HOFF, marca española de sneakers, celebra el día mundial del arte el 15 de abril de la mano del artista también español Jaime Monge, reconocido por sus obras donde figuras humanas en 3D ocupan el lienzo tras un preciso estudio arquitectónico del espacio.

 

La firma hace de esta alianza un evento internacional para acercar el arte de este joven talento a cada ciudad donde tiene tienda propia en la zona geográfica de Iberia. HOFF lo hace posible a través de un sorteo en el que se podrá participar mediante la compra de uno de sus productos desde el 12 hasta el 21 de abril tanto en España como en Portugal.

 

En estos diez días, el público madrileño podrá adquirirlos en el local con el que la marca cuenta en la calle de Velázquez 39, formando parte automáticamente del sorteo y del que será informado posteriormente si resulta ganador.

 

El resto de tiendas HOFF ubicadas en Barcelona, Valencia, Palma de Mallorca, Bilbao, Sevilla, Málaga, Córdoba, Zaragoza, Valladolid, Vigo, Oviedo, Santander, San Sebastián, Lisboa y Oporto cuentan con la misma fórmula, de manera que la marca española de sneakers refuerza su compromiso con jóvenes talentos artistas al otorgar a verdaderos amantes del arte 16 obras de Jaime Monge.

 

THE WAKE, obra de Jaime Monge que se sortea en cada ciudad

 

Paralelamente, varios cuadros del artista español estarán expuestos durante las mismas fechas en las flagships de HOFF en Madrid, Barcelona y Valencia, aumentando la visibilidad del talento creativo. Además, en la tienda de la capital española, Jaime Monge realizará un live painting en el escaparte el domingo 14 de abril.

 

JAIME MONGE

Arquitecto de profesión, Jaime estudió en Madrid y ha trabajado muchos años en el ámbito de la arquitectura a caballo entre Londres y la capital española. Siempre relacionado con el diseño y la creatividad, se lanzó hace varios años al mundo de la pintura para poder así expresar sus ideas desde un punto de vista distinto.

 

Sus cuadros contienen diseño arquitectónico: proporcionalidad, estabilidad y sencillez. Pero también hay una parte creativa, subjetiva, que le permite transmitir emociones, recuerdos o experiencias.

 

Entre sus hitos más recientes, se encuentra la subasta de su obra El Cuadrado en la gala benéfica Global Gift Foundation celebrada en París el pasado mes de octubre, así como la exposición de sus obras durante dos semanas en el Hotel Santo Mauro de Madrid en el contexto de Arco.

 

 

LA GALERÍA

Por el día mundial del arte, HOFF lanza en su web el 12 de abril una nueva sección en la que se incluyen piezas de marcas y artistas que le inspiran y con los que comparte valores. Objetos de diseño, obras de arte y artículos creativos que completan y elevan el universo de HOFF conforman La Galería, un espacio para amantes del arte, donde estará a la venta uno de los cuadros de Jaime Monge.

Nos adentramos en un espacio idílico. Sentimos la frescura del ambiente y la humedad, el olor a tierra mojada y el sonido del agua que fluye, a su antojo, por los surcos de las cortezas de los árboles. A través de su espesura verde, profunda y frondosa, una multitud de rayos iluminan intensa y efusivamente la escena, reflejando su luz e invitándonos a disfrutar del momento. Nos mimetizamos con el entorno. Porque la naturaleza es, al fin y al cabo, un mero reflejo de lo que somos.
Así da Neolith la bienvenida este año a los visitantes de Casa Decor 2024. De la mano de SUMMUMSTUDIO, la marca da vida a un espectacular espacio exterior en los jardines del Palacio de la Trinidad denominado “A Reflection of Who We Are”, que se puede visitar del 11 de abril al 26 de mayo de 2024 en el barrio de Salamanca (Madrid).
Una experiencia única a través de un espacio inmersivo
Con este espacio, disruptivo y rotundo, los antiguos jardines del palacete se transforman para renacer en un ambiente natural donde SUMMUMSTUDIO ha buscado mimetizar las superficies de piedra sinterizada de Neolith con el entorno. El visitante descubre un rincón asombroso, donde la luz y el agua evocan el paso del tiempo y nos recuerdan que la naturaleza es un reflejo de lo que somos, así como una fuente permanente de inspiración.
La belleza de la piedra sinterizada de Neolith contribuye a la recreación del ambiente de calma y sosiego natural. SUMMUMSTUDIO se apoya además en exuberantes plantas naturales y utiliza un juego de espejos para acentuar la sensación de conexión con la naturaleza.
El denso suelo del bosque se escenifica mediante los tonos oscuros de las superficies de piedra sinterizada del modelo Amazonico de Neolith que se abre paso, paulatinamente, a tonalidades más claras, en un guiño a la luminosidad gradual que emerge de la copa de los árboles. El antiguo estanque de los jardines del Palacio de la Trinidad cobra una nueva majestuosidad, revestido en piedra sinterizada en tonos grises y claros, con el modelo Layla de Neolith. Un tributo al agua que nos brinda la madre naturaleza.
José María Gimeno, CEO y fundador de SUMMUMSTUDIO, nos explica que «hemos tratado de captar la belleza del entorno natural a través de una piel espejada, para proyectarla en el interior». «Es una instalación convertida en metáfora. El objetivo ha sido crear una experiencia inmersiva en el que el visitante se mimetiza con la naturaleza, y conecta con la esencia de Neolith», añade.
Neolith para una nueva era
Con este espacio de bienestar como metáfora de un bosque que conecta la naturaleza directamente con las superficies de Neolith, denominado “A Reflection of Who We Are” y diseñado por estudio SUMMUMSTUDIO, Neolith escenifica el compromiso y total respeto de la firma por el medio ambiente, gracias a la producción de superficies de piedra sinterizada creadas desde la naturaleza.
Desde sus inicios, Neolith aboga por una belleza sostenible en todas sus colecciones y se posiciona como una de las superficies arquitectónicas más respetuosa con el entorno.
Las materias primas utilizadas en su composición son naturales y cuenta con modelos que contienen hasta un 98% de materias primas recicladas. Neolith no añade cuarzo a su formulación, ni resinas o plásticos, y es 100% reciclable.
Sus procesos de producción son también respetuosos con el medio ambiente, por lo que toda el agua industrial empleada se recicla y el 100% de la energía eléctrica utilizada durante el proceso productivo procede de fuentes con garantía de origen renovable. La empresa también valoriza y recicla más del 96% de los residuos industriales generados, además de haber alcanzado la neutralidad de carbono para sus principales alcances.
En definitiva, Neolith sigue reafirmando su apuesta por la sostenibilidad y el cuidado del medio ambiente y su espacio “A Reflection of Who We Are” de este año para Casa Decor refuerza esta postura, decantándose por un ambiente exterior que da la bienvenida a los visitantes de esta nueva edición de la feria en su estado más natural, que se puede visitar hasta el 26 de mayo en la calle Francisco Silvela, 82.
Puedes seguir las novedades más recientes de Neolith en http://www.neolith.com/es
Fotógrafo: Nacho Uribe Salazar

