MADRID LUXURY ART propone disfrutar del verano en Madrid con su exposición al aire libre

Durante la temporada de verano, La Milla de Oro de Madrid continuará hospedando un museo al aire libre con esculturas de gran tamaño. Con la llegada del buen tiempo y los meses de turismo, se prorroga el recorrido de arte iberoamericano hasta principios de septiembre, debido a la positiva acogida del público.  La II Edición de Madrid Luxury Art está impulsada por Madrid Luxury District, con la gestión cultural, la comisaría y el patrocinio de AGM Art Management. Las obras incluyen piezas de colecciones privadas, talleres y de las principales galerías internacionales, entre ellas Marlborough, Fernando Pradilla, La Cometa, El Museo,  Galería Hispánica, Galería Luisa Pita y Galería Freites.

 

Comisariada por la venezolana María Luz Cárdenas, esta exposición temporal propone un recorrido por diferentes miradas del arte contemporáneo, bajo el epígrafe la “Condición humana y su lugar en el universo”, con un fin social de apoyo a la Fundación Healing Venezuela y a la Fundación Atiende.

Arte contemporáneo Iberoamericano: 20 escultores y más de 30 obras

En el circuito urbano exponen sus obras destacados artistas iberoamericanos como Rafael Barrios, David Rodríguez Caballero, Odnoder, Ricardo Cárdenas, Carlos Albert, Carlos Medina, Sydia Reyes, Aurora Cañero, Manolo Valdés, Diego Canogar y Baltasar Lobo. Cada obra posee un código QR que permite a los visitantes leer y escuchar información sobre cada pieza escultórica.

 

En Ortega y Gasset, la exposición comienza a la altura de Núñez de Balboa con una obra del artista Manolo Valdés, destacado pintor y escultor español residente en Nueva York. En la entrada del Edificio Beatriz está ubicada la obra de Jaume Plensa “Tel Aviv Man”, de casi 2 metros, en acero troquelado, trabajo que el propio autor describe así: “En mis obras, las palabras y las letras adquieren peso y volumen. De esta forma perduran y no desaparecen”, y fuera del mismo edificio una exquisita obra de abstracción geométrica del artista español David Rodríguez Caballero, de más de 5 metros de altura, en la esquina de Velázquez con Ortega y Gasset.

 

Tras esas primeras paradas, el recorrido continúa por la calle Ortega y Gasset y finaliza en el Hotel Rosewood Villa Magna con una imponente escultura de Diego Canogar denominada “Gran Enroscada Roja”.

 

En la exposición que termina en el Hotel Rosewood Villa Magna, está la obra “Aldeas Transversales” de Fernando Suárez Reguera que, desde el espejo de agua de la entrada, nos recuerda la relación más pura del hombre y la naturaleza y dialoga hermosamente con el agua que la refleja.

 

Además, se están desarrollando diferentes acciones para divulgar el arte iberoamericano y las firmas de la Asociación Madrid Luxury District incluyen esculturas en el interior de sus espacios.  Bvlgari, Chaumet, Edificio Beatriz, Hotel Rosewood Villa Magna, Jaeger – LeCoultre, Jimmy Choo, Lavinia, Panerai presentan una exclusiva propuesta artística para todos los visitantes a sus boutiques con lo mejor del arte iberoamericano.

Últimos días para visitar ‘Desengaño’, exposición de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo

Hasta el próximo 6 de julio se podrá visitar Desengaño, exposición que surge de la cuarta edición del Young Curators Residency Programme organizado por la Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid (FSRRM). Situada en la Sala Anselma del Ateneo de Madrid, la muestra reúne el trabajo de seis artistas seleccionados por los jóvenes comisarios Mijoo Park, Lovro Japundžić y Una Mathiesen Gjerde coordinados por la asociación hablarenarte.

“Durante la residencia los tres comisarios han obtenido una panorámica de la creación contemporánea en nuestro país. Pero también de la cultura española más ampliamente, como puede verse en Desengaño, una exposición cuya premisa parte del texto El Criticón del autor barroco Baltasar Gracián”, apunta Emma Brasó en nombre de hablarenarte.

Dividida en varias etapas, la residencia llevó a los tres comisarios a visitar los centros de arte, museos, galerías, fundaciones, espacios independientes y estudios de artistas de ciudades como Sevilla, Málaga, Barcelona y Bilbao además de Madrid. El resultado de su investigación se muestra ahora bajo el título Desengaño y reúne la obra de los artistas Gabriel Alonso, Álvaro Chior, Paula García-Masedo, Mónica Mays, Sergio Pradana y Víctor Santamarina. 

Las piezas que han reunido para esta exposición entablan un intercambio de pensamientos que desborda las relaciones interpersonales. “Agotados por los excesos y la violencia de clase, verbal y la que se ejerce contra la  naturaleza, los artistas resignifican símbolos del poder a través de materiales que descomponen, fusionan o capturan temporalmente”, explican los comisarios.

Mónica Mays y Víctor Santamarina utilizan objetos domésticos desechados para crear sus obras, Sergio Pradana y Paula García-Masedo recorren historias vinculadas a lugares de ausencia,  Gabriel Alonso reconsidera nuestra relación con el ámbito natural y Álvaro Chior cuestiona el exceso lingüístico y la constante textualización de la vida.

