‘Colección Masaveu: Objeto y naturaleza’

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La Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha presentado Colección Masaveu. Objeto y naturaleza. Bodegones y floreros de los siglos XVII – XVIII, exposición que se podrá visitar en su sede en Madrid del 15 de septiembre al 28 de enero de 2024. Comisariada por Ángel Aterido, profesor de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid y especialista en pintura española del siglo XVII, esta muestra propone al espectador actual un recorrido de siglo y medio por el bodegón español en casi medio centenar de obras de algunos de los más renombrados artistas consagrados al género: desde los sobrios planteamientos de Juan van der Hamen, Alejandro de Loarte o Juan de Zurbarán, pasando por las soluciones plenas de barroquismo de Juan de Arellano, hasta concluir con las refinadas composiciones de Luis Meléndez.

“El género de la naturaleza muerta constituye uno de los núcleos temáticos más coherentes dentro de la Colección Masaveu. En esta exposición se ha reunido una selección significativa, centrada en sus piezas más sobresalientes del Barroco y la Ilustración, a través de la que ofrecer un panorama representativo del origen y la evolución de uno de los asuntos pictóricos más extendidos en la tradición occidental”, explica el comisario.

Por su parte, para Álvaro Sánchez, secretario del patronato de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, “esta exposición demuestra la labor de difusión de la Colección Masaveu que ha venido desarrollando la Fundación María Cristina Masaveu Peterson en los últimos años, como institución heredera de la tradición centenaria de mecenazgo que ha caracterizado a la familia Masaveu a lo largo de generaciones”.

La muestra se presentó por primera vez en la Fundación Unicaja de Sevilla (del 4 de abril al 16 de julio de 2022) y también se ha podido ver en el Museo de Bellas Artes de Asturias (del 30 de septiembre de 2022 al 8 de enero de 2023) con diferencias en su organización y número de piezas respecto a la exposición que ahora se abre en Madrid, rediseñada para las salas de la sede de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson.

Está formada en su mayoría por fondos de la Colección Masaveu y se completa con obras de la Colección Fundación María Cristina Masaveu Peterson y de la Colección Pedro Masaveu Peterson, estas últimas procedentes del Museo de Bellas Artes de Asturias. La colección personal de Pedro Masaveu Peterson, integrada por cuatrocientas diez obras, fue entregada al Principado de Asturias mediante la vía de la dación en 1994, un año después de su fallecimiento, por deseo expreso de María Cristina Masaveu Peterson, quien quiso de este modo honrar la figura de su hermano como coleccionista. Estas piezas se pueden contemplar en el Museo de Bellas Artes de Asturias, considerado desde entonces uno de los museos más relevantes de España.

Por ello, para Ángel Aterido “esta exposición supone un afortunado y único reencuentro de obras que, en muchos casos, fueron adquiridas por Pedro Masaveu Peterson para formar grupos interconectados entre ambas colecciones”.

Programa de actividades
Con motivo de la exposición Colección Masaveu. Objeto y naturaleza. Bodegones y floreros de los siglos XVII – XVIII la Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha programado una serie de actividades paralelas como visitas guiadas, talleres escolares y un ciclo de conferencias que contará con la presencia de Ángel Aterido (UCM), José Ramón Marcaida (CSIC) y Peter Cherry (Trinity College de Dublín).

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FABRICA presenta CO-ECOLOGIES el nuevo programa de residencia

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nicia el nuevo programa semestral de residencia de Fabrica, el centro de investigación del Grupo Benetton, que en el 2024 cumplirá treinta años de actividad.

 

Comisariada por Carlos Casas, artista visual y cineasta español que ya fue residente en Fabrica a finales de la década de los noventa, la nueva sesión está dedicada a las Co-Ecologies y aborda cuestiones vinculadas con el debate sobre el Antropoceno, esperando que en un futuro próximo nuestra especie tome conciencia de su codependencia con el medio ambiente y la cooperación entre diferentes disciplinas sea capaz de aportar nuevas soluciones al estancamiento derivado de la crisis climática. Durante el semestre se cuestionarán los procesos biológicos, geológicos y ecológicos que las nuevas tecnologías y las prácticas artísticas contemporáneas están utilizando para proponer alternativas de vida y de convivencia en nuestro planeta.

El programa se inauguró el 14 de septiembre con una conferencia de Laura Tripaldi, escritora e investigadora independiente que trabaja en la intersección entre ciencia, tecnología y humanidades contemporáneas. El calendario propone talleres, conferencias, proyecciones, clases magistrales y conciertos con mentores y expertos internacionales que acompañarán a los creativos menores de 25 años de Fabrica en un itinerario de investigación que desembocará en la realización de un proyecto que se expondrá en Fabrica al final de la residencia.

 

Entre las demás personalidades que participarán durante el próximo semestre encontramos al músico Chris Watson, los artistas y directores Matthew C. Wilson y Emilia Tapprest, los estudios de diseño Metahaven y Fuse, el centro de experimentación artística Institute for Postnatural Studies, el cineasta Gary Huswitt, la fotógrafa Marina Caneve y la artista Jenna Sutela. Todos los eventos estarán abiertos al público.

 

La sesión primavera/verano 2023 concluyó el 21 de julio con Monument to Dust, una muestra-evento en la que cada artista ofreció al público su propia interpretación del concepto de arcaico. A través de instalaciones, fotografías, vídeos, esculturas, lecturas, proyecciones, dibujos en directo y actuaciones, los 19 artistas volvieron a imaginar lo transitorio y lo perpetuo, cuestionando las bases de nuestro conocimiento y fomentando la introspección y la intuición.