La edición Casa Decor 2024 cuenta con dos presencias institucionales con espacio propio en la Exposición: ITA-Italian Trade Agency, a través de la cual el gobierno italiano favorece el desarrollo económico-comercial de las empresas italianas en los mercados extranjeros, y Legado Artesano de Castilla La-Mancha, marca impulsada por la Comunidad de CLM para promocionar la artesanía regional.

 

 

Italia participa por tercer año consecutivo en Casa Decor para difundir la sostenibilidad, la tecnología, el diseño y la tradición de las empresas italianas, y lo hace de la mano del  Jean Porsche, encargado de materializar el proyecto. El arquitecto ha diseñado el despacho «Visconti», un ambiente elegante, lujoso y colorido, para el que ha contado con la tecnología y los muebles, textiles y complementos de veintiún marcas representativas del buen gusto y del inconfundible diseño made in Italy.
«Artesanía: pasado, presente y futuro» se llama el proyecto que el estudio de arquitectura y diseño Romero & Vallejo ha creado para Legado Artesano Castilla-La Mancha. Una propuesta de interiorismo conceptual, cálida y amable, en la cual se han integrado las producciones y piezas únicas de casi una veintena de artesanos y artesanas de esta comunidad autónoma, desde tapiceros y ceramistas hasta carpinteros o metalistas.

 

ZONAS SOCIALES

 

La empresa Tarimatec ha confiado en Adriana Nicolau para el diseño de su espacio: el Restaurante de Casa Decor 2024. Bajo el nombre de «Lanai restaurant & lifestyle»,  la interiorista ha creado un ambiente fresco y natural con muebles funcionales, tejidos suaves, frisos y artesonados de madera, de Tarimatec y revestimientos de la marca de lujo belga Arte. Un escenario único, elegante y contemporáneo, en el cual el visitante de la Exposición tendrá oportunidad de degustar la variada propuesta gastronómica y de altísima calidad de Rosewood Villa Magna, el operador oficial del restaurante.

 

Reservas en el teléfono 639 654 887

o en el correo villamagna. casadecor@rosewoodhotels.com

Inspirándose en el aire decadente del Berlín de los 80, Estudio Sandra Antón, ESs Interiores ha diseñado el Auditorio de Casa Decor 2024: «Berlin Calling», un proyecto que sorprende por la majestuosidad de las piedras naturales, utilizadas tanto en el revestimiento de paredes, como en el mobiliario a medida, y por sus ricos detalles de molduras y cornisas afrancesadas. Un espacio especialmente acondicionado para acoger los más de 100 eventos que están programados, entre conferencias, presentaciones de productos, ruedas de prensa, mesas redondas, etc.

En la entrada a la finca del Palacio de La Trinidad, encontramos el Espacio JYSK, que acoge la taquilla de la Exposición. Aquí, las interioristas de Studio Mo han recreado «Villa Calma», una vivienda mediterránea con aires escandinavos, donde la combinación de muebles de líneas nórdicas, detalles en fibra y textiles neutros y cálidos, todo, de esta firma danesa, contribuye a crear una atmósfera serena y relajada. Desde aquí el visitante podrá empezar el recorrido por los Jardines, para después acceder al Palacete y terminar en el Pabellón de invitados.

En el Palacete se han ubicado dos aseos de uso público. En la primera planta, el equipo de Devesa & Agenjo Interiorismo ha recreado en el Espacio Nais «COCO, stay & relax«, un hotel-boutique organizado en dos ambientes con la cerámica en tonos calmados y naturales como hilo conductor. Terminando el recorrido, en la planta baja, se encuentra el proyecto de Blanca Rosa Gutiérrez «Divina Marquesa», un espacio  en el que se respira grandeza y opulencia gracias a los cortinajes, mármoles y delicadas pinceladas doradas y de color bronce que marcan la decoración.
También se han destinado dos espacios del Pabellón de Invitados para ubicar aseos de uso público. Uno de ellos es «Pausa» (a la izquierda),  de Rober Quiñones-Her, situado junto al Restaurante de Casa Decor 2024. Un espacio de gran riqueza visual en el que detenerse a contemplar cada uno de los detalles que conforman el proyecto. El otro (a la derecha), frente al Auditorio, es el Espacio Impar Grupo,  un diseño de un equipo de arquitectos de Impar, inspirado en la artista textil Anni Albers.
Helena Rubinstein, la exclusiva firma de belleza para la piel, está presente en esta edición con una de sus gamas de productos de tratamiento facial, sensoriales y refinados.
Issey Miyake, la prestigiosa firma japonesa de perfumes de hombre y mujer, serán las fragancias de esta edición  y estarán presentes en distintos espacios de la Exposición.
En esta edición se exponen más de 600 materiales y productos distribuidos en los 46 espacios. Para llegar a toda esa información y que esté al alcance del visitante, del profesional y de los medios especializados, hemos creado una herramienta muy útil: el Panel de Expositores virtual una plataforma en la que cada empresa participante tiene su ficha con la descripción de cada producto o material, así como el espacio donde se encuentra.  Además, el Panel está vinculado con la web de Casa Decor, ya que cada ficha de producto/material está enlazada con el reportaje de cada espacio.
#CasaDecor2024    #PalaciodelaTrinidad #CasaDecorSostenible