En conjunto, “forman una polifonía que cuestiona verdades heredadas mientras permanecen atentas a su propia porosidad. De esta forma nos ofrecen un desvío o un retorno; una invitación a pensar más allá de lo inmediato, no solo para criticar la injusticia que percibimos, sino también para afirmar la potencia de la incertidumbre”, concluyen los comisarios.

Realizadas con materiales como la resina, que puede sobrevivir un millón de años, o el espejuelo que, a pesar de su apariencia, se resquebraja bajo una ligera presión, las obras se instalan en las tres plantas de la Sala Anselma del Ateneo de Madrid, institución que fue la sede donde se mostró por primera vez en España y de la mano de la Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid, la obra del artista Lucas Arruda.

Cuarta edición del Young Curators Residency Programme
Este programa de residencias, que sigue la estela del modelo de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo de Turín, donde se celebra desde 2006, promueve y apoya el arte contemporáneo español y su internacionalización, así como la práctica curatorial emergente. Además, forma comisarios y comisarias jóvenes con el objetivo de desarrollar sus habilidades profesionales y críticas y promocionar el tejido artístico español a nivel internacional. Por otro lado, brinda la oportunidad de entrar en contacto y trabajar con artistas españoles y crear redes entre jóvenes profesionales del sector mientras pone en valor la figura del comisario dentro de la escena artística.

De este modo se reafirma el compromiso de la Fundación y su presidenta, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, con el arte contemporáneo nacional y la práctica curatorial emergente: “el compromiso de la Fundación con la internacionalización del arte contemporáneo español sigue siendo fuerte. Entre todos, queremos crear una red de profesionales del sector y este programa es una apuesta en firme por ello. Además, el YCRP pone sobre la mesa el importante papel de la figura del comisario”.

Esta iniciativa cuenta, un año más, con Reale Foundation como patrocinador principal que ha apoyado el programa desde su primera edición y reafirma su apuesta por el talento joven, diverso e intercultural. “Creemos en el poder transformador de la cultura y apostamos por el talento joven como uno de los principales vehículos que hacen posible esta transformación”, ha afirmado Pilar Suárez-Inclán, directora de Reale Foundation en España.

Además, cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E) en el marco de su Programa para la Internacionalización de la Cultura Española, el PICE, que este año celebra sus diez años de convocatorias, a favor de la creación y la cultura española contemporánea.

El programa trabaja con las mejores escuelas de comisariado a nivel mundial, tales como el Royal College of Art de Londres o el Independent Study Program del Whitney Museum of American Art de Nueva York, entre muchas otras, quienes proponen una primera selección de candidaturas entre su alumnado más destacado, posteriormente evaluada por un jurado que este año ha estado compuesto por el comisario Agustín Pérez Rubio y la directora del MACBA, Elvira Dyangani Ose.

BE FERNANDEZ, la ilustradora madrileña que escogen las grandes marcas

Be Fernández, o Blanca para el mundo del diseño y la ilustración, es sin duda una de las artistas más relevantes del momento en este sector o así lo han determinado las decenas de grandísimas empresas que la han contratado para unir sus marcas a sus celebradas obras. Su estilizada mirada sobre la juventud, la moda y los entornos urbanos, siempre en clave femenina, resulta un imán para las nuevas generaciones que se identifican con esta joven nacida en Madrid  y que ya desde muy pequeña sabía que su vida giraría en torno al dibujo.

Be Fernández trabaja  principalmente ilustrando en el sector publicitario y en estos años ha creado para sectores tan variados como moda, editorial, entretenimiento,  música, belleza o tecnología. Ha colaborado para marcas y editoriales tan relevantes y punteras como Porsche, Vogue, Lacoste, Netflix, Miu Miu, Maybelline, Forbes, Adidas, Disney, Amazon Prime, Foot Locker, Pinterest, Nike, Tinder, Sony, Harper Collins, Perrier, Penguin Random House o la La Comunidad de Madrid. 

Formada en Publicidad entre la Universidad Complutense y la IULM de Milán, ha sido principalmente autodidacta en el dibujo hasta que realizó un grado de ilustración editorial en ESDIP con 20 años. Animada por sus padres hacia el mundo del arte desde muy pequeña, cuando ya dibujaba sin parar, a los 17 años descubrió el street art, empapelando las paredes con sus primeros dibujos. Su primer trabajo como diseñadora gráfica lo compaginó con una gran actividad subiendo sus obras en Instagram, lo que le empezó a generar una gran masa de seguidores. Empezaron a llegar las ofertas de trabajo y fue entonces cuando descubrió que podía vivir de ello. Comenzó ilustrando principalmente en moda y al poco tiempo de trabajar únicamente para marcas comerciales, pasó a recibir encargos de revistas y editoriales prestigiosas, ampliando cada vez más sus campos de influencia.

En 2019, uno de sus trabajos más significativos fue para Foot Locker Europa y ese mismo año colaboró con Hypebeast, el icónico Magazine de Hong Kong. En 2020 le llamó Netflix para realizar un mural con una temática algo distinta para la serie “Las chicas del Cable”. Ya estaba llegando a las marcas más grandes y desde entonces no ha parado  de crecer.

Be Fernández aprendió a dibujar de niña con los viejos comics que su padre guardaba. Le inspiran las publicaciones ilustradas y viñetistas de los 80 como Ceesepe, Javier de Juan, o Ana Juan. También el trabajo de artistas contemporáneas que ha descubierto gracias a las redes sociales, como Laura Callaghan o Kristen Lee Wong entre otras.

