VENEZIANAS presenta sus nuevas sandalias

Venezianas, la firma de calzado Made in Italy y originalmente  conocidas como “friulianas”, presenta su nuevo modelo, sandalias en terciopelo y con  tacón. 

La firma Made in Italy sale de su zona de confort para presentar su nuevo modelo en sandalia  de terciopelo en varios colores: dorado, azul, rosa, beige y naranja. ¡Un básico para todos  nuestros eventos esta primavera/verano!

Las sandalias de Venezianas se caracterizan por su poder de personalización, en función de  nuestra comodidad, podemos escoger un modelo con una cinta o con dos en el empeine, así  como escoger el tipo de tacón, puesto que podemos optar por uno más recto y elegante así  como de poca altura, o uno más geométrico y moderno con más altura. 

Venezianas se posiciona como el calzado favorito en la innovación y nos lo demuestra con sus  nuevas sandalias para todos nuestros eventos esta primavera/verano 2023. Con su nuevo  modelo continúa apostando por el valor de la artesanía, la historia, la tradición y la  sostenibilidad de una firma que destaca por la autenticidad y la versatilidad.

 

SOBRE VENEZIANAS 

La historia de Venezianas comienza en la región italiana de Friuli, en el siglo XIX cuando se  usaban como calzado de fiesta o ceremonia. Con el paso del tiempo, se fueron convirtiendo en  un elemento característico y esencial de la vida en Venecia, usado sobre todo por nobles y  gondoleros. De ahí el nombre por el que también son conocidas, “venezianas”, pero las  venezianas no son solo un calzado de moda y tendencia, de fabricación artesanal, se hacen a  mano siguiendo el método tradicional “sacchetto”. 

Cómodos, antideslizantes y no dañinos para la madera, eran y son perfectos para llevar en las  embarcaciones, de ahí su popularidad entre los gondoleros de Venecia. También, contribuyó a  su popularidad su uso por los nobles venecianos, que, elegantes, los usaban para recibir a los  invitados en sus palacios. 

En VENEZIANAS trabajan con diseñadores y artesanos italianos. Los modelos cuentan con  certificado de economía circular local, trabajando con proveedores y profesionales locales de  la región donde se fabrican. La firma apuesta por seguir la tradición en el uso de las mejores  materias primas, buscando un resultado final que les diferencie como un producto especial,  sostenible y distinguido sobre el resto.

LEXUS arropa la semana del diseño de Milán

Lexus ha presentado hoy ‘Shaped by Air’, una instalación de la aclamada artista y arquitecta neoyorquina Suchi Reddy, fundadora de Reddymade Architecture and Design. La obra se presenta, junto a los prototipos creados por los cuatro ganadores del Lexus Design Award 2023, en una exposición pública que tendrá lugar en el espacio Superstudio de Milán hasta el día 23 de abril. Tanto la instalación como Lexus Design Award, expresan la misma temática, de dar forma al futuro.

Esta presentación es la última de una serie de atractivas e inmersivas experiencias que Lexus ha llevado a la Semana del Diseño de Milán, en colaboración con visionarios tan creativos como Philippe Nigro, Neri Oxman, Sou Fujimoto, Rhizomatics y Germane Barnes, entre otros. ‘Shaped by Air’, de Reddy, mantiene esta tradición.

Su obra se inspira en Lexus Electrified Sport —la visión de Lexus de un futuro coupé deportivo totalmente eléctrico— y en la cualidad que transmite de haber sido moldeado por el aire que lo rodea.

La obra de Reddy, presentada por primera vez en el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami (ICA- Miami) durante la Semana del Arte y el Diseño de Miami 2022, se ha reinventado para la Semana del Diseño de Milán como una experiencia multisensorial por la que pueden moverse los visitantes. Esta luminosa y diáfana instalación celebra el compromiso con un diseño enfocado en el ser humano, con neutralidad en carbono e impecablemente elaborado, que comparten tanto la artista como Lexus.

Brian Bolain, Lexus Global Head of Marketing, declaró lo siguiente: «Estamos encantados de proseguir nuestra colaboración con Suchi Reddy en Milán, una ciudad que ha sido lugar de inspiración de tanta y tan innovadora creatividad. Esperamos que su diseño centrado en el ser humano entre en sintonía con la innovación de nuestros ganadores de Lexus Design Award e inspire a los visitantes a imaginar nuevos futuros. Lexus Electrified Sport y la interpretación que Reddy hace de él, junto con estos prototipos galardonados, son reflejo de un diseño con visión de futuro y expresan nuestro constante compromiso con la artesanía y la sostenibilidad».

Esta instalación realizada específicamente para el interior de Superstudio, invita a los visitantes a descubrir una interpretación a escala del Lexus Electrified Sport, tras recorrer una colección de formas suspendidas del techo que se asemejan a un bosque. Colocadas a distintas alturas y acabadas en un intenso tono verde, estas formas recuerdan sutilmente a las obras realizadas con recortes por el pintor francés Henri Matisse. Los elementos escultóricos de acero y aluminio están parcialmente fabricados con materiales de consumo reciclados o reutilizados; salpicados por la luz difusa, crean un entorno absorbente que evoca el mundo natural. Un paisaje sonoro inspirado en el viento ayuda a que los visitantes se sienten en armonía con la naturaleza.

