizares, Jordi Alba & Romarey, Marta Lozano & Lorenzo Remohi, Teresa Andrés & Ignacio Ayllon, Marta Díaz, Mery Turiel, han elegido el servicio de esta empresa española que fue, además, pionera en la prestación de estos servicios hace más de una década.

 

Ofrecen todo tipo de servicios. Desde fotomatón, vídeos 360º, vídeos a cámara súper lenta,… 

 

¿Cómo nace ESFERING?

El proyecto nació en una SpinOff universitaria y continuó como proyecto principal en otra empresa de base tecnológica. Más tarde, se consolidó como una empresa dedicada a todo el proceso, desde la fabricación hasta la prestación del servicio.  A día de hoy, Esfering sigue siendo marca de referencia en el sector de servicios de generación de contenido.

 

Hábleme de la evolución del concepto de fotomatón desde el principio hasta la fecha de hoy.

En 2010 creamos el primer fotomatón para fiestas y eventos en formato abierto, es decir, sin cabina, y con el atractivo de que el cliente podía verse en una pantalla mientras posaba.

 

Desde entonces, hemos mantenido una política de innovación continua que nos ha permitido desarrollar mejoras en la estética y la calidad de nuestras fotos, tanto digitales como impresas. Siempre hemos perseguido crear experiencias en las que nuestros usuarios se sientan protagonistas y se gusten delante de nuestro fotomatón.

 

Nuestros objetivos los centramos en la calidad de servicio frente al volumen de eventos simultáneos. Nos implicamos en cada evento con gran dedicación y exclusividad para garantizar la calidad que nuestros clientes esperan de nuestra marca.

 

¿Cuál es el target de ESFERING?

En el ámbito empresarial o de firmas trabajamos para marcas de reconocido prestigio en galas, premieres, presentaciones de producto, ferias, congresos, etc. Pero también trabajamos para empresas que nos contratan para sus eventos internos como family days, team buildings, fiestas de Navidad, aniversarios, etc.

 

En cuanto a celebraciones privadas, principalmente bodas y fiestas de cumpleaños, trabajamos para todo tipo de perfiles, pero es cierto que nos elige un gran número de figuras públicas de diferentes ámbitos: deportistas, actores, presentadores, cantantes, modelos, periodistas, políticos, influencers, etc.

 

Por el tipo de evento al que solemos asistir, han posado frente a nuestras cámaras multitud de caras conocidas. Podría destacar a Antonio Banderas y Georgina Rodríguez en la Gala Starlite en Marbella. O deportistas como Messi, Cristiano Ronaldo, Sergio Ramos, Pau Gasol, Luka Modric, Jordi Alba, Xavi Hernández, Dani Carvajal, Sergio Llull. Todos ellos han posado frente a nuestras cámaras en algunas de sus fiestas y celebraciones privadas. 

 

Y otras muchas celebridades e influencers como María Pombo, Carmen Lomana, Ana Mena, Marta Díaz, Laura Escanes, Lola Índigo, Chenoa, Blanca Suárez, ‘Los Javis’, Esther Expósito, Arturo Valls, Susanna Griso, Luján Arguelles, Joaquín Torres, María G. de Jaime, etc.

 

¿Qué tipo de servicios ofrecéis?

Los servicios que resultan más atractivos son aquellos que generan momentos inolvidables durante el evento, momentos que no existirían si no fuese por Esfering. Es cierto que están muy de moda los servicios de vídeo 360 y cámara súper lenta, pero el fotomatón sigue siendo el más demandado porque es el que más aporta a la mayoría de eventos.

 

El tiempo pasa muy rápido y no hay mejor manera de retenerlo que con una buena fotografía.

 

¿Cuál es vuestro valor añadido frente a la competencia?

En nuestro caso, como empresa tecnológica, solemos adaptarnos rápidamente a las tendencias. Creamos funcionalidades, filtros o efectos novedosos que acaban poniéndose de moda a través de clientes influyentes.

 

¿Cuál es vuestra filosofía?

Hacer que nuestros servicios se conviertan en toda una experiencia y conseguir que nuestros clientes queden sorprendidos por el estilo y calidad del resultado.

 

Siempre hemos sido conscientes de la importancia de ofrecer el mejor resultado en el contenido que generamos por el simple hecho de que hay eventos que no se pueden volver a repetir.

 

Para nosotros, nada puede fallar en un evento y somos muy exigentes porque el resultado de nuestro trabajo acaba siendo una clara evidencia de si hemos prestado un buen servicio o no.