Para el semestre de Co-Ecologies se han seleccionado 17 jóvenes creativos de 15 países: Dora Ramljak (Croacia), Kaaya van Ewijk (Países Bajos), Sevilia Ibrahimova (Ucrania), Alice Nascimben (Italia), Allison Costa (EE. UU.), Josephine Illingworth (Reino Unido), Vivek Jain (India), Jeure Tavare (República Dominicana), Ram Sethuraman (India), Joe Habben (Reino Unido), Max Bufardeci (Australia), Yirui Fang (China), Davide Balda (Italia), Jihyun Park (Corea del Sur), Maria Fernanda Vaca Angulo (Colombia), Alessandra Centorbi (España), Sara Fichter (Suiza).

 

Carlos Casas comenzó su carrera artística en Fabrica en 1998. Sus obras se han presentado en muestras internacionales como las Bienales de Venecia, Shangai, Estanbul y Bangkok, y acogidas por instituciones públicas y privadas como la Tate Modern de Londres, la Fundación Cartier, el Palais de Tokyo, el Centre Pompidou de París y La Triennale de Milán. Sus películas se han presentado y premiado en los festivales internacionales más importantes, como el Festival de Cine de Venecia, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, el CPH:DOX de Copenhague, el Festival Internacional de Cine de Buenos Aires y el FIDMarseille.

Fabrica, que se fundó en 1994 a partir de una visión de Luciano Benetton y Oliviero Toscani, es un centro de investigación con sede en Treviso, en una villa del siglo XVII restaurada y ampliada por el arquitecto japonés Tadao Ando.

Inspirado en el Renacimiento y con un enfoque basado en aprender haciendo, Fabrica ofrece residencias artísticas gratuitas de seis meses a jóvenes creativos procedentes de todo el mundo. Cada semestre, el itinerario de investigación se centra en un tema específico que se explora a través de una contaminación constante entre disciplinas como la fotografía, el diseño, el vídeo, la escritura, la música/sonido, el arte y los medios digitales.

www.fabrica.it

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CentroCentro dedica una exposición a la historia del baile en Madrid

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El pasado 29 de septiembre abrió al público Madrid desde el baile, en la planta 5 de CentroCentro, espacio del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid. Una exposición comisariada por Massimiliano Casu que recorre la vinculación entre el baile y la ciudad de Madrid desde la prehistoria hasta nuestros días. A lo largo de los meses de exposición, CentroCentro organizará un programa público gratuito de actividades dirigido por el comisario, con visitas guiadas, conferencias, performance, activaciones y charangas. Toda la información, fechas y procesos de inscripción están publicadas en la web centrocentro.org.

A través de fotografías, audiovisuales, publicaciones, materiales de archivo, instalaciones, instrumentos musicales, incluso una pista de baile, la muestra propone, “un paseo zigzagueante por siglos de producción cultural y política, una mirada sobre una ciudad que se ha construido a paso de pavanas, zarabandas, chotis, rigodones, himnos techneros y reguetones”, explica el comisario. “Una historia apócrifa de la ciudad, hecha por gente común y relatos ordinarios, pero tan determinante para nuestras vidas como la historia oficial”.

Gracias al diseño expositivo, a cargo de Casa Antillón, la planta 5 de CentroCentro se convierte en una calle más de la ciudad proponiendo un camino que arranca con una reproducción de la pintura rupestre del panel 1 de la Cueva de los Aljibes, en Manzanares el Real, la pintura más antigua conservada en la Comunidad de Madrid y que representa, según la hipótesis, una escena de baile ritual. Tras abordar la universalidad del baile, también el de plantas, animales y autómatas, el camino continúa por algunos de los lugares que en últimos 500 años no sólo han sido epicentros del ocio popular, sino verdaderos laboratorios donde se ha cocinado la política y la cultura.

Así, el visitante se puede acercar a las calles donde en el XIX sonaban las canciones de moda tocadas por los organillos del taller de Apruzzese, a los Campos Elíseos de Madrid o las noches de baile en Jardín Paraíso; a los alrededores de la Ermita de San Antonio de la Florida, Virgen del Puerto, el Manzanares y la Pradera de San Isidro; o a salones de la nobleza y del proletariado, discotecas, clubes, afters y antros de la picardía, de la frivolidad y de las disidencias contemporáneas.

La exposición aborda el baile desde diferentes perspectivas, convertidas en secciones. El baile como campo de batalla, como territorio de controversia, siempre objeto de la atención de mentalidades o medidas represoras y estigmatizantes que lo han vinculado a la peligrosidad social. Una sección que reúne historias desde el siglo XVI hasta la actualidad. El baile como herramienta para reproducir el orden constituido o subvertirlo completamente, con ejemplos de su rol en procesos de construcción comunitaria y en las luchas civiles y contraculturales. El baile como modelo de auto-organización, capaz de activar la construcción de comunidades y redes de colaboración, de resolver conflictos e impulsar acuerdos.

Asimismo, El baile como herramienta de producción del espacio público, una sección que reúne ejemplos de la capacidad de exploración, deriva, construcción y ocupación creativa del territorio urbano propia de las comunidades de baile en calles, plazas, jardines, merenderos, descampados. Un apartado está dedicado a las infraestructuras para el baile, salones, salas, discotecas, clubes, antros, y las posibles asociaciones de cada una con los distintos tejidos sociales de la ciudad. Y, por último, el baile como laboratorio creativo, como fuerza creadora de mundos donde se construyen nuevas maneras de relacionarnos, nuevos imaginarios estéticos e iconográficos.