Suchi Reddy comentó por su parte: «Estoy encantada de colaborar con Lexus, una marca comprometida con los artistas y diseñadores, en una nueva edición de ‘Shaped by Air’. Esta interpretación inmersiva en Milán hace uso de la repetición, los elementos multisensoriales y la tridimensionalidad para crear un entorno emocional que envuelve el cuerpo al igual que un vehículo».

Reflejando el compromiso de Lexus con Omotenashi —un concepto que engloba tanto la hospitalidad como la atención plena—, el espacio Superstudio invita a los visitantes a descansar en un salón del piso superior, donde pueden observar ‘Shaped by Air’ desde un punto de vista diferente. El aire del salón está purificado por nanoeTM X de Panasonic, una tecnología que ayuda a crear una atmósfera más saludable en el interior del vehículo, en muchos modelos Lexus.

El público digital podrá interactuar con ‘Shaped by Air’ a través de una asociación con Diorama, empresa con sede en Milán y París especializada en la creación de activos digitales para una amplia gama de disciplinas, desde la arquitectura al diseño, la moda, el cine y el arte. Diorama está reinventando la obra de Suchi Reddy como una experiencia en el metaverso que complementa la instalación física, pero que tiene vida propia.

Esta extensión virtual se convertirá en un bosque digital dinámico. Los usuarios podrán explorar un mundo natural abstracto desde una perspectiva completamente nueva, lleno del susurrar de las hojas, corrientes de aire y luz difusa. Diorama también ha producido un viaje de realidad aumentada que los visitantes de la exposición de Milán podrán descubrir in situ, utilizando un filtro de Instagram personalizado de Lexus.

PROTOTIPOS DE LOS GANADORES DEL LEXUS DESIGN AWARD 2023

La exposición de Lexus también incluye los prototipos finales creados por los ganadores del Lexus Design Award 2023. El concurso invitaba a los diseñadores a presentar conceptos que se adelantasen al desafío del futuro, lo abordasen con una solución innovadora y cautivasen la imaginación con un diseño excepcional, al tiempo que fomentasen la felicidad de todos. Las obras expresan la creencia de Lexus de que el diseño cuenta con el poder de generar cambios positivos.

En su undécima edición, el premio reconoce el talento emergente de todo el mundo. El jurado, formado por Paola Antonelli, Karim Rashid y Simon Humphries, todos ellos figuras respetadas internacionalmente en sus campos creativos, seleccionó los conceptos que mejor representaban la temática ‘Design for a Better Tomorrow’.

Simon Humphries, Toyota Motor Corporation Chief Branding Officer, declaró: «Los diseñadores tenemos la responsabilidad única de crear respuestas a los desafíos, ya sea a través de innovadoras ideas, de una hermosa estética o de cualquier otro método que pueda ofrecer un futuro mejor. Desde este punto de vista, las ideas ganadoras fueron un claro recordatorio del ‘poder del diseño’».

Antes de su presentación en la Semana del Diseño de Milán, los ganadores tuvieron la oportunidad exclusiva de colaborar y compartir ideas con cuatro creadores de talla mundial, que actuaron como mentores del Lexus Design Award de este año: Marjan van Aubel, Joe Doucet, Yuri Suzuki y Sumayya Vally.

Los ganadores han hecho evolucionar significativamente sus prototipos a través del programa de mentores, transformando ideas ya de por sí hermosas en diseños prácticos, escalables y ambiciosos.

●  Pavels Hedström (Suecia, afincado en Dinamarca), diseñador de Fog-X, una chaqueta que se transforma en tienda de campaña/refugio y puede atrapar la niebla para convertirla en agua potable.

●  Jiaming Liu (China), diseñador de Print Clay Humidifier, un humidificador sostenible, impreso en 3D y fabricado con residuos cerámicos reciclados.● Temporary Office, [Singapur (Vincent Lai) y Canadá (Douglas Lee), con sede en EE. UU.], diseñadores de Touch the Valley, un rompecabezas topográfico en 3D que ayuda a las personas con discapacidad visual a conocer el entorno físico a través del tacto.

● Kyeongho Park y Yejin Heo (República de Corea), diseñadores de Zero Bag, un nuevo envoltorio para ropa que se disuelve en agua y contiene un detergente capaz de eliminar las sustancias químicas de los productos, al tiempo que reduce los residuos plásticos.

Sumayya Vally comentó: «Fue increíble ver reflejado el duro trabajo de los ganadores en las obras que presentaron. Creo que cada uno de los proyectos plantea de forma poética y pertinente cuestiones significativas y urgentes sobre nuestro mundo actual, dando vida a un futuro más bello y sensible».

Los prototipos finales se exponen por primera vez en Milán. Se invita a los visitantes a explorar las obras y a conocer cómo fueron evolucionando los conceptos a través del programa de mentores.

El Lexus Design Award también invita al público a participar en el premio ‘Your Choice Award’ y a votar por la idea que consideren que mejor representa ‘Design for a Better Tomorrow’. La votación está abierta a los visitantes tanto presenciales como online: aquí.