 

Todo anfitrión u organizador de evento busca dos cosas: crear momentos memorables y que quede constancia de ellos. Si te ves favorecido en una foto o en un vídeo, es muy probable que publiques ese contenido. Esto hará que el acontecimiento trascienda más allá de la duración del mismo. Que el contenido sea de calidad, gustará más, por lo que se compartirá y tendrá más alcance, lo que aportará notoriedad al evento.

Nueva Leica SOFORT 2

En los primeros tiempos de la fotografía, transcurrían de horas a días entre el momento de capturar una imagen y la visualización del resultado. Desde 1947, las cámaras instantáneas han ofrecido una nueva experiencia fotográfica, que adquirió estatus de culto, especialmente en los años 70 y 80. En aquella época, la foto impresa al instante simbolizaba la inmediatez, mientras que en el acelerado mundo actual representa un momento de satisfacción. No es de extrañar que la fascinación por la fotografía instantánea esté floreciendo de nuevo, y ahora, con la Leica SOFORT 2, Leica Camera presenta la segunda generación de su cámara instantánea. Esta cámara híbrida combina a la perfección los momentos digitales fugaces con el perdurable mundo analógico. 

El aspecto moderno, minimalista y elegante de la SOFORT 2 es un testimonio de la experiencia de la compañía en diseño industrial. La experiencia de la marca Leica continúa de forma coherente con el manejo de la SOFORT 2, ya que su estructura de menús de fácil manejo y la disposición de los botones se alinean con las de otras cámaras digitales Leica. 

 

La novedad de la SOFORT 2 es principalmente la opción de guardar permanentemente las imágenes digitales y elegir las mejores tomas antes de imprimirlas. Esto incluye todas las fotos de tu smartphone y las tomadas con otras cámaras Leica, ya almacenadas en la galería de la aplicación Leica FOTOS, perfectamente conectada.

Estas fotos pueden transferirse a la cámara a través de la aplicación e imprimirse como fotos instantáneas. Solo tienes que tirar de la palanca de impresión manual de la cámara y, segundos después, tendrás la impresión en papel fotográfico formato Instax Mini en tus manos. Leica ofrece papel fotográfico exclusivo con un marco blanco cálido o dorado. 

 

Fácil de usar, minimalista y con estilo. La nueva Leica SOFORT 2 está disponible en negro, rojo y blanco y se presenta como una cámara que encontrará rápidamente un lugar permanente en la familia, en eventos y durante los viajes, creando experiencias especiales compartidas. Numerosas funciones divertidas ayudan aún más a capturar momentos de forma creativa: el modo selfie con un botón de disparo independiente, el modo paisaje con carácter gran angular, el modo macro para primeros planos de hasta 10 cm, así como 10 objetivos y 10 efectos de película para dar rienda suelta a su creatividad. 

Tan versátiles como la propia Leica SOFORT 2 son sus accesorios. Los elegantes marcos  de madera de las fotos son un bonito escaparate de las impresiones. Las muñequeras,  las correas de transporte, las bolsas y otros accesorios de alta calidad realzan la  individualidad y la creatividad de la cámara y, lo que es más importante, de las personas  que la utilizan para capturar y compartir momentos especiales, ya sea en forma de  fotos instantáneas analógicas o de momentos digitales en las redes sociales. 

 

La Leica SOFORT 2 estará disponible en Leica Store Madrid, Leica Online Store y los  distribuidores autorizados a partir del 9 de noviembre de 2023. El precio de venta  recomendado será de 390 euros, IVA incluido. 

El Parque de Retiro acoge MANOS DE LA ARQUITECTURA, la exposición de fotografía de la revista FEARLESS

El 2 de octubre se celebra el Día Internacional de la Arquitectura. Con este motivo, el Parque de Retiro, en concreto la Biblioteca Eugenio Trías, en colaboración con el Ayuntamiento de Madrid, expone la séptima parada de la exposición de fotografía itinerante MANOS DE LA ARQUITECTURA en colaboración con GRUPO COSENTINO.

Después de Madrid, Barcelona, Miami, Milán, Mallorca y Málaga, se democratiza esta muestra (del artista asturiano Juan Carlos Vega y comisariada por la revista de fotografía FEARLESS® y su directora Katalina Mikhailova) para poder ser visitada gratuitamente hasta el 22 de octubre.