El bailaor y coreógrafo Eduardo Guerrero continúa su exitosa temporada con la puesta en escena de su espectáculo Debajo de los pies, un proyecto inspirado en el cuadro El Jardín de las delicias de El Bosco. Con esta maravillosa obra que se exhibe en el Museo del Prado, Guerrero pinta como en un lienzo los movimientos de este montaje que avanza al ritmo del flamenco.

 

Tradición y vanguardia se entremezclan en este espectáculo que el artista gaditano ha ido perfilando y adaptando desde que se estrenara en el Festival de Jerez en el año 2021. El tríptico de El Jardín de las Delicias es la creación más enigmática del pintor al representar el destino de la humanidad por lo que su puesta en escena también ha conllevado un complejo trabajo creativo. Tanto es así que su escenografía es también un tríptico como el propio cuadro en el cual se proyectan imágenes que suceden en el mismo, como la lujuria, el caos, la armonía, lo carnal, hasta llegar a la Creación del mundo.

En el 550 Aniversario de EL Bosco, el Museo Nacional del Prado ha realizado una colaboración conjunta con Eduardo Guerrero que ha tenido como resultado un video protagonizado por el bailaor en el que se muestra parte de su espectáculo a los pies del famoso cuadro del pintor neerlandés. Disponible aquí

Esta no es la primera incursión de Eduardo Guerrero con el mundo del arte ya lo hizo anteriormente en el Festival de Estrellas del Museo Guggenheim de Nueva York, también junto a la Fundación Teatro Real con quien llevó una exitosa gira por India y Brasil y ha participado con el Museo Aga Khan en Toronto.

 

Sin duda, éste es el proyecto más personal y transgresor de su carrera; “Este espectáculo aboga por la tradición para evolucionar hacia la contemporaneidad. La conexión con el cuadro de El Bosco se debe a que sus figuras están llenas de preocupaciones vitales por las que transitamos. Es el destino de la humanidad. Refleja un amplio mundo donde existe todo lo humano, todo lo carnal, está el cielo, la armonía, pero también existe el caos, el dolor…y viendo todo eso es cuando empecé a fijarme en esos pequeños detalles del cuadro que reflejo en las tablas del escenario”, afirma Guerrero.

 

 

Elegancia y técnica depurada

Guerrero descubrió la danza a la temprana edad de los 6 años. Su talento, fuerza vital, elegancia, giros perfectos y una técnica depurada lo han acompañado a lo largo de su carrera profesional participando en compañías de gran renombre con artistas de la talla de Antonio Canales, Eva Yerbabuena, Aída Gómez o Javier Latorre, entre otros.

Muy ligado al mundo de la moda ha sido imagen de Adolfo Dominguez y ha desfilado para Francis Montesinos o Custo Barcelona. Recientemente, el icónico Corral de la Morería ha acogido su espectáculo Origen en el que ha contado con la colaboración del diseñador Palomo Spain para su vestuario. Definido por la crítica como un artista “geométrico y picassiano” ha sido uno de los primeros bailaores de flamenco en pisar las tablas del Teatro Bolshoi de Moscú. Ha recibido numerosos premios que avalan su profesionalidad y buen hacer impulsando el proyecto renovador de esta disciplina artística por todo el mundo con exitosas actuaciones a nivel nacional e internacional.

Eduardo Guerrero es un artista multidisciplinar con unas formas muy contemporáneas que beben de la tradición del flamenco. El público respalda que sus espectáculos acojan un amplio abanico de posibilidades en los que no pierde de vista las tradiciones pero que tiene como objetivo la búsqueda incesante hacia la evolución.

En su último espectáculo ligado al genial cuadro de El Jardín de las Delicias explora diferentes conceptos en el mundo de la danza para alejarse de los convencionalismos y experimentando nuevas performances dentro de las artes plásticas y visuales.

Tras el éxito reciente de Debajo de los Pies en los Teatros del Canal de Madrid, el bailaor gaditano compagina sus giras con la continua formación y los estrenos de sus obras. Es el momento de este gran bailaor que, con una estética actual, un profundo conocimiento de la esencia del flamenco, su físico y su gran carisma, conmueve y emociona al mismo tiempo, triunfando allá donde baila.

