Cócteles y «excusas» para celebrar en Ginkgo Garden el Día Mundial de Bartender

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La mixología no es una ciencia exacta, aunque la ciencia ha puesto lo suyo para lograr los cócteles más atrevidos. La mixología es un arte y el bartender el artista que ejecuta. Un buen cóctel es capaz de lograr sensaciones y emociones; de trasladarnos a lugares y recuerdos con un simple sorbo. En Ginkgo Garden saben muy bien la clave. Su coctelería da riendas sueltas al gusto y te hace  viajar, sin moverte de su jardín secreto en el centro de Madrid. La esencia cosmopolita en cada trago se une a la ilusión de quién lo crea y al placer de quién lo disfruta.

Este 26 de febrero se celebra el Día Mundial del Bartender (en esa fecha pero del año 1951 se consolidaba la I.B.A. International Bartenders Association) y no hay mejor manera de celebrarlo  que con un buen cóctel en la mano, en ese lugar donde el  disfrute esté rodeado de un ambiente inmejorable.

Nuestra propuesta: Ginkgo Garden, en el número 6 de la calle Gil de Santivañes, junto calle Serrano y la Puerta de Alcalá. Un jardín secreto y exclusivo, con una coctelería de lujo, ideal para que este viernes sea más viernes en honor a todos los bartenders del mundo. Aquí te dejamos algunas sugerencias:

GINKGO COCKTAIL. -Ginebra Bombay Sapphire, hojas de shiso y citronela, fino de Jerez, tónica de pimienta rosa

El Ginkgo Cócktail no defrauda nunca, quizás porque es una explosión de frescura, gracias la tónica de pimienta rosa y a las hojas de Shiso, esa planta que se torna imprescindible en la cocina asiática y que físicamente, sus hojas parecer ser una mezcla entre la menta y la ortiga. Para los que aman la gienbra o el buen gin-tonic, amarán más a los bartender al probar este cóctel.

Para los más divertidos y esta vez como resultado de la mezcla mediterránea con un toque nipón llega Melón Japón, una combinación de Vodka Grey Goose, Midori (un famoso preparado japonés de licor de melón), matcha, citronela, y con un toque más que dulce y divertido: algodón de azúcar y petazetas de frambuesa.

BLUE PANDA COLADA. – Ron Bacardi Carta Blanca, Pandam (hoja asiática con notas de frutos secos y vainilla), curaçao blue, coco, piña y limón.

MELÓN JAPÓN.- Vodka Grey Goose, Midori (licor de melón), matcha, citronela, limón, algodón de azúcar y peta-zeta de frambuesa.

El arte se une al wellness con Technogym y Patricia Urquiola

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TECHNOGYM, el brand líder mundial en productos de diseño y tecnologías digitales para el fitness y el deporte – presenta en ARCO Madrid, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, un concepto artístico dedicado al Wellness, el movimiento y el deporte, diseñado por Patricia Urquiola. El espacio, situado en el ARCO GUEST Lounge, ha sido creado en colaboración con la arquitecta Patricia Urquiola como una exposición para transmitir los valores del wellness y la salud a través de un dinamismo bien ordenado. Patricia, interpreta la zona subvirtiendo el espacio, intencionadamente cambiante y asimétrico, pero al mismo tiempo armónico y en constante evolución según el estilo de vida de las personas.

Urquiola traduce la misión de Technogym -Let’s Move for a Better World – haciendo énfasis en el movimiento y la interacción. El escenario del espacio está dividido por pantallas amarillas traslúcidas que configuran una nueva escenografía y confiere a la zona ritmo, y una mayor sensación de movimiento. El stand está completamente revestido por una alfombra amarilla sin costuras que cubre tanto las paredes como el suelo, creando un entorno muy atractivo. Una caja amarilla, el color distintivo de Technogym.

Al entrar en el espacio, los visitantes se desplazan siguiendo un recorrido para descubrir las zonas donde están colocados los equipos Technogym, pero en realidad, todo desaparece y reaparece detrás de las pantallas amarillas en forma de zigzag. Al hacerlo, se produce una conversión: la atención no se centra en los productos, sino en el propio movimiento, que se hace necesario para descubrir las distintas zonas del stand. El montaje presta gran atención a la circularidad y la sostenibilidad gracias al uso de paneles impresos en 3D de Nagami, fabricados íntegramente con plástico reciclado. Technogym ha transformado el enfoque hedonista del fitness en el concepto más amplio de wellness, un verdadero estilo de vida que incluye ejercicio regular, una dieta equilibrada y un enfoque mental positivo. Promoviendo el Wellness como una experiencia holística completa que incluye el entrenamiento, pero también los espacios, el diseño, el arte y la conectividad. Con la innovación,
el diseño y la tecnología como parte de su ADN, Technogym se centra en productos de wellness con un amplio espectro de formas elegantes y funcionales, calidad superior, accesorios de última generación y tecnología de entrenamiento totalmente nueva.