Más de 100 figuras de la arquitectura o el diseño conforman esta colección de fotografías que a finales de noviembre se expondrán en COSENTINO CITY LONDON. 

 

El objetivo de la muestra es homenajear la figura de los principales arquitectos españoles de las generaciones comprendidas entre 1937 (fecha de nacimiento de Rafael Moneo) y 1970 (fecha de nacimiento de Joaquín Torres) así como jóvenes figuras del sector.

De los arquitectos nacionales, cabe resaltar la participación de Alberto Campo Baeza, Carlos Lamela, Carlos Rubio Carvajal, Eva Cuesta (ACERTA), Fran Silvestre, Enrique Lopez-Granados (Caledonian), Fuensanta Nieto, Benedetta Tagliabue, Emilio Tuñón, Ignacio Vicens, Joaquín Torres, Paloma Sobrini, Rafael de La-Hoz,  Rafael Moneo, Teresa Sapey, Tristán López-Chicheri, Sara Folch o Ana Bofill.

También figuras del interiorismo y la decoración como Pascua Ortega, Lorenzo Castillo, Tomás Alía, Lázaro Rosa-Violán, o figuras de la construcción como los hermanos Castellano de Archarray. Asimismo jóvenes arquitectos como María Villalón, Raúl Almenara, Juan Bengoa han posado para esta exposición itinerante y de carácter internacional.

 

Marcas del sector se vuelcan con el proyecto

Para esta ocasión, MANOS DE LA ARQUITECTURA, además de contar con el mecenazgo y apoyo de GRUPO COSENTINO desde su nacimiento, también cuenta con el apoyo de la constructora PAMA, la empresa líder en cemento y diseño CEMENT DESIG, la promotora y constructora de inmobiliario premium CALEDONIAN y la empresa de project management ACERTA.

 

Fran Silvestre, uno de los arquitectos más relevantes de su generación y el fundador de NIU HOUSES, el proyecto de casas prefabricadas de lujo, ha sido elegido como imagen del cartel oficial de esta edición, quien además participará en la rueda de prensa que tendrá lugar el próximo 6 de octubre.

«El ojo irónico», el documental que repasa la vida del fotógrafo Ramón Masats

“Yo, sin la ironía, no podría hacer fotografía”. Es una de las frases que el genial Ramón Masats desgrana en el reciente documental que se emitirá en La 2 de TVE el 1 de octubre. Un documental de Xavier Baig, Òscar Moreno y Jordi Rovira, que repasa la vida del fotógrafo, y que cuenta con material y testimonios que ayudan a conocer a uno de los máximos exponentes de este arte en la segunda mitad del siglo XXI.

Ramón Masats no tenía nada claro su futuro. No se veía en la tienda familiar de pesca salada que su familia regentaba en el mercado de Terrassa. Él era el hermano mayor y, debido a la tradición catalana del ‘hereu’, sabía que estaba predestinado a quedarse con aquel negocio en el que ya llevaba años trabajando. Se levantaba muy temprano y, cada mañana, con una pequeña furgoneta, de donde emanaba un fuerte olor de bacalao, iba a buscar el pescado que después comercializaban. Pero él quería otra cosa.


Fue durante el servicio militar que este lector empedernido se topó con un ejemplar de la revista Arte Fotográfico y empezó a interesarse por la fotografía. Pero para ello necesitaba una cámara, así que, poco a poco, le sisó dinero a su padre para comprarse una Kodak Retina II. Y para no reconocer el robo, le aseguró a su progenitor que aquella cámara la había ganado en una tómbola.

Una vez finalizado el servicio militar, se presentó en la sección de fotografía del Casino de Comercio de Terrassa y, más tarde, en la Agrupación Fotográfica de Cataluña, pero en ambos lugares, exponentes de un arte caduco y de una mirada anticuada, se sentía fuera de lugar. Aun así, en la agrupación catalana conoció a jóvenes como Oriol Maspons, Ricard Terré o Xavier Miserachs, que, como él, tenían una concepción moderna de la fotografía que Masats y rechazaban el academicismo imperante de la época. Estos rebeldes, recién llegados, eran vistos con suspicacia y frialdad por el resto de miembros.

Todos estos jóvenes acabaron marchando de la Agrupación para emprender un camino juntos y crear una obra que, poco a poco, revolucionaría la fotografía española. Esta generación de fotógrafos cambiaría la visión de España a través de sus miradas. Y Masats es uno de sus principales representantes.