 

AGENDA PROXIMAS ACTUACIONES 

  • 6 de abril, Debajo de los pies, Teatro Victoria Eugenia, Donosti
  • 12 y 13 de abril, Debajo de los pies, Teatro Julio Mario Santo Domingo, Bogotá, Colombia
  • 16 de abril, Desplante, Teatro Nescafé de las Artes, Santiago de Chile
  • 25 de mayo, Bailar no es solo bailar, Teatro Auditorio Ciudad de Alcobendas, Madrid
  • 7 de junio, Faro, Teatro de la Sátira, Sofia,
  • 9 de junio, Faro, Teatro de Festivales y Congresos, Varna, Bulgaria
  • 19 de junio, Jondo del primer llanto del primer beso, Teatro Fernán Gómez, Madrid
  • 24 de junio, Bailar no es solo bailar, Festival Albuquerque, Nuevo México, EEUU
  • 5 de agosto, Desplante, Festival Cante de las Minas, La Unión, Murcia
  • 14 agosto, Jondo del primer llanto del primer beso, Teatro Romano, Sagunto
  • 5 y 6 de octubre, Sombra efímera, Museo Aga Khan, Toronto
  • 16, 17 y 18 octubre, Flamenco Real, Teatro Real, Madrid
  • 14 noviembre, Bailar no es solo bailar, Casa de la Música, Oporto, Portugal
  • 22 noviembre, Bailar no es solo bailar, Casino Estoril, Portugal
  • 23 noviembre, Debajo de los pies, Teatro Buero Vallejo, Alcorcón
  • 30 noviembre, Auditorio Pilar Bardem, Rivas Vaciamadrid

 

LINK VIDEO MUSEO DEL PRADO:

LINK DEL ESPECTÁCULO:

izq: Homenaje a la mar IV (Homage to the Sea IV) © Eduardo Chillida. Foto: Stefan Alternburger Photography Zurich.
dcha: Chillida trabajando en su estudio de Menorca. Foto: Hans Spinner.

 

Con motivo del centenario del nacimiento de Eduardo Chillida y en colaboración con la Sucesión Eduardo Chillida, ‘Chillida en Menorca’ celebra la profunda conexión del artista con la isla a través de una destacada selección de esculturas y obras sobre papel que incluye varias piezas creadas durante sus estancias en Menorca. Con más de sesenta obras creadas a lo largo de medio siglo, desde 1949 hasta el año 2000, la exposición muestra toda la dimensión de la trayectoria del escultor. El concepto de la presentación, diseñado por el arquitecto Luis Laplace con especial atención a materiales locales, amplía el vínculo del artista con la isla y su entorno natural. La exposición se acompaña de un Education Lab desarrollado en colaboración con Chillida Leku y Menorca Preservation a través de Plastic Free Menorca.

Eduardo Chillida (1924 – 2002) es uno de los más destacados escultores españoles del siglo XX, cuya práctica pionera y variada reinterpretó la dialéctica entre materia y vacío, positivo y negativo, espacio interior y exterior. El vínculo de Chillida con Menorca se creó a lo largo de todos los veranos que pasó en la isla desde 1989. En ‘Quatre Vents’, la casa familiar que estableció con su mujer Pilar Belzunce en Alcaufar, creó un estudio al aire libre, donde encontró un espacio tranquilo para trabajar sus esculturas en tierra chamota, rodeado de campos con muros de piedra seca. Fue también en ‘Quatre Vents’, en un estudio con un ventanal con vistas al mar, donde trabajó en muchas de sus ‘gravitaciones’.

En Menorca, Chillida se dejó inspirar por la luz blanca del Mediterráneo, en perfecto contraste con la ‘luz negra’ propia de su País Vasco natal, tal y como él la describía. El artista encontró inspiración en la luz de la isla, las monumentales canteras al aire libre de marés y los monumentos del periodo talayótico, incluyendo los recintos de ‘taula’ en forma de T que inspiraron algunos de sus trabajos y fueron declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 2023. «La luz de Menorca es magnífica», afirmó el artista. «Esta isla tiene una historia preciosa, hay toda una cultura de la piedra muy interesante pero la isla también está llena de viento. Así lo he oído decir: Menorca, viento y piedras».

 

izq: Sin título © Eduardo Chillida. Foto: Alex Abril // dcha: Lurra M-13 (Earth M-13) © Eduardo Chillida. Foto: Marc Autenrieth

 

La exposición comienza con una selección de sus ‘Gravitaciones’ de gran formato, obras bidimensionales en papel que exploran las cualidades y limitaciones del espacio. Estos delicados trabajos en blanco y negro son el resultado de la superposición de capas de papel unidas por hilos y suspendidas para dejar circular el aire entre ellas. Junto estas obras, se presenta ’Mural G-56’ (1985), una pieza de gran escala que utiliza elementos gráficos en negro para continuar la misma exploración entre espacio positivo y negativo. En palabras de Chillida, ‘en la mayoría de mis esculturas se alternan lo positivo y lo negativo. Cada uno es de algún modo recíproco, disidente del otro’.

‘Chillida en Menorca’ muestra también una serie de las conocidas esculturas de acero y relieves de madera que enfatizan su interés por hacer visible el espacio a través de las formas que que lo rodean. Chillida, que empezó los estudios de arquitectura, exploró a lo largo de su carrera conceptos como el límite, el espacio y la medida. ‘Proyecto para un monumento’ (1969) es un juego de escalas que enlaza con muchos de los monumentos públicos del artista. Su espacio interior se configura a través de tres bloques sólidos que encajan entre sí. En otras obras, elementos totémicos de una íntima escala humana continúan enfatizando la interacción entre las formas sólidas y el espacio negativo.

A lo largo de la exposición, una selección de obras se presenta sobre plintos hechos de marés, la arenisca utilizada para construir el edificio del siglo XVIII que alberga la galería. El concepto de la presentación ha sido desarrollado por el arquitecto Luis Laplace, que dirigió la restauración de Hauser & Wirth Menorca y el reacondicionamiento de Chillida Leku —el museo creado por Eduardo Chillida durante su vida— y que sitúa las piezas de arte en diálogo con el paisaje circundante y la arquitectura del espacio.

