TOCADAS, serie documental sobre la Alta Artesanía Española, ha celebrado con éxito el octavo Ciclo de Pensamiento titulado “Picando Piedra”, junto a Cosentino City Madrid.

 

TOCADAS, idea original de la arquitecta y diseñadora multidisciplinar Lola Rúa que además es la Presentadora y Directora Creativa, es un viaje de descubrimiento de la Alta Artesanía a través de la geografía española. Una serie documental que reflexiona sobre lo palpable y lo natural apreciando la belleza de lo único. Esta serie nos conecta con nuestras raíces y nos proyecta hacia al futuro ensalzando la marca España.

 

Con esta iniciativa, ambas entidades ponen en común un mismo compromiso por la calidad y el tiempo imprescindible para llegar a la Excelencia de cada proyecto.

 

Durante el evento se ha mostrado el proceso de la impresionante obra escultórica de 11 metros de altura y 400 toneladas, A Ferida, hecha exclusivamente de granito por el escultor Alberto Bañuelos y situada en Muxía, A Coruña, recordando la huella que dejó la marea negra del Prestige.

 

José Luis Calleja Expósito, Gerente de Cosentino en Madrid, nos ha recordado la riqueza que tiene nuestro país del primer material utilizado por el hombre, la piedra, a través de las canteras de donde se extrae y selecciona bajo los más altos estándares de excelencia, y la línea Scalea by Cosentino, con 200 colores de piedra natural.

 

La reflexión más onírica sobre este material y el lugar que ocupa en nuestro entorno natural, sucede tras los versos recitados por el poeta y productor musical Paulino Lorenzo, Director del evento cultural Verso, Jornadas de Poesía en española que lleva celebrándose 25 años reuniendo a los poetas más importantes del ámbito hispano.

 

 

Invitados como Teresa Herrero, Gema Llorent, José Manuel Sanz, Jesús San Vicente, Laura Alarcó y Luz Fernández, entre otros, han podido disfrutar de un excelente cóctel y del espacio expositivo de Cosentino City Madrid y la amplia gama de marcas y productos del grupo.

 

Para dar a conocer este evento, se ha publicado en el perfil de Instagram @tocadas.es y en este enlace se puede ver el Ciclo completo presentado por Lola Rúa y los tres colaboradores descritos anteriormente.

Con este último, cerramos un curso de Ciclos muy interesantes realizados en Gunni&Trentino, Galería Canalejas, Marbella Design & Art y la Feria MIAD. Encuentros donde hemos contado con invitados de la talla de Raúl Almenara, Ana Alonso, José Manuel Sanz, Xavi Calvo, Inma Mira, Jesús Alcoba, Paula Alegría, Amaya Ledesma, MJ Morell, Julio Touza, Jaume Montané, Tomás Alía, Andrés Salado, Katy Mikhailova, Laura Tapias, Felipe Conde y Ramón Esteve.

 

 

Lanai” un viaje en tus paredes de la mano de ArteUna colección encantadora inspirada en una sensación de bienestar y tranquilidad con un toque exótico, cuyo nombre viene de la palabra porche en hawaiano. Cada diseño está hecho a mano con ratán y rafia intercalados o bordados con sumo cuidado que harán que las paredes cobren vida con sus frescas combinaciones de tonalidades naturales.

 

 

Esta colección cuenta con 5 modelos de revestimientos inspirados en lugares del archipiélago, cada cual más especial que el anterior: Mauna, Kailua, Kona, Maui y Puna.

 

MAUNA

 

Una alternancia entre líneas rectas y curvas que da una expresión natural al diseño y hace justicia a su nombre, que proviene del volcán inactivo Mauna Kea, la montaña más alta de Hawái.

Pequeños trozos de ratán cuidadosamente incrustados a mano en un patrón lúdico son la inspiración para crear esta versión a máquina disponible en 10 colores.

 

KAILUA

 

 

Este diseño debe su nombre e inspiración a Kailua, un lugar de la encantadora costa este de la isla de Oahu donde reinan las palmeras. Siguiendo la línea del paisaje se intercalaron palmeras ondulantes con trozos de ratán sobre un fondo de bark cloth, un tejido fibroso que se elabora con la corteza de las higueras.

 

Kailua ofrece una experiencia única para personalizar tu espacio con estilo, ya que aporta realismo y dinamismo. Una interpretación que cobra vida con gran belleza en la pared disponible en 8 colores.

 

KONA

 

 

Por otra parte, este diseño se presenta con sus formas lúdicas e irregulares y te transporta al ambiente jovial y relajado de Kona, el soleado distrito de la costa oeste de Hawái.

