Charlando sobre arte con Carmen Ballesta, fundadora de Obilum Art

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Carmen Ballesta es fundadora y responsable de desarrollo de negocio en Obilum Art, plataforma comercializadora de NFTs de arte, que forma parte de ioBuilders. Carmen cuenta con una amplia experiencia tanto en el mundo corporativo como del arte. Comenzó su carrera profesional en Londres, donde desarrolló su vida laboral durante casi 5 años en Goldman Sachs, en el departamento de legal trading de derivados financieros.

Posteriormente, en 2021 comenzó su andadura en American Express, donde trabajó en la Unidad de Inteligencia Financiera – Proyecto de Tokens No Fungibles. Tras un año y medio, Carmen empezó a formar parte de ioBuilders, en el desarrollo del negocio de NFTs y la asesoría legal. Aquí, gracias a su especialización en arte digital y blockchain, desarrolla su carrera actualmente, siendo a la vez socia de la consultora de arte new media, TAC7. Respecto a su recorrido académico, se graduó en Derecho por la Universidad de Sevilla en 2016, etapa en la que el tercer curso lo estudió en la Universidad de Liverpool. Posteriormente, cursó estudios de historia del arte en el Instituto de Arte de Sotheby’s. Ligado a ello, Carmen cuenta con diversas certificaciones, entre las que se encuentra la de Experta en NFT, por la Blockchain Council.

¿Cuáles son sus primeros recuerdos del arte?

Mi abuela era coleccionista de arte y antigüedades y desde pequeña, en casa de mis abuelos, me pasaba horas mirando y jugando con todos sus “objetos”. Por aquel entonces yo no entendía muy bien qué eran, pero me encantaba observarlos. Fue en el colegio cuando empecé a estudiar la asignatura de Historia del Arte, y ahí, entendí de forma clara que esa había sido, y sería, siempre mi pasión: el arte.

 

¿Qué no compraría nunca?

Una obra de arte digital que no sea un NFT, ya que sin valerse de la tecnología blockchain, registrar la propiedad es prácticamente imposible.

 

¿Cuál es su artista favorito?

Es sin duda la pregunta más complicada de todas, me resulta imposible quedarme solo con uno. Pero te diría que Bartolomé Esteban Murillo, pintor barroco y Sevillano, como yo, ya que fue el primero que hizo realmente que entrase en otra dimensión a través de su pintura, un clásico.

 

¿Qué es Obilum?

Es una plataforma de arte digital que se asocia con artistas, galerías e instituciones para crear un canal único de arte a través de NFTs sostenibles. Es, en esencia, una plataforma que expone y vende obras de arte digitales de artistas nacionales e internacionales y que, además, no elimina a todos los intermediarios, sino que apuesta por la colaboración con comisarios, artistas y galeristas para garantizar la calidad de las obras en ella expuestas.

 

¿Cuándo se lanzó a fundar Oblium?

Hace más de un año que la idea ronda mi cabeza, porque la gente me preguntaba y me pedía consejos sobre qué obras de arte digitales, como NFTs, podía comprar. Pese a que ya había varias plataformas, ninguna de ellas estaba comisariada por expertos en la materia, resultando muy difícil saber qué comprar, sin haber hecho un trabajo de investigación previo y demasiado denso. Ahí vi clara la necesidad de hacer una plataforma de arte digital, donde todo lo que se vendiese estuviera comisariado y contrastado por expertos. Tras empezar mi andadura en ioBuilders como desarrolladora de negocio de NFTs, todo cobró sentido, y con el apoyo de un gran equipo detrás empezamos a crear y desarrollar la idea de una plataforma de NFTs exclusivamente para arte digital comisariado.

 

¿Podría existir un mundo si arte?

Lo dudo mucho, el arte es una de las primeras expresiones que se conservan de la humanidad. El ser humano ha encontrado formas de crear y apreciar la belleza de una forma u otra desde la prehistoria, y es muy necesario para expresar aquello que con palabras no somos capaces. Además, los artistas reflejan en sus obras no solo su mundo interior, sino el reflejo de la sociedad de su tiempo, de ahí que la historia del arte nos sirva para conocer quiénes fuimos en el pasado, presente y quién seremos en el futuro.

 

¿Cuáles son sus retos con Oblium?

Yo creo que el principal reto es que las personas interioricen el concepto de propiedad digital, que hasta la llegada de la blockchain era impensable, ya que el internet ha sido siempre una gigantesca máquina de copiar, nada tenía titularidad y todo se financiaba a través de la publicidad. La blockchain y los tokens llegan para cambiar este concepto y dar escasez a los activos digitales diferenciando entre originales y copias.

 

¿A dónde quiere llegar?

Queremos hacer que el arte sea cada vez más accesible para un público más amplio al proporcionar un espacio para que los artistas expongan y vendan su trabajo, y también para que los entusiastas del arte descubran y coleccionen nuevas piezas. Además, nos proponemos acercar y enseñar a la sociedad a valorar el arte digital y su funcionamiento a través de los tokens no fungibles, como nueva corriente artística.

 

¿Qué aporta al arte Obilum?

Podríamos distinguir varios puntos. En primer lugar, creo que da una mayor visibilidad y accesibilidad a los artistas y a su trabajo, y asimismo facilita a los coleccionistas que descubran nuevas piezas y puedan comprarlas. Además, aporta un control de calidad y comisariado, ya que las obras seleccionadas siempre cumplen unos criterios impuestos de calidad y relevancia, lo que aporta mucha confianza al mundo del arte y, sobre todo, a los coleccionistas e inversores.  Adicionalmente, diría que Obilum Art también ayuda a crear comunidad, con valores comunes, ayudando a establecer contacto entre artistas y coleccionistas.

 

¿A qué ferias de arte va?

A todas las que puedo. Siempre se aprende algo nuevo y además es muy importante para ver las tendencias de cada año y hacerse una visión personal y general del mercado del arte.

 

¿Qué museos visita con frecuencia?