Lexus se halla desde 2005 a la vanguardia de la electrificación pionera en el mercado del lujo. Con la presentación del Lexus Electrified Sport, continúa ampliando los límites de la tecnología y la artesanía con un compromiso inquebrantable con la sostenibilidad y considerando las cambiantes necesidades del transporte y los estilos de vida en todo el mundo. La instalación de Suchi Reddy destaca el potencial de la electrificación y, junto con el trabajo de los ganadores del Lexus Design Award, subraya la visión de Lexus de un futuro centrado en el ser humano, con neutralidad en carbono y enfocado en la artesanía y la calidad.

Los ganadores

NOMBRE: Pavels Hedström
PAÍS: Suecia, ubicado en Dinamarca

TÍTULO DEL TRABAJO: Fog-X

Pavels Hedström inició su carrera como arquitecto tras obtener el título de Máster en Arquitectura y Entornos Extremos (arquitectura, conservación del diseño) en la Royal Danish Academy. Actualmente, explora cómo pueden aplicarse los planteamientos holísticos a los ecosistemas existentes.

Fog-X es una chaqueta que se transforma en una tienda de campaña/refugio que atrapa la niebla y la convierte en agua potable. Gracias al programa de mentores, Fog-X ha evolucionado notablemente, tanto transformando una pesada mochila en una ligera chaqueta/refugio como añadiendo la creación de una aplicación móvil de fácil acceso para encontrar niebla. La idea se convirtió en una solución integrada en un objeto cotidiano.

NOMBRE: Jiaming Liu
PAÍS: China
TÍTULO DEL TRABAJO: Humidificador de arcilla

Jiaming Liu es un diseñador industrial que se centra en aportar nuevas perspectivas a la vida cotidiana de la gente. Actualmente, explora el diseño intercultural y sostenible. Nació en China, donde completó su licenciatura, y recientemente se graduó con un máster en la Folkwang University of the Arts.

Print Clay Humidifier

Print Clay Humidifier es un humidificador impreso en 3D y fabricado con residuos cerámicos reciclados. Tras varias rondas de pruebas y prototipos con distintos materiales y técnicas, Jiaming dio con un método de impresión en 3D y cerámica en polvo (reciclada a partir de residuos cerámicos) que mejoraba aún más la eficacia de absorción del agua. Se trata de una versión no eléctrica, reciclada y reciclable de un dispositivo doméstico común que es funcional y elegante a la vez.

NOMBRE: Temporary Office
PAÍS: Vincent Lai (Singapur), Douglas Lee (Canadá) con sede en EE. UU.

TÍTULO DEL TRABAJO: Touch the Valley

Temporary Office es un equipo de diseño formado por Vincent Lai y Douglas Lee, licenciados por la Universidad de California en Berkeley. Han trabajado en proyectos que traspasan los límites de la arquitectura, el espacio público, la conservación y el diseño de productos. Con un marcado enfoque en la investigación histórica y los precedentes, Temporary Office trata de responder de forma constructiva a las necesidades en constante cambio de nuestro entorno de una manera racional a la par que lúdica.

Touch the Valley

Touch the Valley es un rompecabezas topográfico en 3D que ayuda a las personas con discapacidad visual a conocer el entorno físico a través del tacto. A partir de los resultados de las pruebas realizadas con los usuarios, se mejoró la capacidad de juego del rompecabezas añadiendo pequeñas características, como respuesta de los imanes, ranuras de elevación y bordes más suaves, que permiten a los usuarios sumergirse en la exploración y el juego sin demasiada carga cognitiva.

 

NOMBRE: Kyeongho Park y Yejin Heo

PAÍS: Corea del Sur
TÍTULO DEL TRABAJO: Zero Bag

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Kyeongho Park y Yejin Heo son estudiantes de diseño industrial en el campus ERICA de la Universidad Hanyang de la República de Corea. Les preocupan los problemas sociales y medioambientales y exploran soluciones centradas en el usuario a través del diseño.

Zero Bag

Zero Bag es un envoltorio ecológico formado por una película de papel detergente o bicarbonato de sodio adherida a una bolsa de alginato soluble en agua. A través del programa de mentores, Kyeongho y Yejin desarrollaron y articularon los posibles casos de uso y los mercados objetivo de este tipo de producto. La idea de los envoltorios para ropa destinados al mercado minorista evolucionó hasta incluir exploraciones para distintas industrias, desde la ropa hasta los alimentos. El proceso de desarrollo sigue evolucionando, a medida que estos diseñadores aprovechan las innumerables posibilidades que brindan sus ideas.

Arena Martínez presenta su nueva colección Budapest inspirada en el Gran Hotel Budapest de Wes Anderson

La diseñadora Arena Martinez presenta Budapest, una colección que sumerge al espectador en un mundo exquisito, mezcla de realidad y fantasía. Teniendo como punto de partida el mítico largometraje Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson, tanto el desfile como el espacio -cedido por Abanca (Serrano 45)- han mostrado una atmósfera única, rica en referencias dignas de película. La diseñadora, además, ha propuesto una serie de prints que se han quedado en la retina de todos los asistentes al evento.

