Últimos días para visitar ‘Desengaño’, exposición de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo

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Hasta el próximo 6 de julio se podrá visitar Desengaño, exposición que surge de la cuarta edición del Young Curators Residency Programme organizado por la Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid (FSRRM). Situada en la Sala Anselma del Ateneo de Madrid, la muestra reúne el trabajo de seis artistas seleccionados por los jóvenes comisarios Mijoo Park, Lovro Japundžić y Una Mathiesen Gjerde coordinados por la asociación hablarenarte.

“Durante la residencia los tres comisarios han obtenido una panorámica de la creación contemporánea en nuestro país. Pero también de la cultura española más ampliamente, como puede verse en Desengaño, una exposición cuya premisa parte del texto El Criticón del autor barroco Baltasar Gracián”, apunta Emma Brasó en nombre de hablarenarte.

Dividida en varias etapas, la residencia llevó a los tres comisarios a visitar los centros de arte, museos, galerías, fundaciones, espacios independientes y estudios de artistas de ciudades como Sevilla, Málaga, Barcelona y Bilbao además de Madrid. El resultado de su investigación se muestra ahora bajo el título Desengaño y reúne la obra de los artistas Gabriel Alonso, Álvaro Chior, Paula García-Masedo, Mónica Mays, Sergio Pradana y Víctor Santamarina. 

Las piezas que han reunido para esta exposición entablan un intercambio de pensamientos que desborda las relaciones interpersonales. “Agotados por los excesos y la violencia de clase, verbal y la que se ejerce contra la  naturaleza, los artistas resignifican símbolos del poder a través de materiales que descomponen, fusionan o capturan temporalmente”, explican los comisarios.

Mónica Mays y Víctor Santamarina utilizan objetos domésticos desechados para crear sus obras, Sergio Pradana y Paula García-Masedo recorren historias vinculadas a lugares de ausencia,  Gabriel Alonso reconsidera nuestra relación con el ámbito natural y Álvaro Chior cuestiona el exceso lingüístico y la constante textualización de la vida.

En conjunto, “forman una polifonía que cuestiona verdades heredadas mientras permanecen atentas a su propia porosidad. De esta forma nos ofrecen un desvío o un retorno; una invitación a pensar más allá de lo inmediato, no solo para criticar la injusticia que percibimos, sino también para afirmar la potencia de la incertidumbre”, concluyen los comisarios.

Realizadas con materiales como la resina, que puede sobrevivir un millón de años, o el espejuelo que, a pesar de su apariencia, se resquebraja bajo una ligera presión, las obras se instalan en las tres plantas de la Sala Anselma del Ateneo de Madrid, institución que fue la sede donde se mostró por primera vez en España y de la mano de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid, la obra del artista Lucas Arruda.

Cuarta edición del Young Curators Residency Programme
Este programa de residencias, que sigue la estela del modelo de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turín, donde se celebra desde 2006, promueve y apoya el arte contemporáneo español y su internacionalización, así como la práctica curatorial emergente. Además, forma comisarios y comisarias jóvenes con el objetivo de desarrollar sus habilidades profesionales y críticas y promocionar el tejido artístico español a nivel internacional. Por otro lado, brinda la oportunidad de entrar en contacto y trabajar con artistas españoles y crear redes entre jóvenes profesionales del sector mientras pone en valor la figura del comisario dentro de la escena artística.

De este modo se reafirma el compromiso de la Fundación y su presidenta, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, con el arte contemporáneo nacional y la práctica curatorial emergente: “el compromiso de la Fundación con la internacionalización del arte contemporáneo español sigue siendo fuerte. Entre todos, queremos crear una red de profesionales del sector y este programa es una apuesta en firme por ello. Además, el YCRP pone sobre la mesa el importante papel de la figura del comisario”.

Esta iniciativa cuenta, un año más, con Reale Foundation como patrocinador principal que ha apoyado el programa desde su primera edición y reafirma su apuesta por el talento joven, diverso e intercultural. “Creemos en el poder transformador de la cultura y apostamos por el talento joven como uno de los principales vehículos que hacen posible esta transformación”, ha afirmado Pilar Suárez-Inclán, directora de Reale Foundation en España.

Además, cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) en el marco de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española, el PICE, que este año celebra sus diez años de convocatorias, a favor de la creación y la cultura española contemporánea.

El programa trabaja con las mejores escuelas de comisariado a nivel mundial, tales como el Royal College of Art de Londres o el Independent Study Program del Whitney Museum of American Art de Nueva York, entre muchas otras, quienes proponen una primera selección de candidaturas entre su alumnado más destacado, posteriormente evaluada por un jurado que este año ha estado compuesto por el comisario Agustín Pérez Rubio y la directora del MACBA, Elvira Dyangani Ose.

BLANCPAIN y los océanos

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Blancpain presenta en Utópica Atelier de Viajes, la exposición fotográfica Blancpain y los Océanos, con obras del biólogo y fotógrafo submarino Laurent Ballesta, con el que la marca lleva colaborando más de una década y que participó activamente en el proceso de creación del reloj de buceo Fifty Fathoms Tech Gombessa, y del biólogo y explorador español Manu San Félix.