Formo parte de la Fundación Amigos del Museo del Prado. Para mí el Prado es como un templo, voy mucho y a veces cuando tengo tiempo, aunque sea media hora libre en el día, entro solo para ver una obra y me voy. Me sirve para desconectar, meditar e incluso para volver a conectar y buscar inspiración para proyectos. Me resulta muy importante volver la vista atrás a los clásicos para poder mirar hacia adelante con más fuerza y determinación.

 

¿Qué opina del metaverso?

El metaverso está aquí para quedarse y creo que será el nuevo internet. Pienso firmemente que no nos quitará nuestro “mundo real”, pero será un complemento perfecto a él. Como ahora vivimos pegados a los móviles y conectados, creo que, en un futuro no muy lejano, todos tendremos gafas y entraremos en el metaverso para informarnos y conectarnos. Será como internet, pero con una experiencia mucho más avanzada, inmersiva y real.

 

 ¿Hay algo más que me quiera contar que no me haya contado?

Animo a todo el mundo a investigar y comprender el arte digital de hoy ya que es el primer paso para descubrir el mundo del mañana. En este sentido, nos encontramos en un momento extraordinario, presenciando con nuestros propios ojos muchos cambios, un nuevo renacimiento.

Obilum Art estrena junto a Uxío da Vila su primera colección de arte digital

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Obilum Art, primera plataforma española de arte digital(Artech) de artistas acreditados y contrastados, estrena su primera colección de NFTs (Tokens No Fungibles) de la mano de Uxío da Vila.

Los amantes del arte ya pueden adquirir en la plataforma de Obilum Art las creaciones de Uxío, premiado fotógrafo autodidacta, en su formato digital (NFTs). Una serie de obras con referencias al futuro, al pasado y al olvido.

Bajo el nombre “El Sentido del proceso”, el artista utiliza negativos analógicos recopilados a lo largo de su historia artística, escaneándolos y modificándolos digitalmente tratando de unir su pasado y su futuro en una misma colección.

Obilum Art y Uxío pretenden, con  esta primera colección, crear un puente que una las bases de la fotografía más clásica con un futuro que se nos presenta como un nuevo escenario, creando un espacio donde mirar y verse reflejado, un modo de conseguir más tiempo parando el tiempo.

Por su parte, Uxío entiende la fotografía como una metáfora de las conductas del ser humano, girando siempre en torno a conceptos personales relacionados con la identidad, la intimidad, la percepción de la realidad o el recuerdo Así, el artista sorprende con esta colección con la que aborda la transición desde la fotografía clásica hacia las nuevas formas digitales.

“Obilum Art es una oportunidad para todos los artistas que, como yo, queremos que nuestras obras multipliquen su alcance pero, al mismo tiempo, manteniendo todas las garantías y calidad de cara al comprador. Esta primera colección para Obilum Art, «El Sentido del proceso» es una forma de amplificar y explorar nuevos medios de expresión, consiguiendo dar nuevo formato a una narrativa que me acompaña desde siempre, una ventana al futuro», explicó Uxío da Vila, premiado fotógrafo y artista.

El futuro del arte, unido a la digitalización

Obilum Art es la primera plataforma española de arte digital comisariado (Artech) que nace con el objetivo de amplificar el alcance de los artistas a través de la comercialización de NFTs.

Este nuevo canal de arte digital, acreditado y de calidad, se asocia con artistas, galerías e instituciones para vender, comprar o comercializar arte digital, creando una nueva experiencia que persigue transformar el modelo actual del sector del arte y llevar a otro nivel la digitalización del arte.

Para hacerlo posible, Obilum Art tiene previsto destinar una inversión de 750 mil euros a desarrollos tecnológicos en 2023, combinando expertos en arte, tecnología, finanzas y derecho. Asimismo, el concepto que pone sobre la mesa Obilum Art es respetuoso con el medio ambiente, ya que, en comparación con otras redes blockchain, la creación y transacción de activos digitales genera un 99 % menos de emisiones de CO2.

La exposición de Sara Navarro en Alicante

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La exposición ‘El arte como inspiración: Las colecciones de Sara Navarro’ es una propuesta singular en la oferta cultural de Alicante enmarcada en su visión como capital cultural por la que viene trabajando la Diputación de Alicante para generar interés, no sólo entre el público alicantino, sino en el ámbito nacional e internacional.

La exposición estará abierta al pública hasta al 25 de junio de 2023 en el Museo de Bellas Artes de Alicante (MUBAG) y plantea un diálogo entre una selección de las colecciones de Sara Navarro que comprenden tanto obras de arte quenha adquirido durante más de 30 años, como una selección de sus diseños de calzado más emblemáticos desde sus inicios hasta hoy. Durante la inauguración, Sara Navarro estuvo arropada por compañeros y amigos, caras conocidas como Sandra Ibarra, Miriam Díaz Aroca, Sonia Ferrer y José Toledo. Además, contó con el apoyo institucional, ya que asistieron representantes de la Diputación de Alicante.

Una relación que se genera por su forma de mirar, por su formación artística, su conocimiento de lo contemporáneo, su curiosidad, su amor por la cultura y la necesidad de expresar a través de sus creaciones. La inspiración para sus diseños brota de sus experiencias vitales y viajes, así como de su extensa colección de arte, siempre con la mirada puesta en grandes obras de la cultura contemporánea internacional. Su gusto por el arte le lleva a concebir diseños que responden a la necesidad de expresar y reflexionar sobre el momento actual, tanto las obras de arte como el diseño del calzado nacen de la necesidad de simbolizar el presente.

Los zapatos rojos de Dorothy en El Mago de Oz son un símbolo del camino a seguir, un recorrido de baldosas amarillas que le guiaban hacia su destino. Ahora son precisamente esos zapatos acharolados de color rojo los que han inspirado el trabajo de Sara Navarro, la reconocida diseñadora de calzado, que inaugura la exposición ‘El arte como inspiración’ en su Alicante natal, por el que apuesta como destino turístico-cultural.