Siempre fiel a sus orígenes, Arena Martínez ha sorprendido con estampados coloristas inspirados en una serie de cuadros de Papartus, como el Trino Amarillo y el Carminica. En el proceso de diseño -que se realiza de forma digital- las formas y los colores de estos lienzos se adueñan de una nueva dimensión, se imprimen en las telas vaporosas y adquieren una vida completamente nueva. Sin lugar a dudas, los estampados arty son el sello de esta firma creada por la joven diseñadora madrileña.

Queremos dar un agradecimiento especial a la estilista Mónica Anoz, quien ha puesto su toque personal a los diferentes looks creados por la diseñadora, y a Ismael Tounía, encargado de un casting realmente inclusivo de 20 modelos.

El desfile ha contado con la presencia de muchos actores como Ana Duato, Martina Cariddi, Carmen Arrufat y Ana Bokesa; influencers como Miguel Carrizo, Carlos Parejo, y amigos de la marca como Andrea Levy, Nat Cebrian, Elena Gual y Belén Écija.

 

La historia de Cottet en Madrid presente en la exposición fotográfica “Madrid / Moda a pie de calle» de Joana Biarnés

Cottet Óptica y Audiología, empresa familiar fundada en 1902 (120 años de historia) estará presente en la exposición «Madrid / Moda a pie de calle», una muestra dedicada a la obra de la fotógrafa Joana Biarnés (Terrassa, 1935-2018), que se llevará a cabo en la Sala Canal de Isabel II, en Madrid, del 28 de febrero al 23 de julio de 2023.

La exposición comisariada por Josep Casamartina i Parassols incluirá más de un centenar de fotografías que muestran la evolución de la moda y de la sociedad durante los sesenta y principios de los setenta, así como una representación de Madrid, de sus calles, barrios y gentes, una constante en toda la trayectoria de la fotógrafa como creadora.

Cottet estará presente en la exposición con instantáneas tomadas por Joana Biarnés en los certámenes Guapa con Gafas, un importante evento organizado por Renato Cottet coincidiendo con las fiestas de San Isidro que causó furor durante las décadas de los 60 y 70 en la capital española. Contó con la participación de jóvenes que ahora son caras tan conocidas como Norma Duval.  En este certamen en el que las participantes lucían gafas y se premiaba a la más guapa, asistía lo más granado de la sociedad madrileña y los principales periódicos y revistas lo solían reseñar al día siguiente. Las imágenes de Biarnés presentes en la exposición no solo retratan el look, las tendencias y la actitud de las participantes, sino también la atmósfera y la estética de la época.

Como parte de la celebración del 120 aniversario que ha llevado a cabo con diversas acciones durante todo el 2022, Cottet ha querido apostar por la cultura realizando una donación a la fundación Photographic Social Vision, coorganizadora junto a la Comunidad de Madrid, de la exposición y coeditora del libro que difunde el legado único e irrepetible de Joana Biarnés dedicado a la moda. Una muestra del compromiso de la marca y la familia Cottet con la promoción y el desarrollo de la fotografía como arte. Este donativo es también, un reconocimiento al legado de Cottet Madrid que ha celebrado 90 años desde la apertura de su primera tienda en 1932 en el corazón de la ciudad, en la Calle Príncipe, 15. La historia de una familia y de un negocio líder en el sector de la óptica y la audiología.

FEARLESS celebra el día de la mujer en COSENTINO CITY MADRID con mujeres arquitectas

FEARLESS se suma a la celebración del Día de la Mujer con un encuentro de altura celebrado en COSENTINO CITY MADRID y protagonizado por cuatro mujeres del mundo de la arquitectura y el diseño. Lorna de Santos (Lorna de Santos Estudio), Miriam Alía (Míriam Alía Estudio), Adriana Arranz y Cristina Chaves (estudio Galán Sobrini) han sido las ponentes de una charla moderada por la directora de la revista Fearless, Katy Mikhailova.

Centrados en el papel de la mujer en la arquitectura actual, las ponentes han repasado los momentos más destacados de su vida profesional como arquitectas o interiorista.

 

Cócteles y «excusas» para celebrar en Ginkgo Garden el Día Mundial de Bartender

La mixología no es una ciencia exacta, aunque la ciencia ha puesto lo suyo para lograr los cócteles más atrevidos. La mixología es un arte y el bartender el artista que ejecuta. Un buen cóctel es capaz de lograr sensaciones y emociones; de trasladarnos a lugares y recuerdos con un simple sorbo. En Ginkgo Garden saben muy bien la clave. Su coctelería da riendas sueltas al gusto y te hace  viajar, sin moverte de su jardín secreto en el centro de Madrid. La esencia cosmopolita en cada trago se une a la ilusión de quién lo crea y al placer de quién lo disfruta.

Este 26 de febrero se celebra el Día Mundial del Bartender (en esa fecha pero del año 1951 se consolidaba la I.B.A. International Bartenders Association) y no hay mejor manera de celebrarlo  que con un buen cóctel en la mano, en ese lugar donde el  disfrute esté rodeado de un ambiente inmejorable.