El jardín público de Madrid llamado «El Paraíso». Rafael Botella y Coloma

 

Massimiliano Casu, comisario de la exposición
Madrid desde el baile está comisariada por Massimiliano Casu, creador y productor cultural originario de Cerdeña (Italia), afincado en Madrid desde 2006. Aquí ha desarrollado gran parte de su trayectoria artística y su interés por el uso de la música, del arte sonoro y de las prácticas performáticas colectivas como instrumentos para la activación de la participación ciudadana. Su trabajo se centra en investigar los procesos de producción colectiva del espacio social urbano, enfocándose principalmente en el repertorio de los rituales musicales populares, sean estos fiestas rave, verbenas de barrio o quedadas de jóvenes en los espacios públicos. Ha publicado textos y artículos sobre la producción social del espacio urbano a través de la fiesta y ha sido promotor de un sinfín de fiestas-happening en colaboración con las principales instituciones culturales madrileñas y estatales. Desde 2018 es director de Ciudad Bailar, un festival que investiga la relación entre baile y vida urbana en Madrid, realizado en colaboración con Intermediae-Matadero Madrid.

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La Fundación MOP anuncia su tercera exposición de fotografía de moda en A Coruña

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La Fundación Marta Ortega Pérez (Fundación MOP) convertirá este otoño su espacio expositivo en el Puerto de A Coruña en escenario de una gran exposición dedicada a la vida y la obra del legendario fotógrafo germano-australiano Helmut Newton (1920-2004). Helmut Newton – Fact & Fiction podrá visitarse del 18 de noviembre de 2023 al 1 de mayo de 2024.

 

Siguiendo la estela de las muestras dedicadas a Peter Lindbergh y Steven Meisel, Helmut Newton – Fact & Fiction es la tercera exposición promovida por la Fundación MOP. Esta nueva muestra es un proyecto impulsado en estrecha colaboración con la Fundación Helmut Newton y comisariado por Philippe Garner, reconocido experto en fotografía; Matthias Harder, Vicepresidente de la Fundación Helmut Newton, y Tim Jefferies, director de la Galería Hamiltons.

 

A lo largo de sus seis décadas de carrera, Helmut Newton llegó a ser considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo. Prolífico creador de imágenes y auténtico visionario, sigue ejerciendo hoy en día una gran influencia en la fotografía moderna y en las artes visuales.

 

Junto a su obra, la exposición descubrirá también la faceta personal del artista a través de una serie de vídeos que muestran a Newton trabajando y conversando; de imágenes personales que ofrecen una visión de su infancia, su carrera y su relación con su esposa June y de otros documentos como carteles, cámaras y equipos, accesorios, objetos curiosos y recuerdos.

 

La selección de fotografías de moda y lifestyle que conforma la exposición es una buena muestra del lenguaje visual audaz, empoderador y sin complejos característico de Newton, incluidos sus icónicos “grandes desnudos” y los inolvidables retratos de personajes excepcionales como Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Perretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent y Karl Lagerfeld.

 

Como contrapunto a sus imágenes más icónicas, la exposición incluirá además ejemplos de “paisajes” menos conocidos de Newton: imágenes muy evocadoras de los lugares que influyeron en su obra como París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas y que también son un reflejo de la atmósfera especial del emplazamiento de la muestra en A Coruña.

 

En palabras de Marta Ortega Pérez: «Helmut Newton forma parte de ese grupo estelar de fotógrafos cuyas imágenes se reconocen al instante. Su gran acto revolucionario fue cambiar por completo la forma en que las mujeres eran retratadas en las páginas de las cabeceras de moda. Ahora eran las mujeres quienes disfrutaban del diseño y la moda, del poder y el esplendor de sus cuerpos; mujeres elegantemente seductoras e intocables. Sus fotografías iban más allá de su época y estaban muy adelantadas a su tiempo: sentó las bases para los fotógrafos que le siguieron de una manera extraordinaria.

 

Trabajar con fotógrafos cuya obra admiro desde hace mucho tiempo es un gran privilegio. Lo hago no sólo con la ambición de enriquecer la vida cultural de A Coruña, sino también con la ilusión de que las futuras generaciones de artistas visuales que visiten las exposiciones encuentren su propia inspiración en la obra de estos influyentes artistas».

 

La actividad de la Fundación Marta Ortega Pérez está estructurada sobre tres pilares: la moda, la fotografía y A Coruña. La exposición inaugural de la Fundación, Peter Lindbergh: Untold Stories (2021), atrajo a más de 100.000 visitantes. Su segunda exposición, Steven Meisel 1993 A Year in Photographs (2022), repitió el éxito de la primera registrando más de 130.000 visitas.

 

La entrada a las exposiciones promovidas por la Fundación MOP es libre. Los beneficios generados por la venta de merchandising han permitido la creación del programa ‘Future Stories’, destinado al apoyo a jóvenes creadores en el inicio de su carrera artística. La Fundación MOP dispone, además, de un programa educativo dirigido por artistas que gira en torno a sus exposiciones y que pretende llevar la figura de estos grandes fotógrafos a las aulas gallegas e impulsar así un conocimiento profundo de su obra. En la edición 2022/2023 del programa participaron 9.000 escolares y 300 profesores de 93 centros educativos de toda Galicia.

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La Fundación Daniel y Nina Carasso y la Fundación Ship2B presentan los proyectos seleccionados en el programa TIINa

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La Fundación Daniel y Nina Carasso, en colaboración con la Fundación Ship2B, ha anunciado los siete proyectos seleccionados para pasar a la segunda y última fase de la segunda edición de Tiina, su programa de inversión de impacto en arte y alimentación creado en 2022. Los seleccionados participarán durante los próximos meses en un programa intensivo de aceleración en el que recibirán acompañamiento grupal y personalizado y que culminará en febrero de 2024 con un Demo Day en el que presentarán la evolución de sus propuestas. Tras ser nuevamente valoradas bajo criterios de impacto social y madurez para recibir inversión, podrán ser escogidas para recibir financiación a través de los préstamos blandos que ofrece el fondo del programa Tiina, dotado con 200.000 € para esta edición.