‘El arte como inspiración’ comprende las obras de artistas como Pablo Palazuelo, Jaume Plensa, Equipo Crónica, Alfonso Albacete, Guinovart, Jannis Kounellis, Lucio Muñoz, Rafols Casamada, Yutaka Mori, Max Pam, Joan Miró, Isabel Córdoba, Judith Egger, Estefanía Martín

Serna, María Luisa Sanz, Alexanco, Antoni Llena, Cristina Otero, Hernández Pijuan, Nicola de María, Alberto Datas, Alberto Grassi, Antoni Tapies, Eduardo Chillida, Pedro Chillida, Jus Juchtmans, Ignacio
Llamas, Ginés Sánchez Hevia, Alex Cano, Avelino Salas, Arnulf Rainer, Jordi Alcaráz, José Manuel Ballester, Linarejos Moreno, Pablo Genovés, Eduardo Nave, Dionisio González, Javier Calleja, Guillermo Peñalver.

Alguna de las obras que se presentan en esta muestra se exponen gracias a la colaboración de galerías como Nieves Fernández y Daniel Cuevas (Madrid), Yusto i Giner de (Málaga y Madrid), Galería Llamazares (Gijón) y Aural Galería de (Alicante y Madrid). En la exposición se presentarán una instalación instalaciones de la artista Pamen Pereira. Mago de Oz, de forma no explícita, estará presente en el relato de la exposición, en un recorrido discursivo sobre lo que ha supuesto para Sara Navarro su camino vital.

Alicante, el calzado y su pasión por el arte

Sara Navarro ha crecido en el mundo del diseño, en un entorno en el que el calzado era una forma de vida. La alicantina pertenece a la tercera generación de una familia de artesanos e industriales del calzado de la ciudad de Elda, una zona tradicionalmente dedicada al sector. En 1979 creó su propia marca de calzado, aportando un punto personal a la empresa familiar, con un diseño que siempre se ha situado a la vanguardia.

Su compañía, SarahWorld trabaja con dos líneas complementarias de calzado: la línea de Zapatos Perfumados, modelos exclusivos perfumados con aroma de cereza o azahar con Wedding, Evening, Season y Emblematics; y la línea Eco-Cool y Eco- Chich, diseños urbanos con espíritu green friendly, reflejo de un consumo responsable y un compromiso con el planeta.

En 1987, tras haber recibido varios premios, el Gobierno de España le concede una beca para estudiar el Máster de la Domus Academy bajo la dirección de Gianfranco Ferré, en Milán. La diseñadora ha recibido premios de gran relevancia que respaldan su trayectoria profesional, entre los que se encuentran el Premio FEDEPE a la Mujer Empresaria del Año 2002, o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2005. Asimismo, posee otros galardones que reconocen su labor, entre los más recientes destacan: Estrella de Plata de la Comunidad de Madrid (2014), Cereza de Oro del Valle del Jerte (2014), Corazón solidario de la Fundación Tejerina (2014).

Es vicepresidenta de la Asociación Madrileña de Mujeres Directivas y Empresarias (AMMDE), una organización sin ánimo de lucro que fomenta la igualdad de oportunidades para las mujeres en el ámbito laboral y su incorporación a altos puestos directivos y Consejos de Administración, así como su directora en la Comunidad Valenciana.

 

Encuentro con Mario Vargas Llosa en torno a Flaubert en el Instituto Francés

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El escritor y premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa, participó en el encuentro literario “París, Flaubert y el Escribidor” organizado  el martes 13 de diciembre de 2022 en el Institut français de Madrid. Conversó con la periodista franco-griega, Marie-Madeleine Rigopoulos, también directora artística del Festival del Libro de París desde septiembre de 2021.

MARIEMADELEINE RIGOPOULOS

La periodista Marie Madeleine Rigopoulos, foto Cortesía del Institut français de Madrid

Marie-Madeleine Rigopoulos fue la encargada de conducir la conversación con Mario Vargas Llosa. Le preguntó lo que le une a Francia y a la literatura y a ese territorio universal. “Nadie mejor que usted se ha merecido el título de ciudadano del mundo. Usted es un escritor francés por alianza. Me gustaría remontar en el tiempo, antes de que viniera a instalarse con 22 años a París. ¿Cuándo usted se dio cuenta del poder de la literatura, del poder de la lectura? Siendo muy joven, tuvo este flechazo interior, este enamoramiento con el poder de la literatura: ¿Cuándo se dio cuenta de que la literatura iba a cambiar el curso de su vida?”

MARIO VARGAS LLOSA Y MARIE MADELEINE RIGOPOULOS

Un momento del encuentro / Cortesía del Institut français de Madrid

Mario Vargas Llosa explicó que “Era peruano. En aquel entonces, Perú era un país pequeño, no había editoriales. Había librerías, pero pocas, y por otra parte, nos preguntábamos ¿por qué convertirse en un escritor en un país como Perú? Era difícil. Tenía mucha ilusión con mi vocación literaria, pero el país no estimulaba esas ideas. Entonces, tenían muchas dudas, pero lo que sabía es que iba a ser diferente en París. Tuve una beca para hacer un doctorado en Madrid, pero al terminar el año, fui directamente a París. El mismo día que llegué, al Quartier Latin, me encontré una librería abierta hasta media noche que se llamaba La joie de lire (la alegría de leer) y compré un ejemplar de Madame Bovary. Lo leí y me quedé completamente trastornado. Descubrí, a través de Flaubert, la gran literatura, la revolución literaria, y pasé de la noche leyendo este libre excepcional que, para mí, tuvo un efecto extraordinario. Me convenció de que la literatura era el oficio ideal para un joven como yo era en la época y que a través de la literatura se podía cambiar la vida. El descubrimiento de Flaubert fue extraordinario. Me convenció de que la literatura era un oficio responsable, lo que descubrí luego, es que Flaubert no tuvo muchas facilidades con su familia; su padre no creía que podría dedicarse totalmente a la literatura. No le gustaba esa idea”.

“La literatura es un acto de rebelión” afirmó Marie-Madeleine. “A sus padres tampoco les gustó la idea de que se interesara por la poesía. Lo veían como una actividad que no era sana. Pero fue cuando usted estuvo en la academia militar cuando desarrolló la escritura, el gusto por la transgresión.”