 

Tiene una estética pop muy cercana al clásico estilo comic. El color es probablemente más importante que cualquier otro rasgo de su estilo y le  permite transmitir mensajes y emociones que de otra forma no podría. Su estilo se ha ido refinando con el tiempo gracias a la experimentación y la introducción de nuevos elementos tecnológicos. Si de niña utilizaba lápiz, pastel y óleo luego comenzó a experimentar con el acrílico hasta que apareció la técnica digital que le proporcionó una libertad muy inspiradora. En la actualidad está volviendo al acrílico que le permite conectar más con sus creaciones.

Le inspiran mucho las ciudades, sus historias y sus habitantes. Le llaman mucho la atención también el color, la moda, la música y otras formas de representación artística. Trata de mantener al margen de su trabajo como ilustradora una parte de su pasión y guardar ratos para experimentar y disfrutar sin ningún tipo de presión. Últimamente lo hace pintando lienzos en su estudio, algo que por el momento hace solo para ella.

OPERA GALLERY prorroga ‘Loving Picasso’ hasta el 8 de julio

La prestigiosa internacional Opera Gallery prorroga hasta el 8 de julio la exposición Loving Picasso en su nuevo espacio en Madrid. La muestra configura un recorrido por el imaginario de diversos artistas que, de alguna forma u otra, se vieron influenciados por el estilo del andaluz. Compuesta por más de 60 obras, subraya el potencial de este universal artista como factor determinante en la historia del arte de los siglos XX y XXI. La colectiva supone así el primer paso en un programa dinámico que traerá a la escena artística de la capital destacados nombres nacionales e internacionales.

La sede madrileña de Opera Gallery, que abrió al público el pasado 12 de mayo, constituye la decimoquinta sede en el mundo de esta galería. El local —situado en el número 56 de la calle Serrano, uno de los grandes ejes para el arte en la ciudad— cuenta con tres plantas que reúnen un total de 1.000 metros cuadrados expositivos, reformados por Hernández Arquitectos en colaboración con la constructora Alcañiz de la Guía. Con una majestuosa escalera helicoidal como pieza central, el espacio se divide en siete salas con techos de más de 4 metros de altura para albergar la colección de obras maestras modernas y contemporáneas de la galería.

“En todas las obras presentadas, su influencia es evidente en homenajes estéticos que abarcan desde lo sutil a lo evidente. Los artistas expuestos subrayan que el genio nace de la curiosidad. Esta exposición también celebra el espíritu de un interés constante por aprender y experimentar, como el niño que Picasso quería volver a ser”, comenta Gilles Dyan, fundador y presidente de Opera Gallery. “En sus paseos, el artista solía mirar al suelo, no por timidez, sino porque le gustaba recoger objetos que le cautivaban y que posteriormente tomaban forma en sus obras. Sabía que en la simplicidad reside la modernidad y que es necesario un conocimiento erudito del pasado para lograr la sencillez y la austeridad en el presente”.

Dividida en siete salas, la muestra, que puede visitarse hasta el 8 de julio, cuenta con obras de destacados artistas como Marc Chagall, Alexander Calder, Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Karel Appel, Georg Baselitz, Niki de Saint Phalle, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Keith Haring, George Condo y Fernando Botero. También se expondrá una importante selección de artistas españoles como Joan Miró, Antonio Saura, Manolo Valdés, Miquel Barceló, Lita Cabellut y Xavier Mascaró.

«La influencia de Picasso en el arte de los siglos XX y XXI es innegable, tanto de forma evidente como sutil. Los artistas expuestos en Loving Picasso, algunos contemporáneos del pintor andaluz y otros de generaciones más jóvenes, están todos intrínsecamente ligados a Picasso», comenta Belén Herrera Ottino, directora de la galería madrileña.

En la segunda planta, la Mujer desnuda apoyada en almohadas de Picasso se expone cerca de la Doble Cara en Rosa de Manolo Valdés y el Alter Ego de Don Quijote de George Condo. Para Condo, el estudio de la obra de Picasso sirvió de inspiración para su identidad estética. En contraste, Valdés refleja el legado de Picasso a través de diversos motivos como la deconstrucción de las formas y la multiplicación de los planos. Mujer y pájaro frente al sol, de Joan Miró, cuyos primeros experimentos modernistas inspiraron a Karel Appel sus pinturas expresionistas, también está instalada en la segunda planta. La obra de Appel, presente también en Loving Picasso, tiene referencias distintivas a los cuadros de Picasso. Con colores vivos y pinceladas violentas, en Femme nue au bonnet turc Appel rinde homenaje al maestro a la vez que encarna su característico estilo.

Juan Genovés, cuyo patrimonio está ahora representado internacionalmente por Opera Gallery, tuvo una influencia similar a la de Picasso en la Guerra Civil española. Expuesta en la primera sala de la segunda planta, su obra Con tema de Picasso rinde homenaje explícito a La llorona del pintor andaluz, una de las obras que pintó en respuesta al bombardeo de la ciudad vasca de Guernica.

Otro pintor hispanohablante que puede verse en esta planta es Fernando Botero. Su profunda fascinación por el maestro, especialmente por los periodos azul y rosa, le llevó a rendirle homenaje con Portrait of Picasso, un retrato que pintó con su característico estilo.

La exposición también hace referencia a la cultura pop de los años 50 con obras de Roy Lichtenstein, el retrato Arlequín 01 de Lita Cabellut, inspirado en Arlequín sentado en un sofá rojo de Picasso, y obras de Fernand Léger —cuyo Bodegón con tres mariposas hace referencia al movimiento cubista de la época de Picasso— y Frank Stella, cuyas formas sinuosas y exuberantes están estrechamente relacionadas con las primeras obras cubistas de Picasso.