De las 369 solicitudes recibidas en esta segunda edición, fueron 14 las seleccionadas para la primera fase, reuniéndose en un Impact Business Bootcamp el pasado mes de junio en Barcelona, donde los equipos que impulsan el programa pudieron conocer más a fondo sus propuestas, modelos de negocio y equipos. “Todos los proyectos que han participado en el bootcamp han disfrutado y han conseguido avanzar con sus proyectos gracias a la mentorización de los expertos que les han acompañado” explica John Mikel Burgaña, Program Manager Venture Philanthropy & Expansion en la Fundación Ship2B, “ahora toca seguir trabajando en profundidad con los siete seleccionados en esta segunda fase para que avancen y puedan acceder al fondo de inversión de Tiina”.

El comité de selección de Tiina ha escogido a los siete proyectos con mayor potencial de impacto y sostenibilidad económica a largo plazo. Las iniciativas seleccionadas abordan retos relevantes de nuestra sociedad, que van desde la preservación de la tradición y calidad alimentaria en el ámbito rural, hasta la reducción de la brecha en el acceso y disfrute de la cultura sin importar edad ni origen. “Tienen un gran potencial para contribuir a crear una sociedad más justa, sostenible y equitativa”, apunta Deborah Gold, asesora de inversión de impacto en España para la Fundación Daniel y Nina Carasso.

Esta segunda fase, al igual que en la primera edición de Tiina, finalizará con un Demo Day en el que los siete proyectos podrán explicar su propuesta de valor y sus proyecciones de impacto y financieras para acceder a un préstamo blando. El programa Tiina contempla para esta segunda edición un fondo total de 200.000 euros, pudiendo optar cada proyecto finalista a una financiación de entre 25.000 y 75.000 €.

 

Proyectos seleccionados de alimentación sostenible

Fundació Mas Albornà 
Barcelona

Desde hace más de 50 años, la Fundació Mas Albornà trabaja día a día desde el Penedès para el Penedès, haciendo posible la integración social y laboral. Trabajan por las personas con discapacidad intelectual, trastornos mentales y en riesgo de exclusión, generando empleos a través de un obrador de embutidos en el ámbito rural, preservando la tradición y calidad alimentaria.

Ecocentral
Barcelona

Nacido en el seno de otra iniciativa ecológica, Eco d’Aquí, Ecocentral es un proyecto con una clara implicación social y medioambiental. Desde el convencimiento de que los comedores escolares son el verdadero punto de apoyo al cambio político-social a través de la alimentación, ofrecen un servicio integral para que escuelas de Barcelona puedan ofrecer alimentos ecológicos a niños y niñas con un precio de menú establecido.

Fundació Mescladís
Barcelona

La Fundació Mescladís es una entidad sin fines de lucro que tiene la voluntad y determinación de contribuir a un horizonte de cohesión social. Impulsan iniciativas educativas, económicas y culturales que promueven el derecho a migrar y el trabajo digno. Cuentan con diferentes iniciativas de hostelería (un bar, un restaurante, un servicio de cátering) desde el prisma de la integración social y sostenibilidad.

Azolla Projects
Barcelona

Azolla Projects se presenta como un nexo de unión entre agricultores y empresarios, proponiendo un sistema de producción sostenible basado en la economía circular para combatir los efectos del cambio climático. Su propuesta pone la tecnología al servicio de la transición hacia un modelo de agricultura regenerativa con un software que permite a los agricultores optimizar sus recursos y beneficios.

Proyectos seleccionados de arte ciudadano

Conciencia Afro
Madrid

Conciencia-Afro es una propuesta artística, cultural y política centrada en reivindicar, celebrar y difundir las realidades y conocimientos de las personas africanas y afrodescendientes, fomentando su participación en el ámbito artístico y cultural. Llevan más de 6 años trabajando en el ámbito de la creación artística, el diseño de proyectos culturales y en el impulso de procesos comunitarios.

ConArte Internacional
Barcelona

La Asociación ConArte Internacional combate la brecha de acceso a la cultura en la infancia y juventud en escuelas. Desde su nacimiento en 2014, dedica su trabajo a la educación y participación de niños, niñas y jóvenes a través de las artes y la cultura mediante el diálogo entre el mundo educativo y la creación artística, la creación de nuevos públicos para la cultura o la formación de formadores en el ámbito del arte y educación.

The Cross Border Projct
Valladolid

The Cross Border Project nació en Nueva York como un proyecto personal de la dramaturga y directora de escena Lucía Miranda. Conformada por un grupo de artistas que trabajan en el ámbito del teatro, la educación y la transformación social, es una iniciativa de innovación cultural y social, compuesta por una compañía de teatro, una escuela de Teatro Aplicado y una cocina: el espacio donde investigar y desarrollar proyectos con otros grupos y disciplinas.

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Apertura Madrid Gallery Weekend marca la rentrée artística de la ciudad

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Madrid se prepara un año más para dar la bienvenida a Apertura Madrid Gallery Weekend, el gran evento que marca el inicio de la temporada artística en la ciudad. Este año, la cita impulsada por Arte Madrid —Asociación de Galerías de Arte Moderno y Contemporáneo de Madrid— celebra su 14.ª edición con la participación de las 56 galerías de la asociación entre las que se incluyen algunas nuevas incorporaciones como Alzueta Gallery, Yusto Giner o VETA by Fer Francés.

Entre el 14 y el 17 de septiembre las galerías de Madrid darán la bienvenida a la temporada expositiva con la inauguración conjunta de sus propuestas expositivas, muestras de primer nivel de artistas nacionales e internacionales como Chema Madoz, Elina Brotherus, Nancy Spero, Inma Femenía, José Manuel Ballester, Fernanda Fragateiro, Darío Villalba o Inmaculada Salinas.

Con el propósito de acercar el arte contemporáneo al público más amplio posible, Apertura cuenta con una programación de actividades gratuitas que se suman a la inauguración conjunta. Así, durante todo el mes las galerías ofrecerán una experiencia única que abre la temporada de exposiciones en diferentes barrios de la ciudad como Chamberí, Salesas, Lavapiés, Letras y Salamanca, además, por supuesto, de las situadas en el centro.

