EL ELOGIO DE LAS SOMBRAS: Un homenaje a la belleza exótica y tradicional de las prendas bajo el juego de luces

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Costura de Autor es una asociación sin ánimo de lucro, que nace para preservar, potenciar y comunicar la excelencia en la costura, así como la creatividad y el exquisito trabajo de los diseñadores repartidos en toda la geografía española. 

 

El principal objetivo de la asociación es la promoción y defensa de la costura española de autor, así como de sus diseñadores y del oficio artesano, mediante la creación de un lugar común para todos aquellos interesados en una moda artesanal, cualificada, responsable y creativa. Para ello, CdA lleva a cabo todo tipo de actividades destinadas a dar a conocer el diseño y la costura española de autor y su historia, tales como exposiciones, talleres, charlas o formaciones, con la voluntad de definir una “voz única” que represente a todos sus asociados, sus valores y su talento creativo, promoviendo la costura artesanal con “sello español”, impulsando el legado de la tradición indumentaria española, que es ejemplo internacional de creatividad, sostenibilidad y ética profesional. 

 

 

Homenajeando las ideas del manifiesto “Elogio de las Sombras” de Junichiro Tanizaki, esta exhibición de creaciones elaboradas por los diseñadores de Costura de Autor en La Casa de La Luz Simón, pretende homenajear la belleza exótica y tradicional de las prendas bajo el juego de luces. 

 

Una instalación de gran contenido poético, en donde las técnicas tradicionales de la costura reflejan la belleza de la artesanía y convergen con la estética japonesa tradicional. 

 

 

Partiendo del negro, como color clave en la historia de la moda española, así como su opuesto, y fomentando el juego de las penumbras tan valorado en la antigua cultura oriental, los trajes cuentan historias que retornan en nuestro imaginario bajo el bello influjo de la luz.

 

Comisariado: Félix Valiente (fotógrafo) 

 

Costura de Autor, “Los virtuosos de la moda”

“Un espacio para aprender, compartir y disfrutar de la luz”

 

DEL 19 DE FEBRERO AL 1 DE MARZO 

21 de febrero, inauguración y coloquio. 27 de febrero, recorrido por la exposición. 

 

La Casa de la Luz Simón es un espacio creado para aprender, compartir y disfrutar de la luz en un ambiente colaborativo y abierto a profesionales y particulares. 

 

Con sus orígenes como empresa familiar hace más de 100 años en un pequeño taller destinado a la fabricación de portalámparas, Simon es hoy una empresa líder en material eléctrico y referente en diseño a nivel internacional. Una multinacional en plena expansión cuyos proyectos en materia de innovación, sostenibilidad y eficiencia energética han sido premiados con el sello LEED, la más alta certificación en materia de sostenibilidad. 

 

 

Pioneros en su sector gracias a su departamento de I+D+I, definen sus filosofía con dos conceptos: Diseño y Tecnología. Entre sus valores está el priorizar el desarrollo profesional de las personas, algo que incentivan mediante espacios y proyectos como la Casa de la Luz, que abre sus puertas a diversas iniciativas formativas y culturales en colaboración con creadores y profesionales.

 

 

Agenda de la exposición

Diseñadores @costuradeautor_org

 

Helena Mareque 

Su esencia representa el lujo silencioso. Sus vestidos creados con técnicas artesanas y su continua creatividad no dejan indiferente a nadie. Empleando telas de las mejores calidades, es capaz de adaptarse a cualquier estilo para convertir cada pieza en una joya preciosa. 

 

Miquel Alemany 1942 

Carlos Baqués Cirera y Carlos Baqués hijo son la cuarta y quinta generación de Miquel Alemany 1942, especializados en tejidos de alta costura para diseñadores nacionales e internacionales como Balmain, Armani o Chanel. 

 

Ammiu 

Amaia Ubiria, tras formarse en el IED y trabajar con Jesús del Pozo, creó su propio Atelier en San Sebastián. Con un estilo muy personal, envuelve los cuerpos con ricas texturas, sencillez y prendas fluidas con un toque minimalista y un sello propio. 

 

Silvia Fernández 

Creció rodeada de patrones y telas. Estudió publicidad y desfiló para YSL y Karl Lagerfeld, para posteriormente crear su marca homónima, donde vuelca su pasión por la costura tradicional en vestidos para ocasiones especiales con piezas de gran estilo y personalidad. 

 

Le Touquet 

Paula Canellada es arquitecta de profesión y diseñadora por pasión. En 2009 creó Le Touquet, donde modela artesanalmente piezas de joyería inspiradas en las flores, mediante una técnica que data de finales del SXIX. 

 

BSJ by Macarena 

Macarena Sanz es reconocida como una de las pocas bordadoras artesanas españolas especializadas en los diseños con hilo de oro, piezas que realiza en su Atelier en Cuenca. 

 

Maria Barragán 

Con Atelier en Madrid y Almería, se dedica a la confección de vestidos exclusivos para novia e invitada. Virtuosa del patronaje, su especialización, diseña cada vestido como si se tratase de una obra de arte, dando rienda suelta a sus dos pasiones, el dibujo y la costura. 