Loving Picasso ofrece un recorrido por la trayectoria de varios artistas que se inspiraron de un modo u otro en la obra de Picasso. Guillermo Solana, director del Museo Thyssen-Bornemisza, explica en el catálogo de la exposición: “La historia del arte del siglo XX se podría escribir como una serie de homenajes a Picasso, ya sean públicos o privados, declarados o secretos. Algunos de los homenajes más sinceros vienen de artistas españoles o hispanohablantes. Antonio Saura enmascaró una foto de Picasso y se la apropió, Manolo Valdés utiliza el prisma picassiano para revisar a otros maestros antiguos y Fernando Botero aporta un retrato de cuerpo entero del genio malagueño inspirado en una fotografía de Brassaï”

Con esta exposición, Opera Gallery inicia su andadura en la ciudad de Madrid, destacando la excelencia de su obra, así como la universalidad de un artista que marcó profundamente la evolución de la historia del arte.

Rocío Aguirre expone sus fotos en UNOde50

UNOde50 Art Gallery Madrid, el espacio expositivo dedicado al universo de UNOde50 y de su director creativo José Azulay, situado en el eje de la Gran Vía madrileña (C/ Caballero de Gracia 24), abre de nuevo sus puertas al festival PHotoESPAÑA en su 26ª edición. La artista seleccionada esta edición es Rocío Aguirre, cuya obra comparte con UNOde50 una poderosa fuente de inspiración: el amor en todas sus formas y manifestaciones y el poder de las relaciones humanas que Rocío retrató a lo largo de esos catorce años.

 

La muestra fotográfica se enmarca dentro del programa de actividades que UNOde50 inició en 2022 para posicionar a UNOde50 Art Gallery Madrid como un punto de referencia artístico, cultural y social de la ciudad.

 

La exposición podrá visitarse con entrada libre del 7 de junio al 10 de septiembre en el horario comercial de la joyería (de lunes a domingo entre las 10:00 h. y las 21:00 h.).

 

En palabras de la diseñadora gráfica y comisaria Maricris Herrera: “Rocío Aguirre (2008 -2022) es un paseo corto —aunque de vivencia larga— por el acervo fotográfico e íntimo de su autora; un registro que supera el relato autobiográfico para convertirse en un informe generacional. Pasando por un sinnúmero de países, el recorrido inicia en el Chile.

 

Los años noventa, una década marcada por cambios radicales, que en este país centralista y sin reconocimiento de su pasado indígena, significó el fin de la dictadura militar y con ello, el fin de una innegable represión y censura social.

 

En esta supervivencia donde el dinero no alcanzaba para casi nada, quien vivió su infancia en los noventa sabe lo que fue pasear con cámaras de bolsillo, esperar días o meses para poder ver las fotos reveladas de un viaje o un cumpleaños y entonces poder continuar rellenando el álbum de fotos. Quien fue niño en los noventa se hizo una fotografía anual para el carnet del colegio y tapizó las paredes de su habitación con posters de sus ídolos.

 

Las capturas del lente de Rocío son testimonio de un cambio generacional. Marcan el fin de un mundo en el que las chicas complicadas o demasiado oscuras, demasiado vibrantes o con demasiada opinión, parecían no interesar, y abren paso a una generación vulnerable e inclusiva, dispuesta a mostrar su intimidad sin tapujos.”

 

***

 

Sobre UNOde50: UNOde50 nació en Madrid a finales de los 90 como un concepto de joyería “made in Spain” con alma artesanal. Las piezas de diseño único, ofrecen un punto de vista diferente, donde las técnicas y procesos tradicionales se ponen al servicio de la creatividad. La marca opera físicamente en 25 países y, a través del canal online, llega a más de 70 mercados. Junto a una red de 106 tiendas propias en las principales ciudades del mundo, UNOde50 está también presente en unos 2500 puntos de venta conservando su filosofía y ADN de marca.

 

 

Arte en clave femenino: once mujeres artistas se unen por el 250 Aniversario de VEUVE CLICQUOT

El 250 aniversario de Veuve Clicquot pone de manifiesto el arte en clave femenino presentando una exposición itinerante en Londres “Solaire Culture Exhibition”. Una exposición comisariada íntegramente por mujeres de renombre internacional y dirigida por Camille Morineau y Constance Guisset.

Como homenaje a la audacia de Madame Clicquot y a la herencia de Veuve Clicquot de espíritu empresarial femenino, la comisaria Camille Morineau ha reunido a 9 mujeres artistas de renombre, entre ellas Yayoi Kusama, Sheila Hicks y la dibujante de manga Moyoco Anno. A todas ellas, se les dio carta blanca y entregaron una obra de arte original inspirada en Madame Clicquot y sus inventos, o en el poder emocional del sol, como homenaje a la emblemática etiqueta amarilla de la Maison, registrada en 1877 y convertida en su emblema.

SOLAIRE CULTURE abre las puertas a algunas de las joyas históricas más destacadas de Veuve Clicquot y pone de relieve la historia de la icónica etiqueta amarilla creada específicamente para el bebedor de Champagne británico. Desde un retrato de Madame Clicquot reinterpretado por la artista, mundialmente famosa, Yayoi Kusama hasta 20 notables documentos históricos, entre ellos una carta firmada por Madame Clicquot y una botella original de Veuve Clicquot de la década de 1840 (un descubrimiento épico en el mar Báltico tras un naufragio), la exposición se sumerge en la huella cultural de Veuve Clicquot, mostrando la creación de uno de los Champagnes de lujo más deseados del mundo.