“Flaubert se inventó que tenía una enfermedad para poner a su padre en una situación límite y hacer que no tuviera otra opción que ayudarle” continuó Mario Vargas Llosa. “Hay un debate abierto entre los médicos y los críticos literarios sobre la enfermedad de Flaubert. Yo creo que se la inventó. Es una enfermedad misteriosa, estaba en el campo, solo, y de repente se desmayó. Y vio como montañas de fuego, y se despertó de pronto y las montañas de fuego todavía estaban allí. Tuvo mucho miedo y fue hacia su padre. Su pade, que era médico, pensó que estaba loco, y decidió que una profesión liberal no era para su hijo. Dejó a su hijo en su casa de campo y durante 5 años, Flaubert trabajó 12 horas al día escribiendo Madame Bovary. Es el libro que cambió la literatura, no sólo en Francia sino también en Europa y en el mundo entero. Y eso no es sólo por la escritura muy pulida, muy exacta, que no se encontraba en la literatura de la época, sino también porque inventó un narrador. Creo que es el gran invento de Flaubert. Descubrió que el narrador podía ser invisible, desaparecer y estar como una visión con ojos que miraban una escena y que no ejercía ninguna coacción sobre el personaje. Sencillamente miraba al personaje de una forma libre. El narrador, en estas condiciones, es la primera vez que aparece en la literatura.”

“Yo estaba muy confuso sobre mi vocación” recalcó. “Siendo peruano, sabía que mis libros no podían alcanzar el mismo público que un escritor francés, o inglés, pero leyendo a Madame Bovary, me convencí de que la literatura era la mejor vocación del mundo y que se podía cambiar la sociedad escribiendo novelas”.

 

La moda sostenible y la artesanía en su lucha por la preservación los oficios ancestrales

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Tomás Alía y Moisés Nieto suman esfuerzos en el Primer Encuentro de Moda y Artesanía para concienciar sobre la necesidad de preservar el conocimiento ancestral de los oficios y de vincular la artesanía con el mundo del diseño, la decoración y la moda.

Mª Carmen Lopez en su taller de Acebo (Caceres)

La moda sostenible (o ética) causa furor en las capitales de todo el planeta, pero también en la provincia de Cáceres. Y es que está implicada en la reducción de las emisiones de CO2, pero también en la sobreproducción de prendas, la acumulación de residuos textiles, el apoyo a la biodiversidad y el fomento de condiciones laborales justas, y sino que también contempla la artesanía como medio para ofrecer un trabajo más respetuoso con el medio ambiente y las comunidades rurales.

Para apoyar este último punto e impulsar la colaboración entre artesanos del medio rural y diseñadores e interioristas de la talla de Alía y Nieto, la Red Española de Desarrollo Rural (REDR) y Redeia (antes Grupo Red Eléctrica) han montado el Primer Encuentro de Moda y Artesanía en San Martín de Trevejo (Cáceres).

Y es que es tiempo de concienciar a los consumidores de los beneficios de adquirir prendas, muebles y objetos hechos a mano, realizados en España, de mejor calidad y durabilidad. Porque además de beneficiar al planeta, es un lujo en estado puro ya que una de las prerrogativas de los objetos de lujo es el savoir-faire artesanal que los hace posible.

Además, los oficios artesanos son el revulsivo para frenar la despoblación y diversificar la actividad económica del medio rural. Gracias a ellos los turistas se sentirán atraídos por tierras tan generosas gastronómica, arquitectónica y artesanalmente hablando como Extremadura, pero también los diseñadores de nuestro país tendrán un referente para encontrar proveedores únicos entre los artesanos de oficios ancestrales, que es justamente lo que pretende el proyecto Oficios en REDR.

De hecho, algunos de los diseñadores españoles más emblemáticos llevan años practicando la moda ética, como Moisés Nieto, quien, además de utilizar complementos artesanales en sus colecciones, ha impulsado una plataforma de mujeres artesanas, La Hacería, para poner en contacto a diseñadores y artesanos.

Y como no hay nada mejor que personalizar una iniciativa, y para emprender el recorrido por El sendero de los oficios, que comienza en San Martín de Trevejo, los organizadores han elegido a dos figuras del diseño y de la moda de gran relevancia, comprometidos de pies a cabeza, como son Tomás Alía y Moisés Nieto.

La moda sostenible recurre al trabajo artesanal tanto como el interiorismo, la decoración y la arquitectura. De ello sabe mucho el interiorista y fundador del Estudio Caramba Tomás Alía. Considerado el arquitecto de la luz, este lagarterano universal es embajador de Michelangelo Foundation en España, fundación con sede en Ginebra y creada por el dúo de Richemont -Johann Rupert y Franco Cologni- en 2016, que se dedica a proteger la excelencia artesana europea.

Moisés Nieto y Tomás Alía, que han moderado este este Encuentro, han coincidido en la necesidad de formar a los aprendices para que el conocimiento ancestral de los oficios no se pierda, pero también en lo importante que es vincular la artesanía con el mundo del diseño, la decoración y la moda. Un tándem perfecto del que nacerán creaciones cien por cien Made in Spain y únicas.

Isabel Alvarez en su taller de Mazcuerras (Cantabria)

Con ellos como maestros de ceremonia, acompañados de Isabel Álvarez, la única artesana en el mundo que realiza bolsos, complementos, muebles y objetos de decoración utilizando piel, con pelo, de la vaca tudanca, nos adentramos en el a veces olvidado universo de los oficios artesanos que se practican en nuestro país, concretamente en la provincia de Cáceres.

Antonio Moreno. Alfarero Tinajero. Torrejoncillo (Cáceres)

Durante la experiencia conocemos a Antonio Moreno, tinajero de Torrejoncillo, con más de diez generaciones de tradición alfarera a sus espaldas, y a María José González, la única artesana en el mundo que realiza la Gorra de Montehermoseña con la que salían al campo y se tocaban para las fiestas las vecinas de esta localidad que además fue elegida para ilustrar una exposición con motivo de su 30 aniversario de la revista Vogue en 2018.