Los productos expuestos en ARCO son parte de la Personal Line, una fusión mágica entre el deporte y el diseño, combinada con el estilo del mundialmente aclamado diseñador Antonio Citterio y la experiencia de Technogym en el mundo del fitness y el deporte, como Proveedor Oficial de los últimos 8 Juegos Olímpicos.

Junto a la biomecánica y las tecnologías digitales de vanguardia, los equipos Personal Line se fabrican con materiales refinados y artesanía de alto nivel. Están concebidos para colocarse, como hermosas piezas de mobiliario, en los espacios más bonitos de los hogares. Entre los productos expuestos en ARCO se encuentran los equipos de fitness más emblemáticos: la cinta de correr Run Personal, la elíptica Cross Personal y Kinesis, el equipamiento multifuncional de Technogym, que ofrece más de 200 posibilidades de ejercicio en menos de un metro cuadrado, para entrenar la fuerza, el equilibrio y la flexibilidad.

 

«El enfoque hacia el wellness y la sostenibilidad medioambiental, parte del ADN de Technogym, se ha maximizado en este stand. El objetivo del proyecto era crear un espacio que resaltara la importancia del movimiento y la interacción a través de la exposición de los icónicos equipos de fitness de Technogym. Con esta idea en mente, decidimos subvertir el espacio y utilizar pantallas translúcidas amarillas de plástico reciclado para configurar una nueva escenografía, dotando al área de ritmo y mayor sensación de movimiento».
Patricia Urquiola.

Entrevista con la médico de urgencias que receta amor

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La doctora Carmen S. Alegría integra la medicina occidental con disciplinas alternativas, creando algo único y de eficacia verificada por su trabajo, atrayendo al gran público desde la autoayuda. ¿Qué es el amor? Contestar a esta pregunta es difícil, pero cuando uno es capaz de sentirlo plenamente, el mundo cambia. De hecho, nuestro organismo experimenta los primeros signos de la transformación gracias a las sustancias que inundan el torrente sanguíneo. La práctica del amor y la compasión altera la estructura del cerebro. Cambian nuestros pensamientos y comienza a ser diferente la forma de relacionarnos con nosotros mismos, con los demás y con el mundo. En este libro, la doctora Carmen Sánchez Alegría nos explica cómo conectar con esa energía transformadora para vivir más sanos y felices. Y por supuesto, cómo conseguir que las medicinas sean más útiles y eficaces, para nosotros, para nuestros seres queridos, o para cualquier persona que las necesite.

La doctora Carmen Sánchez Alegría lleva treinta años dedicándose a la medicina de urgencias. Siempre quiso ser médico. Soñaba con ello desde los cuatro años, pero cuando comenzó a ejercer su profesión, enseguida se dio cuenta de que todo lo que había estudiado se quedaba muy corto a la hora de comprender el concepto de la verdadera sanación. Por ello, además de medicina, estudió programación neurolingüística, mindfulness, inteligencia emocional y otras tantas materias que la ayudaron a comprender el proceso de superación de la enfermedad

¿Ser médico de urgencias es una vocación?

Estudiar la carrera de Medicina es cuestión de echar muchas horas de estudio, pero ser médico es sobre todo vocación. Elegir las urgencias es un reto añadido a la vocación para quienes nos gusta el contacto directo con el que sufre.

¿El amor tiene cabida en una urgencia?

El amor tiene cabida en cualquier rincón de un hospital, un centro de salud, una ambulancia o en cualquier lugar donde un médico esté prestando su servicio. Hace poco, una de las trabajadoras de la lavandería del hospital, me comentó que pone amor en los pijamas que después llegan a los pacientes en planta. Me pareció una forma estupenda de contribuir a la mejoría.

¿Qué es el amor?

Es una emoción sanadora. Es la vibración más elevada del ser humano. Es el antídoto del miedo. Sin amor no se puede vivir.

¿Cómo receta amor a sus pacientes?

Llamándolos por su nombre, escuchando con empatía, dejando espacio para que expresen sus miedos y necesidades y sobre todo, imaginando que quien está frente a mí al otro lado de la mesa o tumbado en la camilla se trata de un ser querido. Muchas veces les presto mi hombro para que lloren y lo mejor de todo es que cuando les doy un abrazo, quién más se carga las pilas soy yo misma.

¿Cómo son más efectivas las medicinas?

Las administradas con amor. Cualquier terapia o fármaco que se da con amor aumenta su eficacia. El paciente que se siente querido tiene una evolución más favorable. El amor disminuye el dolor, tanto el físico como el emocional.

¿Cúal es esa anergia sanadora que todos llevamos dentro?

Amor. El amor cura. Desde el amor es mucho más sencillo encontrar el resto de respuestas. No es lo mismo afrontar una enfermedad desde la incertidumbre y el miedo que desde la aceptación y la confianza.

¿Qué es lo más difícil de estar en urgencias?

Lidiar día a día con el dolor. Aceptar que la muerte forma parte de la vida.