Desde 1972, Veuve Clicquot ha demostrado su compromiso con las mujeres y las empresarias de todo el mundo, especialmente a través de BOLD by Veuve Clicquot, un programa internacional para aumentar la visibilidad de las mujeres empresarias. Esta celebración del compromiso de Veuve Clicquot con la defensa y el apoyo a las mujeres audaces y atrevidas continuará durante toda la exposición con un dinámico programa de actos culturales y una nueva sala BOLD dentro del espacio de la exposición, creada especialmente para Londres.

 

LAS ARTISTAS

Camille Morineau — Curadora

Camille Morineau es una curadora del patrimonio francés, e historiadora del arte que trabajó durante 10 años en el Centro Pompidou y luego dirigió el Museo y Exposición Monnaie de Paris. Entre los numerosos espectáculos que ella comisariado, “elles@centrepompidou” (2009-10) desencadenó una fuerte participación en la investigación la historia perdida de las mujeres artistas. En 2014, fundó la asociación AWARE (Archivos de Mujeres Artistas, Investigación y Exposiciones), una enciclopedia bilingüe única sobre la mujer artistas del siglo xix y xx.

 

Constanza Guisset — Escenógrafo

Constance Guisset es una diseñadora francesa, arquitecto de interiores y escenógrafa.

Su obra explora temas como movimiento, ligereza y sorpresa. Abrió su propio estudio en 2009 y se hizo internacionalmente famosa siguiendo la edición de su primer objeto: la Lámpara Vértigo. Esta era el sujeto de una retrospectiva individual en el Musée des Arts Décoratifs en París en 2017.

 

Yayoi Kusama

En 2006, la artista japonesa Yayoi Kusama dio nueva vida a un original retrato de Madame Clicquot utilizando su famoso estampado de lunares. Una colaboración posterior con Veuve Clicquot en 2020 pone de relieve los destinos paralelos de Madame Clicquot, conocida en su época como «la grande dame de Champagne», y Yayoi Kusama, considerada hoy como una de las artistas vivas con más éxito del mundo.

 

Inés Longevial

Nacida en 1990, Inès Longevial es una artista francesa que se ha sentido atraída por la pintura figurativa desde la infancia. Su tema es a menudo ella misma, representada en las formas de sus autorretratos. Ella dice no conocer suficientemente otros temas para captar verdaderamente sus rostros y cuerpos. Cuando pinta retratos, suelen ser de mujeres.

 

Cece philips

Nacida en 1996, Cece Philips es una artista autodidacta basada en Londres que a menudo usa archivos históricos y fotografías para inspirar personajes que pinta. Su investigación actual explora la relación entre mujeres y poder.

 

Olimpia Zagnoli

Olimpia Zagnoli es una ilustradora italiana nacida en 1984. Le encantan los colores soleados y llamativos y está fascinada por la repetición de patrones. Sus ilustraciones aparecen en las principales revistas como The New York Times Revista, The New Yorker y Rolling Stone. Busca contar una historia de manera gráfica, a través de muy pocos elementos y el uso recurrente de la figura humana.

 

Moyoco Año

Moyoco Anno es un mangaka japonés que nació en Tokio en 1971. Comenzó su carrera en 1989 y se hizo conocido con la serie Manía Feliz. Publicado en la revista femenina Feel Young, este josei (manga femenina) fue un éxito de ventas entre los jóvenes mujeres japonesas y pasó a convertirse en una serie de televisión.

 

Penélope Bagieu

La ilustradora francesa Pénélope Bagieu nació en 1982. En 2007, creó un webcomic, Ma vie est tout à fait fascinante, que rápidamente llamó la atención por su humor y fue publicado como novela gráfica. Éxito seguido éxito, y con Culottées (publicado en francés en 2016 y 2017, y en inglés como Brazen en 2018) ganó renombre internacional. En este libro, construye un retrato de 30 mujeres de cada continente que son la definición misma de pioneros.

 

Sheila Hicks

Nacida en 1934 en Estados Unidos, Sheila Hicks vivió y trabajó en París desde 1964. Los textiles han sido su material elegido desde finales de la década de 1950, cuando era alumna de Josef Albers. Su trabajo redefine las categorías tradicionales del arte, y se relaciona con la inteligencia y la ciencia ancestral de artesanos de todo el mundo.

 

Rosie McGuinness

Nacida en 1984, Rosie McGuinness vive y trabaja en Londres. Habiéndose formado en diseño de moda, ha trabajado en la industria y ha creado un mundo donde el dibujo de moda se encuentra con el arte contemporáneo.

 

Monique Fredman

Nacida en 1943, Monique Frydman es una artista francesa para quien “la pintura pulveriza todo para crear su propio cuerpo.” A través de esta creencia y la práctica, ha contribuido al renacimiento de la pintura abstracta.

 

SOLAIRE CULTURE EXHIBITION

Solaire Culture Exhibition comienza con un espacio centrado en Madame Clicquot, que presenta su vida y sus inventos a través de joyas históricas y de las interpretaciones artísticas de siete artistas: Yayoi Kusama, Inès Longevial, Cece Philips, Rosie McGuinness, Pénélope Bagieu, Olimpia Zagnoli y Moyoco Anno.