 

Fundada en 1735 por Jehan-Jacques Blancpain en el Jura suizo, Blancpain es conocida como la marca de relojes más antigua del mundo. Fiel a su tradición de innovación, como lo demuestran las innumerables complicaciones relojeras inventadas a lo largo de los años, la Manufactura sigue revolucionando la relojería para llevar este arte hasta límites insospechados. 

La exploración y la preservación de los océanos del mundo es una cuestión esencial para Blancpain. Con el legado de 70 años del Fifty Fathoms –el primer reloj de buceo moderno–, Blancpain ha establecido desde hace más de dos décadas una relación estrecha con exploradores, fotógrafos, científicos y defensores del medio ambiente, que valoran este precioso recurso. Con esa afinidad, ha surgido la determinación de apoyar importantes actividades e iniciativas dedicadas a los océanos que se agrupan bajo el nombre de Blancpain Ocean Commitment (BOC).

 

En el corazón del Ocean Commitment se encuentra la determinación de Blancpain por marcar la diferencia apoyando iniciativas importantes dedicadas al océano. A lo largo de los últimos años, Blancpain Ocean Commitment ha estado vinculada con organizaciones líderes y personas clave, centrando sus esfuerzos en tres ejes: aumentar la visibilidad de la belleza de los océanos, apoyar la investigación científica e implementar medidas eficientes de conservación del océano.

Hasta la fecha y a través de su programa Blancpain Ocean Commitment, la Manufactura ha cofinanciado 21 expediciones científicas importantes, y ha hecho honor a su rol duplicando la superficie de áreas marinas protegidas en el mundo y presentando varias películas documentales que han sido galardonadas, exposiciones de fotografías submarinas y múltiples publicaciones.

 

Como parte del Ocean Commitment, Blancpain ha hecho grandes contribuciones a varias expediciones de exploración, incluyendo las expediciones Gombessa organizadas por el fotógrafo submarino y biólogo Laurent Ballesta, las expediciones Pristine Seas de la National Geographic Society (2011-2016), y el proyecto Scorpion Reef de Oceana.

El año 2023 marca el 10º aniversario de las expediciones Gombessa, a las que Blancpain apoya desde su primera misión en 2013. Este proyecto se centra en el estudio de algunas de las criaturas y fenómenos marinos más raros y esquivos de la Tierra. Ballesta y su equipo utilizan rebreathers de gas mixto de circuito cerrado controlados electrónicamente para alcanzar profundidades extremas y traer de vuelta datos científicos, fotografías y vídeos únicos. Sus actividades están marcadas constantemente por triples retos de naturaleza técnica, científica y artística. Hasta la fecha, se han realizado seis grandes expediciones Gombessa y varias otras misiones, todas ellas suscritas por Blancpain.

 

¿Cómo es la expedición ideal? Para el explorador oceánico Laurent Ballesta, es la intersección entre un desafío técnico, una ciencia convincente y la oportunidad de obtener imágenes inspiradoras. Durante la última década, sus Expediciones Gombessa han combinado estas tres características: bucear en las profundidades para fotografiar un pez «fósil viviente», captar visiones de otro mundo bajo el hielo antártico, observar el frenesí alimentario de un tiburón nocturno y vivir bajo presión durante un mes para desentrañar los secretos de las profundidades del Mediterráneo. 

Ballesta regresa de estas expediciones con nuevos conocimientos, nuevas preguntas y extraordinarias imágenes de lugares y cosas que la mayoría de nosotros nunca veremos. Su trabajo requiere habilidad, visión e imaginación. Requiere nuevas tecnologías, nuevos métodos de buceo y un equipo de confianza y colaboración. Nada de esto es fácil. Pero Laurent Ballesta no quiere «fácil». Es lo que le convierte en uno de los exploradores oceánicos más ambiciosos y con más talento de la actualidad. Las Expediciones Gombessa son un legado en evolución de proyectos ambiciosos, a veces audaces, un don para lo visual y un respeto por la historia de la exploración submarina

 

La fotografía submarina ocupa un lugar especial dentro de Blancpain Ocean Commitment. Los premios Oceanographic Magazine’s Ocean Photographer of the Year, cuya misión es la de mostrar la belleza del océano y los múltiples peligros que afronta, representan la continuación del proyecto artístico y fotográfico Fifty Fathoms previamente iniciado por Blancpain. Se trata de una plataforma para la expresión y comunicación dedicada a los defensores oceánicos con mayor devoción y talento del mundo. 

La exposición Blancpain y los Océanos viajará a Ibiza próximamente, y permanecerá en el Hotel Bless del 28 de junio al 15 de agosto. 

 

OPERA GALLERY prorroga ‘Loving Picasso’ hasta el 8 de julio

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La prestigiosa internacional Opera Gallery prorroga hasta el 8 de julio la exposición Loving Picasso en su nuevo espacio en Madrid. La muestra configura un recorrido por el imaginario de diversos artistas que, de alguna forma u otra, se vieron influenciados por el estilo del andaluz. Compuesta por más de 60 obras, subraya el potencial de este universal artista como factor determinante en la historia del arte de los siglos XX y XXI. La colectiva supone así el primer paso en un programa dinámico que traerá a la escena artística de la capital destacados nombres nacionales e internacionales.