Con una paleta de 8 colores y una calidad insuperable, Kona cuenta con una historia de lujo y sofisticación en cada rincón que adorna.

 

MAUI

 

 

Un auténtico destino de ensueño lleno de cascadas, acantilados, playas de arena y numerosas palmeras. De ahí viene la inspiración para este diseño tan sofisticado y realista disponible en 8 colores.

 

PUNA

 

 

Explorando cada rincón de este viaje, Puna se presenta como una innovadora interpretación de hojas de platanera y debe su nombre al remoto distrito hawaiano de Puna, donde esta especie es la protagonista. Disponible en 10 colores, transformará las paredes aportando frescura y originalidad.

Con esta nueva colección, Arte logra evocar lo exótico creando vida en sus paredes y siendo cada pieza un guiño a la naturaleza sin olvidar sus cuidados y originales diseños.

El barrio cultural en Vila Nova de Gaia, WOW Porto, abre de nuevo las puertas de uno de sus siete museos, el Museo Atkinson, para su nueva exposición, «Universo Dalí». Esta colección presenta la vida y obra de uno de los artistas más emblemáticos del siglo XX, Salvador Dalí.

 

La exposición ofrece un recorrido fascinante e irreverente a través de la trayectoria del artista, desde sus orígenes, su giro hacia el surrealismo, su incursión en la publicidad, su conversión secreta al catolicismo, hasta su reinterpretación de Goya y su colaboración con Walt Disney. «Universo Dalí» invita a los visitantes a un viaje sin precedentes por el surrealismo español y el universo poliédrico de uno de los mayores genios del arte.

 

Con más de 200 piezas, la exhibición incluye dibujos, bocetos, pinturas, esculturas y obras comerciales y publicitarias. Entre estas, destaca una selección de fotografías de Robert Descharnes, fotógrafo francés y amigo cercano de Dalí, tomadas entre 1955 y 1985. Estas imágenes ofrecen una visión íntima y poco común de la vida personal del artista. Nicolas Descharnes, hijo del fotógrafo y actual poseedor de su patrimonio, estuvo presente en la inauguración y destacó la importancia de la obra fotográfica expuesta: «A través de las fotografías de mi padre se puede mantener viva la memoria de este genio».

 

 

La exposición coincide con el centenario del surrealismo y presenta una obra particularmente intrigante, «Visión del infierno en Fátima». Esta réplica numerada revela la conexión de Dalí con Portugal y su casi desconocida devoción católica. Carlos Evaristo, experto en iconografía sacra, explicó que la obra fue un encargo de 1959 para representar el tercer secreto de Fátima. Dalí tardó tres años en completarla, durante los cuales visitó Fátima, se reunió con Sor Lucía y se convirtió al catolicismo, devolviendo a la Iglesia el dinero recibido por el encargo. La obra permaneció oculta bajo el colchón de una monja durante casi tres décadas.

 

Adrian Bridge, director general del grupo The Fladgate Partnership, grupo al que pertenece WOW, comentó: «Esta exposición es una oportunidad imperdible para explorar el legado de uno de los artistas más icónicos del siglo XX y descubrir al hombre detrás del mito. Esta colección revela la versatilidad del Museo Atkinson, que tiene como objetivo traer a Oporto exposiciones notables de carácter internacional, tocando los más diversos espectros del arte, desde el clásico hasta el contemporáneo».

 

La exposición «Universo Dalí» cuenta con la colaboración de Nicolas Descharnes y Carlos Evaristo, de la Fundación Oriana, y fue comisionada por Andreia Esteves, responsable del Museo Atkinson y de las asociaciones internacionales de WOW.

 

Fechas y Horarios

«Universo Dalí» estará abierta al público hasta el 31 de octubre y se puede visitar todos los días, de 10:00 a 19:00 horas. Las entradas tienen cuestan 15 €, con descuentos a mitad de precio para niños.

Aitor Gómez, periodista madrileño, fundó BONAI Madrid, una exitosa empresa de joyería asequible, tras un viaje inspirador a la India. Con un capital inicial de 500 euros, compaginó su trabajo como consultor de comunicación con su emprendimiento durante dos años. Gracias a su estructura pequeña, BONAI superó el impacto de la pandemia y experimentó un crecimiento notable, proyectando una facturación superior al millón de euros para este año.
Aitor diseña personalmente las joyas, lanzando solo cuatro colecciones anuales con materiales de calidad. Su objetivo es crear piezas atemporales y asequibles para todas las mujeres. BONAI, ahora una sociedad limitada con expansión internacional, se mantiene fiel a sus valores fundacionales: feminidad, calidad y precios justos. Aitor y su madre, Boli, aseguran que la esencia familiar de la marca perdure, creando joyas duraderas y bonitas, y evitando el fast fashion.
  1. ¿Cómo surgió la idea de crear BONAI Madrid y qué te motivó a dejar tu carrera en periodismo para dedicarte a la joyería?