 

Isabel Hervás 

Elabora creaciones exclusivas experimentando con técnicas tradicionales y grandes dosis de creatividad en el Atelier que creó hace años en su Jaén natal, donde confecciona prendas sofisticadas, románticas y modernas. 

 

Maria Gadea 

Formada en IED Madrid, diseña prendas exclusivas mediante un proceso elaborado y altamente cuidado, inspirado en el objetivo de crear vestidos que conecten y emocionen, con diseños llenos de personalidad y técnicas artesanas. 

 

Slabon Moda 

Fascinada por la Alta Costura, Susana Poyatos crea Slabon Moda en 1990. El cuidado en los acabados, la selección de los materiales y el trabajo artesanal dan lugar a creaciones personalizadas de gran calidad y sensibilidad. Desde 2011 forma parte de Estampa Desing. 

 

Eusebio Sánchez 

Desde 1952 especializados en la importación de bordados, hace unos años empezaron a producir sus propias creaciones basadas en la tradición textil española y su técnica, inspirando a diseñadores de todo el mundo con sus telas. 

 

Genoveva Hita 

La seda es el medio perfecto con el que Genoveva da rienda suelta a sus creaciones artísticas, que convierten prendas atemporales y versátiles en lienzos pintados a mano. 

 

Manuela Montero 

Sus creaciones se inspiran en la naturaleza y en la magia de los cuentos para vestir a los más pequeños con cuidados detalles propios de la Alta Costura. Es la artífice de algunas de las prendas prêt-à-porter de moda infantil más valoradas en España. 

 

Lechienerrant 

Tras trabajar para varias firmas e involucrarse en todo el proceso creativo, Miguel Ángel Aldeguer crea Lechienerrant, donde diseña con un estilo depurado a través de tejidos nobles y una confección impecable destinada a una mujer intuitiva que rechaza lo superfluo. 

 

Escuela ESADA 

La escuela, especializada en la formación de nuevos diseñadores en Andalucía, presenta a Elisa Chien, que representa la apuesta por el diseño innovador, creativo y basado en criterios de sostenibilidad de la escuela. 

 

Cristina Tamborero 

Graduada en la Universidad Ramón Llull en Dirección y Administración de empresas, continuó sus estudios de moda en el IED . Su pasión siempre fue el diseño y su dedicación la ha llevado a crear piezas únicas en su Atelier de Barcelona, con tejidos nobles y confeccionados a mano. Un guiño a la antigua alta costura trasladada a la actualidad.

 

Yar Studio Design 

Graduado en diseño industrial en Teherán, Hamid Mihanyar aprendió el oficio de curtidor y descubrió su pasión por modelar el cuero creando volúmenes. Desde Guadalajara confecciona a mano junto a su compañera Somita Hesam, formada en diseño en Madrid. 

 

Clara Blu 

Clara Martinez es la artífice de Clara Blu, marca de moda infantil, creada puntada a puntada para vestir las ceremonias infantiles, inspiradas en las técnicas artesanales de la costura tradicional. Especializada en los faldones de bautizo, sus diseños perduran por generaciones. 

 

Teresa Patiño 

Tras cursar moda en el Instituto Marangoni de Londres, y bordado de Luneville en l’École Lesage -propiedad de Chanel- , Teresa ha hecho del bordado su forma de vida y su vocación artística. Actualmente compagina su estudio donde diseña y borda, con la docencia. 

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‘Entre el Bosco y Sorolla’ La Fundación María Cristina Masaveu Peterson presenta las obras maestras del Museo Bellas Artes de Valencia

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La Fundación María Cristina Masaveu Peterson y el Museo de Bellas Artes de Valencia inauguran La colección del Museo de Bellas Artes de Valencia. Entre el Bosco y Sorolla, una exposición que reúne más de un centenar de obras maestras pertenecientes a la colección de la pinacoteca valenciana y que podrá verse en el centro de la Fundación en Madrid desde el 28 de febrero al 14 de julio de 2024 con entrada libre.

 

Comisariada por Pablo González Tornel, director del Museo y máximo especialista en la colección, la muestra abarca desde la Edad Media hasta principios del siglo xx y cuenta con piezas de artistas como Gherardo Starnina, Joan Reixach, Joan de Joanes, el Bosco, Maarten de Vos, Vicente Macip, Ribera, Rubens, los Ribalta, los Benlliure, Pinazo, Muñoz Degraín o Sorolla, entre otros.

 

«El Museo de Bellas Artes de Valencia atesora una colección artística caleidoscópica, densa y de enorme calidad. Esta exposición permite contemplar, por primera vez fuera de Valencia, una selección de las piezas más significativas de nuestra colección», ha comentado Pablo González Tornel durante la presentación de la muestra a los medios.

 

En palabras de Álvaro Sánchez, secretario del Patronato de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, «la exposición permite dar a conocer el patrimonio de uno de los Museos de Bellas Artes más relevantes de nuestro país más allá de su comunidad, enriqueciendo la extraordinaria programación cultural de la capital y ejemplificando cómo a través de la colaboración público-privada se contribuye al acercamiento de la cultura a toda la sociedad».