El trabajo de Masats coincide con el final del periodo de autarquía franquista y es en este contexto que empieza a recorrer el país –primero en motocicleta, después en un SEAT 600– para retratar los rituales castizos y folclóricos españoles. Los tópicos siempre han despertado su interés, así que tenía un reto: inmortalizarlos de una manera diferente, con una mirada nueva, moderna.


Desde Madrid –donde se traslada a vivir para trabajar para Gaceta Ilustrada– inicia una carrera como profesional realizando numerosos reportajes por toda España, sobre todo Andalucía. No solo se convierte en reportero, sino que su mirada irónica y transgresora también da lugar a libros como Sanfermines o Neutral Córner. E incluso trabaja por el Ministerio de Información y Turismo, para retratar un país que había decidido abrirse y que, en consecuencia, necesitaba venderse más allá de los Pirineos.

Sin embargo, en 1965, cuando su trayectoria profesional se encuentra a su punto más álgido, Masats abandona la fotografía durante un largo periodo de dieciséis años. Es un cambio brusco, radical, que se explica por su decisión de realizar documentales –incluso una película de ficción– para el NODO y TVE. Esta etapa audiovisual, en un momento en que la pequeña pantalla empieza a estar presente en todos los hogares, es desconocida para el gran público. Son unos años totalmente al margen de la fotografía, en los que experimenta con las imágenes en movimiento. Una época que dura hasta 1981, cuando intentan contratarlo en Televisión española y él se opone. Porque nunca ha querido contratos y siempre ha ido por libre.

Entonces regresa a la fotografía de la mano de la editorial Lunwerg, con quienes colabora a lo largo de dos décadas. Esta nueva etapa se caracteriza por la fotografía en color –toda su producción anterior era en blanco y negro– lo que no le supone ningún problema. Le encargan numerosos libros sobre España, que reflejen la vida, alegría y color de un país que lleva pocos años en democracia y que ha dejado atrás una época gris. Por cierto, unas fotos, la de esta segunda etapa, poco conocidas.


Finalmente, en 2002, a los sesenta y siete años, Ramón Masats dice que ya tiene bastante y deja definitivamente la cámara. A principios del siglo XXI ya es considerado uno de los grandes de la fotografía española, un referente absoluto, incluso por muchos, el mejor fotógrafo español de la segunda mitad del siglo XX. Y con su decisión de abandonar la profesión y disfrutar de una merecida jubilación, empiezan a llegar los homenajes y reconocimientos para este hombre que actualmente, a sus noventa y dos años –y con una salud delicada– ha decidido sentarse durante tres días ante las cámaras y realizar la que podría ser su última entrevista.

“Nunca había hablado tanto”, reconoció, sincero, al acabar.

‘TIMELESS’ (ETERNO), el 50º CALENDARIO PIRELLI adopta el sello único de PRINCE GYASI

El año 2024 marcará el 60º aniversario del Calendario Pirelli y también su 50ª edición. La compañía ha encargado al joven artista gráfico ghanés Prince Gyasi la autoría de la obra que marcará estas importantes efemérides. Bajo el título Timeless (eterno) se mostrará una obra única con un reparto único, que abarca desde supermodelos como Naomi Campbell a ex futbolistas como Marcel Desailly, pasando por escritoras e incluso reyes. Todos sus retratos se tomaron entre Londres y Ghana el pasado mes de julio.

 

El casting del Calendario Pirelli 2024 es, cuanto menos, destacable, y abarca desde su Majestad Otumfuo Osei Tutu II, Rey del histórico Imperio Asante de África Occidental, a la leyenda de Hollywood Angela Bassett. Todos ellos atestiguan la visión del artista visual Prince Gyasi que, a sus 28 años, se convierte en uno de los más jóvenes fotógrafos en firmar el icónico almanaque, aunque goza de una gran aclamación internacional por su trabajo vívido y audaz.

 

Su elección como autor del Calendario fue, en sus propias palabras, “una lección de humildad. Soy uno de los más jóvenes en hacerlo y es increíble, increíble”.

 

Gyasi escogió a su reparto tomando como referencia el impacto que esas personas tuvieron en su vida y su pensamiento: “Algunos de ellos son amigos, y me he sentido como si trabajara en familia por la conexión que hemos tenido en el set”.

 

La lista incluye viejos amigos, como Naomi Campbell, a la que Gyasi retrató en Lagos, Nigeria, en 2021, para la portada de la revista Madame Figaro, y a la que el artista visual ghanés definió en redes sociales como “Icono de la Moda”. Por cierto, esta será la quinta aparición de Campbell en el Calendario Pirelli.