Junto con la materia, el propio acto de crear fue un concepto crucial en el trabajo de Chillida. La mano fue el tema más cercano del artista y su herramienta más inmediata para trabajar de forma gráfica o escultórica —representaba todo lo hecho a mano. Un tema recurrente en su obra, una serie de dibujos presenta estudios de manos, en las que encontró un elemento vivo donde investigar el espacio a través del movimiento de los dedos, que se abren y se cierran en un intento de atrapar lo que los rodea. Rechazando la utilización de moldes, Chillida resaltó la irregularidad material de las obras creadas en manipulación directa con sus manos, como las esculturas en tierra chamota.

 

izq: Lotura XXVII (Bond XXVII) © Eduardo Chillida. Foto: Íñigo Santiago
dcha: Óxido G-78 (Oxide G-78) © Eduardo Chillida. Foto: Stefan Alternburger Photography Zurich

 

En Menorca, Chillida modeló muchas de sus ‘Lurra’ – una serie de esculturas llamada así por la palabra ‘tierra’ en euskera. Están hechas en tierra chamota, un tipo de arcilla que puede cocerse en grandes bloques sin resquebrajarse. Chillida se sintió atraído por esta propiedad del material y exploró sus infinitas posibilidades de forma que permitía. En trabajos como ‘Lurra M-32’ (1996), las finas incisiones revelan patrones de líneas rectas y circulares. En otras piezas como ‘Lurra M-13’ (1995), las incisiones penetran de tal manera que revelan el espacio interior, transmitiendo una sensación de liviandad. Los títulos de las obras conectan su lugar de origen: aquellas con una ‘M’ en el título están entre las que hizo en el estudio de Menorca, mientras que las que tienen una ‘G’ fueron hechas en Grasse, en el sur de Francia, donde Chillida se familiarizó con el material.

También hecha de tierra chamota está la serie ‘Óxidos’, con obras de color y textura distintivos debido al uso de óxido de cobre negro y un doble proceso de cocción. ‘Óxido G-78’ (1985) presenta motivos geométricos abstractos, similares a los realizados en sus dibujos en tinta y en ‘Mural G-56’. En esta pieza, se dibujan en ambas caras, invitando al espectador a experimentar la sensación espacial creada con la obra.

 

La parte final de la exposición pone de relieve la pasión del artista por los fenómenos naturales. Desde sus inicios, Chillida incorporó las formas orgánicas a sus obras sobre papel y esculturas en acero, y enfatizó las cualidades naturales de los materiales con los que trabajaba como el granito, el alabastro o el fieltro, entre otros. Un ejemplo de esto es la pieza en granito ‘Escuchando a la piedra III’ (1996), en la que el artista retiró tan solo lo justo para revelar la forma y enfatizar la impenetrabilidad de la piedra. Igualmente, explorando la versatilidad del acero, la escultura ‘Lotura XXVII’ (1992) (nudo o unión en euskera) está compuesta de piezas longitudinales creadas en la fragua, sin moldes, y manipuladas para abrirse y envolverse en sí mismas, habitando pausadamente el espacio con una calidad arbórea.

Habiendo crecido junto al océano Atlántico, Chillida recordaba pasar horas contemplando las olas y se refería al mar como su maestro. ‘Homenaje a la mar IV’ (1998), de la serie de piezas que Chillida dedicó a personajes o fenómenos que le inspiraron, evoca la escarpada costa cantábrica a través de formas geométricas talladas en alabastro en contraste con una base de piedra en bruto. En diálogo con esta escultura se encuentra ‘Homenajea la arquitectura II’ (2000), una referencia a la exploración constante de Chillida sobre las formas —ya fueran orgánicas o arquitectónicas— y su estructuración en el espacio.

Ubicado en diálogo con el mar Mediterráneo encontramos ‘Proyecto Peine del viento I’ (1966). Este estudio forma parte de la serie más importante del artista, que culmina con la instalación de tres esculturas de acero colosales en la costa de San Sebastián, un trabajo que fusiona materiales, tierra, mar y aire. Con sus brazos tentaculares abrazando el dinamismo de los elementos, la obra es una invitación a mirar.

Inma Castrejón, diseñadora de moda, estudió distintas facetas del sector, desde el Diseño y Gestión de Empresas de la Moda en CEADE, hasta el  Patronaje Industrial en GOYMAR, sin olvidar la parte artística que se perfecciona en la Escuela de Arte de Sevilla con Diseño Gráfico.

 

Tras este arranque en moda, sus líneas creativas de novia, flamenca y ceremonia han ido sucediéndose a lo largo de estos años. Y le han ido llevando por distintas pasarelas y lugares del mundo, invitada como jurado y exponente por China y Kazajistán en el plano internacional.

 

En España han podido verse sus creaciones en pasarelas como SIQ Costura Andaluza, la Pasarela Flamenca Jerez o la Pasarela Flamenca Jerez, donde este año verá la luz su nueva colección de trajes de flamenca, Sueños de Goya, inspiradas en el Padre del Arte Contemporáneo.

 

Debido a la referencia creativa, las propuestas serán un tanto costumbristas, llenas de detalles, fiel reflejo, por tanto, de la artesanía y, también, característica definitoria de la propia moda flamenca.

 

Los tejidos y materiales empleados en la colección van desde los encajes y transparencias, hasta la pasamanería y tiras bordadas.

 

En cuanto a los colores, más negro que nunca, más burdeos y menos rojo y fucsia. Tonos graves y potentes para una colección inspirada en Goya.

 

¿Cuándo fundas la marca?

La marca oficialmente surge en 2009 a partir de mi primera incursión en Simof, aunque anteriormente ya llevaba trabajando en moda desde hacia años.

 

 

¿Cómo definirías tu estilo?

Mi sello se define como un estilo atrevido pero elegante, sugerente, muy femenino, para un agujero con personalidad y carácter.