La idea de crear BONAI surgió de una insatisfacción vital que sentía con mi trabajo. Si bien conocí a personas maravillosas en mis puestos anteriores, el trabajo no me llenaba y tampoco veía que pudiera desarrollarme como yo quería. Me considero una persona multidisciplinar, desde pequeño me ha encantado hacer muchas cosas a la vez y muy diferentes. Emprender te permite ser por un día fotógrafo, maquillador, director de casting, empaquetador, o diseñador, entre otras muchas disciplinas. Ningún día es igual que el anterior y es una cuestión que me encanta de mi trabajo. 

 

  1. ¿Qué experiencias específicas viviste en tus viajes a la India y Colombia que te inspiraron a fundar BONAI Madrid?

La India fue un viaje que me cambió la vida. Sus paisajes, sus monumentos, sus gentes y vestimentas, su manera de vivir… Es un país realmente increíble y lleno de contrastes. Allí conocí a una viuda, propietaria de un taller de joyería. Me enseñó su oficio y conocí su historia. Me dio un consejo que seguí desde entonces: “En la India las mujeres no podemos elegir. Dirige tu vida hacia aquello que más te gusta y te sentirás agradecido”. 

Unos años más tarde, y con la idea de emprender en mente, me fui de viaje a Colombia, donde la tradición de joyería está muy arraigada. En Cartagena de Indias conocí un pequeño taller donde fabricaban pendientes manufacturados hechos de una palmera local. Llenos de colores, tintados a manos, tejidos uno a uno. Me enamoré de todos los diseños, los traje a España y fue mi primera colección. Arrasaron. 

 

 

  1. Con solo 500 euros de capital inicial, ¿cómo lograste poner en marcha tu empresa y conseguir que diera beneficios desde el principio?

Creo que cuando tienes una idea clara en tu cabeza y confías en tu visión, te vas abriendo camino, aunque sea por simple cabezonería. En mi caso, desde pequeño siempre me ha encantado la moda y he tenido un vínculo muy especial con las mujeres. También me encanta pintar, escribir y el arte. Soy bastante creativo, por lo que creo que es una mezcla perfecta a la hora de empezar una firma dedicada a las mujeres. Desde el principio quise que BONAI tuviera precios asequibles, diseños para todo tipo de mujeres, una calidad a la altura de las expectativas y un servicio al cliente excelente. Esta es la receta que nos ha funcionado en BONAI.

 

  1. ¿Cuáles fueron los mayores retos que enfrentaste al compaginar tu trabajo como consultor de comunicación con el de empresario de joyería?

El mayor reto al principio es encontrar horas en el día en las que poder desarrollar tu proyecto personal. Cuando finalizaba mi jornada laboral, empezaba la de BONAI. Fácilmente me daban las tres y cuatro de la madrugada trabajando en los primeros meses de la marca. Después, encontrar talleres y proveedores que hagan diseños que te gustan o propios a un precio razonable, es algo muy complicado. Cuando ya tienes eso, empezar a dar a conocer la marca. Me cogía días de vacaciones para hacer pop ups por Madrid. Tengo muy buenos recuerdos de aquella época, pero la verdad, no me gustaría volver a repetirla. Fue durilla (ríe). 

 

  1. ¿Qué estrategias utilizaste para lograr el crecimiento exponencial de BONAI Madrid, especialmente después de la pandemia?

Antes de la pandemia, BONAI todavía era un bebé con un número muy reducido de pedidos. Sin embargo, durante la COVID-19, aproveché para realizar una nueva web, mucho más profesional y atractiva para las clientas. Era un periodo con mucha incertidumbre, en la que muchas empresas lo pasaron muy mal. Yo llegué a sobrevivir, porque mi estructura de costes era casi inexistente. Era yo haciendo todo (ríe). Eso, junto con el apoyo de amigas influencers o celebrities, más el boom del comercio electrónico porque la gente estaba en casa sin gastar nada de dinero, propiciaron el primer boom de BONAI a nivel de pedidos. 