 

Con esta exposición, de acceso gratuito, ambas instituciones quieren ayudar a extender fuera de la comunidad valenciana el conocimiento del rico patrimonio que atesora el Museo de Bellas Artes de Valencia, uno de los más importantes de España.

 

Del Bosco a Sorolla en nueve paradas
Dividida en nueve secciones, la exposición arranca en el siglo xv, cuando Valencia comienza a convertirse en un importante centro activo de la Corona de Aragón, para conducir al visitante por un recorrido histórico, artístico y social que se acerca hasta la modernidad.

 

Uno de los núcleos más relevantes del Museo lo constituyen pintores valencianos como Gonçal Peris, Miquel Alcanyís, Pere Nicolau, José de Ribera, Joaquín Sorolla, Antonio Muñoz Degraín y otros. No obstante, el conjunto se enriquece con obras maestras de algunos de los artistas europeos más conocidos, como el Bosco, Bermejo, Rubens o Zurbarán.

 

 

Del siglo xv a la modernidad pictórica
El despegue económico y cultural de Valencia a finales del siglo xiv propició la presencia en la ciudad del pintor florentino Gherardo Starnina y la del centroeuropeo Andrés Marçal de Sas. Al mismo tiempo, maestros locales como Gonçal Peris, Miquel Alcanyís o Pere Nicolau se convirtieron en difusores del gótico internacional. La exposición da cuenta de ello con obras como el Retablo de los Siete Sacramentos o Retablo de fray Bonifacio Ferrer (1396-1397), en el que Starnina muestra el refinamiento de su formación en Florencia, o la obra bifaz Verónica de la Virgen y Anunciación (1403-1410), una pieza devocional que Peris y Nicolau tratan con el preciosismo de un objeto de orfebrería.

 

Además, la más que probable presencia de Jan van Eyck en Valencia a mediados del siglo xv, así como la llegada de pintores del norte, como Lluís Alincbrot desde Brujas, o el viaje de los autóctonos, como Lluís Dalmau, favoreció la consolidación de la pintura al óleo y el auge del estilo minucioso y realista conocido como hispanoflamenco.

 

En Valencia coexistieron las obras de Bartolomé Bermejo con las del italiano Paolo de San Leocadio, considerado el introductor del Renacimiento de Italia en la ciudad y de quien se expone su Cristo portacruz (h. 1500-1505), y las de otros artistas como Fernando Llanos, Fernando Yáñez de la Almedina o el Bosco, cuyo Tríptico de la Pasión o de los improperios (h. 1510-1520), una de las obras maestras del Museo, llegó a Valencia de la mano de Mencía de Mendoza y está representado en la exposición por su tabla central, la Coronación de espinas.

 

Durante el siglo xvi, el arte español viró hacia la modernidad clasicista, imponiéndose el Renacimiento italiano tras la llegada de los primeros pintores procedentes de Italia o el regreso de artistas españoles después de su periplo por ese país. En ese contexto, el italianismo figurativo tuvo su eco en autores como Joan de Joanes, creador del Pentecostés o Venida del Espíritu Santo (h. 1578), o Juan Sariñena, autor del Salvator mundi (h. 1600).

 

Con el avance del Seiscientos, en España el lenguaje barroco se abrió a nuevas expresiones más allá del realismo y el naturalismo. La llegada de los estímulos dinámicos y coloridos de artistas como Pieter Paul Rubens, de quien se expone una delicada Virgen con el Niño (h. 1620), favoreció un riquísimo panorama pictórico con maestros como José de Ribera, Francisco y Juan Ribalta, Pedro Orrente, Juan Valdés Leal, Claudio Coello o Francisco de Zurbarán, de todos los cuales se exhiben obras en la exposición.

 

En España artistas como Mariano Salvador Maella prolongaron los códigos barrocos hasta el siglo xix, cuando Francisco de Goya y sus discípulos, directos o indirectos, como Agustín Esteve, presente en la muestra, se abrieron camino para consolidar lo que hoy conocemos como Romanticismo. Durante la segunda mitad del siglo, los pintores españoles se movieron entre el arte romántico, el realismo y el impresionismo e inauguraron una línea de acción que caracterizó el Ochocientos: la búsqueda incesante de un estilo propio.

 

 

El auge de la pintura de temática social, que se produjo a finales del siglo xix como resultado de los cambios políticos y sociales que habían sacudido Europa durante toda la centuria, estuvo representado en Valencia por la pintura de Antonio Fillol Granell, exitoso retratista y brillante cronista de la Valencia de 1900, que plasmó con toda crudeza la violencia de los conflictos armados y el atraso de las sociedades rurales.

En la exposición se podrá disfrutar de la pintura de autores fundamentales del siglo xix en España, como Vicente López, Francisco Domingo, Emilio Sala, Antonio Gisbert, José Benlliure, Ignacio Pinazo o Aureliano de Beruete, entre otros.