¿Qué le llevó a escribir este libro?

Cuando comencé a ejercer mi profesión hace más de 30 años, todo lo aprendido en la facultad se quedaba muy corto. Una cosa es hacer diagnósticos y recetar fármacos y otra, muy distinta, entender que además de un cuerpo físico, somos pensamientos, emociones, anhelos… Mis mejores maestros han sido mis pacientes.

Charlando sobre arte con Carmen Ballesta, fundadora de Obilum Art

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Carmen Ballesta es fundadora y responsable de desarrollo de negocio en Obilum Art, plataforma comercializadora de NFTs de arte, que forma parte de ioBuilders. Carmen cuenta con una amplia experiencia tanto en el mundo corporativo como del arte. Comenzó su carrera profesional en Londres, donde desarrolló su vida laboral durante casi 5 años en Goldman Sachs, en el departamento de legal trading de derivados financieros.

Posteriormente, en 2021 comenzó su andadura en American Express, donde trabajó en la Unidad de Inteligencia Financiera – Proyecto de Tokens No Fungibles. Tras un año y medio, Carmen empezó a formar parte de ioBuilders, en el desarrollo del negocio de NFTs y la asesoría legal. Aquí, gracias a su especialización en arte digital y blockchain, desarrolla su carrera actualmente, siendo a la vez socia de la consultora de arte new media, TAC7. Respecto a su recorrido académico, se graduó en Derecho por la Universidad de Sevilla en 2016, etapa en la que el tercer curso lo estudió en la Universidad de Liverpool. Posteriormente, cursó estudios de historia del arte en el Instituto de Arte de Sotheby’s. Ligado a ello, Carmen cuenta con diversas certificaciones, entre las que se encuentra la de Experta en NFT, por la Blockchain Council.

¿Cuáles son sus primeros recuerdos del arte?

Mi abuela era coleccionista de arte y antigüedades y desde pequeña, en casa de mis abuelos, me pasaba horas mirando y jugando con todos sus “objetos”. Por aquel entonces yo no entendía muy bien qué eran, pero me encantaba observarlos. Fue en el colegio cuando empecé a estudiar la asignatura de Historia del Arte, y ahí, entendí de forma clara que esa había sido, y sería, siempre mi pasión: el arte.

 

¿Qué no compraría nunca?

Una obra de arte digital que no sea un NFT, ya que sin valerse de la tecnología blockchain, registrar la propiedad es prácticamente imposible.

 

¿Cuál es su artista favorito?

Es sin duda la pregunta más complicada de todas, me resulta imposible quedarme solo con uno. Pero te diría que Bartolomé Esteban Murillo, pintor barroco y Sevillano, como yo, ya que fue el primero que hizo realmente que entrase en otra dimensión a través de su pintura, un clásico.

 

¿Qué es Obilum?

Es una plataforma de arte digital que se asocia con artistas, galerías e instituciones para crear un canal único de arte a través de NFTs sostenibles. Es, en esencia, una plataforma que expone y vende obras de arte digitales de artistas nacionales e internacionales y que, además, no elimina a todos los intermediarios, sino que apuesta por la colaboración con comisarios, artistas y galeristas para garantizar la calidad de las obras en ella expuestas.

 

¿Cuándo se lanzó a fundar Oblium?

Hace más de un año que la idea ronda mi cabeza, porque la gente me preguntaba y me pedía consejos sobre qué obras de arte digitales, como NFTs, podía comprar. Pese a que ya había varias plataformas, ninguna de ellas estaba comisariada por expertos en la materia, resultando muy difícil saber qué comprar, sin haber hecho un trabajo de investigación previo y demasiado denso. Ahí vi clara la necesidad de hacer una plataforma de arte digital, donde todo lo que se vendiese estuviera comisariado y contrastado por expertos. Tras empezar mi andadura en ioBuilders como desarrolladora de negocio de NFTs, todo cobró sentido, y con el apoyo de un gran equipo detrás empezamos a crear y desarrollar la idea de una plataforma de NFTs exclusivamente para arte digital comisariado.

 

¿Podría existir un mundo si arte?

Lo dudo mucho, el arte es una de las primeras expresiones que se conservan de la humanidad. El ser humano ha encontrado formas de crear y apreciar la belleza de una forma u otra desde la prehistoria, y es muy necesario para expresar aquello que con palabras no somos capaces. Además, los artistas reflejan en sus obras no solo su mundo interior, sino el reflejo de la sociedad de su tiempo, de ahí que la historia del arte nos sirva para conocer quiénes fuimos en el pasado, presente y quién seremos en el futuro.

 

¿Cuáles son sus retos con Oblium?

Yo creo que el principal reto es que las personas interioricen el concepto de propiedad digital, que hasta la llegada de la blockchain era impensable, ya que el internet ha sido siempre una gigantesca máquina de copiar, nada tenía titularidad y todo se financiaba a través de la publicidad. La blockchain y los tokens llegan para cambiar este concepto y dar escasez a los activos digitales diferenciando entre originales y copias.