La sede madrileña de Opera Gallery, que abrió al público el pasado 12 de mayo, constituye la decimoquinta sede en el mundo de esta galería. El local —situado en el número 56 de la calle Serrano, uno de los grandes ejes para el arte en la ciudad— cuenta con tres plantas que reúnen un total de 1.000 metros cuadrados expositivos, reformados por Hernández Arquitectos en colaboración con la constructora Alcañiz de la Guía. Con una majestuosa escalera helicoidal como pieza central, el espacio se divide en siete salas con techos de más de 4 metros de altura para albergar la colección de obras maestras modernas y contemporáneas de la galería.

“En todas las obras presentadas, su influencia es evidente en homenajes estéticos que abarcan desde lo sutil a lo evidente. Los artistas expuestos subrayan que el genio nace de la curiosidad. Esta exposición también celebra el espíritu de un interés constante por aprender y experimentar, como el niño que Picasso quería volver a ser”, comenta Gilles Dyan, fundador y presidente de Opera Gallery. “En sus paseos, el artista solía mirar al suelo, no por timidez, sino porque le gustaba recoger objetos que le cautivaban y que posteriormente tomaban forma en sus obras. Sabía que en la simplicidad reside la modernidad y que es necesario un conocimiento erudito del pasado para lograr la sencillez y la austeridad en el presente”.

Dividida en siete salas, la muestra, que puede visitarse hasta el 8 de julio, cuenta con obras de destacados artistas como Marc Chagall, Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Karel Appel, Georg Baselitz, Niki de Saint Phalle, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Keith Haring, George Condo y Fernando Botero. También se expondrá una importante selección de artistas españoles como Joan Miró, Antonio Saura, Manolo Valdés, Miquel Barceló, Lita Cabellut y Xavier Mascaró.

«La influencia de Picasso en el arte de los siglos XX y XXI es innegable, tanto de forma evidente como sutil. Los artistas expuestos en Loving Picasso, algunos contemporáneos del pintor andaluz y otros de generaciones más jóvenes, están todos intrínsecamente ligados a Picasso», comenta Belén Herrera Ottino, directora de la galería madrileña.

En la segunda planta, la Mujer desnuda apoyada en almohadas de Picasso se expone cerca de la Doble Cara en Rosa de Manolo Valdés y el Alter Ego de Don Quijote de George Condo. Para Condo, el estudio de la obra de Picasso sirvió de inspiración para su identidad estética. En contraste, Valdés refleja el legado de Picasso a través de diversos motivos como la deconstrucción de las formas y la multiplicación de los planos. Mujer y pájaro frente al sol, de Joan Miró, cuyos primeros experimentos modernistas inspiraron a Karel Appel sus pinturas expresionistas, también está instalada en la segunda planta. La obra de Appel, presente también en Loving Picasso, tiene referencias distintivas a los cuadros de Picasso. Con colores vivos y pinceladas violentas, en Femme nue au bonnet turc Appel rinde homenaje al maestro a la vez que encarna su característico estilo.

Juan Genovés, cuyo patrimonio está ahora representado internacionalmente por Opera Gallery, tuvo una influencia similar a la de Picasso en la Guerra Civil española. Expuesta en la primera sala de la segunda planta, su obra Con tema de Picasso rinde homenaje explícito a La llorona del pintor andaluz, una de las obras que pintó en respuesta al bombardeo de la ciudad vasca de Guernica.

Otro pintor hispanohablante que puede verse en esta planta es Fernando Botero. Su profunda fascinación por el maestro, especialmente por los periodos azul y rosa, le llevó a rendirle homenaje con Portrait of Picasso, un retrato que pintó con su característico estilo.

La exposición también hace referencia a la cultura pop de los años 50 con obras de Roy Lichtenstein, el retrato Arlequín 01 de Lita Cabellut, inspirado en Arlequín sentado en un sofá rojo de Picasso, y obras de Fernand Léger —cuyo Bodegón con tres mariposas hace referencia al movimiento cubista de la época de Picasso— y Frank Stella, cuyas formas sinuosas y exuberantes están estrechamente relacionadas con las primeras obras cubistas de Picasso.

Loving Picasso ofrece un recorrido por la trayectoria de varios artistas que se inspiraron de un modo u otro en la obra de Picasso. Guillermo Solana, director del Museo Thyssen-Bornemisza, explica en el catálogo de la exposición: “La historia del arte del siglo XX se podría escribir como una serie de homenajes a Picasso, ya sean públicos o privados, declarados o secretos. Algunos de los homenajes más sinceros vienen de artistas españoles o hispanohablantes. Antonio Saura enmascaró una foto de Picasso y se la apropió, Manolo Valdés utiliza el prisma picassiano para revisar a otros maestros antiguos y Fernando Botero aporta un retrato de cuerpo entero del genio malagueño inspirado en una fotografía de Brassaï”

Con esta exposición, Opera Gallery inicia su andadura en la ciudad de Madrid, destacando la excelencia de su obra, así como la universalidad de un artista que marcó profundamente la evolución de la historia del arte.