Nuestra propuesta: Ginkgo Garden, en el número 6 de la calle Gil de Santivañes, junto calle Serrano y la Puerta de Alcalá. Un jardín secreto y exclusivo, con una coctelería de lujo, ideal para que este viernes sea más viernes en honor a todos los bartenders del mundo. Aquí te dejamos algunas sugerencias:

GINKGO COCKTAIL. -Ginebra Bombay Sapphire, hojas de shiso y citronela, fino de Jerez, tónica de pimienta rosa

El Ginkgo Cócktail no defrauda nunca, quizás porque es una explosión de frescura, gracias la tónica de pimienta rosa y a las hojas de Shiso, esa planta que se torna imprescindible en la cocina asiática y que físicamente, sus hojas parecer ser una mezcla entre la menta y la ortiga. Para los que aman la gienbra o el buen gin-tonic, amarán más a los bartender al probar este cóctel.

Para los más divertidos y esta vez como resultado de la mezcla mediterránea con un toque nipón llega Melón Japón, una combinación de Vodka Grey Goose, Midori (un famoso preparado japonés de licor de melón), matcha, citronela, y con un toque más que dulce y divertido: algodón de azúcar y petazetas de frambuesa.

BLUE PANDA COLADA. – Ron Bacardi Carta Blanca, Pandam (hoja asiática con notas de frutos secos y vainilla), curaçao blue, coco, piña y limón.

MELÓN JAPÓN.- Vodka Grey Goose, Midori (licor de melón), matcha, citronela, limón, algodón de azúcar y peta-zeta de frambuesa.

El arte se une al wellness con Technogym y Patricia Urquiola

TECHNOGYM, el brand líder mundial en productos de diseño y tecnologías digitales para el fitness y el deporte – presenta en ARCO Madrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, un concepto artístico dedicado al Wellness, el movimiento y el deporte, diseñado por Patricia Urquiola. El espacio, situado en el ARCO GUEST Lounge, ha sido creado en colaboración con la arquitecta Patricia Urquiola como una exposición para transmitir los valores del wellness y la salud a través de un dinamismo bien ordenado. Patricia, interpreta la zona subvirtiendo el espacio, intencionadamente cambiante y asimétrico, pero al mismo tiempo armónico y en constante evolución según el estilo de vida de las personas.

Urquiola traduce la misión de Technogym -Let’s Move for a Better World – haciendo énfasis en el movimiento y la interacción. El escenario del espacio está dividido por pantallas amarillas traslúcidas que configuran una nueva escenografía y confiere a la zona ritmo, y una mayor sensación de movimiento. El stand está completamente revestido por una alfombra amarilla sin costuras que cubre tanto las paredes como el suelo, creando un entorno muy atractivo. Una caja amarilla, el color distintivo de Technogym.

Al entrar en el espacio, los visitantes se desplazan siguiendo un recorrido para descubrir las zonas donde están colocados los equipos Technogym, pero en realidad, todo desaparece y reaparece detrás de las pantallas amarillas en forma de zigzag. Al hacerlo, se produce una conversión: la atención no se centra en los productos, sino en el propio movimiento, que se hace necesario para descubrir las distintas zonas del stand. El montaje presta gran atención a la circularidad y la sostenibilidad gracias al uso de paneles impresos en 3D de Nagami, fabricados íntegramente con plástico reciclado. Technogym ha transformado el enfoque hedonista del fitness en el concepto más amplio de wellness, un verdadero estilo de vida que incluye ejercicio regular, una dieta equilibrada y un enfoque mental positivo. Promoviendo el Wellness como una experiencia holística completa que incluye el entrenamiento, pero también los espacios, el diseño, el arte y la conectividad. Con la innovación,
el diseño y la tecnología como parte de su ADN, Technogym se centra en productos de wellness con un amplio espectro de formas elegantes y funcionales, calidad superior, accesorios de última generación y tecnología de entrenamiento totalmente nueva.

Los productos expuestos en ARCO son parte de la Personal Line, una fusión mágica entre el deporte y el diseño, combinada con el estilo del mundialmente aclamado diseñador Antonio Citterio y la experiencia de Technogym en el mundo del fitness y el deporte, como Proveedor Oficial de los últimos 8 Juegos Olímpicos.

Junto a la biomecánica y las tecnologías digitales de vanguardia, los equipos Personal Line se fabrican con materiales refinados y artesanía de alto nivel. Están concebidos para colocarse, como hermosas piezas de mobiliario, en los espacios más bonitos de los hogares. Entre los productos expuestos en ARCO se encuentran los equipos de fitness más emblemáticos: la cinta de correr Run Personal, la elíptica Cross Personal y Kinesis, el equipamiento multifuncional de Technogym, que ofrece más de 200 posibilidades de ejercicio en menos de un metro cuadrado, para entrenar la fuerza, el equilibrio y la flexibilidad.

 

«El enfoque hacia el wellness y la sostenibilidad medioambiental, parte del ADN de Technogym, se ha maximizado en este stand. El objetivo del proyecto era crear un espacio que resaltara la importancia del movimiento y la interacción a través de la exposición de los icónicos equipos de fitness de Technogym. Con esta idea en mente, decidimos subvertir el espacio y utilizar pantallas translúcidas amarillas de plástico reciclado para configurar una nueva escenografía, dotando al área de ritmo y mayor sensación de movimiento».
Patricia Urquiola.