Loyos Piel (Villamiel-Cáceres) Mariangeles Hoyos y su hijo Marcos Lopez.

Visitamos el taller de Alejandro Roso, zapatero de Torrejoncillo que trabaja para grandes y conocidas firmas del calzado; a Mª Ángeles Hoyos y Marcos López (madre e hijo), vecinos de Villamiel y artesanos de primera y segunda generación, respectivamente, que comercializan sus productos en ferias y a través de su página web; a Mª del Carmen López Casillas, natural de Acebo y única gran maestra del encaje de bolillos que queda en España y a Rocío Bueso, vecina de Moraleja y especializada en el picado de faldas extremeñas como lo hacían sus antepasadas, con brasas de carbón. Si bien es cierto que la labor de Alía y Nieto -así como de todas las instituciones que avalan este proyecto de desarrollo rural- son la clave del éxito de esta misión, no menos importante es nuestro papel en el consumo responsable de productos de moda y diseño.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

“Canciones: El álbum”, una manera diferente de abordar la historia de la música

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Por Marta García Sarabia

Pablo Pinilla, compositor y productor musical y Carlos Sanmartín, veterano ejecutivo de la industria discográfica, destacadas figuras de nuestro panorama musical, fusionan sus talentos en ‘Canciones: El álbum’ Se trata del primer libro que reúne grandes éxitos y grandes intérpretes de la historia musical española.

‘Canciones: El álbum’ ha resultado una importante publicación que realiza un repaso por las canciones que marcaron cada una de la época de la cultura musical contemporánea de nuestro país, así como por los artistas que supusieron la cara visible de su éxito. Este libro también presta especial atención a la contextualización temporal de cada edición, así como a los compositores/autores que las crearon.

Como novedad, se puede afirmar que éste no es un libro ‘al uso’ sino que se desarrolla en un formato que recuerda un álbum de cromos. Cada cromo estará provisto de un código QR que reconducirá al lector, directamente a escuchar cada tema musical. Esta característica tan diferenciadora, imprime al trabajo un dinamismo muy valorado por la persona que tiene esta publicación entre sus manos.

‘Canciones: El álbum’ sale a la venta en edición limitada de 2.500 ejemplares, lo que supone un valor añadido a la gran calidad de su contenido. Y como elemento diferenciador, decir que se comercializará en dos formatos. Por una parte, en forma de libro ilustrado con colección completa de cromos impresos, a un precio de 50 euros y por otra, en formato ‘edición para coleccionista’ con un coste de 80 euros, donde se añade un troquelado para quienes prefieran disfrutar pegando los cromos personalmente, de forma manual.

El precio es asequible al máximo, teniendo en cuenta que se trata de una colección completa. Se pueden comprar en https://cancioneselalbum.com/

– Marta: ¿De dónde surgió la idea de llevar a cabo un libro tan específico?

-Pablo: La idea se empezó a gestar a raíz de un día en que me pasé por la productora donde trabajaba mi hija y allí se encontraba un chavalito joven que cantaba de manera muy especial. Me acerqué y le dije que me recordaba a la voz de Camilo Sesto. El chico, extrañado me responde: ¿Camilo qué?… Ahí me dejó absolutamente planchado. Le volví a preguntar, ¿conoces a Miguel Ríos? y resultó que tampoco tenía ni idea. Entonces pensé…”estos chavales no tienen ni idea”. A continuación, fuimos Carlos y yo a comer y pusimos en común todo esto. La casualidad quiso que él pensara lo mismo que yo, tras hacer un comentario sobre Pink Floyd en un foro de internet. Carlos se percató de que la mayoría de los jóvenes tampoco tenían ni idea de quien era la mítica banda británica. De este modo nos planteamos hacer algo al respecto. Y ¿qué podía ser? Un libro.

– Marta: Pero ustedes no idearon un libro ‘al uso’

– Pablo: Efectivamente, ya se han escrito muchos libros recopilatorios sobre la historia de la música y la gran mayoría de la gente que, incluso los compra, ni siquiera los lee. Así se nos ocurrió hacer algo de forma muy visual. El tema del cromo nos pareció una original y buena forma de plasmar contenido, al tiempo que el broche final fue idea de Carlos, con la introducción de un código QR, que resultaría especialmente atractivo para jóvenes y muy útil para todo el público en general.

– Marta: ¿Cuánto tiempo y dedicación hay detrás de este proyecto?

– Pablo: Tras forjar la idea, hubo un trabajo de investigación de tres años, donde nos centramos en que recuperar datos, juntarlos, ordenar la información, etc. El contenido musical supone un recorrido de cien años. Empieza en tiempos de los años veinte, con Estrellita Castro y Raquel Meller, y llega hasta nuestros días. También cabe destacar que la parte de los permisos, también llevó un año de papeleo.

– Marta: ¿Se podría decir que “Canciones: El álbum” es un libro de ‘cromos de artistas’?

– Pablo: No, en absoluto es un libro de artistas: Es un libro de canciones. Para darle forma hemos tenido que buscar portadas de viejos ‘singles’, e incluso realizar trabajos de restauración de portadas porque algunos, incluso tenían impresas dedicatorias escritas como “Para Juanita con mucho amor” y claro, eso había que quitarlo para el álbum. Todo ello para dar forma a una enciclopedia musical que aglutina toda nuestra historia y donde se puede obtener la información más rigurosa sobre el autor, la edición…etc.

– Marta: ¿Qué es lo más atractivo que se va a encontrar el lector al abrir este libro?

– Pablo: Hemos cuidado mucho el diseño así como la calidad del papel, con el fin de poner una pequeña joya en las manos de nuestros lectores. Es algo hecho con un cariño muy especial. La gente está cansada de recibir colonias, corbatas o camisas… es un regalo estupendo. Está dividido por época donde junto al cromo se indica, según la época, el tipo de soporte musical. Por ejemplo en los años setenta es un cassette, en los años ochenta es un disco.