A continuación, los visitantes se sumergirán en 250 años de diseño e innovación con la exposición de las etiquetas más históricas y las numerosas obras de arte producidas para Veuve Clicquot por artistas y diseñadores de renombre internacional en los siglos XX y XXI, cultivando el amor por los objetos bellos. Entre ellas figuran, My Heart That Blooms in The Darkness of The Night de Yayoi Kusama, y la lámpara cometa de Tom Dixon.

Seguido de esto, podrán experimentar una inmersión en el viñedo de Veuve Clicquot y en las bodegas de tiza de Crayères para descubrir el excepcional terruño de la Maison de champán y su oficio. Las películas revelarán los secretos de la vinificación que crean el estilo inimitable de Veuve Clicquot.

Para transmitir las cualidades del amarillo solaire de la marca: su luz, su tonalidad, su fuerza, dos grandes mujeres artistas cerrarán el recorrido canalizando el sol a través de sus universos artísticos individuales. Sheila Hicks nos ofrece una escultura de hilos y tela amarilla, y Monique Frydman una pintura no sólo para mirar, sino para vivir en tres dimensiones.

Donde el cognac se une a la alta costura: MAISON HENNESSY colabora con KIM JONES

HENNESSY X.O x KIM JONES: EDICIÓN LIMITADA
En exclusiva para Hennessy X.O, Kim Jones rinde homenaje a la elaboración del cognac y la alta costura, dos procesos que tienen que ver con la comprensión de la ciencia y el mundo natural, así como con la artesanía y el savoir-faire. Sigue los pasos de un formidable linaje de grandes maestros que han contribuido a cimentar la resonancia cultural de Hennessy X.O a lo largo de los años, entre ellos Frank Gehry, Cai Guo-Qiang y Ridley Scott.

Este primer elemento de la colaboración es la versión «prêt-à-porter» Hennessy X.O Limited Edition. La botella Hennessy X.O está envuelta en una segunda piel de aluminio, cuya estructura muestra la forma característica de la botella, al tiempo que evoca una silueta alta costura. Verdadera representación de la fusión de la moda y la cultura, con la excelencia y el legado.

«Estamos encantados de embarcarnos en esta nueva odisea que combina la elaboración del cognac y la alta costura con Kim Jones, maestro creativo de nuestros tiempos», declaró Laurent Boillot, consejero delegado de Hennessy. «Inspirada en la emblemática personalidad de Hennessy X.O, Kim ha desarrollado una contemporánea colección destinada a impactar en la cultura de hoy y del futuro.»

HENNESSY X.O. MASTERPIECE: UNA PIEZA ÚNICA
El Hennessy X.O Masterpiece se inspira en la elaboración del Hennessy X.O, un arte perfeccionado por ocho generaciones de Maestros Mezcladores. Una carcasa de titanio especialmente diseñada encapsula por completo la botella como una segunda piel arquitectónica. Sus pliegues retorcidos evocan tanto la técnica de alta costura del drapeado como la forma en que, a principios del siglo XX, las botellas de Hennessy se envolvían cuidadosamente a mano en papel de seda para proteger sus frágiles etiquetas de papel pergamino. Su base, una meseta ondulada de roble, evoca las barricas utilizadas para envejecer los aguardientes que se mezclarían para crear Hennessy X.O.

Mientras la botella está totalmente oculta, el cognac puede extraerse utilizando el fusil diseñado por Kim Jones, un ritual elegante y lúdico para servir una copa. Como toque final, el propio decantador se ha bañado en colores degradados, un efecto inspirado en las tonalidades de las diferentes eaux-de-vie seleccionadas por el Maestro Mezclador para componer Hennessy X.O.

Del escultural Hennessy X.O Masterpiece sólo se han producido 200 ejemplares. El decantador demuestra cómo la humanidad y la tecnología pueden trabajar juntas para crear algo único, «como una pieza de alta costura a medida para una botella», señala el diseñador.

«Cuando vi cómo estaban envueltas las botellas vintage de Hennessy, me di
cuenta de lo valiosas que eran y de cómo se habían tratado. Me conmovió especialmente su historia y la sensación de que varias generaciones han dedicado su tiempo a mejorar cada paso del proceso. Ese mismo proceso se aplica también a la moda» comenta el diseñador Kim Jones.

HNY LOW BY KIM JONES: SNEAKERS EDICIÓN LIMITADA
Diseñada por Kim Jones y confeccionada en una fábrica de calzado propiedad de LVMH en Italia, la edición limitada HNY Low de Kim Jones se inspira en las primeras zapatillas de baloncesto. Está fabricada en piel nobuk de color cognac claro, un material que adquiere la pátina del tiempo, una referencia a las preciadas eaux-de-vie.

En contraste con la parte superior clásica, una suela técnica de caucho estriado tonal presenta una impresión de vides de cognac y el logotipo Hennessy X.O x Kim Jones en su parte inferior, mientras que las iniciales KJ y el emblema Hennessy bras armé adornan discretamente el talón.

El teatro FERNÁN GÓMEZ presenta ‘Picasso en foto’

Picasso en foto. Archivos del Museu Picasso de Barcelona es la próxima muestra que se podrá ver en la Sala de Exposiciones del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa. Una exposición que acoge los fondos del archivo fotográfico del museo que permiten acercarse a la vida y los procesos creativos del genio y que otorgan una completa y desconocida visión sobre el artista.