Entrevista con la médico de urgencias que receta amor

La doctora Carmen S. Alegría integra la medicina occidental con disciplinas alternativas, creando algo único y de eficacia verificada por su trabajo, atrayendo al gran público desde la autoayuda. ¿Qué es el amor? Contestar a esta pregunta es difícil, pero cuando uno es capaz de sentirlo plenamente, el mundo cambia. De hecho, nuestro organismo experimenta los primeros signos de la transformación gracias a las sustancias que inundan el torrente sanguíneo. La práctica del amor y la compasión altera la estructura del cerebro. Cambian nuestros pensamientos y comienza a ser diferente la forma de relacionarnos con nosotros mismos, con los demás y con el mundo. En este libro, la doctora Carmen Sánchez Alegría nos explica cómo conectar con esa energía transformadora para vivir más sanos y felices. Y por supuesto, cómo conseguir que las medicinas sean más útiles y eficaces, para nosotros, para nuestros seres queridos, o para cualquier persona que las necesite.

La doctora Carmen Sánchez Alegría lleva treinta años dedicándose a la medicina de urgencias. Siempre quiso ser médico. Soñaba con ello desde los cuatro años, pero cuando comenzó a ejercer su profesión, enseguida se dio cuenta de que todo lo que había estudiado se quedaba muy corto a la hora de comprender el concepto de la verdadera sanación. Por ello, además de medicina, estudió programación neurolingüística, mindfulness, inteligencia emocional y otras tantas materias que la ayudaron a comprender el proceso de superación de la enfermedad

¿Ser médico de urgencias es una vocación?

Estudiar la carrera de Medicina es cuestión de echar muchas horas de estudio, pero ser médico es sobre todo vocación. Elegir las urgencias es un reto añadido a la vocación para quienes nos gusta el contacto directo con el que sufre.

¿El amor tiene cabida en una urgencia?

El amor tiene cabida en cualquier rincón de un hospital, un centro de salud, una ambulancia o en cualquier lugar donde un médico esté prestando su servicio. Hace poco, una de las trabajadoras de la lavandería del hospital, me comentó que pone amor en los pijamas que después llegan a los pacientes en planta. Me pareció una forma estupenda de contribuir a la mejoría.

¿Qué es el amor?

Es una emoción sanadora. Es la vibración más elevada del ser humano. Es el antídoto del miedo. Sin amor no se puede vivir.

¿Cómo receta amor a sus pacientes?

Llamándolos por su nombre, escuchando con empatía, dejando espacio para que expresen sus miedos y necesidades y sobre todo, imaginando que quien está frente a mí al otro lado de la mesa o tumbado en la camilla se trata de un ser querido. Muchas veces les presto mi hombro para que lloren y lo mejor de todo es que cuando les doy un abrazo, quién más se carga las pilas soy yo misma.

¿Cómo son más efectivas las medicinas?

Las administradas con amor. Cualquier terapia o fármaco que se da con amor aumenta su eficacia. El paciente que se siente querido tiene una evolución más favorable. El amor disminuye el dolor, tanto el físico como el emocional.

¿Cúal es esa anergia sanadora que todos llevamos dentro?

Amor. El amor cura. Desde el amor es mucho más sencillo encontrar el resto de respuestas. No es lo mismo afrontar una enfermedad desde la incertidumbre y el miedo que desde la aceptación y la confianza.

¿Qué es lo más difícil de estar en urgencias?

Lidiar día a día con el dolor. Aceptar que la muerte forma parte de la vida.

¿Qué le llevó a escribir este libro?

Cuando comencé a ejercer mi profesión hace más de 30 años, todo lo aprendido en la facultad se quedaba muy corto. Una cosa es hacer diagnósticos y recetar fármacos y otra, muy distinta, entender que además de un cuerpo físico, somos pensamientos, emociones, anhelos… Mis mejores maestros han sido mis pacientes.

Charlando sobre arte con Carmen Ballesta, fundadora de Obilum Art

Carmen Ballesta es fundadora y responsable de desarrollo de negocio en Obilum Art, plataforma comercializadora de NFTs de arte, que forma parte de ioBuilders. Carmen cuenta con una amplia experiencia tanto en el mundo corporativo como del arte. Comenzó su carrera profesional en Londres, donde desarrolló su vida laboral durante casi 5 años en Goldman Sachs, en el departamento de legal trading de derivados financieros.

Posteriormente, en 2021 comenzó su andadura en American Express, donde trabajó en la Unidad de Inteligencia Financiera – Proyecto de Tokens No Fungibles. Tras un año y medio, Carmen empezó a formar parte de ioBuilders, en el desarrollo del negocio de NFTs y la asesoría legal. Aquí, gracias a su especialización en arte digital y blockchain, desarrolla su carrera actualmente, siendo a la vez socia de la consultora de arte new media, TAC7. Respecto a su recorrido académico, se graduó en Derecho por la Universidad de Sevilla en 2016, etapa en la que el tercer curso lo estudió en la Universidad de Liverpool. Posteriormente, cursó estudios de historia del arte en el Instituto de Arte de Sotheby’s. Ligado a ello, Carmen cuenta con diversas certificaciones, entre las que se encuentra la de Experta en NFT, por la Blockchain Council.