 

También aparecen nuevas amistades de Gyasi, como Margot Lee Shetterly, autora del libro Figuras Ocultas: la desconocida historia de las mujeres afroamericanas que ayudaron a ganar la carrera espacial, y la también escritora Amanda Gorman, que recitó su poema The Hill We Climb durante la proclamación del presidente de los Estados Unidos, Joe Biden, en 2021.

 

Al fin de la sesión de fotos, Gyasi sintió que había completado su viaje personal, un recorrido vibrante junto a viejos y nuevos colegas para crear un arte dinámico, desafiante.

La Fundación MOP anuncia su tercera exposición de fotografía de moda en A Coruña

La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) convertirá este otoño su espacio expositivo en el Puerto de A Coruña en escenario de una gran exposición dedicada a la vida y la obra del legendario fotógrafo germano-australiano Helmut Newton (1920-2004). Helmut Newton – Fact & Fiction podrá visitarse del 18 de noviembre de 2023 al 1 de mayo de 2024.

 

Siguiendo la estela de las muestras dedicadas a Peter Lindbergh y Steven Meisel, Helmut Newton – Fact & Fiction es la tercera exposición promovida por la Fundación MOP. Esta nueva muestra es un proyecto impulsado en estrecha colaboración con la Fundación Helmut Newton y comisariado por Philippe Garner, reconocido experto en fotografía; Matthias Harder, Vicepresidente de la Fundación Helmut Newton, y Tim Jefferies, director de la Galería Hamiltons.

 

A lo largo de sus seis décadas de carrera, Helmut Newton llegó a ser considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo. Prolífico creador de imágenes y auténtico visionario, sigue ejerciendo hoy en día una gran influencia en la fotografía moderna y en las artes visuales.

 

Junto a su obra, la exposición descubrirá también la faceta personal del artista a través de una serie de vídeos que muestran a Newton trabajando y conversando; de imágenes personales que ofrecen una visión de su infancia, su carrera y su relación con su esposa June y de otros documentos como carteles, cámaras y equipos, accesorios, objetos curiosos y recuerdos.

 

La selección de fotografías de moda y lifestyle que conforma la exposición es una buena muestra del lenguaje visual audaz, empoderador y sin complejos característico de Newton, incluidos sus icónicos “grandes desnudos” y los inolvidables retratos de personajes excepcionales como Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Perretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent y Karl Lagerfeld.

 

Como contrapunto a sus imágenes más icónicas, la exposición incluirá además ejemplos de “paisajes” menos conocidos de Newton: imágenes muy evocadoras de los lugares que influyeron en su obra como París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas y que también son un reflejo de la atmósfera especial del emplazamiento de la muestra en A Coruña.

 

En palabras de Marta Ortega Pérez: «Helmut Newton forma parte de ese grupo estelar de fotógrafos cuyas imágenes se reconocen al instante. Su gran acto revolucionario fue cambiar por completo la forma en que las mujeres eran retratadas en las páginas de las cabeceras de moda. Ahora eran las mujeres quienes disfrutaban del diseño y la moda, del poder y el esplendor de sus cuerpos; mujeres elegantemente seductoras e intocables. Sus fotografías iban más allá de su época y estaban muy adelantadas a su tiempo: sentó las bases para los fotógrafos que le siguieron de una manera extraordinaria.

 

Trabajar con fotógrafos cuya obra admiro desde hace mucho tiempo es un gran privilegio. Lo hago no sólo con la ambición de enriquecer la vida cultural de A Coruña, sino también con la ilusión de que las futuras generaciones de artistas visuales que visiten las exposiciones encuentren su propia inspiración en la obra de estos influyentes artistas».

 

La actividad de la Fundación Marta Ortega Pérez está estructurada sobre tres pilares: la moda, la fotografía y A Coruña. La exposición inaugural de la Fundación, Peter Lindbergh: Untold Stories (2021), atrajo a más de 100.000 visitantes. Su segunda exposición, Steven Meisel 1993 A Year in Photographs (2022), repitió el éxito de la primera registrando más de 130.000 visitas.