 

 

¿Cómo ves la evolución de la moda flamenca?

La moda flamenca ha evolucionado de forma paralela a la moda en general, es el único traje regional que se adapta a los dictados de las tendencias de la industria de la moda.

 

 

¿Como se presenta la Feria de Abril 2024?

Está feria de Abril tiene una muy buenas previsiones. En el caso de mi firma, la colección Secretos de Goya ha sido un rotundo éxito. Tanto en trajes de flamenca como en vestidos de estilo flamenco para asistir a la feria arregladas y de feria pero con un aire más liviano.

 

El festival MUTEK Barcelona, orientado a la promoción de la música electrónica y las artes digitales, celebrará del 9 al 13 de abril su edición número 15. Fiel a su afán descubridor, el festival no solo visibiliza el trabajo de reconocidos artistas nacionales e internacionales, sino que también da a conocer nuevos talentos a través de un completo programa de shows en directo e instalaciones artísticas.

 

Esta apuesta por la creatividad, la innovación, el diseño y la conectividad también es compartida por Roca.  Por ello, un año más, Roca Barcelona Gallery volverá a ser una de las localizaciones clave para MUTEK en la ciudad. El espacio acogerá el próximo miércoles 10 de abril la jornada inaugural del festival, que contará con los artistas quebequenses Martin Messier y DATUM CUT. Ambos son también protagonistas del ciclo conjunto ‘Sculpted with Light & Sound’, que este año se celebra por quinta vez consecutiva para volver a vincular dos elementos, la luz y el sonido, a través de una propuesta que combina instalación artística y show en directo

 

 

El evento supondrá para Martin Messier (con más de quince años de experiencia creando obras que fusionan sonidos, objetos e imágenes) la oportunidad de presentar en España su proyecto Impulse, una analogía poética con un giro tecnológico del funcionamiento del cerebro. Se trata de una obra capaz de ejercer un efecto electrizante en el espectador, permitiéndole acercarse un poco más a la esencia de los sentidos.

 

Por su parte, DATUM CUT presentará su performance audiovisual Inex.materia, una obra etérea que celebra la efeméride, impermanencia y obsolescencia de nuestros cuerpos y las tecnologías, y que busca establecer relaciones entre medios obsoletos y tecnologías contemporáneas en busca de nuevas posibilidades estéticas. Será la primera vez que este artista, radicado en Montreal y ganador de diversos premios como director y compositor, presente un show en España, gracias al apoyo del Bureau du Québec Barcelona.

 

La jornada inaugural se dividirá en dos partes. La primera, privada, tendrá lugar de 18:00 a 20:00 horas. Se trata de un encuentro de networking, ‘MUTEX Match – Meet the professionals’, diseñado para conectar a los directores y programadores del festival con socios, promotores, curadores, instituciones y colectivos de todo el mundo. A continuación, los artistas presentarán sus obras de manera abierta al público.

 

Programa:

20:00h Welcome

20:20h Charla Mutek 15º aniversario

20:30h Presentación obra Martin Messier

21:00h Actuación Datum Cut

 

Reserva de entradas: https://www.rocabarcelonagallery.com/events/15_Aniversario_MUTEK

 

Horario de visitas a la instalación artística:

Jueves 11/04 de 9.00 h a 19.00 h

Viernes 12/04 de 9.00 h a 19.00 h

El 20 de marzo se presentó en Madrid la tercera temporada de Archivo de Creadores, un proyecto que nació en noviembre de 2021 con el objetivo de preservar el legado de las principales voces de la cultura española contemporánea en las más diversas disciplinas.

 

Esta idea nació del que sin duda fue uno de los grandes impulsores de la cultura española en los últimos años, Alberto Anaut, fundador de La Fábrica y de un gran número de proyectos culturales que se han convertido en referentes en nuestro país.

 

Alberto Anaut falleció el pasado mes de julio con muchos proyectos en el tintero y con una tercera temporada de Archivo de Creadores que se estaba terminando de gestar.

 

El Ateneo de Madrid acogió un acto en el que se dieron a conocer los protagonistas esta tercera entrega y en el que participaron Kiko Veneno, Alejandro Amenábar y Carmen Calvo.

 

Archivo de Creadores nació y mantiene su voluntad de tener una vertiente documental y de archivo y otra divulgativa. Para conseguir estos objetivos es fundamental la colaboración de los principales socios del proyecto.

 

La Fundación “la Caixa” es la principal institución que cumple esta función de archivo y custodia de los encuentros íntegros – con más de 10 horas de conversación – de todas las temporadas del proyecto en su plataforma gratuita de streaming CaixaForum+. Ayer se estrenaron los contenidos de la tercera temporada.

 

Además, las conversaciones íntegras están también disponibles, en formato libro en una colección editada por La Fábrica.

 

Prime Video, que también ha acompañado a este proyecto desde su nacimiento tiene ya disponibles los documentales de 50 minutos de la tercera temporada y cuenta en su catálogo con las dos temporadas anteriores.

 

Además, Creadores dio un importante paso en 2023 con la incorporación al proyecto de Radio Televisión Española que emitió los documentales y podcasts de 50 minutos de las dos primeras temporadas y que ofrecerá los nuevos capítulos en el segundo semestre de 2024. RTVE refuerza así su compromiso con los contenidos culturales de calidad con estos testimonios que ayudan a demás a construir un importante archivo de la creación española contemporánea.