 

¿A dónde quiere llegar?

Queremos hacer que el arte sea cada vez más accesible para un público más amplio al proporcionar un espacio para que los artistas expongan y vendan su trabajo, y también para que los entusiastas del arte descubran y coleccionen nuevas piezas. Además, nos proponemos acercar y enseñar a la sociedad a valorar el arte digital y su funcionamiento a través de los tokens no fungibles, como nueva corriente artística.

 

¿Qué aporta al arte Obilum?

Podríamos distinguir varios puntos. En primer lugar, creo que da una mayor visibilidad y accesibilidad a los artistas y a su trabajo, y asimismo facilita a los coleccionistas que descubran nuevas piezas y puedan comprarlas. Además, aporta un control de calidad y comisariado, ya que las obras seleccionadas siempre cumplen unos criterios impuestos de calidad y relevancia, lo que aporta mucha confianza al mundo del arte y, sobre todo, a los coleccionistas e inversores.  Adicionalmente, diría que Obilum Art también ayuda a crear comunidad, con valores comunes, ayudando a establecer contacto entre artistas y coleccionistas.

 

¿A qué ferias de arte va?

A todas las que puedo. Siempre se aprende algo nuevo y además es muy importante para ver las tendencias de cada año y hacerse una visión personal y general del mercado del arte.

 

¿Qué museos visita con frecuencia?

Formo parte de la Fundación Amigos del Museo del Prado. Para mí el Prado es como un templo, voy mucho y a veces cuando tengo tiempo, aunque sea media hora libre en el día, entro solo para ver una obra y me voy. Me sirve para desconectar, meditar e incluso para volver a conectar y buscar inspiración para proyectos. Me resulta muy importante volver la vista atrás a los clásicos para poder mirar hacia adelante con más fuerza y determinación.

 

¿Qué opina del metaverso?

El metaverso está aquí para quedarse y creo que será el nuevo internet. Pienso firmemente que no nos quitará nuestro “mundo real”, pero será un complemento perfecto a él. Como ahora vivimos pegados a los móviles y conectados, creo que, en un futuro no muy lejano, todos tendremos gafas y entraremos en el metaverso para informarnos y conectarnos. Será como internet, pero con una experiencia mucho más avanzada, inmersiva y real.

 

 ¿Hay algo más que me quiera contar que no me haya contado?

Animo a todo el mundo a investigar y comprender el arte digital de hoy ya que es el primer paso para descubrir el mundo del mañana. En este sentido, nos encontramos en un momento extraordinario, presenciando con nuestros propios ojos muchos cambios, un nuevo renacimiento.

Abre sus puertas el restaurante Brabo en Barcelona

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BRABO, el siguiente proyecto de emprendimiento de los chefs Rafa Panatieri y Jorge Sastre, abre sus puertas en Carrer de Sèneca 28, a escasos metros de Diagonal y Paseo de Gràcia de la ciudad de Barcelona.

Rafa y Jorge, con 35 y 27 años respectivamente, presentan su nueva propuesta gastronómica tras su apertura hace 3 años de sus reconocidas pizzerías Sartoria Panatieri. Ambos chefs se conocieron en las cocinas del Hotel Omm dirigido por los hermanos Roca. Tras años en cocinas de prestigio como Echaurren o Celler de Can Roca, escogen, de nuevo, Barcelona como destino para inaugurar BRABO.

La idea de Jorge y Rafa es la de fusionar un restaurante de alta gastronomía con un asador moderno enfocado en el producto. Un santuario del fuego en pleno centro de Barcelona donde la brasa predomina por encima de todo.

Cocina enfocada en la parrilla

 Por ello, la propuesta de Brabo consta de una carta breve formada por 15 platos en total, dividida en entrantes como los cogollos a la brasa con picada de frutos secos o la cazuela de setas y huevo de corral, platos principales como el chuletón de vaca frisona o la paletilla de cordero lechal lacada en su jugo, acompañamientos como aligot con queso Puig Pedròs o ensalada de hojas de temporada con cebolla tierna y postres como churros con chocolate. Los chefs elaborarán varios platos especiales disponibles cada día y que cambiarán semanalmente, al igual que los platos de la carta principal.

La base de la cocina de Brabo es la de toda la vida, usando técnicas tradicionales. La parrilla llena de brasas donde usan leña (encina, haya, olivo) y carbón, escenario principal del restaurante, es de donde salen todos los platos: carnes, pescados y verduras.

Tanto el producto como las opciones de acompañamiento y las guarniciones son tratados de manera sencilla manteniendo el sabor, textura y su propia forma.

 

Maduraciones, brasa y encurtidos

En la carta de Brabo destacan diferentes técnicas: hay presencia de curados, como el lomo de vaca vieja frisona, se aplica la brasa en productos como la calabaza y los platos se completan con fermentados, encurtidos y fondos muy trabajados.