 

La entrada a las exposiciones promovidas por la Fundación MOP es libre. Los beneficios generados por la venta de merchandising han permitido la creación del programa ‘Future Stories’, destinado al apoyo a jóvenes creadores en el inicio de su carrera artística. La Fundación MOP dispone, además, de un programa educativo dirigido por artistas que gira en torno a sus exposiciones y que pretende llevar la figura de estos grandes fotógrafos a las aulas gallegas e impulsar así un conocimiento profundo de su obra. En la edición 2022/2023 del programa participaron 9.000 escolares y 300 profesores de 93 centros educativos de toda Galicia.

Hubertus Hohenlohe expone «FAMA Everybody» en la Fundación Cajasol de Sevilla

La Fundación Cajasol ha inaugurado la exposición «FAMA Everybody. Hubertus Von Hohenlohe». El acto ha contado con la presencia del presidente de la Fundación Cajasol, Antonio Pulido, el comisario de la exposición, Sema D’Acosta, y el autor de las obras, Hubertus Von Hohenlohe.

El presidente de la Fundación Cajasol ha sido el encargado de inaugurar el acto: “tenemos el placer de exhibir aquí en nuestra sede de Sevilla una colección que recoge lo mejor del trabajo fotográfico de Hubertus Von Hohenlohe, un creador polifacético, cosmopolita y muy vinculado a nuestra tierra, al igual que su familia.  Se trata, como pueden comprobar, de un trabajo de gran impacto visual y claras referencias al Pop Art y a la actual cultura del selfie, la versión más moderna del recurso al autorretrato”.

Tal y como ha explicado Antonio Pulido, se trata de una propuesta que abre paso ya a la tradicional programación de otoño, cargada de novedades, después de un verano todavía presente en el que las actividades culturales y de ocio de la Entidad han vuelto a ser protagonistas de las vacaciones en toda Andalucía.

Por su parte, el comisario, Sema D’Acosta, ha explicado las conexiones de la muestra que hoy se presenta con el mundo actual: “Si nos detenemos a pensar sobre el significado de la obra de Hubertus hoy, podemos encontrar claves en relación con el mundo del siglo XXI, su trabajo funciona como una radiografía de la sociedad actual y la ciudad contemporánea, tiene que ver con el avance de la digitalización, los teléfonos móviles y las redes sociales. Si analizamos más allá, su obra nos hace pensar sobre cómo ha cambiado nuestra sociedad. Por ejemplo: Selfie es una palabra ahora común, habitual, TODOS SABEMOS SU SIGNIFICADO… pero no empezó a popularizarse hasta hace una década. De hecho, fue la palabra del año para el Diccionario Oxford en 2013. Antes de 2010, poca gente la usaba. La obra de Hubertus es precisamente un precedente de mucho interés de este fenómeno global”. Además, ha añadido: “el selfie nos habla de narcisismo, de individualidad, pero también de un lugar (nos hacemos selfies para constatar que hemos estado en un determinado lugar). Un selfie es una reafirmación de uno mismo en un sitio concreto, tal como hace Hubertus, el selfie funciona casi como una performance.»

Por último, el autor ha querido agradecer a la ciudad de Sevilla por su acogida en esta inauguración y ha confesado que “durante un mes y medio seré un privilegiado, pues seré embajador, a través de mi propia mirada, de acercar, a través de mis fotografías, todas las personas que he conocido y lugares en los que he estado”.

Tal y como explicó Hubertus, “empecé a tomarme en serio la fotografía a los cuarenta años. Antes, hacía fotos analógicas, pero perdía los carretes, no llevaba los negativos al laboratorio, no encontraba cómo ampliarlos luego… era todo demasiado lento. De repente, en la Nochebuena del año 2000 mi padre me regaló una cámara digital. Ahí descubro que a través de la pantalla trasera puedo ver de forma instantánea la toma, y eso para mí fue un antes y un después, me enganchó. Sencillamente, porque podía ver sobre la marcha qué hacía bien y qué debía mejorar en cada disparo”.

«FAMA Everybody. Hubertus Von Hohenlohe» está compuesta por un total de 49 fotografías en las que el visitante podrá disfrutar de su característico estilo pop art y sus autorretratos a los muchos famosos que han rodeado al aristócrata y su personal visión de diferentes ciudades del mundo, entre ellas Sevilla o Málaga. Esta colección, de una potencia visual arrolladora, es también un recopilatorio de algunas de las características de nuestro tiempo marcado por la tecnología, como el narcisismo, la velocidad o la autocomplacencia.

La exposición estará abierta al público hasta el 14 de octubre, en horario de 11 a 14 y de 18 a 21h, de lunes a sábados. Domingos y festivos permanecerá cerrada. La entrada es libre hasta completar el aforo.