¿Cuáles son sus primeros recuerdos del arte?

Mi abuela era coleccionista de arte y antigüedades y desde pequeña, en casa de mis abuelos, me pasaba horas mirando y jugando con todos sus “objetos”. Por aquel entonces yo no entendía muy bien qué eran, pero me encantaba observarlos. Fue en el colegio cuando empecé a estudiar la asignatura de Historia del Arte, y ahí, entendí de forma clara que esa había sido, y sería, siempre mi pasión: el arte.

 

¿Qué no compraría nunca?

Una obra de arte digital que no sea un NFT, ya que sin valerse de la tecnología blockchain, registrar la propiedad es prácticamente imposible.

 

¿Cuál es su artista favorito?

Es sin duda la pregunta más complicada de todas, me resulta imposible quedarme solo con uno. Pero te diría que Bartolomé Esteban Murillo, pintor barroco y Sevillano, como yo, ya que fue el primero que hizo realmente que entrase en otra dimensión a través de su pintura, un clásico.

 

¿Qué es Obilum?

Es una plataforma de arte digital que se asocia con artistas, galerías e instituciones para crear un canal único de arte a través de NFTs sostenibles. Es, en esencia, una plataforma que expone y vende obras de arte digitales de artistas nacionales e internacionales y que, además, no elimina a todos los intermediarios, sino que apuesta por la colaboración con comisarios, artistas y galeristas para garantizar la calidad de las obras en ella expuestas.

 

¿Cuándo se lanzó a fundar Oblium?

Hace más de un año que la idea ronda mi cabeza, porque la gente me preguntaba y me pedía consejos sobre qué obras de arte digitales, como NFTs, podía comprar. Pese a que ya había varias plataformas, ninguna de ellas estaba comisariada por expertos en la materia, resultando muy difícil saber qué comprar, sin haber hecho un trabajo de investigación previo y demasiado denso. Ahí vi clara la necesidad de hacer una plataforma de arte digital, donde todo lo que se vendiese estuviera comisariado y contrastado por expertos. Tras empezar mi andadura en ioBuilders como desarrolladora de negocio de NFTs, todo cobró sentido, y con el apoyo de un gran equipo detrás empezamos a crear y desarrollar la idea de una plataforma de NFTs exclusivamente para arte digital comisariado.

 

¿Podría existir un mundo si arte?

Lo dudo mucho, el arte es una de las primeras expresiones que se conservan de la humanidad. El ser humano ha encontrado formas de crear y apreciar la belleza de una forma u otra desde la prehistoria, y es muy necesario para expresar aquello que con palabras no somos capaces. Además, los artistas reflejan en sus obras no solo su mundo interior, sino el reflejo de la sociedad de su tiempo, de ahí que la historia del arte nos sirva para conocer quiénes fuimos en el pasado, presente y quién seremos en el futuro.

 

¿Cuáles son sus retos con Oblium?

Yo creo que el principal reto es que las personas interioricen el concepto de propiedad digital, que hasta la llegada de la blockchain era impensable, ya que el internet ha sido siempre una gigantesca máquina de copiar, nada tenía titularidad y todo se financiaba a través de la publicidad. La blockchain y los tokens llegan para cambiar este concepto y dar escasez a los activos digitales diferenciando entre originales y copias.

 

¿A dónde quiere llegar?

Queremos hacer que el arte sea cada vez más accesible para un público más amplio al proporcionar un espacio para que los artistas expongan y vendan su trabajo, y también para que los entusiastas del arte descubran y coleccionen nuevas piezas. Además, nos proponemos acercar y enseñar a la sociedad a valorar el arte digital y su funcionamiento a través de los tokens no fungibles, como nueva corriente artística.

 

¿Qué aporta al arte Obilum?

Podríamos distinguir varios puntos. En primer lugar, creo que da una mayor visibilidad y accesibilidad a los artistas y a su trabajo, y asimismo facilita a los coleccionistas que descubran nuevas piezas y puedan comprarlas. Además, aporta un control de calidad y comisariado, ya que las obras seleccionadas siempre cumplen unos criterios impuestos de calidad y relevancia, lo que aporta mucha confianza al mundo del arte y, sobre todo, a los coleccionistas e inversores.  Adicionalmente, diría que Obilum Art también ayuda a crear comunidad, con valores comunes, ayudando a establecer contacto entre artistas y coleccionistas.

 

¿A qué ferias de arte va?

A todas las que puedo. Siempre se aprende algo nuevo y además es muy importante para ver las tendencias de cada año y hacerse una visión personal y general del mercado del arte.

 

¿Qué museos visita con frecuencia?

Formo parte de la Fundación Amigos del Museo del Prado. Para mí el Prado es como un templo, voy mucho y a veces cuando tengo tiempo, aunque sea media hora libre en el día, entro solo para ver una obra y me voy. Me sirve para desconectar, meditar e incluso para volver a conectar y buscar inspiración para proyectos. Me resulta muy importante volver la vista atrás a los clásicos para poder mirar hacia adelante con más fuerza y determinación.

 

¿Qué opina del metaverso?