 

Sorolla, Degraín y la modernidad
Joaquín Sorolla, uno de los pintores valencianos más internacionales y de cuya muerte acaba de celebrarse el centenario, tiene un papel destacado en esta muestra. En ella se le dedica una sala en la que pueden admirarse obras como El niño de la bola (1887), una de las dos academias que envió desde Roma a Valencia en cumplimiento de sus obligaciones como becario de la Diputación en aquella ciudad; La primavera o Labradora valenciana (h. 1900), un modelo que realizó para ser reproducido en azulejería por la Casa Miralles de Barcelona, o algunos retratos y paisajes de la huerta y la playa levantinas.

 

La exposición también reserva un espacio propio a Antonio Muñoz Degraín (1840-1924), de cuya muerte se cumple el centenario y que es considerado el paisajista más relevante de la pintura valenciana de entresiglos.

 

El fondo de obras de Muñoz Degraín custodiado en el Museo valenciano es el más importante del mundo en cantidad y variedad. En la muestra se pueden ver algunas como Paisaje granadino (1915), en la que el color adquiere todo el protagonismo, o Espigadoras de Jericó (1909), donde recrea un universo exótico en torno a Tierra Santa en el que el trasfondo religioso queda totalmente difuminado en favor del paisaje.

 

La colección del Museo de Bellas Artes de Valencia. Entre el Bosco y Sorolla concluye en las primeras décadas del siglo xx mostrando una Europa en continua guerra y una España convulsa en obras como Bombardeo (1937), de Eleuterio Bauset, o Madre tierra (1936), presentada por Horacio Ferrer de Morgado a la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1936, interrumpida por el estallido de la Guerra Civil ese año. Poco a poco, el realismo fue sustituido por una nueva estética ligada a las vanguardias, con creadores como el propio Ferrer de Morgado, que llevaron las artes en España de manera decidida hacia la modernidad, aquí representada por El alambique, obra de 1967 del Equipo Crónica que cierra la muestra.

 

Un catálogo y actividades paralelas 
Con motivo de la exposición, se ha editado un catálogo que incluye, además de textos firmados por Pablo González Tornel, ensayos de Matilde Miquel Juan, Jesús F. Pascual Molina, Ignacio Cano Rivero y Ester Alba Pagán, quienes ofrecen nuevas y enriquecedoras miradas en torno a la colección.

 

Además, se ha organizado un amplio programa de visitas guiadas y un ciclo de conferencias dirigido por Pablo González Tornel, en la que participarán los especialistas que han colaborado en el catálogo.

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ARTIKA presenta Damas y Caballeros: el nuevo de libro escultura de Manolo Valdés

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Manolo Valdés, uno de los artistas más reconocidos del arte contemporáneo a nivel mundial, se une a la editorial ARTIKA para presentar su obra más íntima y personal: Damas y Caballeros. Este proyecto, que combina escultura, grabado y collage en un libro de artista, ofrece una mirada profunda al proceso creativo y la evolución del pintor y escultor a lo largo de los años.

 

 

En Damas y Caballeros, Valdés nos sumerge en su universo artístico, donde las figuras de damas, caballeros, perfiles y cabezas se entrelazan de manera única. A lo largo del libro, se revela la influencia de algunos de los maestros que marcaron la trayectoria artística de Valdés, como Matisse, Picasso y Velázquez.

 

 

La singularidad de esta obra no se limita al papel; sino que se extiende a las meninas únicas que acompañan cada ejemplar. Estas figuras, realizadas en resina, encapsulan la esencia de la obra. Valdés, conocido por su maestría en el arte del modelado, imprime a cada pieza su sello distintivo mediante fracturas, grietas e incisiones, haciéndola única e irrepetible.

 

 

Una obra única y exclusiva:

Damas y Caballeros es el nuevo libro de artista de ARTIKA en una edición limitada de 998 unidades firmadas por el propio autor.
El libro se presenta dentro de un estuche escultura de resina diseñado por Manolo Valdés, una menina azul en la que el artista ha querido incorporar sus características fracturas y grietas, dotando a cada pieza de una singularidad sin precedentes, haciéndola única e irrepetible.

 

 

Cada obra incluye un libro de artista, con 53 grabados representativos de diversas series y épocas, seleccionados por el propio Valdés, una inmersión en la carrera del pintor y escultor, que nos permite explorar sus técnicas de grabado, collage y escultura, revelando sus procesos creativos, materiales y evolución artística.

 

 

Para finalizar, el libro de estudios competa esta obra con una visión experta de la trayectoria del artista, de la mano de especialistas como el director del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza Guillermo Solana, o del catedrático de Historia del Arte, de la Universidad Miguel Hernández, Kosme de Barañano.

 

 

La edición más personal de Manolo Valdés:

El artista se ha implicado a fondo en la creación de la obra Damas y Caballeros. No solo ha seleccionado personalmente los grabados que componen la obra, sino que también, ha realizado el diseño de la menina que acompaña cada ejemplar, participando activamente en la creación y supervisión de las figuras. Esta colaboración cercana y la implicación personal del artista resaltan la autenticidad y el valor añadido de cada pieza.