Brabo se rige por la temporalidad, por el pescado del día, por la carne de alta calidad de proveedores de confianza. Diferentes opciones de carne, pescados para compartir y una diversidad amplia de platos de verduras a la brasa. El 70% de referencias de la carta se elaboran a la brasa.

El ticket medio rondará entre 50 y 60 euros para los 4 platos principales que se recomiendan compartir entre 2 personas.

La propuesta líquida de Brabo

Los chefs también apuestan por una carta líquida enfocada en pequeños productores y una producción muy limitada. Para su dirección cuentan con el sumiller y responsable de sala, Mihai Toma, con una larga trayectoria en alta gastronomía.

Mihai propone una carta corta – en las que más de la mitad de referencias provienen de pequeños productores y variedades raras – con la puesta en valor del entorno a través del trabajo de la viña y del cultivo de la uva.

El sumiller plantea el origen, la cultura y el placer como fundamentos de una carta que irá adaptándose a las temporadas al igual que hacen los ingredientes que se usan en el restaurante.

El espacio de Brabo

 

El espacio situado en Sèneca, 28, a escasos metros de Diagonal y Paseo de Gràcia, cuenta con cocina, parrilla y bodega vista y tiene capacidad para 40 comensales. Se trata de un local /espacio a pie de calle de 130 metros cuadrados cuya reforma ha sido dirigida por Antonio Spalleta Arquitecto en la que se han respetado algunos elementos del antiguo local, como las columnas, escaleras y las paredes de ladrillo visto.

El gris carbón, el verde y el negro serán los colores protagonistas del espacio, una gama que contrasta con la luz que entra por los ventanales de la fachada del restaurante.

En la sala, se podrá presenciar el ritmo del fuego desde todas las mesas del espacio mientras se descubre la propuesta de Brabo.

En el piso superior, se encuentra una sala privada que funcionará como reservado y estará disponible para todos los clientes que quieran vivir su experiencia gastronómica en ese espacio, disponible para 16 personas máximo.

¿Dónde está?
¿Cuándo abrirá?
10 de enero 2023
Brabo en RRSS
@brabo_restaurante
@rafapanatieri
@jorgesastree
 Horario
Domingo y lunes
Cerrado
Martes a sábado
13:00h – 15:30h
20:00h a 23:00h
Teléfono
93 124 77 45
Web 

Encuentro con Mario Vargas Llosa en torno a Flaubert en el Instituto Francés

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El escritor y premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa, participó en el encuentro literario “París, Flaubert y el Escribidor” organizado  el martes 13 de diciembre de 2022 en el Institut français de Madrid. Conversó con la periodista franco-griega, Marie-Madeleine Rigopoulos, también directora artística del Festival del Libro de París desde septiembre de 2021.

MARIEMADELEINE RIGOPOULOS

La periodista Marie Madeleine Rigopoulos, foto Cortesía del Institut français de Madrid

Marie-Madeleine Rigopoulos fue la encargada de conducir la conversación con Mario Vargas Llosa. Le preguntó lo que le une a Francia y a la literatura y a ese territorio universal. “Nadie mejor que usted se ha merecido el título de ciudadano del mundo. Usted es un escritor francés por alianza. Me gustaría remontar en el tiempo, antes de que viniera a instalarse con 22 años a París. ¿Cuándo usted se dio cuenta del poder de la literatura, del poder de la lectura? Siendo muy joven, tuvo este flechazo interior, este enamoramiento con el poder de la literatura: ¿Cuándo se dio cuenta de que la literatura iba a cambiar el curso de su vida?”

MARIO VARGAS LLOSA Y MARIE MADELEINE RIGOPOULOS

Un momento del encuentro / Cortesía del Institut français de Madrid

Mario Vargas Llosa explicó que “Era peruano. En aquel entonces, Perú era un país pequeño, no había editoriales. Había librerías, pero pocas, y por otra parte, nos preguntábamos ¿por qué convertirse en un escritor en un país como Perú? Era difícil. Tenía mucha ilusión con mi vocación literaria, pero el país no estimulaba esas ideas. Entonces, tenían muchas dudas, pero lo que sabía es que iba a ser diferente en París. Tuve una beca para hacer un doctorado en Madrid, pero al terminar el año, fui directamente a París. El mismo día que llegué, al Quartier Latin, me encontré una librería abierta hasta media noche que se llamaba La joie de lire (la alegría de leer) y compré un ejemplar de Madame Bovary. Lo leí y me quedé completamente trastornado. Descubrí, a través de Flaubert, la gran literatura, la revolución literaria, y pasé de la noche leyendo este libre excepcional que, para mí, tuvo un efecto extraordinario. Me convenció de que la literatura era el oficio ideal para un joven como yo era en la época y que a través de la literatura se podía cambiar la vida. El descubrimiento de Flaubert fue extraordinario. Me convenció de que la literatura era un oficio responsable, lo que descubrí luego, es que Flaubert no tuvo muchas facilidades con su familia; su padre no creía que podría dedicarse totalmente a la literatura. No le gustaba esa idea”.