Durante Apertura Madrid Gallery Weekend las galerías abrirán durante todo el fin de semana con un horario ampliado: el jueves de 12:00 a 22:00 h, el viernes y el sábado de 11:00 a 20:00 h y el domingo de 11:00 a 14:00 h. A esto se une un programa de actosen los espacios de las galerías así como otras actividades destinadas a poner en valor el arte contemporáneo.

El arte contemporáneo inunda distintos barrios de la ciudad
Apertura apuesta por recorridos por el espacio público para descubrir obras de arte situadas en las calles, plazas y edificios de Madrid. Para ello, la cita vuelve a ofrecer visitas guiadas por Alfonso de la Torre a las obras de Pablo Palazuelo en la sede de Bankinter del Paseo de la Castellana 29 y al Museo de Escultura al Aire Libre en el Paseo de la Castellana, 40. Por otro lado, la Fundación ARCO continúa organizando sus habituales visitas guiadas, los ARCO Gallery Walks, que proponen circuitos para visitar las galerías de Arte Madrid ubicadas en diferentes distritos de la ciudad.

Siguiendo la estela de la pasada edición, se vuelve a apostar por la creación con La voluntá, un espectáculo de Luz Arcas, fundadora de la compañía La Phármaco, concebido especialmente para Apertura y que tendrá lugar en el claustro de los Jerónimos del Museo Nacional del Prado. Además, la literatura encuentra su espacio reivindicando el papel de las librerías en la difusión de la cultura. Para ello, espacios como La Central, Tipos Infames o Taschen contarán con una selección especial de libros de arte.

Este año, coincidiendo con Apertura, la Universidad de Nebrija organiza Y mis ojos son como el jerez que deja el huésped en la copa, exposición colectiva que se podrá ver a partir del 14 de septiembre en el Centro Cultural Galileo y en la que la autoficción, el deseo y la honestidad se entrelazan para acompañar al espectador hacia una experiencia de la intimidad actual. También como novedad de esta edición, la Embajada de Portugalha preparado un itinerario para recorrer las galerías madrileñas que representan a artistas lusos.

Conscientes de la necesidad de ser accesibles al público, Apertura Madrid Gallery Weekend cuenta con una app propia —disponible de manera gratuita en Google Play y AppStore—que está activa durante todo el año. A través de ella el visitante puede organizar su ruta y disfrutar de la oferta artística de las distintas galerías repartidas por barrios como Lavapiés, Letras, Centro, Salesas, Chamberí o Salamanca.

En definitiva, Apertura Madrid Gallery Weekend busca acercar cada vez más el arte contemporáneo y la actividad de las galerías al público profesional y no profesional y fomentar el diálogo del arte contemporáneo con otras disciplinas culturales.

Apertura Madrid Gallery Weekend cuenta con el apoyo, colaboración y patrocinio tanto de empresas privadas como Cervezas Alhambra -que mantiene una conexión especial con el mundo de la creación contemporánea-, así como del Ministerio de Cultura y Deporte, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid.

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Abre STUDIO CLUB en Málaga el primer Music & Art Club de Andalucía

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Málaga celebra este verano una de las aperturas más esperadas de la Costa del Sol: Studio Club. Situado en el centro neurálgico de Torremolinos, Studio Club ha recuperado una sala icónica de la costa malagueña, transformándolo en un club de última generación donde la música y las artes visuales se fusionan para ofrecer una experiencia sonora y visual vanguardista y para dotar a la noche malagueña del espacio que necesitaba para disfrutar de una experiencia clubbing a la altura de este vibrante destino.

Bajo el motto The Art of Music, Studio Club ofrece una rompedora combinación de música electrónica a cargo de los mejores DJs de la escena nacional e internacional y la visión creativa de artistas como Richar Santana, creador del impresionante mural de la fachada, y el malagueño Víctor García, autor del proyecto de intervención de espacios urbanos Play in Colors, cuyas instalaciones lumínicas abren al espectador a una nueva dimensión espacial, generando un cambio de sintonía sorprendente.

Studio Room & Gallery Room

El club cuenta con dos salas con conceptos estéticos y visuales distintos. Studio Room, la sala principal, presenta un estilo industrial y minimalista, con claraboyas gigantes, dos alturas y área VIP en el nivel superior en torno a la pista de baile a modo de anfiteatro. La Gallery Room, situada en la primera planta, refleja influencias de la Bauhaus. El Lounge al aire libre sirve de transición entre las dos salas, con sistema de sonido L-Acoustic y conectadas por el túnel de luz creado por Play In Colours. La iluminación ha sido diseñada por el reconocido estudio basado en Ibiza 3Dlight.

La programación musical deleitará a los amantes de la música electrónica. Estela Boersma, Âme, Ben Sims, Steve Lawler, Mano Le Tough, Gerd Janson, Ilario Alicante, David Squillace, Nicole Moudaber y ART NO LOGIA son algunos de los artistas que actuarán en Studio Club este verano, a los que se sumarán fiestas de moda como Zamna by Visionnaïre. Una programación musical de calidad que cubrirá un amplio espectro de sonidos con sesiones de tarde y noche, enriqueciendo la oferta de entretenimiento musical de Málaga, uno de los destinos mediterráneos más atractivos del momento.

“El objetivo era dotar a la Costa del Sol y a Málaga de un club vanguardista donde poder disfrutar de una experiencia de club de calidad, algo que no existía. Desde el diseño arquitectónico al visual y sonoro, Studio Club quiere ser un club de referencia en la escena de club nacional y el punto de encuentro de los amantes de la música electrónica en el Sur”, comenta Mehdi Frej, promotor de Studio Club.