 

 

La obra Damas y Caballeros se erige como la edición más personal de Manolo Valdés, y esto se refleja en cada detalle cuidadosamente seleccionado. En este libro de artista, Valdés nos invita a realizar un viaje introspectivo a través de su evolución creativa. Cada grabado, texto y figura, así como la elección del material, lleva consigo una carga emocional y una narrativa íntima que trasciende la mera expresión artística. Valdés ha manifestado en diversas ocasiones que: «esta obra encapsula, no solo su destreza técnica, sino también sus experiencias personales, influencias y el viaje emocional que ha marcado su carrera.»

 

 

La elección de las damas y caballeros como elementos recurrentes no solo es una manifestación estilística, sino también un acto de revelación personal. Cada figura esconde capas de significado, representando además de personajes en sí mismos, momentos, encuentros y reflexiones profundas del artista. De igual modo, la selección de la menina para el estuche escultura, acaba de representar su estilo a través de una de las figuras más recurrentes y características de su obra.

 

 

La conexión intrínseca entre Valdés y esta colección se percibe como una introspección única y una oportunidad para el público de adentrarse en el alma del creador a través de obras maestras; que nos abren una ventana a su mundo interior y a la riqueza de su universo creativo.

 

 

Un encuentro creativo inspirador:

La colaboración entre Manolo Valdés y ARTIKA va más allá de la simple producción de una obra; es una conexión profunda entre el artista y la editorial.

 

 

El estuche-escultura en forma de menina, elaborado en resina y elegida por el mismo Manolo Valdés, añade otra capa de singularidad a la obra. Este material específico produce grietas que, combinados con las particularidades de la escultura, hacen que cada pieza sea verdaderamente única.

 

 

Damas y Caballeros representa la maestría artística de Manolo Valdés y, además, nos revela la esencia de su proceso creativo, invitando a los amantes del arte a sumergirse en lamente creativa de uno de los artistas más reconocidos de nuestro tiempo.

 

 

Para ARTIKA el proceso creativo de esta obra de arte ha sido una experiencia muy enriquecedora. La interacción entre el artista y la editorial se manifiesta en cada elemento visual y táctil, donde se crea una expresión de la alquimia creativa que surge de esta colaboración.

 

 

Manolo Valdés: un recorrido por su trayectoria artística:

Nacido en el 1942 en Valencia, España, Manolo Valdés es uno de los exponentes más destacados del arte contemporáneo cuya obra abarca desde la escultura hasta el grabado y la pintura. Comenzó su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y, más tarde, se trasladó a Madrid, donde co-fundó el influyente grupo artístico Equipo Crónica en la década de 1960.

 

 

A lo largo de su carrera, Valdés ha explorado diversas corrientes artísticas, desde el pop art hasta el expresionismo abstracto. Su estilo distintivo se caracteriza por la reinterpretación de obras maestras de la historia del arte, fusionando elementos clásicos con su visión contemporánea. La figura humana, especialmente damas y caballeros, se convierte en un motivo recurrente en su obra, explorando la identidad y la dualidad en sus representaciones.

 

 

Manolo Valdés ha participado en diversas exposiciones en todo el mundo, consolidándose como uno de los artistas españoles más reconocidos internacionalmente. Su obra ha sido exhibida en gran parte de los museos más prestigiosos del mundo, y sus esculturas monumentales, han adornado los espacios públicos de ciudades de Europa y América.

 

 

A lo largo de su carrera, Valdés ha recibido numerosos reconocimientos por su contribución al arte contemporáneo, como La Medalla Internacional de las Artes y las Ciencias. Su habilidad para fusionar lo clásico con lo contemporáneo y su enfoque único hacia la escultura y el grabado han dejado una huella única en el panorama artístico global.

 

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MAZA.ART eleva su propuesta con una nueva subasta de arte abstracto durante la Semana del Arte en Madrid

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Maza.Art, la casa de subastas que nació con el objetivo de marcar un punto de inflexión para relanzar el mercado del arte contemporáneo, continúa su impresionante trayectoria y celebrará una nueva edición en Espacio Montesa de Madrid el próximo 7 de marzo. La subasta Abstracción femenina de Maza.Art presenta una completa selección de obras abstractas creadas exclusivamente por mujeres artistas que representan la vanguardia del arte contemporáneo emergente, reafirmando el compromiso de Maza.Art con la equidad de género y la diversidad artística.

 

Así lo explica Antonio Yera, CEO y fundador de Maza.Art “a lo largo de la historia, la presencia de la mujer en el mundo del arte ha sido relegada a un segundo plano. Además el estilo abstracto, desarrollado sobre todo a partir de las vanguardias del siglo XX, ha estado asociado al carácter masculino y en cierto modo a las élites culturales, aquellas que se pensaba sólo podían entender este tipo de estilo artístico. Con esta exposición y subasta, queremos acercar al público el arte abstracto, difuminar las barreras invisibles que a menudo impiden poder disfrutar de dichas obras en su totalidad, y ensalzar la contribución de estas mujeres artistas al arte abstracto más contemporáneo”. Como parte de esta iniciativa, Abstracción femenina integra pinturas, obras en papel, collages y esculturas, a través de las cuales estas artistas aportan una mirada alternativa, y plasman la feminidad con diferentes elementos formales y estéticos.