“La literatura es un acto de rebelión” afirmó Marie-Madeleine. “A sus padres tampoco les gustó la idea de que se interesara por la poesía. Lo veían como una actividad que no era sana. Pero fue cuando usted estuvo en la academia militar cuando desarrolló la escritura, el gusto por la transgresión.”

“Flaubert se inventó que tenía una enfermedad para poner a su padre en una situación límite y hacer que no tuviera otra opción que ayudarle” continuó Mario Vargas Llosa. “Hay un debate abierto entre los médicos y los críticos literarios sobre la enfermedad de Flaubert. Yo creo que se la inventó. Es una enfermedad misteriosa, estaba en el campo, solo, y de repente se desmayó. Y vio como montañas de fuego, y se despertó de pronto y las montañas de fuego todavía estaban allí. Tuvo mucho miedo y fue hacia su padre. Su pade, que era médico, pensó que estaba loco, y decidió que una profesión liberal no era para su hijo. Dejó a su hijo en su casa de campo y durante 5 años, Flaubert trabajó 12 horas al día escribiendo Madame Bovary. Es el libro que cambió la literatura, no sólo en Francia sino también en Europa y en el mundo entero. Y eso no es sólo por la escritura muy pulida, muy exacta, que no se encontraba en la literatura de la época, sino también porque inventó un narrador. Creo que es el gran invento de Flaubert. Descubrió que el narrador podía ser invisible, desaparecer y estar como una visión con ojos que miraban una escena y que no ejercía ninguna coacción sobre el personaje. Sencillamente miraba al personaje de una forma libre. El narrador, en estas condiciones, es la primera vez que aparece en la literatura.”

“Yo estaba muy confuso sobre mi vocación” recalcó. “Siendo peruano, sabía que mis libros no podían alcanzar el mismo público que un escritor francés, o inglés, pero leyendo a Madame Bovary, me convencí de que la literatura era la mejor vocación del mundo y que se podía cambiar la sociedad escribiendo novelas”.

 

La moda sostenible y la artesanía en su lucha por la preservación los oficios ancestrales

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Tomás Alía y Moisés Nieto suman esfuerzos en el Primer Encuentro de Moda y Artesanía para concienciar sobre la necesidad de preservar el conocimiento ancestral de los oficios y de vincular la artesanía con el mundo del diseño, la decoración y la moda.

Mª Carmen Lopez en su taller de Acebo (Caceres)

La moda sostenible (o ética) causa furor en las capitales de todo el planeta, pero también en la provincia de Cáceres. Y es que está implicada en la reducción de las emisiones de CO2, pero también en la sobreproducción de prendas, la acumulación de residuos textiles, el apoyo a la biodiversidad y el fomento de condiciones laborales justas, y sino que también contempla la artesanía como medio para ofrecer un trabajo más respetuoso con el medio ambiente y las comunidades rurales.

Para apoyar este último punto e impulsar la colaboración entre artesanos del medio rural y diseñadores e interioristas de la talla de Alía y Nieto, la Red Española de Desarrollo Rural (REDR) y Redeia (antes Grupo Red Eléctrica) han montado el Primer Encuentro de Moda y Artesanía en San Martín de Trevejo (Cáceres).

Y es que es tiempo de concienciar a los consumidores de los beneficios de adquirir prendas, muebles y objetos hechos a mano, realizados en España, de mejor calidad y durabilidad. Porque además de beneficiar al planeta, es un lujo en estado puro ya que una de las prerrogativas de los objetos de lujo es el savoir-faire artesanal que los hace posible.

Además, los oficios artesanos son el revulsivo para frenar la despoblación y diversificar la actividad económica del medio rural. Gracias a ellos los turistas se sentirán atraídos por tierras tan generosas gastronómica, arquitectónica y artesanalmente hablando como Extremadura, pero también los diseñadores de nuestro país tendrán un referente para encontrar proveedores únicos entre los artesanos de oficios ancestrales, que es justamente lo que pretende el proyecto Oficios en REDR.

De hecho, algunos de los diseñadores españoles más emblemáticos llevan años practicando la moda ética, como Moisés Nieto, quien, además de utilizar complementos artesanales en sus colecciones, ha impulsado una plataforma de mujeres artesanas, La Hacería, para poner en contacto a diseñadores y artesanos.

Y como no hay nada mejor que personalizar una iniciativa, y para emprender el recorrido por El sendero de los oficios, que comienza en San Martín de Trevejo, los organizadores han elegido a dos figuras del diseño y de la moda de gran relevancia, comprometidos de pies a cabeza, como son Tomás Alía y Moisés Nieto.

La moda sostenible recurre al trabajo artesanal tanto como el interiorismo, la decoración y la arquitectura. De ello sabe mucho el interiorista y fundador del Estudio Caramba Tomás Alía. Considerado el arquitecto de la luz, este lagarterano universal es embajador de Michelangelo Foundation en España, fundación con sede en Ginebra y creada por el dúo de Richemont -Johann Rupert y Franco Cologni- en 2016, que se dedica a proteger la excelencia artesana europea.