 

  1. ¿Cómo supervisas el diseño de cada pieza de BONAI Madrid y qué criterios sigues para asegurar la calidad y la atemporalidad de tus colecciones?

En el proceso de diseño estamos mi madre y yo. Desarrollamos moodboards, viajamos mucho para empaparnos de diferentes cosas, como puedan ser elementos de la naturaleza en todas sus versiones, un patrón, un estampado de una tela, una manera de vivir… Todo sirve a la hora de diseñar. 

En cuanto a la calidad de las joyas, era algo que me obsesionaba desde el principio de la marca. Siempre he querido que las mujeres puedan pagar un precio justo por una buena calidad. El ochenta por ciento de nuestras joyas están realizadas en Plata de Ley 925 con baños de Oro 18K. Nuestros anillos, por ejemplo, suelen estar realizados con una aleación de Oro 18K y Acero que los hacen excepcionalmente resistentes al desgaste del baño de Oro. Nuestras clientas están encantadas con el precio que pagan y el resultado que obtienen. 

La atemporalidad de las piezas se consigue a través de diseños sencillos, sin grandes artificios, pero que resalten por su propia belleza y elegancia. 

 

  1. ¿Qué papel jugaron las redes sociales y las celebrities en el crecimiento de tu marca?

Estoy en deuda con todas aquellas celebrities e influencers que han apostado por BONAI cuando no era del todo conocida. Si bien un trabajo puede estar bien hecho, si no hay publicidad, nadie puede verlo. Ellas han sido un altavoz indispensable a la hora de hacer visibles nuestras joyas a un público mucho más amplio. Algunas ya son amigas que me llevo para siempre en el corazón. Siempre les estaré agradecido. 

 

 

  1. ¿Cómo ha influido el apoyo de tu madre, Boli, en el éxito de BONAI Madrid y cómo manejáis juntos la esencia familiar de la empresa?

Mi madre siempre ha sido un apoyo fundamental. Mis abuelos tuvieron una tienda de artículos de bisutería, peletería y demás artículos, en Córdoba, de dónde es mi madre. Ella se crió entre el escaparate y el mostrador, iba a las ferias con mis abuelos y le gustaba mucho su proyecto. Sin embargo, ella eligió otro destino profesional (profesora). Pero, su sueño idílico siempre fue emprender su propio proyecto. Desde el principio me acompañó a todos los pop ups donde iba, me ayudada a hacer fotografías, hacía pedidos cuando yo no podía, o contestaba a través las dudas de las clientas cuando yo no estaba disponible. Se jubiló y no quería parar su actividad, por lo que se puede decir que es mi mano derecha, de la que me sirvo continuamente. Nuestra relación era bonita, pero ahora es preciosa. 

 

  1. ¿Cuáles son tus objetivos a largo plazo para BONAI Madrid y cómo planeas mantener la esencia de la marca mientras continúas expandiéndote a nivel internacional?

Mis objetivos a largo plazo para BONAI MADRID es que se consolide en el top of mind de marcas de joyería primero a nivel nacional, y después internacional. Crear un equipo fuerte y consolidado, y seguir nutriendo a nuestra comunidad de clientas para que se sigan sintiendo representadas por la marca. También, ampliar nuestros mercados, aunque ya estemos presentes en Europa, EE.UU y Oriente Medio. El camino es largo, pero disfruto mucho de cada pequeño paso que damos. 

 

La genialidad de Antoni Gaudí es el pretexto con el que  Fashion Art Institute by Manuel Fernández ha hecho converger la moda, el arte y la arquitectura. El resultado: una colección multidisciplinar en la que las formas y los colores danzan en prodigiosa armonía.

 

Atípico e irrepetible, el arquitecto catalán y su obra han servido de fuente de inspiración para este proyecto en el que se fusionan diferentes disciplinas artísticas. El objetivo ha sido crear una colección de moda y una exposición presencial y digital que rindan homenaje a su estilo único. Una manifestación tangible de la visión innovadora y la profunda espiritualidad del genio catalán.

 

 

La moda, el arte, la tecnología aplicada a la creación, la sostenibilidad y el compromiso social se dan la mano en esta muestra que explora nuevos ámbitos estéticos y crea una experiencia multidisciplinar excepcional. Como decía el gran maestro: «Para hacer las cosas bien es necesario: primero, el amor; segundo, la técnica».

 

Fruto de su visionario trabajo surgieron sus inconfundibles columnas de doble giro y sus orgánicos capiteles, en los que Manuel Fernández se ha inspirado para crear 19 trajes-lienzo, porque, según las palabras del propio Gaudí: «La originalidad consiste en volver al origen».