La muestra, que es una producción de este espacio del Área de Cultura, Deporte y Turismo del Ayuntamiento de Madrid en colaboración con La Fábrica y dentro del marco de PHotoESPAÑA 2023, se podrá ver del 29 de abril al 28 de julio de 2023 en la Sala de Exposiciones.

El proyecto está dirigido por Emmanuel Guigon, director del Museu Picasso de Barcelona. La exposición recoge una selección de la colección de fotografía de este Museo. En palabras de Guigon, esta exposición permite una aproximación a la figura de Pablo Picasso, el hombre y el artista, sus procesos de trabajo y la génesis del museo, con fotografía vernácula y de autor de grandes maestros como Lucien Clergue o David Douglas Duncan, contemporáneos y amigos del genio que le siguieron de cerca a lo largo de su carrera y su vida”.

Picasso en foto. Archivos del Museu Picasso de Barcelona se aproxima a todos los aspectos del genio a través de la obra de autores profesionales de gran importancia en la historia de la fotografía y también de imágenes vernaculares de amigos y familiares. Fotografías anónimas en ocasiones, pero que ayudan a aproximarse a Picasso desde una posición mucho más cercana y familiar. Entre las primeras la exposición incluye imágenes de los fondos de dos grandes autores de la fotografía contemporánea: Lucien Clergue y David Douglas Duncan.

El Museu Picasso de Barcelona conserva importantes archivos fotográficos que relatan la relación de Picasso con la Ciudad Condal. Los vínculos afectivos entre Picasso y Barcelona, esenciales para entender la creación del museo del que se celebra su 60 aniversario, se iniciaron en las postrimerías del siglo XIX con la llegada del artista a la ciudad en 1895, y se mantuvieron vivos hasta su muerte en 1973. Barcelona se convirtió en un nexo importante en la vida de Picasso, no solo durante su etapa de formación, sino también en su revelación como artista. El malagueño se fue definitivamente a París en abril de 1904, pero su familia y sus amigos de juventud, a través de los que hizo nuevas amistades barcelonesas, que viajaban de manera frecuente a visitarlo en sus residencias del sur de Francia, le mantuvieron unido a la capital catalana.

El Museu Picasso de Barcelona es, sin duda, el testimonio más evidente de este vínculo afectivo del artista con la ciudad. Creado por deseo expreso de Picasso, es fruto de la voluntad y la complicidad de sus amigos; en primer lugar, de su secretario personal y gran amigo Jaume Sabartés, pero también de los editores Gustau Gili, de los galeristas Joan y Miquel Gaspar y del notario Raimon Noguera. Todos ellos propiciaron, en pleno franquismo, que el sueño del artista se hiciera realidad: un museo monográfico en la ciudad a la que tanto quería.

Esta exposición presenta la versatilidad y la riqueza de usos que los fondos fotográficos de archivo poseen para generar narrativas visuales a través de diferentes soportes y formas de expresión. De esta manera, el visitante podrá explorar y apreciar las imágenes fotográficas en diferentes contextos y presentaciones artísticas como álbumes familiares, fotografías de prensa, inventarios de obras, pases de diapositivas, audiovisuales, reportajes de tipo documental y fotolibros.

Los fondos

Forman parte de esta exposición: Fondo Museu Picasso de Barcelona; Fondo Francesc Mèlich, compra 1970; Fondo Joan Vidal Ventosa, compra 1979; Fondo Jaume Sabartés, compra 2008; Fondo David Douglas Duncan, donación 2013; Fondo Gustau Gili y Anna Maria Torra, compra 2014-2018; Fondo Brigitte Baer, donación 2015; Fondo Lucien Clergue, compra 2016.

Picasso en foto. Archivos del Museu Picasso de Barcelona también da cuenta del valor de la fotografía como registro de la génesis del Museu Picasso, el único en el que el artista se involucró personalmente, viajando incluso a España para supervisar el proyecto, a pesar de que el país seguía bajo el régimen franquista. Junto con este registro del nacimiento del museo, de esa misma época, la exposición incluye fotografía vernácula de las familias que hicieron posible el nacimiento de este centro.

La muestra se desarrolla como una especia de “documento notarial” del genio en todos sus aspectos. Una oportunidad única de descubrir al artista, y también al hombre. A su vez la exposición da cuenta de la riqueza de la fotografía: como testimonio, como documento y como obra de arte. Una forma de entrar en contacto con todos los aspectos de la fotografía tomando como referencia la figura de Pablo Picasso.

Con esta íntima muestra, la programación expositiva del teatro Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa se suma a otras actividades programadas en el marco de la Celebración Picasso 1973-2023 y que se organiza con motivo del cincuenta aniversario de la muerta del artista.

AGO PROJECTS llega a Madrid

«¡Hola, Madrid!»  se ha inaugurado en España, es el primer pop-up de AGO Projects en Europa, una de las galerías más importantes de diseño y objetos coleccionables en México y Latinoamérica, liderada por los galeristas e interioristas Rodman Primack, ex director de Design Miami y Rudy Weissenberg, curador, empresario y diseñador.