Primer Music & Art Club de Andalucía

La música se ha integrado siempre de forma natural con las demás artes. Ha enriquecido la danza, el teatro, el cine o la literatura, pero, al mismo tiempo, la música se ha nutrido de ellas, generando nuevos lenguajes y formas de expresión. En Studio Club la relación simbiótica se produce entre las artes visuales y la música electrónica para ofrecer una experiencia visual y sonora integrada, desfilando los límites de lo convencional en el marco de un club.

“El mural de la fachada, de 150 metros cuadrados, ha sido creado con formas geométricas que siguen la arquitectura minimalista del club, combinando rectas y curvas y usando colores vivos relacionados con el entorno, la Costa del Sol y el mar Mediterráneo”, comenta el artista canario Richar Santana.

Junto a las intervenciones de Santana en el exterior y Play In Colors en el interior, la Gallery Room funcionará como galería de arte, lo que la convertirá en una sala en evolución permanente que se transformará dos veces al año. Para la inauguración, la artista berlinesa afincada en Málaga Conxi Sane ha intervenido la sala con un mural sobre la cabina del DJ y una muestra de su arte cubista.

A 5 minutos del Aeropuerto de Málaga y 10 minutos de Málaga ciudad, Studio Club es el nuevo epicentro de la noche en la Costa del Sol y el primer music & art club de Andalucía.

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La Fundación Ses Dotze Naus transforma Ibiza en un lugar de creación de arte contemporáneo

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La Fundación Ses Dotze Naus (Ses12naus) impulsa las residencias artísticas en Ibiza, en esta ocasión de la mano de los artistas Nina Beier y Simon Dybbroe Møller, quienes han permanecido en la isla entre los meses de abril y julio de este año para explorar la interacción entre la naturaleza y la artificialidad de la isla.

Frente a la estacionalidad vacacional que caracteriza a Ibiza, cada vez más personas convierten este espacio en su lugar de residencias habitual, conscientes de la gran cantidad de oportunidades que les brinda Ibiza. “La isla siempre ha sido acogedora y nos gustaría extender esa bienvenida transformando Ibiza en un emplazamiento que también sea reconocido por lugareños y turistas como u espacio para disfrutar de la cultura y las artes”, declara Ángeles Ferragut, fundadora y presidenta de Ses12naus.

Las residencias artísticas, una herramienta para dinamizar el tejido cultural

Esta fundación comenzó en 2016 como un programa bienal de residencias en una finca del interior de la isla con el objetivo de aportar ideas y generar valor social y cultural. En 2022, fruto de su apuesta por la cultura como motor de cambio, Ses12naus se constituyó como fundación sin ánimo de lucro para iniciar una nueva etapa impulsando diversas líneas de trabajo: fomentar y desarrollar la cultura contemporánea en Ibiza, impulsando residencias de artistas, exposiciones y programas públicos para contribuir a que la isla sea un lugar de creación, producción y disfrute del arte contemporáneo.

Dirigida por Ángeles Ferragut y fundada junto a su marido Simon Southwood, cuenta con la asesoría de la artista Cristina de Middel y el comisario y crítico de arte Fernando Gómez de la Cuesta. La misión de la Fundación es fomentar la creación contemporánea internacional en la isla de Ibiza invitando a artistas y pensadores a dialogar con ella y generar nuevas narrativas contemporáneas, alimentando así perspectivas inéditas y pensamiento crítico en residentes y visitantes.

Con una clara vocación internacional, la Fundación reúne personas de distintas edades, registros artísticos y backgrounds.

PROTEIN, fruto de la residencia de los artistas Nina Beier y Simon Dybbroe Moller
Fruto de su estancia en la isla a lo largo de varios meses, los artistas daneses Nina Beire y Simon Dybbroe Moller han desarrollado PROTEIN. Comisariada por Elise Lammer, esta nueva muestra site-specific estará abierta al público hasta el 21 de octubre en La Carpintería, un recientemente reconvertido espacio de producción y exhibición ubicado en Can Bufí —un área industrial a las afueras de la ciudad de Ibiza— donde se celebrarán exposiciones y actividades impulsadas desde Ses12naus. Este singular lugar contrasta con otras zonas urbanizadas de la isla, ofreciendo un ambiente funcional y auténtico.

PROTEIN se compone de una serie de elementos cautivadores que desafían las convenciones artísticas tradicionales. La exhibición cuenta con 500 insectos solaresdistribuidos estratégicamente por todo el espacio. Estas diminutas criaturas, equipadas con paneles solares en su dorso, cobran vida únicamente cuando son alcanzadas por la luz solar directa. “La presencia de estos seres en La Carpintería, un espacio impecable y pulcro, despierta una visión intrigante de cómo la arquitectura contemporánea podría evolucionar después de una extinción masiva, con los insectos reclamando el espacio diseñado originalmente para mantenerlos alejados”, expresa Elise Lammer, comisaria de la exposición.

Otro componente destacado de PROTEIN es una serie de retratos fotográficos enmarcados de agentes inmobiliarios que se exhiben a la altura de la vista y que fusionan elementos de la pintura de retratos clásica con el estilo de las fotografías corporativas. Si bien cada individuo retratado posee características faciales únicas, al prescindir de su identidad, se convierten en una serie de individuos genéricos e intercambiables. La combinación entre los insectos robóticos y los retratos crea un ambiente de misterio y reflexión que se ve reforzado por la ausencia de luz artificial en el espacio de la exposición. “Esta muestra revela cómo los agentes inmobiliarios se ven obligados a ceder ciertos aspectos de su identidad, como su nombre y su historia personal, a cambio de los rasgos superficiales asociados con la profesión”, explica la artista Nina Beier.

Además, con un cartel que consigue fusionar bichos, cultura de club e inmobiliaria, PROTEIN no solo aborda cuestiones estéticas y artísticas, sino que también plantea una profunda reflexión sobre la identidad de Ibiza. “Esta combinación inusual desafía las expectativas y plantea preguntas sobre cómo los diferentes aspectos de nuestra sociedad pueden coexistir y entrelazarse”, expresa el artista Simon Dybbroe Møller.