 

 

Los 19 trajes-columna diseñados por él se han convertido en lienzos vivos para la expresión creativa de algunos de los más destacados jóvenes artistas plásticos de toda España. Uno por cada comunidad y las dos ciudades autónomas que conforman nuestro territorio. La selección de los creadores se ha realizado tratando de favorecer y promover la diversidad cultural y de género, para así fomentar la cooperación e inclusión entre las comunidades autónomas españolas.

 

El resultado final es tan disruptivo como lo fue en su momento el visionario arquitecto. A punto de cumplirse el primer centenario de su desaparición, la muestra pretende ser un rendido homenaje a la magia de su creatividad desatada y su genialidad. Un Gaudí eterno que sigue inspirando a las mentes innovadoras de hoy en día.

 

 

Castillo de Montjuïc -Barcelona

Presentación: Desfile día 27 de Junio a las 18 h.

Exposición : 27 de Junio a 29 de Septiembre 2024

 

Los trajes están confeccionados en talleres inclusivos con tejidos sostenibles

Actividad subvencionada por el Ministerio de Cultura

La sala Utopia, enclavada entre las murallas más antiguas de Ciutat Vella, se llenó de influencers, artistas y amantes del arte ante la llamada de este evento  único en el que confluían la pintura en gran formato de 4 firmas de renombre, la música en vivo, la performance y el arte en directo de Plexxo. Martín Sky, comisario artístico afincado en Barcelona y BLAME ME una productora de eventos artísticos dirigida por Chris Blane, fueron los artífices de esta propuesta diferente y arriesgada llamada ART THAT GOES BIG que busca evocar emociones y crear conexiones en espacios singulares.

 

Plexxo pintura en directo

 

La exposición, que durará una semana se inauguró con un evento especial que presentó  obras de arte contemporáneo a gran escala de cuatro artistas de gran trayectoria, inspirados en Barcelona como Juliana Plexxo, Ümit Sural, Om Barbarà y JJ Walker. Ademas de la expo   con algunas de  sus mejores obras se pudo disfrutar de actuaciones en vivo de ópera, del  delicado show de Ange y su telúrico instrumento Handpan, de fascinantes performances artísticas y un final de  fiesta con afrohouse.

 

La artista Ange y su concierto de handpan

 

ARTISTAS A LO GRANDE

Juliana Plexxo @julianaplexxo

 

Artista colombiana-española radicada en Barcelona, se especializa en grabados en cobre y técnicas mixtas. Ha dejado su huella con murales colaborativos en EE.UU., Colombia y Ecuador. Juliana fue la primera mujer en exponer en el Museo «La Capilla del Hombre» en Quito. Reconocida por Forbes como una de las 50 personas más creativas en 2022, su arte busca empoderar a las mujeres en el mundo del arte y preservar técnicas tradicionales fusionándolas con el arte contemporáneo.

 

Ümit Sural @umitsural

 

 

Nacido en Estambul y residente entre París y Barcelona, es conocido por su enfoque innovador en el arte contemporáneo. Desde dibujos a carboncillo hasta pinturas acrílicas, desde lienzos tridimensionales hasta esculturas, y desde foto y videografía, Ümit explora diversas escalas de expresión artística. Influenciado por el movimiento moderno de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, sus proyectos artísticos se presentan en series, cada una de ellas referenciando una influencia, referencia o evento particular. Guiado por un sincero gusto por la investigación y la invención artística, cada proyecto se convierte en una obra decisiva, personal y única.

 

Om Barbarà @filosom 

 

 

Artista catalán de la tercera generación de la ilustre familia Barbarà, se dedica a la pintura meditativa y «La Filosofía del Alma». Su arte, que utiliza acuarelas y elementos de collage, explora el auto descubrimiento y la reunificación del alma, trascendiendo el lenguaje con imágenes universales. Om ha ganado reconocimiento global a través de exposiciones y ferias internacionales de arte, como la BUSAN ART FAIR, destacando la amplia atracción de sus creaciones.

 

JJ Walker https://jwalker.studio  

 

 

Artista inglés con una carrera ilustre como creativo multidisciplinario, trabaja en diseño gráfico y muebles vanguardistas. Especializado en esculturas de bronce y grandes lienzos de óleo, sus obras ofrecen un comentario social perspicaz con un toque de surrealismo. JJ extiende constantemente los límites de la proporción y el equilibrio convencional para crear obras estéticamente frescas, emocionantes y con un mensaje serio mezclado con humor.