-Marta: ¿En origen pensaron ustedes realizar un barrido intenso por todo el espectro musical de la época?

– Pablo: Al principio nos planteamos centrarnos en los artistas más importantes, en los que piensa todo el mundo y tienen los grandes éxitos conocidos, que aparecen en todas partes. Pero pensamos que había ‘un tejido B’ de artistas que han tenido solo un éxito, o solo triunfaron a nivel local, o que su trayectoria se vio truncada por algún accidente o motivo personal… Esas canciones, aunque conocidas solo por minorías, tienen un lugar en el corazón de alguna persona y también queríamos que formaran parte de nuestra obra. Obviamente, alguno se ha escapado, de hecho tenemos ya una lista enorme para una posible segunda edición…».

– Marta: ¿Cuántos artistas engloba el libro?

– Pablo: El libro incluye 178 artistas. La edición especial incluye 75 láminas en la parte final para que el lector pueda pegar él mismo su cromo en el espacio asignado. Y debo decir que algunos cromos no tienen código QR y tampoco se encuentran en Spotify. Son cantantes que no han tenido un éxito máximo, pero sus canciones están en algún pedacito de alguien.

– Marta: ¿Cómo es la acogida que está tiendo la obra?

– Pablo: Pues la acogida está siendo brutal por parte de todo el mundo. A nivel institucional no hemos tenido ayuda y eso que hemos visitado todos los estamentos gubernamentales y nada…. con la respuesta de no sabían “dónde encajarlo” a nivel presupuestario. Pero eso sí, la persona que nos atendía salía corriendo a decirnos que, cuando saliera el libro le avisáramos para comprarlo. Dadas las circunstancias, apostamos por la autoedición.

– Marta: ¿Ustedes también se encargan de la distribución?

– Pablo: Todo lo hemos hacemos de forma artesanal. Nuestras casas son el almacén, nuestras familias hacen los paquetes y los llevan a Correos o lo reparten por Madrid. Totalmente artesanal y solo se puede comprar en nuestra página web. Ni por Amazon, ni El Corte Inglés, ni Fnac. Solo por la web. Hemos sacado 5.000 ejemplares (2.500 de cada tipo) y se está empezando a vender muy bien. Estamos empezando la promoción».

– Marta: Por la propia originalidad del formato, ¿se podría decir que es un regalo para estas Navidades considerado “acierto seguro”?

– Pablo: Por supuesto. Quien reciba este regalo, no solo se va a sorprender gratamente sino que va a tener en sus manos un trabajo riguroso cargado de vida y dinamismo. Leer, escuchar tus canciones preferidas y entretenerte interactuando con el libro.

– Marta: Para terminar, ¿algo anecdótico que le gustaría resaltar?

– Pablo: Pues yo creo que «Hay que dar un toque de atención a los estamentos culturales de nuestro país. Al salir de muchas reuniones nos decían: oye si lo sacáis yo quiero cuatro o cinco ejemplares para regalarlos. Nos planteamos ir con una libreta para ir anotando pedidos»

«Las reglas del juego de la vida» EL LIBRO DE ORO, de la autora mexicana Alejandra Llamas (Grijalbo)

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¿Te darías la oportunidad de mirar en tu interior para soltar todas esas creencias que, en este momento, no te funcionan? ¿Estás listo para transformarte en el creador de tu vida?

Alejandra Llamas nos contesta a estas pregunta y presenta una obra llena de enseñanzas fundamentales para comprender cómo se conquista una vida con propósito y abundancia. Nos invita a conocer y reconocer qué llevan las personas de forma inconsciente en su interior y qué las frena para triunfar en la vida. También nos propone técnicas efectivas para remover creencias y pensamientos, sanar emocionalmente y conquistar el ego.

Si la vida fuera un juego, que en cierta forma lo es, habría algo por conquistar, algo que trascender y una manera de vivir para triunfar.

Visto así, este libro enseña las reglas del juego. He aquí algunas de ellas:

  • Sal del no hay suficiente, no soy suficiente, no son suficiente, etcétera. Aplicado a uno mismo, al tiempo, a los recursos, a las posibilidades, a los conocimientos, etcétera.
  • Encuentra armonía y balance en todas tus relaciones y contigo mismo.
  • No pretendas ser alguien que no eres y participa activamente en tu vida.
  • Apoya al mayor número de personas a que triunfen contigo.
  • No trates de cambiar las elecciones de otros.
  • Mantén tus opciones abiertas.
  • No puedes jugar por nadie.
  • Puedes alejarte con un corazón en paz de los que no desean triunfar.
  • Todas las alianzas deben trabajar por un bien común y no para el bien de la alianza.
  • La guerra no es una opción para ganar.
  • La acumulación y el apego retrasan el triunfo.
  • La percepción es una herramienta clave del juego.

EL LIBRO DE ORO es un manual de vida. Es una guía práctica para vivir en tu poder.

Llamas una autora mexicoamericana superventas, maestra, conferenciante y creadora del Proceso MMK®. Es una autoridad en los caminos modernos y antiguos hacia la plenitud. A su vez es fundadora del Instituto MMK, una organización especializada en la enseñanza integral sobre el autoconocimiento, asentado en Estados Unidos y avalado internacionalmente por el ICF.

En los últimos quince años ha escrito nueve libros publicados por Penguin Random House y uno publicado por Beek, entre ellos destacan el éxito de ventas El arte de conocerte y, su más reciente publicación, ¡Libérate!, obra que le ha merecido prestigio y renombre en varios países. En 2019 apareció en la lista de libros más vendidos en Estados Unidos, por lo que fue galardonada por The Best Sellers Choice, convirtiéndose así en un orgullo hispano.

La colección de Bershka inspirada en las obras del Museo del Prado

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Bershka regresa una temporada más con un nuevo drop de ART SERIES, la colección cápsula que introduce algunas de las obras más icónicas del arte clásico en siluetas del streetwear contemporáneo.