Moisés Nieto y Tomás Alía, que han moderado este este Encuentro, han coincidido en la necesidad de formar a los aprendices para que el conocimiento ancestral de los oficios no se pierda, pero también en lo importante que es vincular la artesanía con el mundo del diseño, la decoración y la moda. Un tándem perfecto del que nacerán creaciones cien por cien Made in Spain y únicas.

Isabel Alvarez en su taller de Mazcuerras (Cantabria)

Con ellos como maestros de ceremonia, acompañados de Isabel Álvarez, la única artesana en el mundo que realiza bolsos, complementos, muebles y objetos de decoración utilizando piel, con pelo, de la vaca tudanca, nos adentramos en el a veces olvidado universo de los oficios artesanos que se practican en nuestro país, concretamente en la provincia de Cáceres.

Antonio Moreno. Alfarero Tinajero. Torrejoncillo (Cáceres)

Durante la experiencia conocemos a Antonio Moreno, tinajero de Torrejoncillo, con más de diez generaciones de tradición alfarera a sus espaldas, y a María José González, la única artesana en el mundo que realiza la Gorra de Montehermoseña con la que salían al campo y se tocaban para las fiestas las vecinas de esta localidad que además fue elegida para ilustrar una exposición con motivo de su 30 aniversario de la revista Vogue en 2018.

Loyos Piel (Villamiel-Cáceres) Mariangeles Hoyos y su hijo Marcos Lopez.

Visitamos el taller de Alejandro Roso, zapatero de Torrejoncillo que trabaja para grandes y conocidas firmas del calzado; a Mª Ángeles Hoyos y Marcos López (madre e hijo), vecinos de Villamiel y artesanos de primera y segunda generación, respectivamente, que comercializan sus productos en ferias y a través de su página web; a Mª del Carmen López Casillas, natural de Acebo y única gran maestra del encaje de bolillos que queda en España y a Rocío Bueso, vecina de Moraleja y especializada en el picado de faldas extremeñas como lo hacían sus antepasadas, con brasas de carbón. Si bien es cierto que la labor de Alía y Nieto -así como de todas las instituciones que avalan este proyecto de desarrollo rural- son la clave del éxito de esta misión, no menos importante es nuestro papel en el consumo responsable de productos de moda y diseño.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Flamenco de Leones: la vuelta de los cafés cantantes

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Las órdenes eran claras. Bajo ningún concepto se tolerarían «canciones obscenas, bailes lascivos o cualquier otro acto contrario a la moral», rezaba la Real Orden del 12 de marzo de 1900. Su objetivo no era otro que acabar con los cafés cantantes, los locales de ocio nocturno tan populares en el siglo XIX, donde se complementaba el servicio propio de un café con espectáculos de cante y baile flamenco, cuya tradición se remontaba mucho tiempo atrás.

Hoy, ciento veintidós años después, llega al corazón de Madrid Flamenco de Leones, un concepto innovador que nace de la visión del empresario madrileño Jorge Llovet para reinventar la experiencia del flamenco en pleno siglo XXI.

“Se trata de un proyecto formidable fruto del trabajo de muchos años visitando los mejores espectáculos, cabarets y tablaos flamencos del mundo. Es un concepto innovador, un viaje por Andalucía, cuna del flamenco; y también un museo contemporáneo que no dejará indiferente, pero sobre todo, a los amantes de este arte”, afirma Jorge Llovet, impulsor de la Puerta de Alcalá como distrito de ocio premium desde 1996, año en el que inicio su andadura en el icónico Bar Independencia.

Flamenco de Leones es también una oda al legado andalusí, y así lo reflejan los materiales y los detalles que forman parte del tablao, desde los azulejos hasta los muxarabis traídos desde el mismo Fez. Las obras al óleo del artista Iván Floro, con un marcado estilo costumbrista que bebe de las obras flamencas de John Singer y Joaquín Sorolla, fascinan al visitante desde la misma entrada a este extraordinario palacete flamenco.

El prestigioso estudio de arquitectura e interiorismo Jouin Manku, creadores de espacios tan emblemáticos como como el hotel La Mamounia o el bar del hotel Plaza Athénée de París, firma un proyecto que está destinado a convertirse en el tablao más famoso, imponente y sensacional del mundo.

Crónica flamenca

Bajo la dirección artística de Jonatan Miró (con tan solo 18 años ya formaba parte del Ballet Nacional de España) Flamenco de Leones acoge un exclusivo espectáculo que rinde homenaje a la historia del flamenco como eje central. Su puesta en escena es auténtica, celebrando el flamenco tradicional con un toque contemporáneo que hará emocionarse al público. Un elenco de primeras figuras del flamenco, harán sentir a los asistentes la fuerza, la belleza y la magia de este arte legendario, en un show que quedará grabado en su memoria para siempre.