 

En esta nueva subasta, Maza.Art reunirá obras de un conjunto de artistas nacionales e internacionales como Paula Ruíz-Belloso, Mónica Baquedano, Mariona Espinet, Lucía Ballarín, Inés Salinas, Elena Morales, Persiis Hajiyanni, Emma Clarós, Alexia Briones, Kanica, Alejandra Herguido, María Blanc,Bea Aiguabella, Paula Cabral, Inés Prat, Andi Concha, Teresa J. Cuevas, Aina Melis, María JL Hierro y Carmen Martini.

 

 

Como siempre, este evento comenzará con una exposición previa de las obras que entrarán en subasta con precios que oscilan entre los 250€ y los 2.400€. Esta exposición podrá disfrutarse del 5 al 7 de marzo, en Espacio Montesa de 15.30 horas a 21.30 horas. Los interesados y posibles compradores podrán ver de cerca las piezas y planificar así su participación previo registro en la web www.maza.art, los tickets estarán disponibles desde el 26 de febrero a las 12 horas y podrán elegir entre puja presencial, telefónica o ausente. Finalmente, la subasta se celebrará el 7 de marzo a las 20 horas, a la que sólo se podrá acceder con ticket o invitación.

 

 

Las cifras de Maza.Art

Desde su fundación en 2022, Maza.Art ha desafiado las convenciones y ha predefinido el panorama del arte contemporáneo en España. Con un enfoque rompedor, la casa de subastas busca acercar las subastas de arte al público joven y se ha convertido en un referente para los amantes del arte. Tras 10 subastas y más de 2.200 asistentes en total, Maza.Art ha subastado más de 350 obras, atrayendo a más de 200 nuevos coleccionistas y logrando un impresionante porcentaje de venta de entre el 68% y 85%. En ediciones anteriores, obras como We,re here for a moment de Studio Lenca y Siena et ses pensées d ́amour de Sandra Modrego han alcanzado precios notables, demostrando el potencial de los artistas presentados en las subastas. Además de fomentar nuevos perfiles como la brasileña Fernanda Gomes, cuya obra ha sido introducida por primera vez en España gracias a Maza.Art.

 

 

La próxima subasta se prevé celebrar el 11 de abril en Madrid y se pujará por 30 obras de los artistas británicos Frankie Thorp y David Horgan.

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JOMO celebra una semana de arte sin precedentes en el prestigioso hotel Santo Mauro. Desde el 10 al 17 de marzo

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El evento contará con la participación de Eladio de Mora dEmo, Jaime Monge, Anna Barrachina, Miguel Díaz Belda y Äcondieresis. Estos visionarios del arte moderno revelarán sus más recientes creaciones, prometiendo una jornada memorable y repleta de inspiración para todos los presentes. En un entorno que rebosa lujo en cada rincón, «Ethereal» se propone como un encuentro de diversas perspectivas del mundo, un espectáculo que promete cautivar y mover a la reflexión a todos los asistentes.

 

Distanciándose de las tradicionales exposiciones en museos y galerías, que suelen favorecer un enfoque minimalista donde la obra de arte predomina, «Ethereal» rompe moldes para ofrecer una experiencia inmersiva única. Esta muestra será un punto de inflexión en la concepción de exposiciones artísticas, garantizando a los asistentes un viaje sin precedentes por las corrientes del arte contemporáneo.

 

La exposición «Ethereal» estará abierta no solo para los miembros de JOMO, sino también para el público general interesado en el arte contemporáneo. Aquellos que deseen asistir podrán reservar su entrada con cita previa, asegurando así una oportunidad exclusiva para sumergirse en el mundo del arte en un entorno íntimo y lujoso.

 

@Jaime Monge

 

@dEmo

 

Toda la recaudación JOMO de «Ethereal» será donado a la Global Gift Foundation. Esta fundación, liderada por la reconocida filántropa española Maria Bravo y la actriz Eva Longoria, se dedica a generar un impacto positivo en la vida de niños, mujeres y familias que se encuentran en situación de vulnerabilidad y/o riesgo de exclusión social.

 

Esta ocasión no solo refleja la dedicación de JOMO a fomentar el arte y la cultura, sino que también destaca su responsabilidad social corporativa al brindar apoyo a iniciativas benéficas que llevan a cabo una labor esencial en beneficio de la comunidad. «Ethereal» no es simplemente una exposición; es una manifestación de cómo el arte puede servir como puente para la solidaridad y el cambio social.

 

 

Si quieres conocer los mejores planes y pertenecer a una comunidad única, este es tu lugar. JOMO es tu mejor asesor, además de plataforma de reservas y organizador de los mejores y más exclusivos eventos de la ciudad.