En esta nueva entrega de ART SERIES las obras que aparecen en las diferentes prendas y accesorios de la colección son el retrato de Lisa Gherardini, más conocido como La Gioconda o Monna Lisa, del taller de Leonardo da Vinci y ubicado en el Museo del Prado (1507 1516), dos de las joyas del madrileño Museo del Prado: El trípitico del Jardín de las delicias (1490 1500), y Fantasía Moral (sXV) ambas del Bosco; y El nacimiento de Venus del pintor español Antonio Gómez Cros (1860).

Algunos fragmentos y referencias en forma de texto de estas obras se estampan tanto en formato posicional como all over print en hoodies con y sin capucha, camisetas de manga corta, una gorra y hasta dos modelos de calcetines.

Las prendas de este nuevo drop ART SERIES de Bershka ya están disponibles en www.bershka.com y en tiendas físicas seleccionadas.

Anatomía del hombre fatal pasando por la mujer, un libro de Elisenda Julibert

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Elisenda Julibert (Barcelona, 1974) estudió Filosofía y trabaja desde hace más de dos décadas en editoriales. Ha traducido del francés a George Sand, Guy de Maupassant, Marcel Proust, Albert Camus y Claude Lévi-Strauss, y del inglés a Sylvia Plath, Zygmunt Bauman o Simon Critchley. ¡Todo un hito! Actualmente es editora de mesa y esporádicamente escribe en la revista ctxt. De las muchas criaturas fabulosas que han poblado la literatura y el cine, la mujer fatal es una de las más recurrentes y proteicas de los dos últimos siglos, si bien forma parte de una antigua estirpe que se remonta hasta la inconstante Helena clásica que motivó la guerra de Troya o la temeraria Eva bíblica que condenó a la humanidad entera. A través del análisis de personajes literarios—de Carmen a Lolita—o cinematográficos—la Madeleine de Vértigo y la Conchita de Ese oscuro objeto del deseo—, la autora examina el mito de la temible femme fatale partiendo de un cambio de perspectiva: ¿y si, más que atestiguar el carácter funesto de ciertas mujeres, el estereotipo delatase una representación del deseo masculino singularmente aciaga? Como en una trama de intriga, este libro invita al lector a seguir la pista de los hombres que hay detrás de esas mujeres míticas, a las que la tradición ha señalado quizá tan sólo para desviar la atención y ocultar las pruebas más cruciales. La autora conversa con nosotros y nos traza en pocas frases los porqués de su obra y la anatomía del hombre fatal (también la mujer).

Elisenda Julibert, autora del ensayo

¿Como es un hombre fatal hoy?

Ayer y hoy un hombre fatal es el que inventa mujeres fatales para justificar su atormentada forma de desear.

¿A quién recomienda este libro?

A cualquier persona a la que le interese la literatura amorosa y disfrute de darle un par de vueltas a las cosas.

¿Se podría escribir hoy Lolita? 

Creo que sí, me parece una obra que sigue resultando muy crítica con algunos prejuicios que persisten en la actualidad, como el de que el amor cuanto más demencial y trágico más auténtico es.

¿Cuanto tiempo le ha llevado preparar este ensayo?

Tuve la idea hacia el 2010, y le fui dando vueltas, rumiándola, hasta que en 2016 me puse a escribir, y terminé en 2020.

¿Qué es una mujer fatal?

Supuestamente una mujer que usa su atractivo para atormentar cruelmente a quien la desea, pero como comprobamos en la literatura siempre es el chivo expiatorio de personajes masculinos que cometen auténticas atrocidades en nombre del amor.

¿En qué relatos una mujer también condena a un hombre?

Hasta donde mi conocimiento alcanza hay relatos femeninos de venganza, pero de momento no existe en la tradición la figura del «hombre fatal», es decir, relatos que condenen a un personaje masculino por el hecho de ser deseable pero no corresponder al interés de una mujer.

¿Qué le llevó a escribir este libro?

Mi interés por las distintas concepciones del amor en nuestra tradición y algunas experiencias personales.

¿Pueden ser peligrosos los mitos?

En el libro cito a Roland Barthes, quien en sus Mitologías escribe que: «La función del mito es otorgar a la intención histórica un fundamento natural, dar eternidad a la contingencia», y en ese sentido los mitos son efectivamente cárceles, o trampas, pues tratan de imponer una perspectiva del mundo como si fuera la única posible.

¿Cual será su siguiente libro?

La verdad es que no lo sé, he tardado mucho en escribir el primero, soy lenta, como Orlando de Woolf, el personaje que da por concluido su libro al cabo de 300 años.

Portada del libro

«¿Qué ocurriría si lo que el tópico de la mujer fatal atestigua fuese, más que un determinado comportamiento femenino, una singular (y tradicionalmente masculina) representación del deseo? La supuesta fatalidad de todas esas mujeres imaginarias cuya cualidad específica parece ser destrozar a quienes las aman no sería entonces inherente a ellas, sino el resultado inevitable de una determinada concepción del deseo, una de cuyas características es la de convertir a su objeto, la persona a la que se dice amar, en fetiche y, al fin, fatalmente, en cadáver».

«Como si se tratara de una especie de criatura fabulosa y mítica, lo único que sabemos de la mujer fatal es lo que nos cuentan algunos testigos privilegiados—sus desdichadas víctimas—que lo han perdido todo menos la capacidad de sentir (¡y cómo!) y de narrar».

Un paseo con Andrea Lledó, el triunfo de la juventud y el arte

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Andrea Lledó, natural de Palamós (Girona) es una de las consultoras de arte españolas con mas éxito en el mercado internacional secundario, ese que opera con obras ya en poder de coleccionistas y se encarga de todo tipo de transacciones entre particulares. Andrea trabaja con un pie en E.E.U.U. ( empezó en Los Angeles y ahora en Nueva York ) y otro en París y ahora quiere tener también su carpeta del clientes en Barcelona y Madrid para aportar su granito de arena al mercado español, siempre necesitado de savia nueva. Y se puede decir que ella puede aportar todo su know how y sus contactos a los amantes del arte y coleccionistas de nuestro país gracias a su sólido recorrido internacional cimentado en tres de las grandes capitales mundiales del arte como son Los Angeles, Nueva York y París. “ EEUU es un mercado más comprador y París más vendedor así que estar entre ambos me da bastante juego “. Tras triunfar en EEUU y París, esta joven consultora de arte quiere ser profeta en su tierra y operar también en el mercado español para aportar su experiencia la- brada en la compraventa de obras de artistas estrella como Picasso, Miró o Warhol y nuevos valores como Johnson, Nara o Pecis, animando el sector con su impronta fresca y audaz.