Rocío Aguirre expone sus fotos en UNOde50

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UNOde50 Art Gallery Madrid, el espacio expositivo dedicado al universo de UNOde50 y de su director creativo José Azulay, situado en el eje de la Gran Vía madrileña (C/ Caballero de Gracia 24), abre de nuevo sus puertas al festival PHotoESPAÑA en su 26ª edición. La artista seleccionada esta edición es Rocío Aguirre, cuya obra comparte con UNOde50 una poderosa fuente de inspiración: el amor en todas sus formas y manifestaciones y el poder de las relaciones humanas que Rocío retrató a lo largo de esos catorce años.

 

La muestra fotográfica se enmarca dentro del programa de actividades que UNOde50 inició en 2022 para posicionar a UNOde50 Art Gallery Madrid como un punto de referencia artístico, cultural y social de la ciudad.

 

La exposición podrá visitarse con entrada libre del 7 de junio al 10 de septiembre en el horario comercial de la joyería (de lunes a domingo entre las 10:00 h. y las 21:00 h.).

 

En palabras de la diseñadora gráfica y comisaria Maricris Herrera: “Rocío Aguirre (2008 -2022) es un paseo corto —aunque de vivencia larga— por el acervo fotográfico e íntimo de su autora; un registro que supera el relato autobiográfico para convertirse en un informe generacional. Pasando por un sinnúmero de países, el recorrido inicia en el Chile.

 

Los años noventa, una década marcada por cambios radicales, que en este país centralista y sin reconocimiento de su pasado indígena, significó el fin de la dictadura militar y con ello, el fin de una innegable represión y censura social.

 

En esta supervivencia donde el dinero no alcanzaba para casi nada, quien vivió su infancia en los noventa sabe lo que fue pasear con cámaras de bolsillo, esperar días o meses para poder ver las fotos reveladas de un viaje o un cumpleaños y entonces poder continuar rellenando el álbum de fotos. Quien fue niño en los noventa se hizo una fotografía anual para el carnet del colegio y tapizó las paredes de su habitación con posters de sus ídolos.

 

Las capturas del lente de Rocío son testimonio de un cambio generacional. Marcan el fin de un mundo en el que las chicas complicadas o demasiado oscuras, demasiado vibrantes o con demasiada opinión, parecían no interesar, y abren paso a una generación vulnerable e inclusiva, dispuesta a mostrar su intimidad sin tapujos.”

 

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Sobre UNOde50: UNOde50 nació en Madrid a finales de los 90 como un concepto de joyería “made in Spain” con alma artesanal. Las piezas de diseño único, ofrecen un punto de vista diferente, donde las técnicas y procesos tradicionales se ponen al servicio de la creatividad. La marca opera físicamente en 25 países y, a través del canal online, llega a más de 70 mercados. Junto a una red de 106 tiendas propias en las principales ciudades del mundo, UNOde50 está también presente en unos 2500 puntos de venta conservando su filosofía y ADN de marca.

 

 

Arte en clave femenino: once mujeres artistas se unen por el 250 Aniversario de VEUVE CLICQUOT

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El 250 aniversario de Veuve Clicquot pone de manifiesto el arte en clave femenino presentando una exposición itinerante en Londres “Solaire Culture Exhibition”. Una exposición comisariada íntegramente por mujeres de renombre internacional y dirigida por Camille Morineau y Constance Guisset.

Como homenaje a la audacia de Madame Clicquot y a la herencia de Veuve Clicquot de espíritu empresarial femenino, la comisaria Camille Morineau ha reunido a 9 mujeres artistas de renombre, entre ellas Yayoi Kusama, Sheila Hicks y la dibujante de manga Moyoco Anno. A todas ellas, se les dio carta blanca y entregaron una obra de arte original inspirada en Madame Clicquot y sus inventos, o en el poder emocional del sol, como homenaje a la emblemática etiqueta amarilla de la Maison, registrada en 1877 y convertida en su emblema.

SOLAIRE CULTURE abre las puertas a algunas de las joyas históricas más destacadas de Veuve Clicquot y pone de relieve la historia de la icónica etiqueta amarilla creada específicamente para el bebedor de Champagne británico. Desde un retrato de Madame Clicquot reinterpretado por la artista, mundialmente famosa, Yayoi Kusama hasta 20 notables documentos históricos, entre ellos una carta firmada por Madame Clicquot y una botella original de Veuve Clicquot de la década de 1840 (un descubrimiento épico en el mar Báltico tras un naufragio), la exposición se sumerge en la huella cultural de Veuve Clicquot, mostrando la creación de uno de los Champagnes de lujo más deseados del mundo.

Desde 1972, Veuve Clicquot ha demostrado su compromiso con las mujeres y las empresarias de todo el mundo, especialmente a través de BOLD by Veuve Clicquot, un programa internacional para aumentar la visibilidad de las mujeres empresarias. Esta celebración del compromiso de Veuve Clicquot con la defensa y el apoyo a las mujeres audaces y atrevidas continuará durante toda la exposición con un dinámico programa de actos culturales y una nueva sala BOLD dentro del espacio de la exposición, creada especialmente para Londres.

 

LAS ARTISTAS

Camille Morineau — Curadora

Camille Morineau es una curadora del patrimonio francés, e historiadora del arte que trabajó durante 10 años en el Centro Pompidou y luego dirigió el Museo y Exposición Monnaie de Paris. Entre los numerosos espectáculos que ella comisariado, “elles@centrepompidou” (2009-10) desencadenó una fuerte participación en la investigación la historia perdida de las mujeres artistas. En 2014, fundó la asociación AWARE (Archivos de Mujeres Artistas, Investigación y Exposiciones), una enciclopedia bilingüe única sobre la mujer artistas del siglo xix y xx.