 

La nueva colección de Susmie’s Collection nos transporta a los años 90 en Río de Janeiro o a un Cádiz antiguo, combinando la nostalgia y la modernidad.

  • Susmie’s tiene una nueva visión de la moda:  la moda para Laia y Marina, las cofundadoras, es «simplemente tener estilo y saber que un buen estampado se puede llevar de muchas maneras”, como expresan en esta colección. ¡Gabriela, Cuídate! es una oda a la mujer independiente y valiente que opta por dejar atrás a un hombre y buscar su propio destino. Óptimamente, esta mujer vive en una época en la que abandonar el hogar representaba un gesto de completa rebeldía. 

 

 

  • A través de la estética característica, la colección aporta un mensaje de comodidad: talla única, regulable, multiposición, reversible. “La clave está en tener estilo, ya que un buen estampado se puede llevar de muchas maneras.” 

 

 

 

  • Las piezas que destacan de esta vanguardista colección son los vestidos largos que pueden ser adecuados tanto para ocasiones de celebración muy especiales como para el trabajo o la playa. 

 

El pasado domingo el Palacio de Trinidad de Madrid ha dado por clausurada Casa Decor 2024, cita indispensable para los interioristas y los amantes de la decoración. Entre todos los espacios ha destacado en especial la revolucionaria artista Ainhoa Moreno (Bilbao, 1986) cautivando a los visitantes con una oda a la celulosa.

 

Hasta cinco piezas de la artista vasca, afincada en Madrid, han tenido presencia en los espacios de Atmospheras (Encarna Alcaide), Delamora (Vonna Studio) y Nais (Devesa y Agenjo Interiorismo). Las obras realizadas, a partir de celulosa convertida en auténticas piezas de arte que trascienden lo convencional, desafían las fronteras de la creatividad y la innovación. Estas piezas en cuestión están repletas de belleza y significado, invitando a los visitantes de Casa Decor a reflexionar sobre la naturaleza efímera de la materia y la profundidad de la expresión artística.

 

La presencia de Ainhoa Moreno en Casa Decor 2024 se ha convertido en una experiencia inspiradora y memorable, destacando su habilidad para fusionar materiales tradicionales con una visión contemporánea única. Sin duda, una promesa cumplida en Casa Decor 2024.

 

 

Del hiperrealismo al arte abstracto: quién es Ainhoa Moreno

Aunque la pintura y la escultura son dos disciplinas que ha trabajado desde que tiene uso de razón, no es hasta hace algunos años que se ha atrevido a convertir su pasión en su oficio. Dejando atrás la ingeniería y la construcción, Ainhoa decide volcarse íntegramente en el arte para innovar con estilos y materiales.

 

Inicialmente su obra se ha caracterizado por un marcado hiperrealismo, pero es en plena pandemia cuando ha evolucionado al estilo abstracto. La celulosa en 2020 se ha convertido en su fuente de inspiración y su principal materia prima. Y es que durante el confinamiento Ainhoa, quien acumulaba múltiples bolígrafos en su casa, no tenía láminas para pintar. Y es por esto por lo que ha empezado a experimentar con el papel en todas sus vertientes: desde el papel higiénico, pasando por papel maché, cartones o incluso papel japonés.

 

Durante estos años se ha centrado en investigar este material, dándole una segunda vida al papel, abogando por la sostenibilidad y el arte circular. La artesanía como metodología de creación y la flexibilidad para el cliente son los dos pilares principales de su filosofía. Y es que si algo tiene el arte abstracto, como explica Ainhoa, es que “cada uno puede proyectar sus emociones libremente sin que a uno se le imponga un sentimiento o idea”. Aunque para evitar “l’art pour l’art”, se adapta a las necesidades de cada cliente e interiorista, no sin abandonar la impronta de Ainhoa Moreno, un sello inigualable que prevalece en todas sus creaciones.

 

El blanco en todos sus matices es un punto de partida en gran parte de las piezas de la artista vasca afincada en Madrid. Ainhoa recuerda la mítica obra Blanco sobre Blanco de Kazimir Malevich (1916) en donde en dos tipos de blanco puede aparecer a la vista un sinfín de gamas de blancos. En este sentido las obras de celulosa de Ainhoa también aglutinan diferentes tonos y texturas que ofrece un infinito campo de placer para la vista de aquel que deleita una obra de la artista.