AGO Projects ha participado en ferias internacionales incluyendo Design Miami y ha hecho varias pop ups en varias ciudades como Copenhagen, Paris, Nueva York, Aspen y Los Ángeles con la intención de amplificar el trabajo de los creativos que colaboran con la galería.
Este pop-up busca acercar al público Español el lenguaje lúdico y cromático que caracteriza al diseño promovido por la galería mexicana de diseño contemporáneo de ediciones limitadas con sede permanente en la Ciudad de México. A través de una curaduría específica para este evento, articulada a través del trabajo de doce diferentes creativos incluyendo fotógrafos, arquitectos, diseñadores y artistas basados en México y Los Ángeles, intenta conectar el espíritu de los materiales y procesos manuales que caracterizan a estas piezas con la sensibilidad contemporánea y el lenguaje del diseño actual. Las obras expuestas son de Chamula Hecho a Mano, Fabien Cappello, Mestiz,Mono Rojo, MT Objects, Myungjin Kim, Natalia Tannenbaum, Niños Héroes, Pedro&Juana, Yvonne Venegas, Textiles de Guatemala y RP Miller. 

¡Hola Madrid! se presenta en LaEsquina LENOM, espacio de la agencia de relaciones públicas LENOM situado en el vibrante barrio de Malasaña y estará disponible hasta el 21 de junio, buscando convertirse no sólo en punto de interés de compra sino en espacio de coincidencia entre agentes creativos de México y España.

Sevillísima Trinidad III: El Rocío; tradición, fiesta y Fe, por Manuel Lombo con fotos de Bertie Espinosa

La romería del Rocío transcurre entre los días anteriores y posteriores a la celebración de Pentecostés, siendo ésta, el eje central de todo lo que sucede en la aldea almonteña, y que trasciende a una inmensa parte de la geografía andaluza e incluso de otras comunidades autónomas. Reza la sevillana: “la Virgen del Rocío no es obra humana, que bajo de los cielos, una mañana”. Ciertamente se desconoce la autoría de la imagen, así como su procedencia. Según cuenta la leyenda piadosa, la imagen se le aparece en el hueco de un acebuche a un cazador. Este suceso podría estar perfectamente sustentado puesto que durante la invasión árabe, infinidad de imágenes fueron escondidas para evitar su destrucción apareciendo posteriormente en lugares poco frecuentados, como cuevas, grutas o malezas de bosques.

La romería del Rocío tiene muchísima enjundia histórica en la que por razones evidentes, no vamos a profundizar. Me limitaré a hacer una breve semblanza de su celebración en la actualidad.

El Rocío tiene 124 hermandades filiales que peregrinan hasta la aldea durante la romería. Cada una posee su “Simpecao”, -así se denomina al estandarte y que porta una pequeña imagen a semejanza de la virgen-, que normalmente llega hasta El Rocío, en una carreta de material noble tirada, por bueyes o mulos, dependiendo del estilo, la historia o la tradición de cada una de las hermandades. Según este tipo de características también acompañan a cada una de éstas, carros o carretas. El discurrir hasta la aldea, se realiza en diferentes jornadas, haciendo estos días el llamado “camino”, a caballo a pie en vehículos de tracción motora o animal, carreta o carriolas. El asunto de la orgánica no es cosa fácil y tendríamos que desarrollar toda una tesis de cómo se prepara una familia o reunión (grupo de amigos) para llevar a cabo estos días de convivencia donde se hace vida en plena naturaleza.

Existe mucha polémica en cuanto a la mezcla de fiesta y culto que existe en esta romería. Particularmente no entiendo lo uno sin lo otro, puesto que nuestro sentir popular hace una comunión perfecta entre estos dos aspectos. Sería inconcebible la celebración de un Pentecostés en torno a la Virgen sin la letra de sus cantes, sin el acompañamiento del baile, las palmas y la alegría que de forma generalizada se experimenta durante estos días.

¡Oh Sacra Virgen! Revestida del más puro blanco, abre las doradas puertas del cielo, y surge; despierta al alba que duerme en el cielo; deja a la luz surgir de las cámaras del este, y traer el rocío de miel que llega con el día que despierta A la mañana,

William Blake

Al igual que en Semana Santa y Feria la estética, forma una parte muy importante en la romería del Rocío. Cualquier modo de transporte se engalana de manera única. Póngase como ejemplo las carretas de la Hermandad de Triana, pionera en la historia por haber introducido el traje de flamenca en esta romería, así como un estilo propio en el estilismo de sus mujeres y caballistas.

Una vez llegados a El Rocío, las hermandades poseen sus casas en propiedad o terrenos donde se continúa una convivencia fraternal, diría que única, puesto que se da de comer al hambriento y de beber al sediento, así como se refleja en la sagradas escrituras, sin ni siquiera conocer a la persona que de uno requiere la bebida o el alimento. De igual manera sucede en las casas particulares donde se viven jornadas de puertas abiertas en las que no cesa la celebración a través del cante, el baile y la alegría.

Todos, esperando la procesión de la Virgen del Rocío, a la que precede una serie de actos, como son la presentación de las hermandades, la misa pontifical en las inmediaciones del Santuario o el rosario de las hermandades que anuncia la inmediata salida de la Virgen. Un momento de emoción desbordada en la que los hombres de Almonte realizan el ya tradicional salto de la reja para proceder a la procesión que llevará a la Blanca Paloma a cada una de las 124 hermandades filiales, que la honrarán con el rezo de la salve.

Una vez concluida la procesión, las hermandades vuelven a sus pueblos y ciudades, por los caminos que hay que las han traído a celebrar, para algunos, los días más maravillosos del año.

Despierten y canten, ustedes que habitan el polvo,

pues su rocio es como el rocio de la luz

y la tierra dará vida a las tinieblas

(Isaias 26:19)