Un viaje por la gastronomía española

Flamenco de Leones es un viaje por España a través de lo mejor de nuestra gastronomía, proponiendo un recorrido por las mejores tapas y platos, desarrollados con materia prima de máxima calidad donde no podía faltar el jamón ibérico 5J de edición limitada. Esta nueva apuesta nace de la búsqueda constante por la excelencia, la materia prima de máxima calidad y el deseo de elevar el ‘Made In Spain’ a niveles de alta costura, proponiendo desde el corazón de Madrid, la emblemática Puerta de Alcalá, una experiencia inmejorable que aúna arte, historia y flamenco, con una sorprendente propuesta gastronómica.

La cantaora Charo Pantoja

«Las reglas del juego de la vida» EL LIBRO DE ORO, de la autora mexicana Alejandra Llamas (Grijalbo)

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¿Te darías la oportunidad de mirar en tu interior para soltar todas esas creencias que, en este momento, no te funcionan? ¿Estás listo para transformarte en el creador de tu vida?

Alejandra Llamas nos contesta a estas pregunta y presenta una obra llena de enseñanzas fundamentales para comprender cómo se conquista una vida con propósito y abundancia. Nos invita a conocer y reconocer qué llevan las personas de forma inconsciente en su interior y qué las frena para triunfar en la vida. También nos propone técnicas efectivas para remover creencias y pensamientos, sanar emocionalmente y conquistar el ego.

Si la vida fuera un juego, que en cierta forma lo es, habría algo por conquistar, algo que trascender y una manera de vivir para triunfar.

Visto así, este libro enseña las reglas del juego. He aquí algunas de ellas:

  • Sal del no hay suficiente, no soy suficiente, no son suficiente, etcétera. Aplicado a uno mismo, al tiempo, a los recursos, a las posibilidades, a los conocimientos, etcétera.
  • Encuentra armonía y balance en todas tus relaciones y contigo mismo.
  • No pretendas ser alguien que no eres y participa activamente en tu vida.
  • Apoya al mayor número de personas a que triunfen contigo.
  • No trates de cambiar las elecciones de otros.
  • Mantén tus opciones abiertas.
  • No puedes jugar por nadie.
  • Puedes alejarte con un corazón en paz de los que no desean triunfar.
  • Todas las alianzas deben trabajar por un bien común y no para el bien de la alianza.
  • La guerra no es una opción para ganar.
  • La acumulación y el apego retrasan el triunfo.
  • La percepción es una herramienta clave del juego.

EL LIBRO DE ORO es un manual de vida. Es una guía práctica para vivir en tu poder.

Llamas una autora mexicoamericana superventas, maestra, conferenciante y creadora del Proceso MMK®. Es una autoridad en los caminos modernos y antiguos hacia la plenitud. A su vez es fundadora del Instituto MMK, una organización especializada en la enseñanza integral sobre el autoconocimiento, asentado en Estados Unidos y avalado internacionalmente por el ICF.

En los últimos quince años ha escrito nueve libros publicados por Penguin Random House y uno publicado por Beek, entre ellos destacan el éxito de ventas El arte de conocerte y, su más reciente publicación, ¡Libérate!, obra que le ha merecido prestigio y renombre en varios países. En 2019 apareció en la lista de libros más vendidos en Estados Unidos, por lo que fue galardonada por The Best Sellers Choice, convirtiéndose así en un orgullo hispano.

Solán de Cabras y BCC Culinary Club lanzan un curso sobre Gastronomía Pura en colaboración con Martín Berasategui

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BCC Culinary Club, el espacio de Basque Culinary Center que acoge diversos cursos y actividades para entusiastas de la gastronomía, y Solán de Cabras lanzan el curso Gastronomía Pura: Recetas de Martín Berasategui, que se impartirá en la institución académica el próximo año y que ha contado con la colaboración del chef vasco, que ocupa el primer puesto en el palmarés de estrellas Michelín en el territorio nacional. El curso busca dotar a los aficionados a la cocina de todas las claves en torno a la Gastronomía Pura, que pretende promover y primar la selección de alimentos naturales y el uso de procesos y técnicas que permitan elevar su calidad, propiedades y sabor.

Un chef de BCC Culinary Club será el encargado de guiar a los asistentes al curso, que paso a paso realizarán adaptaciones de tres recetas de Martín Berasategui, con el objetivo de poner de relieve el rol del chef para preservar la calidad de los alimentos y elevarlos, haciéndolos aún mejor a nivel sabor, textura y presentación; algo similar a lo que ocurre en el manantial de Solán de Cabras, ubicado en la Serranía de Cuenca, que consigue que el agua procedente de las lluvias de hace más 3.600 años tenga una composición mineral única, llena de nutrientes y perfecta para el organismo. Es por ello que el agua mineral natural de Solán de Cabras es una de las protagonistas de la Gastronomía Pura y de las recetas inspiradas por Martín Berasategui