 

La asimetría, el juego con los volúmenes, la oda a la naturaleza, la profundidad o la geometría no definida son algunos rasgos que presentan sus obras, aspirando así a provocar una sensación de fluidez, movimiento y sensación de infinito libre de ideas para que cada observador aporte sus emociones a la obra. “El arte no está en la obra, sino en los sentimientos del que observa la obra”, explica, dándole sentido a la tesis de que sus creaciones son un mar infinito de posibilidades para el espectador.

 

Créditos fotografía: Juan Carlos Vega ©

 

 

 

Bvlgari elige la Ciudad Eterna de Roma, su ciudad natal y eterna fuente de inspiración, para desvelar Aeterna, su nueva Colección High-End, presentando para la ocasión un precioso surtido de más de 500 creaciones, entre Alta Joyería y Alta Relojería, Bolsos High-End y Fragancias Very High-End. Una ocasión para celebrar, con un evento impresionante, su 140 aniversario, un hito importante para la Maison romana.

 

Para resaltar la singularidad del evento, Bvlgari organizó su sofisticado espectáculo en un lugar al que la Maison tuvo acceso exclusivo para esta trascendental ocasión, las Termas de Diocleziano de Roma, uno de los complejos arquitectónicos antiguos más extraordinarios del mundo y uno de los museos al aire libre más hermosos de la Ciudad Eterna, que forma parte del Museo Nazionale Romano.

 

Consideradas las termas más grandes de la antigua Roma, con una superficie de 13 hectáreas que podía albergar hasta 3.000 personas a la vez, el impresionante complejo, construido entre los años 298 y 306 d.C., está adornado con espléndidas esculturas y ruinas fascinantes.

 

 

Los invitados internacionales, entre los que se encontraban los Embajadores de Marca de Bvlgari Anne Hathaway, Priyanka Chopra Jonas, Liu Yifei, Shu Qi, Hikari Mori y Alessandro Gassman, disfrutaron de un viaje a la eternidad en el que la belleza estratificada de las Termas de Diocleziano, la atemporalidad de las creaciones de Alta Joyería de Bvlgari y el espíritu vanguardista de las actuaciones del evento superaron las fronteras del tiempo.

 

Para celebrar este aniversario tan especial, Priyanka Chopra Jonas, embajadora de la marca Bvlgari, lució el collar Serpenti Aeterna, la pieza de alta joyería más preciosa jamás creada por la Maison romana. Con siete gotas de diamantes D flawless que totalizan 140,00 quilates, una por cada año de la historia de la marca, y 698 diamantes baguette con un peso de 61,81 quilates, este increíble collar necesitó más de 2.800 para completarse, revelando una extraordinaria combinación de creatividad, maestría y audacia, valores que siempre han definido la visión de la marca.

 

Durante la velada, las Terme di Diocleziano, recientemente reabiertas al público tras largas obras de restauración, acogieron un espectacular desfile de joyas que tuvo lugar en el Chiostro Ludovisi, un espacio íntimo construido sobre la gran piscina exterior de las Terme. Estilizado por Carine Roitfeld, el desfile contó con un reparto de lujo: Mariacarla Boscono, Blesnya Minher, Elisabetta Dessy, Isabella Rossellini, Carla Bruni y Giacomo Cavalli.

 

 

Antes de que comenzara el espectáculo, los invitados tuvieron la oportunidad de asistir a un dúo especial y poético a cargo del coreógrafo y bailarín Sadeck Berrabah y la bailarina de ballet Eleonora Abbagnato, directora del Teatro dell’Opera di Roma. Mezclando danza clásica y contemporánea, celebraron la capacidad de Bvlgari para fusionar pasado, presente y futuro dando vida a obras de arte eternas.

 

Su actuación fue seguida de una fascinante coreografía de Sadeck Berrabah y 80 bailarines, que se movían de forma sincronizada, encarnando a la perfección su característica dirección artística.

 

En el Chiostro di Michelangelo de las Termas, que lleva el nombre del famoso pintor y escultor al que tradicionalmente se atribuye, Bvlgari deleitó a sus invitados con una cena de gala concebida por el chef italiano Massimiliano Alajmo, galardonado con una estrella Michelin, que elaboró un menú especialmente diseñado para el evento.

Tras la cena, actuó en directo la artista y compositora de fama internacional Elisa.