 

Constanza Guisset — Escenógrafo

Constance Guisset es una diseñadora francesa, arquitecto de interiores y escenógrafa.

Su obra explora temas como movimiento, ligereza y sorpresa. Abrió su propio estudio en 2009 y se hizo internacionalmente famosa siguiendo la edición de su primer objeto: la Lámpara Vértigo. Esta era el sujeto de una retrospectiva individual en el Musée des Arts Décoratifs en París en 2017.

 

Yayoi Kusama

En 2006, la artista japonesa Yayoi Kusama dio nueva vida a un original retrato de Madame Clicquot utilizando su famoso estampado de lunares. Una colaboración posterior con Veuve Clicquot en 2020 pone de relieve los destinos paralelos de Madame Clicquot, conocida en su época como «la grande dame de Champagne», y Yayoi Kusama, considerada hoy como una de las artistas vivas con más éxito del mundo.

 

Inés Longevial

Nacida en 1990, Inès Longevial es una artista francesa que se ha sentido atraída por la pintura figurativa desde la infancia. Su tema es a menudo ella misma, representada en las formas de sus autorretratos. Ella dice no conocer suficientemente otros temas para captar verdaderamente sus rostros y cuerpos. Cuando pinta retratos, suelen ser de mujeres.

 

Cece philips

Nacida en 1996, Cece Philips es una artista autodidacta basada en Londres que a menudo usa archivos históricos y fotografías para inspirar personajes que pinta. Su investigación actual explora la relación entre mujeres y poder.

 

Olimpia Zagnoli

Olimpia Zagnoli es una ilustradora italiana nacida en 1984. Le encantan los colores soleados y llamativos y está fascinada por la repetición de patrones. Sus ilustraciones aparecen en las principales revistas como The New York Times Revista, The New Yorker y Rolling Stone. Busca contar una historia de manera gráfica, a través de muy pocos elementos y el uso recurrente de la figura humana.

 

Moyoco Año

Moyoco Anno es un mangaka japonés que nació en Tokio en 1971. Comenzó su carrera en 1989 y se hizo conocido con la serie Manía Feliz. Publicado en la revista femenina Feel Young, este josei (manga femenina) fue un éxito de ventas entre los jóvenes mujeres japonesas y pasó a convertirse en una serie de televisión.

 

Penélope Bagieu

La ilustradora francesa Pénélope Bagieu nació en 1982. En 2007, creó un webcomic, Ma vie est tout à fait fascinante, que rápidamente llamó la atención por su humor y fue publicado como novela gráfica. Éxito seguido éxito, y con Culottées (publicado en francés en 2016 y 2017, y en inglés como Brazen en 2018) ganó renombre internacional. En este libro, construye un retrato de 30 mujeres de cada continente que son la definición misma de pioneros.

 

Sheila Hicks

Nacida en 1934 en Estados Unidos, Sheila Hicks vivió y trabajó en París desde 1964. Los textiles han sido su material elegido desde finales de la década de 1950, cuando era alumna de Josef Albers. Su trabajo redefine las categorías tradicionales del arte, y se relaciona con la inteligencia y la ciencia ancestral de artesanos de todo el mundo.

 

Rosie McGuinness

Nacida en 1984, Rosie McGuinness vive y trabaja en Londres. Habiéndose formado en diseño de moda, ha trabajado en la industria y ha creado un mundo donde el dibujo de moda se encuentra con el arte contemporáneo.

 

Monique Fredman

Nacida en 1943, Monique Frydman es una artista francesa para quien “la pintura pulveriza todo para crear su propio cuerpo.” A través de esta creencia y la práctica, ha contribuido al renacimiento de la pintura abstracta.

 

SOLAIRE CULTURE EXHIBITION

Solaire Culture Exhibition comienza con un espacio centrado en Madame Clicquot, que presenta su vida y sus inventos a través de joyas históricas y de las interpretaciones artísticas de siete artistas: Yayoi Kusama, Inès Longevial, Cece Philips, Rosie McGuinness, Pénélope Bagieu, Olimpia Zagnoli y Moyoco Anno.

A continuación, los visitantes se sumergirán en 250 años de diseño e innovación con la exposición de las etiquetas más históricas y las numerosas obras de arte producidas para Veuve Clicquot por artistas y diseñadores de renombre internacional en los siglos XX y XXI, cultivando el amor por los objetos bellos. Entre ellas figuran, My Heart That Blooms in The Darkness of The Night de Yayoi Kusama, y la lámpara cometa de Tom Dixon.

Seguido de esto, podrán experimentar una inmersión en el viñedo de Veuve Clicquot y en las bodegas de tiza de Crayères para descubrir el excepcional terruño de la Maison de champán y su oficio. Las películas revelarán los secretos de la vinificación que crean el estilo inimitable de Veuve Clicquot.