¿Cómo puedes hacerte miembro de JOMO? A través de una suscripción a la que hay que postularse. La comunidad JOMO se basa en valores y pasiones comunes: el arte de estar en el lugar correcto en el momento correcto.

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MADRID LUXURY DISTRICT reúne 8 obras a escala urbana de la escultora AURORA CAÑERO en la Milla de Oro de Madrid

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Madrid Luxury District -enmarcado en el programa Madrid Capital de Moda impulsado por el Ayuntamiento de Madrid- pone en marcha la III Edición de Madrid Luxury Art, con la gestión cultural y el patrocinio de AGM Art Management. Una exposición de arte contemporáneo que a partir del 8 de mayo traerá a la calle Ortega y Gasset ocho obras de dimensiones monumentales de la escultora madrileña Aurora Cañero bajo el nombre ‘Figuras y Personajes’. 

 

Aurora Cañero es una artista clásica, formada en la Escuela de Bella Artes de San Fernando en Madrid. Comenzó con la escultura en la década de los setenta, impulsando nuevas formas del género figurativo que aparecieron como respuesta al Minimal Art y el Arte Povera. Es reconocida nacional e internacionalmente en Francia, Alemania, Bélgica, Holanda, Italia, Grecia, Estados Unidos, Colombia, Venezuela, México y Chile. 

 

Su exposición “Figuras y personas”, realiza un recorrido por los personajes y las situaciones entre reales y ficticias de la carrera de la artista. Cañero no crea figuras humanas, sino personajes que parecen realizar acciones cotidianas, pero siempre otorgándoles una esfera surreal. Las obras incorporadas a la exposición, además, guardan un aspecto directamente vinculado a su presencia en la calle, su capacidad de interacción con el espectador que se siente atraído por las acciones que ellos realizan y los mundos que representan.

 

Esta exposición temporal se lleva a cabo en el marco de la Global Summit of Women 2024 que tendrá lugar en mayo en Madrid y que tiene como objetivo poner foco en el papel de la mujer como agente de cambio e impulso en las economías del futuro.  La presencia de Aurora Cañero durante la cumbre permite comprender el papel femenino en la creación artística. 

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La exposición de arte «SOMOS NATURALEZA» llega a Madrid

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“Somos Naturaleza” es una muestra que reúne el trabajo de seis creadores pertenecientes a distintas disciplinas: pintura y escultura, cuyas obras comparten una misma preocupación, la relación entre el ser humano y la naturaleza. 

 

Sus participantes son: 

El escultor Daniel Salorio construye piezas zoomórficas a partir de hojas, ramas, troncos y otros elementos vegetales. En sus expresivas esculturas se desdibuja la línea entre lo animal y lo vegetal, recordándonos que no hay divisiones en la naturaleza.

 

La artista multidisciplinar Eliana Perinat parte su obra desde la selección de imágenes que han sido tomadas por cámaras de movimiento colocadas en el campo. Su propósito es dar voz a la naturaleza que nos rodea a través de la imagen del animal en su total libertad. 

 

 

El artista Álvaro Llanza busca representar a través de sus obras la idea del progreso y el crecimiento. Su inspiración nace de la naturaleza y la belleza que le rodea en su día a día. Pinta obras figurativas, minimalistas y abstractas.

 

 

La pintora Ana Tellez basa sus obras en las diferentes texturas, colores y sabores que han ido marcando su vida. Su trabajo está impulsado por los recuerdos dentro de la cocina y comida que probó a lo largo de su infancia.

 

 

El artista autodidacta Guillermo de Vicente destaca por su obsesión por la figura humana, en especial por los rostros de mujeres no reales. Pinta en acrílico sobre lienzo y sobre tabla con un estilo figurativo. Para él, la pintura es un mundo infinito de liberación y paso del tiempo.

 

La pintora Rosita Ibáñez Martin gira su obra en torno a la naturaleza y a su camino para conectar con uno mismo. Cree firmemente en su poder sanador e investiga sobre las sensaciones de alegría y bienestar que nos produce.

 

 

Duración: del miércoles 27 de febrero al viernes 1 de marzo de 2024 (horario 12:30 – 19:00) 

Emplazamiento: Galería Cruz Bajo – Calle Don Ramón de la Cruz 15, 28001, Madrid. 

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La marca bilbaína SKFK presenta en Fashion Week su nueva colección Kuttun uniendo magia, tradición y arte

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En el amplio mundo de la moda, donde la tradición y la innovación convergen, la firma SKFK, que acaba de incorporarse a la Asociación de Creadores de Moda de España (ACME), emerge nuevamente como un faro de creatividad y conciencia. En esta ocasión, su colección FW24, bautizada como «Kuttun» -en euskera, «talismán» o «amuleto”-, nos invita a un viaje lleno de magia y encanto, donde la protección de sus raíces se convierte en el hilo conductor de una propuesta que deslumbra por su apuesta por el arte y el diseño, sin dejar de lado su compromiso con la sostenibilidad.