 

 

Ferran Adrià, Alejandro Amenábar, Carmen Calvo, Fernando Arrabal, Blanca Li y Kiko Veneno protagonistas de la tercera temporada de Archivo de Creadores

El chef español con más proyección mundial de nuestra historia, Ferran AdriàAlejandro Amenábar, uno de los cineastas más reconocidos del panorama nacional y con mayor proyección internacional; la pintora Carmen Calvo, una de las voces más inclasificables y respetadas del arte contemporáneo; el gran Fernando Arrabal, dramaturgo, poeta, pintor, director de cine y una institución en nuestra cultura; la bailarina y coreógrafa Blanca Lí, Medalla al Mérito de las Bellas Artes y revolucionaria del mundo de la danza; y el músico Kiko Veneno, uno de los más brillantes intérpretes de la música popular española, son los protagonistas de la tercera temporada de Archivo de Creadores.  

 

En primera persona y con una factura llena de cercanía y sinceridad, estos creadores recorren su biografía y los hitos más destacados de sus carreras, descubriendo a los espectadores los acontecimientos más relevantes que los han llevado al lugar que ocupan actualmente en el patrimonio de la cultura en nuestro país.

 

Estos seis personajes se unen al fotógrafo Alberto García-Alix; el escritor Antonio Muñoz Molina; la diseñadora Patricia Urquiola; los arquitectos RCR Arquitectes; el director de cine Fernando Trueba; el pintor y escultor Antonio López; la directora de cine Isabel Coixet; el cocinero Juan Mari Arzak; el artista Miquel Barceló; la cantaora Carmen Linares; el diseñador Javier Mariscal; la escritora Rosa Montero; el director de orquesta Josep Pons y el actor José Sacristán, protagonistas de las dos primeras temporadas.

Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924- San Sebastián, 2002) y Cristóbal Balenciaga (Getaria, 1895-Valencia, 2002) comparten, además de los orígenes guipuzcoanos y de sus lazos de amistad, un sustrato filosófico común.

Ambos son hijos de la pregunta y de la experimentación. Unidos por la búsqueda de la belleza y de la armonía, trabajan la materia desde el respeto, escuchando el latir propio de los materiales, colaboradores fieles y exigentes tanto del escultor como del modisto.

Crean por eliminación, planteando un juego de vacío-lleno y buscando siempre nuevos límites. Plegar la forma les permite penetrar en el espacio interior que generan en sus creaciones, en las que la proporción y la poesía son imprescindibles.

Son estos conceptos compartidos los que pudieron impulsar a Eduardo Chillida a realizar en 1987 el primer estudio de su Homenaje a Balenciaga. En el contexto del 100.º aniversario de su nacimiento, esta exposición invita a explorar y a percibir, mediante la “luz oscura del Atlántico”, los lugares comunes del escultor del aire y del modisto del espacio.

La exposición, comisariada por Igor Uria, director de Colecciones del Museo Cristóbal Balenciaga, en colaboración con el equipo curatorial de Chillida Leku, se ubica en la nueva sala destinada a los diálogos con otros creadores, otras colecciones o disciplinas que ayuden a enriquecer la experiencia del visitante y el conocimiento sobre la obra de Balenciaga.

“Inaugurar la nueva sala “Encuentros” dentro de nuestro recorrido expositivo con Chillida/Balenciaga. Plegar la forma nos parecía especialmente apropiado y una ocasión única para que esta obra, Homenaje a Balenciaga, pudiera viajar a Getaria.

Desde ese Homenaje a Balenciaga de Chillida «nos sumamos a la celebración del centenario de su nacimiento con un homenaje propio, modesto pero necesario y cargado de emoción”, apunta Miren Vives, directora del museo.

En la presentación, además de la directora Miren Vives, y el comisario Igor Uria, han participado: Mireia Massagué, directora de Chillida Leku; Mikel Chillida, director de la Fundación Eduardo Chillida-Pilar Belzunce; y Bingen Zupiria, consejero de Cultura y Política Lingüística del Gobierno Vasco.

Zupiria ha destacado que “este proyecto conecta el Museo Balenciaga y Chillida Leku. Es un buen ejemplo de “Lugar de Encuentro”. Cumple de lleno con el lema del Centenario Chillida. Y el Museo Balenciaga se convierte en lugar de encuentro entre las obras y nosotros. Nosotras. Todas las personas que quieran aprovechar la oportunidad del Centenario Chillida, para disfrutar del diálogo entre dos artistas vascos universales”.

 

EFE/Javier Etxezarreta

 

Programa de actividades
Con ocasión de la exposición, el Museo Cristóbal Balenciaga y Chillida Leku proponen un programa de actividades conjuntas y complementarias que se desplegará a partir de primavera y se extenderá hasta el próximo año.

Las personas visitantes se beneficiarán de un descuento del 10% en el acceso a ambos museos —Museo Cristóbal Balenciaga y Chillida Leku— presentando la entrada de uno de los dos centros museísticos.

Los amigos y amigas de ambos centros museísticos se beneficiarán de un descuento del 50% en el precio ordinario de las entradas de los respectivos Museos. Además, de visitas guiadas.

El 19 de octubre está prevista una jornada que invite a explorar los nexos comunes de ambos creadores en la que participarán la investigadora Carmiña Dovale e Igor Uria. La jornada se desarrollará en el Museo Cristóbal Balenciaga y la asistencia será gratuita.

De la mano de DAB Dantza Arte Bitartekaritza, y en colaboración con la Quincena Musical de San Sebastián, está previsto el espectáculo de danza NOEUD —anudado en francés— el 10 de agosto. La creación de espacios y figuras curvilíneas son los conceptos que la actuación explora mediante el movimiento.

Por último, dirigido al público familiar e infantil, se programarán dos actividades. La primera, en colaboración con el Orfeón Donostiarra, y en el marco del Día Europeo de la Música, aunará música y creatividad. Y, la segunda, por su parte, en otoño, a cargo del colectivo Maushaus, planteará profundizará en torno al contenido expositivo en diálogo.