Para transmitir las cualidades del amarillo solaire de la marca: su luz, su tonalidad, su fuerza, dos grandes mujeres artistas cerrarán el recorrido canalizando el sol a través de sus universos artísticos individuales. Sheila Hicks nos ofrece una escultura de hilos y tela amarilla, y Monique Frydman una pintura no sólo para mirar, sino para vivir en tres dimensiones.

Sevilla, punto de partida de Andalucía, Destino de Moda

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En la tarde del lunes 5 de junio se ha inaugurado la exposición Somos abril, que enseña Andalucía y sus fiestas de primavera a través de la moda, no solo flamenca y regional, sino también de firmas y diseñadores reconocidos a nivel nacional e internacional. Esta muestra forma parte de la II edición del proyecto Andalucía, Destino de Moda, de GO! Eventos y Comunicación, con el patrocinio de la Consejería de Turismo, Cultura y Deporte de la Junta de Andalucía. Cofinanciado con fondos europeos.
“Desde las costas bañadas por la luz, hasta las montañas de cumbres nevadas, pasando por hermosos valles, pueblos y ciudades, Andalucía y sus gentes embrujan al visitante con la promesa de un abril eterno lleno de flores y ritmos flamencos. Somos abril te abrirá la mente para que tus sentidos te lleven de viaje por esta tierra a través de la moda”, adelantaba Ángela María López Martín, comisaria.
Somos abril. Andalucía y sus fiestas a través de la Moda estará expuesta entre el 6 y el 21 de abril en el Museo de Artes y Costumbres Populares de Sevilla (Plaza de América, 3), contando con más de treinta piezas, entre ellas trajes regionales, como el de Piconera de Cádiz, la mantilla en Sevilla y la Tapada de Mojácar; vestidos de flamenca, como los de Carmen Acedo, Sara de Benítez y Loreto Martínez, y vestidos de costura y prêt-à-porter, de firmas como Juana Martín, Moisés Nieto y Antonio García.
Dos salas llenas de moda, con el más puro sentimiento andaluz y con el claro objetivo de mostrar a los visitantes y turistas nacionales e internacionales el folclore y la gran diversidad de creadores de moda del sur de España.
Dando apoyo institucional, y acompañando a Laura Sánchez y Javier Villa, directores de la empresa organizadora, ha asistido el Sr. Consejero de Turismo, Cultura y Deportes de la Junta de Andalucía D. Arturo Bernal, entre otras autoridades, diseñadores y directores creativos de las firmas participantes en la muestra.
Desde GO! Eventos y Comunicación, se han mostrado muy entusiasmados con este nuevo proyecto, e invitan a todos los amantes de la moda, de Andalucía, y de sus costumbres y fiestas, a visitar las bellas instalaciones del Museo de Artes y Costumbres Populares y, concretamente, su exposición Somos abril.

ROCA revoluciona CONSTRUMAT’23 con la propuesta más sostenible

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Roca, líder en soluciones para el espacio baño, fiel al posicionamiento de la feria, ha presentado la propuesta más innovadora y única vista en Construmat ‘23: un espacio que predica con el ejemplo la forma de entender la sostenibilidad.

El stand de Roca ha sido producido utilizando únicamente materiales de Km.0, maderas certificadas provenientes de bosques gestionados de forma responsable y sostenible e incluso reaprovechando residuos de sus propias fábricas. Igualmente, se ha garantizado que todos los materiales utilizados en el stand serán reutilizados en otros espacios o reciclados adecuadamente para garantizar la completa circularidad de la propuesta. El espacio se ha diseñado para minimizar las emisiones generadas en su producción y éstas han sido neutralizadas por los casi 100m2 de jardín vertical que rodeaban el stand o compensadas a través de proyectos de la Fundación We Are Water.

Comprometida con la sostenibilidad y la innovación, Roca ha roto los esquemas convencionales al presentar un stand dedicado a mostrar su compromiso con el desarrollo sostenible y su modelo de producción circular y de Km. 0. Con el objetivo de conseguir la neutralidad de carbono de sus operaciones en 2045, la empresa ya ha conseguido reducir sus emisiones un 39% y su intensidad energética un 47% en los últimos 5 años. Además, también ha reducido un 47% su consumo de agua y un 46,5% su generación de residuos, de los cuales el 74% ya se están reciclando o reintroduciendo en procesos productivos.

Convencidos de que el desarrollo sostenible de la industria de la construcción va más allá de las soluciones y tecnologías individuales, el stand de Roca ha procurado inspirar y fomentar la reflexión en el sector, compartiendo con los visitantes la filosofía, objetivos y compromisos de la marca en pro de un futuro más sostenible y responsable a través de una experiencia única.

AGO PROJECTS llega a Madrid

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«¡Hola, Madrid!»  se ha inaugurado en España, es el primer pop-up de AGO Projects en Europa, una de las galerías más importantes de diseño y objetos coleccionables en México y Latinoamérica, liderada por los galeristas e interioristas Rodman Primack, ex director de Design Miami y Rudy Weissenberg, curador, empresario y diseñador.