 

Para la ocasión, la Fondazione Bvlgari ha donado a la ciudad de Roma «Vista Aeterna», una instalación inmersiva creada por la diseñadora holandesa Sabine Marcelis. La obra estará en la emblemática Piazza di Spagna del 19 de mayo al 15 de junio y ofrece una interpretación contemporánea del paisaje urbano de Roma. Consta de doce pilares travertinos adornados con espejos de colores reflectantes que giran continuamente a lo largo del día, siguiendo la trayectoria del sol desde el amanecer hasta el atardecer. A medida que se mueven, captan y refractan la luz solar, proyectando un espectro de tonos cálidos inspirados en el sol sobre el entorno. Es una celebración perpetua de la luminosidad de la ciudad eterna y de su patrimonio arquitectónico.

 

Continuando con su espíritu pionero y su compromiso inquebrantable con la innovación en el lujo, la Maison también ha presentado el Pasaporte Digital Bvlgari. Este registro digital inmutable almacena las características y certificados únicos de cada creación de Alta Joyería en la blockchain privada Aura, que salvaguarda los datos de los productos indefinidamente con los más altos estándares de transparencia y seguridad.

Madrid Luxury District –con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid a través de los programas Todo está en Madrid y Madrid Capital de Moda- inaugura una nueva edición de Madrid Luxury Art, con la gestión cultural y patrocinio de AGM Art Management. Una exposición monográfica a pie de calle de la escultora madrileña Aurora Cañero (Madrid, 1940), concebida como un recorrido por los personajes y situaciones que la escultora desarrolla en su trabajo y que podrá visitarse a partir del 8 de mayo en Ortega y Gasset, en el tramo comprendido de Serrano a Velázquez, y en el interior de las marcas asociadas a Madrid Luxury District.

La muestra se lleva a cabo en el Marco del Global Summit of Women 2024, que reunirá en Madrid a más de 800 mujeres líderes en empresas y gobiernos de más de 60 países, presidido por Irene Natividad. Se trata del primer foro de economía y negocios para mujeres y, en este sentido, la presencia de Aurora Cañero en esta Cumbre enriquece las posibilidades de comprender el papel femenino en la creación artística.

 

A sus 84 años, Aurora Cañero sigue trabajando y creando nuevas obras. Todas las piezas que componen ‘Cuerpo Solo’ han sido esculpidas durante los últimos diez años. “El arte para mí es como una especie de gimnasia”, reconoce la escultora. “Si paras, te agarrotas y pierdes la fluidez. Por eso sigo viniendo todos los días al estudio. Tengo artrosis en las manos, pero, mientras no me duelan, las pienso seguir usando para modelar”.

 

‘Cuerpo Solo’ una exposición a los pies de Ortega y Gasset

Aurora Cañero (Madrid, 1940) se inició en la escultura en los años setenta, otorgando impulsos a nuevas formas del género figurativo que surgían como respuestas al Minimal Art y el Arte Povera. Más que a la representación de la figura humana, Cañero se dedica a la construcción de personajes que, si bien a veces parecen ejecutar acciones muy cotidianas, siempre aluden a una esfera surreal. Cada obra revela un acontecimiento que se mueve entre tiempos borrosos, entre pequeños mundos que se desplazan entre lo acostumbrado y la inaudita sorpresa, lo que acontece y lo que podría acontecer.

 

En cuanto a su obra, por un lado, se encuentran seres cercanos a los astros, al mundo de las esferas celestes, que contemplan y penetran el cielo y sus movimientos. El polo opuesto representa el cuerpo en circunstancias más cotidianas, deportivas, patinadores, socorristas o surfistas que, aunque parecerían ejercer sus acciones muy concretas en el mundo real, siempre llevarán sobre sí el aura del enigma o lo lejano. Por otra parte, se incorpora a su obra un aspecto directamente vinculado a su presencia en la calle, que es la posibilidad de interacción con el espectador atraído por las acciones que ellos realizan y los mundos que representan -sus narrativas propias, sus mitologías celestes o cotidianas, su simbolismo, sus gestos, sus posturas, sus sueños, sus guiños con la realidad y la ficción-.

 

 

En la III edición de Madrid Luxury District, la escultora madrileña Aurora Cañero desarrolla una dimensión que puede presentarse en espacios urbanos o naturales, siempre con el interés de introducir el tema del cuerpo: deportistas, astrónomos, desnudos, seres oprimidos, animales, estrellas, amantes, seres sentados…el misterio siempre estará entre ellos.

 

Las obras que componen ‘Cuerpo Solo’ funcionan, por tanto, como poemas visuales llenos de mística, y a la vez, de cotidianidad. Indagan en la esencia del ser humano y su dimensión más espiritual sin olvidar su aspecto mundano. Para ello, la artista se inspira en sus propias emociones, pero también en los deseos, las preguntas o los temores que son comunes a todo ser humano.