Protein es una experiencia artística y sensorial única que desafía los límites convencionales de la estética e invita a reflexionar sobre temas como la escultura, la fotografía, la vivienda, el entretenimiento, los productos básicos, la sostenibilidad y la relación entre elementos artificiales y naturales.

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Fundación MAPFRE celebra el Día Mundial de la Fotografía con entrada gratuita a sus exposiciones

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En Madrid se exponen las muestras Louis Stettner y Anastasia Samoylova. Image Cities

En el centro KBr Fundación MAPFRE Barcelona pueden visitarse las exposiciones Tina Modotti y La Cataluña de Jules Ainaud (1871-1872)

Con motivo de la celebración del Día Mundial de la Fotografía, el próximo sábado 19 de agosto, Fundación MAPFRE ofrecerá entrada gratuita durante toda la jornada en sus sedes de Madrid y Barcelona.

En Madrid, se pueden visitar las exposiciones Louis Stettner y Anastasia Samoylova. Image Cities

Louis Sttetner

Esta exposición constituye la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha del fotógrafo estadounidense Louis Stettner (1922-2016), cuya obra no ha sido en general objeto del reconocimiento que sin duda merece. Organizada de forma cronológica, presenta más de ciento noventa fotografías que recorren toda su trayectoria, incluyendo algunas imágenes inéditas y parte de su obra en color, casi desconocida hasta ahora.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/louis-stettner/

Anastasia Samoylova. Image Cities

El proyecto Image Cities de la fotógrafa Anastasia Samoylova es la propuesta ganadora de la primera edición del premio internacional KBr Photo Award, puesto en marcha por Fundación MAPFRE, con carácter bienal, en 2021.

Image Cities es un exhaustivo y concienzudo trabajo, desplegado en diversas localizaciones, en torno a la integración de la fotografía y de la imagen en el entorno urbano. Samoylova renueva la visión y el lenguaje de la fotografía documental en un proceso de trabajo que ella defiende como artesanal: las imágenes se yuxtaponen dando lugar a efectos visuales sorprendentes en los que la figura humana está casi siempre ausente y, si aparece, lo hace a una escala mínima frente a la grandeza de los edificios y los anuncios publicitarios.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/anastasia-samoylova/

Por otro lado, en el centro de fotografía KBr Fundación MAPFRE Barcelona los visitantes pueden disfrutar de las muestras Tina Modotti y La Cataluña de Jules Ainaud (1871-1872).

Tina Modotti

Tina Modotti (Udine, 1896-Ciudad de México, 1942) habitó durante su existencia en el ojo del huracán. Su interesante trayectoria vital y artística discurrió enmarcada por los algunos de los más importantes hechos históricos de los años 20-30.

Además de hacer hincapié en su relación con España, la muestra realiza una reconstrucción de la figura de Modotti, tanto en su faceta de artista/fotógrafa como en la de revolucionaria /militante antifascista.  Además, se presenta una extensa cantidad de material documental y una de las películas que Modotti protagonizó en Hollywood.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/centro-fotografia-kbr/tina-modotti/

La Cataluña de Jules Ainaud

Hace ya más de ciento cincuenta años que el conjunto de fotografías que Jules Ainaud realizó en Cataluña entre 1871 y 1872 por encargo de la casa Laurent, pudieron verse, por primera y única vez hasta ahora, en el Ateneo Barcelonés. Al igual que las fotografías de la zona de Levante comercializadas por esa firma, este interesante conjunto de imágenes se consideró durante mucho tiempo obra del propio Jean Laurent.

La Cataluña de Jules Ainaud (1871-1872) constituye la primera presentación pública que restituye su legítima autoría y pone en valor su aportación a la historia de nuestra fotografía. La exposición reúne un centenar de copias de época en papel a la albúmina a partir de negativo de vidrio al colodión húmedo y se completa con catorce vistas estereoscópicas y trece reproducciones de los negativos en placas de vidrio de estas vistas que permiten apreciar la riqueza de detalles de la imagen en comparación con las obras en papel. Todas las copias fueron incluidas en los catálogos que la empresa Laurent utilizó para su comercialización entre 1872 y 1879.

https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/centro-fotografia-kbr/la-cataluna-de-jules-ainaud/

Las exposiciones forman parte de la sección oficial del Festival PHotoESPAÑA

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HAUSER & WIRTH Menorca inaugura la primera exposición individual de CHRISTINA QUARLES en España