AGO Projects ha participado en ferias internacionales incluyendo Design Miami y ha hecho varias pop ups en varias ciudades como Copenhagen, Paris, Nueva York, Aspen y Los Ángeles con la intención de amplificar el trabajo de los creativos que colaboran con la galería.
Este pop-up busca acercar al público Español el lenguaje lúdico y cromático que caracteriza al diseño promovido por la galería mexicana de diseño contemporáneo de ediciones limitadas con sede permanente en la Ciudad de México. A través de una curaduría específica para este evento, articulada a través del trabajo de doce diferentes creativos incluyendo fotógrafos, arquitectos, diseñadores y artistas basados en México y Los Ángeles, intenta conectar el espíritu de los materiales y procesos manuales que caracterizan a estas piezas con la sensibilidad contemporánea y el lenguaje del diseño actual. Las obras expuestas son de Chamula Hecho a Mano, Fabien Cappello, Mestiz,Mono Rojo, MT Objects, Myungjin Kim, Natalia Tannenbaum, Niños Héroes, Pedro&Juana, Yvonne Venegas, Textiles de Guatemala y RP Miller. 

¡Hola Madrid! se presenta en LaEsquina LENOM, espacio de la agencia de relaciones públicas LENOM situado en el vibrante barrio de Malasaña y estará disponible hasta el 21 de junio, buscando convertirse no sólo en punto de interés de compra sino en espacio de coincidencia entre agentes creativos de México y España.

Últimos días para visitar la exposición «Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX»

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Madrid, 12 de mayo de 2023.– El próximo 28 de mayo la Fundación María Cristina Masaveu Peterson clausura la exposición Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo, muestra con la que inauguró su sede de Madrid en octubre de 2019, así como el Espacio Street Art, sala de carácter rotatorio dedicada al arte urbano.

La Sede de la FMCMP de Madrid volverá a abrir con un nuevo programa de exposiciones y actividades a partir de septiembre. Hasta la fecha más de 160.000 personas han visitado este centro.

Del periodo ilustrado al postmodernismo catalán
Comisariada por Javier Barón, Colección Masaveu. La pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo reúne uno de los núcleos más importantes de esta importante colección. La exposición, formada por más de 125 obras, recorre periodos como el Neoclasicismo, el Romanticismo, el naturalismo o el posmodernismo.

Un itinerario por la historia de la pintura española del siglo XIX donde destacan autores como Francisco de Goya, Federico y Raimundo de Madrazo, Juan Antonio Ribera, Eduardo Rosales, Mariano Fortuny, Aureliano de Beruete, Joaquín Sorolla (presente con 25 obras), Julio Romero de Torres, Ignacio de Zuloaga, Ramón Casas o Anglada-Camarasa, entre otros.

Recuperadas en muchos casos de colecciones extranjeras, la exposición permite conocer el gran patrimonio de nuestro país en el periodo fundador de la modernidad a través de la expresión artística en la que más destacó: la pintura.

El arte urbano en la Fundación 
El arte de nuestro tiempo encuentra un lugar destacado en la programación cultural de la FMCMP gracias una nueva línea de trabajo iniciada en los últimos años en torno al arte urbano. El visitante descubrirá en el Espacio Street Art, concebido tanto desde el mecenazgo como desde el coleccionismo, obras de artistas de renombre internacional como Banksy, Keith Haring y Vhils, junto con figuras nacionales como Mario Mankey, Sabek, Edgar Plans, Rafael Macarrón o Albert Pinya.

A ellas se unen cuatro proyectos promovidos bajo el mecenazgo de la Fundación y realizados por El Rey de la Ruina, Estudio Pedrita, Juan Díaz-Faes y Queen Andrea. Además, hasta el 28 de mayo se podrá seguir disfrutando del programa de visitas guiadas gratuitas y para grupos escolares en torno a estas exposiciones.

El ciclo de conferencias de la temporada llegará a su fin el 23 de mayo con la ponencia La tumba del visir Amen-Hotep Huy: desarrollo de un proyecto integral. En ella, el doctor Francisco Martín-Valentín, director de esta misión arqueológica española y presidente de la Fundación del Instituto Estudios Antiguo Egipto, hablará de este proyecto iniciado en 2009, que implica la excavación del área de la tumba del Visir y el gran proceso de restauración epigráfica y artística de la capilla.

Actividades estivales en la Fundación María Cristina Masaveu Peterson
Tras la gran afluencia de público durante los últimos meses en Madrid, la Fundación María Cristina Masaveu Peterson centrará su programación estival en Valencia, donde se presenta el 29 de junio Colección Masaveu. Sorolla, una gran exposición coorganizada con el Museo de Bellas Artes de Valencia con motivo del centenario de la muerte del pintor. Hasta el 1 de octubre se podrá ver en este museo todo el conjunto de pinturas de Joaquín Sorolla que atesora la Colección Masaveu, la colección privada con un mayor número de obras del pintor de la luz.

Toda la actividad de la Fundación, cuyo ámbito de actuación es nacional e internacional, se puede seguir en su página web.

Opera Gallery inaugura su sede en Madrid con una exposición en homenaje a Pablo Picasso

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La internacional Opera Gallery inaugura en Madrid su nuevo espacio, que constituye su decimoquinta sede en el mundo. El local —situado en el número 56 de la calle Serrano, uno de los grandes ejes para el arte en la ciudad— cuenta con tres plantas que reúnen un total de 1.000 metros cuadrados expositivos, reformados por Hernández Arquitectos. Con una majestuosa escalera helicoidal como pieza central, el espacio se divide en siete salas con techos de más de 4 metros de altura para albergar la colección de obras maestras modernas y contemporáneas de la galería.