“La ocasión del centenario nos permite configurar un homenaje colectivo gracias a la colaboración de distintos museos y equipamientos culturales a nivel local, nacional e internacional. En el caso del Museo Cristóbal Balenciaga, compartimos algunas características, como ser un museo de autor, y objetivos comunes, como ser un espacio abierto a la sociedad y potenciar la imagen de Gipuzkoa y Euskadi como referencia y destino cultural de primer orden, en colaboración y complemento a otros recursos del territorio”, apunta Mireia Massagué, directora de Chillida Leku.

 

EFE/Javier Etxezarreta

 

Chillida/Balenciaga. Nexos y valores comunes
Además de los nexos existentes entre ambos creadores, sus trayectorias dejan entrever un mundo de valores en común, que les impulsaba y guiaba en su tarea creadora.

“Esta programación viva, difunde no solo el trabajo del artista, sino también sus valores, filosofía y pensamiento. Aspectos inseparables de la obra del creador y que generan gran cohesión social gracias a su compromiso con la cultura, el arte, la democracia y la libertad”, señala Mikel Chillida, director de la Fundación Eduardo Chillida – Pilar Belzunce.

Homenaje a Balenciaga
En 1990, Eduardo Chillida crea la escultura Homenaje a Balenciaga dentro de una serie que dedica a artistas y pensadores a los que admira. Partiendo de esta obra, que pone de manifiesto su interpretación del trabajo de Balenciaga, la exposición Chillida y Balenciaga. Plegar la forma se vertebra para mostrar paralelismos entre la obra de estos dos creadores.

La obra más antigua, en relación con este homenaje, corresponde a las obras gravitación y serigrafía de 1987, realizadas con motivo de la exposición retrospectiva dedicada al modista en el Palacio de Miramar de San Sebastián ese mismo año.

Los planos verticales, penetrando en el espacio, siluetean un perfil femenino deslizándose y abriendo un horizonte al juego de vacío y lleno. “Balenciaga creaba siluetas en las que la prestancia, la elegancia y la armonía en las proporciones, aportaban mayor fuerza al volumen. Eran espacios habitables para la mujer, que la empoderaban y la encumbraban como elegante para los espectadores que las rodeaban”, apunta Igor Uria comisario de la muestra. Eduardo Chillida apreció esas experiencias y las plasmó en este homenaje en el que se creó un espacio para el espíritu.

La escultura de hierro que desarrolla ese Homenaje a Balenciaga se realiza en 1990, se trata de una obra que mide dos metros y medio de altura y está realizada en acero Corten en los hornos de la forja industrial de Patricio Echeverría en Legazpi. Su peso es de cuatro toneladas y media, lo que aporta gran estabilidad y algún contratiempo en cuestiones de transporte. A pesar de lo masivo del material, el espacio central de la obra conecta con nuestra visión y medida corporal.

 

EFE/Javier Etxezarreta

 

A ambos creadores les une una vocación arquitectónica, la sobriedad y armonía de su obra, que se concibe como una creación única. Comparten el orgullo de su origen vasco, la honestidad y rigor en el trabajo, y un carácter reservado y educado que generaba un gran respeto hacia su figura. El hecho de sentir el material, la tela, el hierro o el papel, y estar de acuerdo con sus cualidades expresivas es fundamental. “Pero desde nuestro punto de vista, lo más sorprendente de ambos, es el interés por el volumen por encima del interés por el cuerpo en el caso del modisto y, en el caso del escultor, el interés por el volumen para evidenciar el espacio. Casas-vestidos versus esculturas-lugares”, apuntan desde el área de exposiciones de Chillida Leku.

Chillida convierte estas planchas de acero de 15 cm de grosor en un manto que abriga una figura central, un espacio vacío que se corporeiza y que el escultor descubrió con satisfacción una vez concluida la escultura. “Los dos círculos podrían ser los puños del manto, bonita interpretación, un manto que acoge una figura y deja ver las manos y su silueta a través del vacío”, enfatiza Igor Uria, comisario de la muestra.

En 1999 se constituye la Fundación Cristóbal Balenciaga que contó con Eduardo Chillida como uno de los miembros fundadores en sus orígenes previos a la apertura del museo. En aquella ocasión, el escultor cedió otra versión de aquel primer dibujo de 1987 para su uso como anagrama de la fundación. Estas tres versiones distintas de su homenaje al modista, ejemplifican una realidad en la obra de Chillida: que su obra gráfica, aunque aparentemente dispar, está estrechamente relacionada con su obra escultórica.

Premio al mejor diseño de producto
  1. Barra de bar diseñada por Beatriz Silveira en su espacio con Eichholtz «Doré lifestyle»
  2. Colonias de setas de ÖMAN CRAFT STUDIO en el espacio «Casa Manolete» de Mar Vidal

 

 

Premio a la innovación tecnológica

  1. «Tekno world-tekno work» de Global tv por Alfons & Damián
  2. «It´s a sin» de La Ebanisteria por Simona Garufi

 

 

 

Premio al mejor tratamiento de la luz y el color

  1. «Mi oasis privado» de Global tv por Guille García-Hoz
  2. «Terra Lighting» de Vibia por Welcome Design

 

 

Premio al material más ecológico y sostenible

  1. «La esencia» de Tattoo Creators por In Out-Hotel Design
  2. «Beatbar» de Ecocero Acoustic Design por Alejandra Pombo

 

 

Premio al espacio más votado por el público

  1. «Hammam» por Antonio Calzado
  2. «Tekno world-tekno work» de Global tv por Alfons & Damián

 

 

Premio al mejor proyecto

  1. «Room 29» de Natuzzi Italia por Pepe Leal
  2. «Beatbar» de Ecocero Acoustic Design por Alejandra Pombo