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Hauser & Wirth Menorca ha inaugurado Come In From An Endless Place, la primera exposición en España de Christina Quarles. La artista afincada en Los Ángeles presenta nuevas pinturas y obras sobre papel coincidiendo con una gran muestra en la Hamburger Bahnhof de Berlín y dando continuación a su participación en la aclamada exposición del año pasado en la Bienal de Venecia, The Milk of Dreams.
Los lienzos y dibujos de Quarles, elogiados por la crítica, muestran cuerpos fragmentados y polimorfos que se mezclan en ricos patrones texturales —un enfoque singular en la figuración muy característico en la retórica visual de la artista y en su fascinación por la temática de la experiencia de los cuerpos. Brazos y piernas entrelazados emergen de sus pinturas, mientras que los planos en perspectiva hienden los cuerpos, situándolos y dislocándolos simultáneamente en el espacio. En su acercamiento inicial al lienzo, Quarles empieza haciendo marcas que evolucionan hasta convertirse en dibujos lineales de formas humanas o partes del cuerpo. A continuación, fotografía el trabajo y utiliza Adobe Illustrator para dibujar los fondos y las estructuras que rodearán las figuras. En una inversión de la estratificación convencional de una composición, las figuras de Quarles preceden e incluso dictan el entorno en el que van a habitar.
Como mujer cisgénero, queer e hija de padre negro y madre blanca, Quarles describe su posición de compromiso con el mundo como ‘multisituada’, una experiencia que se materializa en su arte sui generis. La intersección de figuras y planos de Quarles remite a los límites imaginarios y prescritos de la identidad. «Las categorías rígidas de la identidad se pueden utilizar para marginar, pero, paradójicamente, también pueden ser utilizadas por las personas marginadas para ganar visibilidad y poder político», afirma Quarles. «Esta paradoja es el eje central de mi práctica». Los magentas, azules, verdes y amarillos vibrantes no sirven como medio para describir la realidad, sino para generar una resistencia activa ante el instinto del espectador de asignar clasificaciones binarias a las figuras: hombre o mujer, blanco o negro, abstracto o representativo
Quarles plasma su visión de la identidad en los grandes cuadros expuestos en Come In From An Endless Place, en los que se entremezclan y se desploman múltiples patrones, figuras y planos. Con la envergadura del brazo de Quarles como único límite, los rasgos arquitectónicos de sus cuadros se aproximan a la tridimensionalidad. Lift Yew Up, I Wanna Lift Yew Up, I Wanna presenta un conjunto de extremidades —brazos entrelazados y piernas protuberantes en un plano aéreo— que parecen tanto desafiar como ceder ante la fuerza de la gravedad. Hay un movimiento interminable en la composición de Quarles, reflejado en otras obras como (And Tell Me Today’s Not Today). Aquí, figuras fantasmales se extienden en varios planos del gradiente. Sus extremidades parecen atadas a una fuerza centrífuga, que atrae brazos, orejas y piernas hacia el centro, mientras las figuras intentan acercarse a los bordes del lienzo. En primer plano, dos dedos que se tocan nos recuerdan al canónico fresco de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. Liberados del colapso de partes del cuerpo que inunda los lienzos, se acercan el uno al otro como la mano de Dios se aproximó a la de Adán.

Temáticas como el combate, el apoyo y el control están presentes en una nueva serie de cautivadoras pinturas sobre papel, una técnica que Quarles expone de manera pública por primera vez. Ceñidos por la envergadura del movimiento de su muñeca, los cuerpos se funden, se superponen, se retuercen y se apoyan unos en otros mediante movimientos que dan lugar a múltiples lecturas. En Wrestlin, Quarles retrata cuerpos en lo que podría ser un encuentro lúdico o bien combativo, mientras que en Restin, la forma que emerge de una brillante pincelada parece crecer o desplomarse entre dos flores altas. De nuevo, las figuras están encorvadas y retorcidas –tal vez apoyándose la una o la otra, o puede que inmersas en una situación más caótica. Como sugiere el título de la exposición, Come In From An Endless Place, este conjunto de obras continúa explorando la naturaleza cíclica del escape, el retorno y la persistencia. La belleza y la monotonía, la lucha y la conformidad –las limitaciones y posibilidades de los márgenes continúan siendo primordiales en sus obras.

En la exposición, a las pinturas sobre lienzo y papel se suman dibujos de trazo fino, en los que las figuras van a menudo acompañadas de frases escritas, lo que pone de relieve el interés de la artista por el potencial del lenguaje para la creación y alteración de significados. Las frases, escritas en una mezcla de argot y ortografía fonética, se inspiran en una amplia gama de referencias: frases de la calle, poesía, temas del pop, tales como ‘Hallelujah’ de Leonard Cohen o ‘Self Control’ de Frank Ocean. En Wish We’d Grown Up on tha Same Advice, Quarles plasma la letra la canción de Ocean en una escena impregnada de serenidad, con figuras que se recuestan y se abrazan. En Just Got Caught Up in Myself, el título aparece junto a un cuerpo que se contorsiona, en un intento por liberarse de los confines de ambas dimensiones.

El dibujo es un componente clave en la obra de Quarles: comenzó a practicarlo con 12 años, cuando empezó a asistir a clases de dibujo del natural después del colegio. De adulta, ha seguido perfeccionando esta técnica. «El dibujo de la figura humana es una técnica bastante curiosa en la que no basta con adquirir la destreza y ya. Es como ir al gimnasio, hay que seguir entrenando. Cuando trabajo con mi pintura, no recurro a bocetos, sino más bien a esta práctica continua de dibujar».

Para esta exposición, Quarles sigue combinando el estudio del dibujo, las técnicas experimentales de pintura y la tecnología digital, lo que da como resultado una manera de enfocar la figuración única y cautivadora, que sitúa a la artista en la vanguardia de la pintura contemporánea.
Education Lab
De forma paralela a la exposición, el Education Lab será un espacio dedicado al aprendizaje a partir del enfoque de Christina Quarles sobre el cuerpo y el lenguaje. Este espaciose ha realizado en colaboración con 19 estudiantes de CREAE Espacio Creativo, una escuela de dibujo, pintura y cerámica ubicada en Mahón. En respuesta a una selección de textos de los dibujos de la artista y su trabajo con esténcil, el alumnado de CREAE ha creado una instalación con grandes lienzos que retratan partes del cuerpo. Los lienzos cuelgan de raíles y van entrelazados con trozos de tul, que el público puede mover, jugando para descubrir el trabajo de los y las estudiantes a través de diferentes lentes coloreadas.
En una estación interactiva compuesta de espejos deformantes, un tablero de fieltro y recortes de tela de colores invitan al público a explorar representaciones de sus cuerpos. Finalmente, se puede encontrar una selección de libros sobre el trabajo de Quarles, así como otras lecturas sugeridas por la artista, que ofrecen la oportunidad de sentarse a leer sobre su trabajo e influencias. El Education Lab lo complementan una serie de eventos y actividades de aprendizaje que tendrán lugar a lo largo de todo el recorrido de la exposición.
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