Para su apertura, que tendrá lugar a partir de este viernes, cuenta con una gran exposición colectiva de grandes maestros del siglo XX en homenaje a Pablo Picasso. Loving Picasso, que se une a la celebración del cincuenta aniversario de su muerte, recorre el imaginario de diversos artistas que, de alguna forma u otra, se vieron influenciados por el estilo del andaluz. Compuesta por más de 60 obras, subraya el potencial de este universal artista como factor determinante en la historia del arte de los siglos XX y XXI. Se inaugura así un programa dinámico que traerá a la escena artística de la capital destacados nombres nacionales e internacionales.

“En todas las obras presentadas, su influencia es evidente en homenajes estéticos que abarcan desde lo sutil a lo evidente. Los artistas expuestos subrayan que el genio nace de la curiosidad. Esta exposición también celebra el espíritu de un interés constante por aprender y experimentar, como el niño que Picasso quería volver a ser”, comenta Gilles Dyan, fundador y presidente de Opera Gallery. “En sus paseos, el artista solía mirar al suelo, no por timidez, sino porque le gustaba recoger objetos que le cautivaban y que posteriormente tomaban forma en sus obras. Sabía que en la simplicidad reside la modernidad y que es necesario un conocimiento erudito del pasado para lograr la sencillez y la austeridad en el presente”.

Dividida en siete salas, la muestra, que puede visitarse del 12 de mayo al 11 de junio de 2023, cuenta con obras de destacados artistas como Marc Chagall, Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Karel Appel, Georg Baselitz, Niki de Saint Phalle, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Keith Haring, George Condo y Fernando Botero. También se expondrá una importante selección de artistas españoles como Joan Miró, Antonio Saura, Manolo Valdés, Miquel Barceló, Lita Cabellut y Xavier Mascaró.

«La influencia de Picasso en el arte de los siglos XX y XXI es innegable, tanto de forma evidente como sutil. Los artistas expuestos en Loving Picasso, algunos contemporáneos del pintor andaluz y otros de generaciones más jóvenes, están todos intrínsecamente ligados a Picasso», comenta Belén Herrera Ottino, directora de la galería madrileña.

En la segunda planta, la Mujer desnuda apoyada en almohadas de Picasso se expone cerca de la Doble Cara en Rosa de Manolo Valdés y el Alter Ego de Don Quijote de George Condo. Para Condo, el estudio de la obra de Picasso sirvió de inspiración para su identidad estética. En contraste, Valdés refleja el legado de Picasso a través de diversos motivos como la deconstrucción de las formas y la multiplicación de los planos. Mujer y pájaro frente al sol, de Joan Miró, cuyos primeros experimentos modernistas inspiraron a Karel Appel sus pinturas expresionistas, también está instalada en la segunda planta. La obra de Appel, presente también en Loving Picasso, tiene referencias distintivas a los cuadros de Picasso. Con colores vivos y pinceladas violentas, en Femme nue au bonnet turc Appel rinde homenaje al maestro a la vez que encarna su característico estilo.

Juan Genovés, cuyo patrimonio está ahora representado internacionalmente por Opera Gallery, tuvo una influencia similar a la de Picasso en la Guerra Civil española. Expuesta en la primera sala de la segunda planta, su obra Con tema de Picasso rinde homenaje explícito a La llorona del pintor andaluz, una de las obras que pintó en respuesta al bombardeo de la ciudad vasca de Guernica.

Otro pintor hispanohablante que puede verse en esta planta es Fernando Botero. Su profunda fascinación por el maestro, especialmente por los periodos azul y rosa, le llevó a rendirle homenaje con Portrait of Picasso, un retrato que pintó con su característico estilo.

La exposición también hace referencia a la cultura pop de los años 50 con obras de Roy Lichtenstein, el retrato Arlequín 01 de Lita Cabellut, inspirado en Arlequín sentado en un sofá rojo de Picasso, y obras de Fernand Léger —cuyo Bodegón con tres mariposas hace referencia al movimiento cubista de la época de Picasso— y Frank Stella, cuyas formas sinuosas y exuberantes están estrechamente relacionadas con las primeras obras cubistas de Picasso.

Loving Picasso ofrece un recorrido por la trayectoria de varios artistas que se inspiraron de un modo u otro en la obra de Picasso. Guillermo Solana, director del Museo Thyssen-Bornemisza, explica en el catálogo de la exposición: “La historia del arte del siglo XX se podría escribir como una serie de homenajes a Picasso, ya sean públicos o privados, declarados o secretos. Algunos de los homenajes más sinceros vienen de artistas españoles o hispanohablantes. Antonio Saura enmascaró una foto de Picasso y se la apropió, Manolo Valdés utiliza el prisma picassiano para revisar a otros maestros antiguos y Fernando Botero aporta un retrato de cuerpo entero del genio malagueño inspirado en una fotografía de Brassaï”

Con esta exposición, Opera Gallery inicia su andadura en la ciudad de Madrid, destacando la excelencia de su obra, así como la universalidad de un artista que marcó profundamente la evolución de la historia del arte.