Bajo la mirada y dirección creativa de Maia Curutchet, SKFK nos sumerge en un universo donde su lengua natal es un talismán que nos conecta con las tradiciones más preciadas que no queremos perder. La magia, esa fuerza misteriosa que protege lo que amamos, se entrelaza con las creencias ancestrales, dando vida a una colección que busca mimar sus raíces y preservar sus tradiciones más queridas.

 

“La moda debería ser un proceso reflexivo y creativo. Vamos en contra de lo establecido por la industria y trabajamos pacientemente cada una de nuestras colecciones”.

 

Con este desfile, SKFK explora el equilibrio entre el prêt-à-porter y la alta costura, cuestionando el límite entre el diseño y el arte, y el trabajo artesanal y el industrial. Una propuesta que protege el arte y la creación del funcionamiento de la industria textil, donde las colecciones responden a tendencias, reglas comerciales y a las normas impuestas por el fast-fashion. Un homenaje a la creación viva en el mundo de la moda, donde arte, diseño y sostenibilidad se entrelazan para dar forma a prendas que trascienden las tendencias efímeras de esta industria.

 

 

Los colores de esta nueva propuesta, inspirados en la riqueza de su cultura y en la belleza de la naturaleza, nos transportan directamente a los paisajes vascos donde el misterio y el encanto son sus principales protagonistas. De los tonos tierra a tonalidades vibrantes, cada pieza de la colección refleja la diversidad y la riqueza de sus raíces.

 

Cuidadosamente seleccionados por Maia Curutchet y el equipo creativo, los tejidos son una celebración de la artesanía, la calidad y la conexión con la naturaleza. De algodones orgánicos y fibras celulósicas de bajo impacto a suaves lanas, cada textura cuenta una historia única, donde tradición y compromiso van de la mano del medio ambiente.

 

Para explorar el límite entre el trabajo artesanal y el mundo artístico, SKFK ha insertado piezas exclusivas de arte trabajadas con el patrón zero waste, que reduce el uso del tejido y que permite usar esta silueta como lienzo donde reivindicar la importancia de la creatividad y la sustentabilidad. Para ello, han invertido el proceso creativo para reinterpretar piezas existentes de la colección y elevarlas a modelos de alta costura a través de un trabajo conjunto de artesanía y arte.

 

Además, han querido destacar la cadena de valor que da sentido a su trabajo y que, muchas veces, queda en un segundo plano, colaborando por segunda edición consecutiva con SIGNUS y con la marca de calzados RÍA, con los que han diseñado los zapatos del desfile hechos a partir de neumático reciclado.

 

Gracias a su enorme experiencia en la creación de piezas de arte para la alta costura, Maia Curutchet ha sabido trasladar su conocimiento y su pasión a cada una de sus creaciones, creadas con diferentes técnicas artísticas, dando como resultado auténticas obras de arte únicas que desafían las convenciones de las tendencias y nos invitan a soñar en grande.

 

Kuttun FW24 es, en definitiva, mucho más que una simple exhibición: es un alegato a favor de una moda con identidad propia y una defensa de la creación viva en el sector, aunando arte y diseño con compromiso por un mundo más sostenible y consciente. SKFK vuelve a recordarnos una vez  más que la moda puede ser una forma de expresión artística que, además, nos ayude en el cambio del pensamiento social actual.

 

Como en la anterior ocasión, SKFK se ha apoyado en partners clave de su cadena de valor, como SIGNUS o FSC, que ponen de manifiesto la importancia de crear sinergías con empresas que comparten la misma visión del mundo de la moda.

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La ceramista francesa VIRGINIE PERNOT

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Es una de las ceramistas francesas más evocadoras de la década. Su vocabulario visual es único, casi de ciencia ficción, y POTT Gallery la trae por primera vez a España. Sus piezas zoomórficas caminan entre la geometría y la abstracción. Virginie Pernot reside en Cannes (Alpes-Maritimes), pero se formó en la Escuela de Arte Cerámico de Vallauris, cerca del mítico taller de Madoura, donde Picasso creó toda su obra cerámica.

 

Hibrid I

 

Hybrid II

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Dos Visiones by Carol Moreno en Hotel EL PALACE BARCELONA

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Con la firme voluntad de continuar invirtiendo en su estrecha vinculación con el arte.
El majestuoso hall de El Palace Barcelona y su adyacente sala Cugat acogen una colección de piezas de la artista catalana Carol Moreno que podrá visitarse hasta el 7 de mayo de 2024.

 

La muestra presenta obras de muy diversa procedencia, desde Elche hasta Camboya, la Costa Brava, Collserola o el Delta del Ebro, todos ellos recorridos en primera persona por la artista, que quiere compartir con los espectadores la sensación de calma, belleza y sosiego que, junto con cierto misterio, experimentó transitándolos.

 

Esta no es la primera colaboración de la artista y El Palace Barcelona, ya que desde
2010 sus colecciones de cuadros, retratos y murales decoran las Art Suites, el Salón Cugat, el Winter Garden y el techo del salón Gran Vía.

 

 

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