El metaverso está aquí para quedarse y creo que será el nuevo internet. Pienso firmemente que no nos quitará nuestro “mundo real”, pero será un complemento perfecto a él. Como ahora vivimos pegados a los móviles y conectados, creo que, en un futuro no muy lejano, todos tendremos gafas y entraremos en el metaverso para informarnos y conectarnos. Será como internet, pero con una experiencia mucho más avanzada, inmersiva y real.

 

 ¿Hay algo más que me quiera contar que no me haya contado?

Animo a todo el mundo a investigar y comprender el arte digital de hoy ya que es el primer paso para descubrir el mundo del mañana. En este sentido, nos encontramos en un momento extraordinario, presenciando con nuestros propios ojos muchos cambios, un nuevo renacimiento.

Abre sus puertas el restaurante Brabo en Barcelona

BRABO, el siguiente proyecto de emprendimiento de los chefs Rafa Panatieri y Jorge Sastre, abre sus puertas en Carrer de Sèneca 28, a escasos metros de Diagonal y Paseo de Gràcia de la ciudad de Barcelona.

Rafa y Jorge, con 35 y 27 años respectivamente, presentan su nueva propuesta gastronómica tras su apertura hace 3 años de sus reconocidas pizzerías Sartoria Panatieri. Ambos chefs se conocieron en las cocinas del Hotel Omm dirigido por los hermanos Roca. Tras años en cocinas de prestigio como Echaurren o Celler de Can Roca, escogen, de nuevo, Barcelona como destino para inaugurar BRABO.

La idea de Jorge y Rafa es la de fusionar un restaurante de alta gastronomía con un asador moderno enfocado en el producto. Un santuario del fuego en pleno centro de Barcelona donde la brasa predomina por encima de todo.

Cocina enfocada en la parrilla

 Por ello, la propuesta de Brabo consta de una carta breve formada por 15 platos en total, dividida en entrantes como los cogollos a la brasa con picada de frutos secos o la cazuela de setas y huevo de corral, platos principales como el chuletón de vaca frisona o la paletilla de cordero lechal lacada en su jugo, acompañamientos como aligot con queso Puig Pedròs o ensalada de hojas de temporada con cebolla tierna y postres como churros con chocolate. Los chefs elaborarán varios platos especiales disponibles cada día y que cambiarán semanalmente, al igual que los platos de la carta principal.

La base de la cocina de Brabo es la de toda la vida, usando técnicas tradicionales. La parrilla llena de brasas donde usan leña (encina, haya, olivo) y carbón, escenario principal del restaurante, es de donde salen todos los platos: carnes, pescados y verduras.

Tanto el producto como las opciones de acompañamiento y las guarniciones son tratados de manera sencilla manteniendo el sabor, textura y su propia forma.

 

Maduraciones, brasa y encurtidos

En la carta de Brabo destacan diferentes técnicas: hay presencia de curados, como el lomo de vaca vieja frisona, se aplica la brasa en productos como la calabaza y los platos se completan con fermentados, encurtidos y fondos muy trabajados.

Brabo se rige por la temporalidad, por el pescado del día, por la carne de alta calidad de proveedores de confianza. Diferentes opciones de carne, pescados para compartir y una diversidad amplia de platos de verduras a la brasa. El 70% de referencias de la carta se elaboran a la brasa.

El ticket medio rondará entre 50 y 60 euros para los 4 platos principales que se recomiendan compartir entre 2 personas.

La propuesta líquida de Brabo

Los chefs también apuestan por una carta líquida enfocada en pequeños productores y una producción muy limitada. Para su dirección cuentan con el sumiller y responsable de sala, Mihai Toma, con una larga trayectoria en alta gastronomía.

Mihai propone una carta corta – en las que más de la mitad de referencias provienen de pequeños productores y variedades raras – con la puesta en valor del entorno a través del trabajo de la viña y del cultivo de la uva.

El sumiller plantea el origen, la cultura y el placer como fundamentos de una carta que irá adaptándose a las temporadas al igual que hacen los ingredientes que se usan en el restaurante.

El espacio de Brabo

 

El espacio situado en Sèneca, 28, a escasos metros de Diagonal y Paseo de Gràcia, cuenta con cocina, parrilla y bodega vista y tiene capacidad para 40 comensales. Se trata de un local /espacio a pie de calle de 130 metros cuadrados cuya reforma ha sido dirigida por Antonio Spalleta Arquitecto en la que se han respetado algunos elementos del antiguo local, como las columnas, escaleras y las paredes de ladrillo visto.

El gris carbón, el verde y el negro serán los colores protagonistas del espacio, una gama que contrasta con la luz que entra por los ventanales de la fachada del restaurante.

En la sala, se podrá presenciar el ritmo del fuego desde todas las mesas del espacio mientras se descubre la propuesta de Brabo.

En el piso superior, se encuentra una sala privada que funcionará como reservado y estará disponible para todos los clientes que quieran vivir su experiencia gastronómica en ese espacio, disponible para 16 personas máximo.

¿Dónde está?
¿Cuándo abrirá?
10 de enero 2023
Brabo en RRSS
@brabo_restaurante
@rafapanatieri
@jorgesastree
 Horario
Domingo y lunes
Cerrado
Martes a sábado
13:00h – 15:30h
20:00h a 23:00h
Teléfono
93 124 77 45
Web