Pese a su juventud Andrea pisa muy fuerte entre las bambalinas de los grandes coleccionistas y ha intervenido con éxito en ventas millonarias de obras de artistas de fama mundial como Picasso, Miró, Warhol, Rashid Johnson o Yoshitomo Nara, gracias a su sentido de la discreción, la oportunidad y sus buenas relaciones.

En España, donde opera desde este mes de septiembre, le gustaría refrescar un poco el mercado secundario, algo acomodado a las grandes figuras del siglo XX, introduciendo artistas establecidos de las nuevas generaciones como Rashid Johnson, Hilary Pecis, Emily Mae Smith, etc…

¿Como nace su vocación al arte?

Creo que es algo que tiene que nacer en ti, de  tu propia  pasión . Desde muy pequeña siempre me sentí atraída por el mundo del arte, recuerdo que a mis diez años en la escuela nos hablaron de Velázquez y tuve que hacer un proyecto sobre las Meninas y la verdad me obsesioné un poco con todos los personajes que aparecían en el cuadro y los detalles en si de la pieza. En ese momento entendí que realmente me fascinaba el mundo del arte y todo lo que lo rodea. 

Dígame sus mayores referentes

Amy Cappellazzo , que es una de las mujeres mas poderosas en el mundo del arte al día de hoy y Gentrude Vanderbilt Whitney l que cambio el mundo del arte sin quererlo ya que antiguamente las mujeres eran las musas pero no eran conocidas como coleccionistas de arte y no tenian titulos importantes en las instituciones. Mas bien el mundo del arte era conocido como ‘ The small gentleman club» según ella decía. Aunque en 1907 convirtió su estudio en una galería que con el paso de los años se amplio y ahora ese pequeña galeria es conocida como el Museo Whitney el cual tiene mas de 600 piezas y es uno de los museos mas importantes del mundo. 

¿Tiene miedo a la falsificación?

Por supuesto es un miedo constante sobretodo con las piezas » Old Masters» el cual es un termino utilizado para artistas Europeos eminentes desde aproximadamente el 1300 hasta el 1800 en otras palabras incluye artistas desde el renacimiento hasta el movimiento romántico. 

¿Qué pieza compraría si pudiera? 

Mi sueño es poder comprar un Matisse o  un Degas

¿Cuándo es el mejor momento para vender una obra?

 En mi opinión si hablamos de obras de artistas muy reconocidos e importantes. Siempre recomiendo esperar a » The New York Marquee Sales» porque estas subastas son las que cambian el mercado en la primera semana de Noviembre hasta el 18 de noviembre de cada año. La mas importante es la de Nueva York la cual el año pasado asistí con Sothebys y se subastaron piezas de Rene Magritte, Pablo Picasso, Alexander Calder, Frida Kahlo, entre otros. Aunque realmente durante todo el año hay clientes que buscan piezas y es bueno vender si existe el interés de un comprador serio.

¿Le afectan las leyes de protección del patrimonio español que impide la venta de determinadas obras fuera del territorio nacional?

Si, hay muchas ventas las cuales no se han podido realizar porque las piezas no pueden salir del pais. 

Venus de Yves Klein

¿Que es ser consultora de arte?

Me encanta esta pregunta porque muchas personas no entienden nuestro oficio o creen que es un trabajo fácil el cual no es verdad. Es estar las 24/7 disponible, tener que despertar en medio la noche porque tienes que hablar con un cliente que vive en otro continente por ejemplo en Asia. Tener que viajar a ferias de arte en todo el mundo durante 1 semana o mas y dejar un poco de lado tu vida personal por tu trabajo lo cual a largo plazo puede afectarte pero por eso dicen que es mejor buscar una pareja dentro del mundo del arte haha. Pero en definitiva lo que hacemos es ayudar a nuestros clientes a asesorarlos en qué pueden comprar para que a largo plazo sea una buena inversión. La mayoría de los clientes que compran fine art lo hacen por pasión y porque saben que es una buena inversión. Nosotros como consultores de arte es una obligación el levantarte cada mañana y consultar el mercado del arte en subastas y otras plataformas. Para asi poder estar al día ya que todo puedo cambiar de la noche a la mañana. 

¿Qué sueños tiene?

Mis sueño es poder ser un ejemplo a seguir, creo que he logrado mucho en poco tiempo con mucha perseverancia y dejando el orgullo y el medio a un lado. Me gustaría que la siguiente generación pueda sentirse cómoda en probar y no tener miedo a caer y levantarse. También es mi sueño el comprar una villa en un pueblo italiano o Frances en el campo en medio de la nada y crear una fundación y residencia para artistas emergentes, un lugar donde pueden crear y dejarse llevar sin el estrés de las grandes ciudades y el día a día. 

¿Porque invertir en arte?

El arte es una clase de activo única, cuando los precios de las acciones caen el arte tiende a mantener su valor. Para los inversores que buscan preservar su riqueza durante una economía volátil, el arte también puede actuar como cobertura contra la inflación.

¿Para qué sirve el arte?

Arte es cultura, muchas piezas explican lo que uno no puede explicar con palabras, es patrimonio cultural para poder pasarlo de generación en generación, es historia. Es el lenguaje universal, al contemplar una pieza puedes sentir felicidad, tristeza, miedo, tantos sentimientos encontrados que otra persona la cual no conoces de nada puede sentir exactamente lo mismo que tu sentiste, el arte nos conecta. 

Art Consultant
New York -Paris-Barcelona

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